El hombre de mimbre (The Wicker Man)

El hombre de mimbre (The Wicker Man, 1973) es una obra maestra. Mezclando elementos del cine de terror, el musical y el policíaco, Robin Hardy, en la dirección, y Anthony Shaffer, en el guión, crearon un imperecedero clásico que resulta más moderno que la ridícula, misógina y aburrida nueva versión que perpretó Neil LaBute hace tres años.

Maldita en el momento de su estreno, fue mal publicitada y recortada por los distribuidores. A pesar de ser tan maltratada una película tan buena resiste lo que le echen. Recientemente, gracias al DVD, se ha podido hacer un director's cut utilizando materiales de la versión enviada para distribuir a Estados Unidos que no fue (tan) recortada. Christopher Lee asegura que en algún lugar todavía se conservan todos los rollos filmados, seguramente enterrados bajo alguna autopista.

Para aquellos que no la conozcan, The Wicker Man arranca cuando al sargento Howie (Edward Woodward) le llega una carta en la que le solicitan ayuda: una niña ha desaparecido en el pueblo de Summerisle y nadie parece interesado en encontrarla. Cuando el sargento llega a la isla en la que se encuentra el pueblo descubre que todo el mundo le dice que esa niña no existe. Nadie la conoce. A medida que la investigación avance, el sargento descubrirá que el pueblo de Summerisle tiene unas más que peculiares costumbres y una visión muy libre del sexo. Y hasta aquí puedo leer.

Una de las cosas que más destacan de la película es su reparto. Edward Woodward tienen un difícil papel en el sentido que su personaje es muy religioso y reprimido, conservador y estricto. Así que por un lado resulta divertido ver como la gente del pueblo se ríe de él y al mismo tiempo sentimos simpatía por él en su lucha por encontrar a la niña secuestrada. Christopher Lee realiza una gran interpretación como Lord Summerisle, ofreciendo una actuación juguetona y divertida que contrasta con los personajes tenebrosos y terribles habituales en él. Britt Ekland no destaca por sus artes interpretativas pero la escena en que baila desnuda para embrujar al sargento resulta muy interesante. Ingrid Pitt, fabulosa como siempre hace un pequeño pero memorable papel gracias a su rotunda anatomía.

En The Wicker Man resalta como Shaffer y Hardy retratan el pueblo de Summerisle. Normalmente en el cine vemos representados los pueblos que guardan algún secreto como lugares oscuros donde la gente vive con miedo o amenazada o todo el mundo es siniestro a más no poder. Aquí es justo lo contrario. Todo el mundo es muy simpático y deseoso de ayudar. Su día a día se nos muestra alegre y desprejuiciado. El sexo forma parte de la vida cotidiana: por las noches un montón de parejas se juntan en la plaza para hacer el amor, un joven es llevado por el propio Lord Summerisle para ser desvirgado por la Ekland, en el colegio a los niños se les enseña todo aquello relacionado con el sexo en clase, etc. Vamos, que te dan ganas de irte a vivir allí. Esta representación contribuye a que el pueblo resulte más amenazante cuando vemos parte de su lado oscuro, ya que te coge hasta cierto punto desprevenido.

Otro aspecto a destacar es la música. El director Hardy consideró que para representar un pueblo que todavía sigue las costumbres paganas la música debería ser una parte esencial de la vida cotidiana. Esta consideración le da el aspecto musical a la película. No es que sea un musical en el sentido cinematográfico del término. Los personajes no se ponen a cantar de repente para avanzar la trama o expresar sus sentimientos ni tampoco hay números musicales. Lo que sí hay son canciones tradicionales que cantan los parroquianos de una taberna que están "alegres" o acompañando el desvirgue antes mencionado. Estas canciones tradicionales resultan igualmente importantes para la historia y, de hecho, el director incluyó las letras de las mismas en la novelización que hizo de su película (una manera de "ver" absolutamente todo lo que fue eliminado y no pudo ser salvado).

En conclusión, The Wicker Man es una película extraña, absorbente y muy recomendable. La mejor edición de la película es la edición inglesa de Optimum Releasing que trae no sólo dos versiones de la película, entrevistas, documentales, tráilers y demás sino que también incluye un CD con la banda sonora.

La noche de las gaviotas

En 1975 Amando de Ossorio dirigió y escribió la última entrega de las aventuras de los Templarios. La noche de las gaviotas recupera el ritmo y la calidad de las dos primeras entregas con una historia de tintes livecraftianos que parece sacada directamente de las páginas de Weird Tales.

El doctor Henry Stein y su esposa Joan (Víctor Petit y María Kosty) llegan a un pequeño pueblo pesquero para abrir consulta. Lo que ellos no saben es que el pueblo por la noche sacrifica a una joven virgen a los Templarios para aplacar sus ansías de matar y que no acaben con todos. Los Templarios, a su vez, ofrecen las vírgenes a una especie de dios batracio marino. La curiosidad del doctor provocará que su vida y la de su esposa se pongan en peligro.

Con la bienvenida incorporación de elementos habituales en los relatos del maestro H.P. Lovecraft, Ossorio cierra con un digno broche la serie de los Templarios. Una historia de terror clásica con aire pulp. Destaca el cambio de esquema, hasta La noche de las gaviotas las películas de los Templarios se basaban en que unos incautos despiertan a los caballeros que empiezan a hacer barbaridades. Aquí en cambio tenemos una trama que se adentra en los territorios del terror cósmico y es incluso mejor que las adaptaciones oficiales que se habían hecho hasta entonces de las historias de Lovecraft. Es una lástima que Ossorio no pudiera hacer más películas de esta serie por falta de financiación, pero desde luego terminó a lo grande.

El buque maldito

La tercera entrega de los Templarios llegó en 1974. Amando de Ossorio trasladó esta vez la acción a un galeón en el que se encuentran los Templarios descansando. Posiblemente, después de montarla en el pueblo de Bouzano les apeteció un tranquilo crucero. Serán de nuevo despertados, esta vez por modelos de bañadores, un profesor y unos impresentables que se encargan de manosear a las modelos.

La entrega más floja de la serie, sufrió recortes de presupuesto que obligaron a Ossorio a utilizar una triste maqueta, que parece el barco pirata de playmóbil, para los planos generales lo que le da un aspecto muy ridículo. Despierta mucha compasión Ossorio cuando, en una entrevista, se lamenta amargamente de como se vio obligado a hacer eso y del aspecto de chiste que tiene "porque cuando se ve la película ¿a quién le echan la culpa? A mi". Aparte del barco, la película avanza algo lenta y cae en el error de hacer que sus personajes no resulten demasiado simpáticos, con lo cual uno cada vez se pone más impaciente para que se los carguen los Templarios.

Como curiosidad, destaca en el reparto Bárbara Rey a la cual fui incapaz de reconocer cuando vi la película ya que su aspecto actual es muy diferente y no me refiero al inevitable paso del tiempo.

El ataque de los muertos sin ojos

Estrenada en 1973, El ataque de los muertos sin ojos fue la segunda película que Amando de Ossorio escribió y dirigió con los Templarios muertos como protagonistas. La película no es tanto una continuación de La noche del terror ciego como una nueva historia con los Templarios, algo así como los James Bond del más allá. Se hacen algunos cambios respecto al origen de los muertos sin ojos, más que nada varía la manera en que se convierten en muertos sin ojos; y cambia también el pueblo en el que tiene lugar la historia: de Berzano pasa a ser Bouzano.

El ataque de los muertos sin ojos es, para mí, la mejor entrega de la serie. El argumento, sin embargo, es el que nos puede resultar más familiar porque la trama que plantea como unos personajes están sitiados en un lugar por muertos vivientes o monstruos o apaches ha sido muy tratada en el cine, John Carpenter de manera sobresaliente ha tratado el tema en diversas ocasiones. Pero ahí se encuentra la mayor virtud de la película, que lo trata de manera que no nos paramos a pensar en ello.

Después de un sangriento prólogo en el que vemos el origen de los susodichos Templarios, la acción pasa al presente de 1973 en el que nos encontramos que el pueblo de Bouzano se prepara para celebrar su fiesta mayor. Para preparar los fuegos artificiales de la fiesta, el alcalde (corrupto y cabrón, todo muy típico español), que interpreta Fernando Sancho, decide contratar a Jack Marlowe (Tony Kendall) para que se los monte. Marlowe, el típico ex-militar que se dedica a montar fiestas mayores, hace un tiempo conoció a la querida del alcalde (Esperanza Roy) en el sentido bíblico del término. Eso provocará no pocas tensiones, ya que al alcalde no le hace mucha gracia la cosa y manda a su segundo (Frank Braña) que le dé una paliza. Esto no le acabará de gustar a Marlowe. Mientras esto sucede, el jorobado del pueblo (José Canalejas) decide después de años de burlas y pedradas vengarse del pueblo despertando a los Templarios. Para tal efecto sacrifica a una muchacha. Cuando se despierten los Templarios se armará la de Dios es Cristo, empezarán las mutilaciones y asesinatos arruinando definitivamente la fiesta del pueblo.

Entre el reparto de El ataque de los muertos sin ojos se ven algunas caras conocidas pero interpretando otros papeles, lo que refuerza la idea de ser una historia independiente más que una secuela. Los Templarios tienen una apariencia adecuadamente gótica y putrefacta, moviéndose lentamente pero llegando a todos sitios velozmente ya que se mueven dentro de un espacio-tiempo diferente al nuestro. Cuando los protagonistas se quedan sitiados la tensión no decae, especialmente gracias a las tensas relaciones que ha construido Ossorio para sus personajes.

Repito que ésta es la mejor entrada de la serie y está editada en DVD por Filmax en España y Blue Underground de importación. Os dejo el tráiler, atención a la hiperbólica narración.

La Noche del Terror Ciego

En 1971 Amando de Ossorio creó un mito del cine de terror puramente patrio: los Templarios ciegos. Mezclando leyendas con Bécquer, Ossorio creó a estos caballeros Templarios de ultratumba que van tras sus víctimas montados en unos caballos salidos del infierno.

Ossorio tuvo la desgracia de estar sometido  a toda una serie de productores que le quitaban el dinero en el último momento, le obligaban a rodar en localizaciones que no casaban con la historia o ha introducir escenas de sexo que no vienen a cuento. A pesar de todas esas dificultades, el director pudo escribir y dirigir una serie de hipnóticas y fantásticas películas como la serie de los Templarios (que analizaremos en los siguientes días) o Las garras de Lorelei.

En esta primera entrega de los Templarios conocemos a Betty (Lone Fleming) y Virginia (María Elena Arpón, Helen Harp en los títulos de crédito). Éstas habían estudiado juntas en un internado de monjas y se reencuentran al cabo de unos años de vacaciones por Portugal. Virginia va acompañada de Roger (César Burner). Roger y Virginia son sólo amigos, insiste el primero, a pesar que se nota que a Virginia le gusta Roger. Cuando éste empieza a flirtear con Betty de forma casi inmediata, los celos de Virginia la llevarán a seguir camino por su cuenta. La pobre zagala pasará la noche en unas antiguas ruinas. Ella, claro, no sabe que allí están enterrados los caballeros Templarios que, al notar una presencia mortal en los alrededores, despertarán de su letargo y matarán a Virginia... que no permanecerá muerta mucho tiempo. Éste es el punto de partida de La Noche del Terror Ciego, a partir de aquí se desatará el horror, el terror y el pavor.

La Noche del Terror Ciego fue producida durante la edad dorada del eurohorror y está llena de momentos memorables. La secuencia en la que los Templarios salen de sus tumbas es deliciosamente gótica y atmosférica. La forma en que se abren las tumbas y surge una esquelética mano que sólo puede hacer maldades nos indica que a partir de este punto lo vamos a pasar fantásticamente mal, y cumple. La escena en que la resucitada Virginia acosa a una víctima en una fábrica de maniquíes está cargada de tensión y belleza plástica, gracias a una iluminación que llena la pantalla de un fuerte rojo sangre. O como otra pobre víctima se queda callada, calladita para que los caballeros no la encuentren, pero no puede parar los latidos de su corazón. Todos los grandes momentos del film compensan la narrativa algo anticuada a ojos modernos, pero disfrutable si te va el rollo setentero como a un servidor.

La película ha sido editada por Suevia en una edición un poco pobre. Blue Underground editó toda la saga en unas ediciones de gran calidad técnica.

Os dejo el tráiler. No he podido poneros el tráiler original castellano y os dejo el del estreno americano.

Sugar Hill

Esta curiosa blaxpoitation de 1974 le da un original giro a la clásica historia de venganza, aunque no sea demasiado interesante más allá de ese detalle.

Dirigida por Paul Maslansky, Sugar Hill cuenta como, después de que su novio sea asesinado por unos mafiosos, Diana "Sugar" Hill  (Marki Bey) decide vengarse utilizando vudú y la ayuda del Barón Samedi (Don Pedro Colley) y su ejército de zombis. Bueno, su docena de zombis. Mientras Sugar va despachando mafiosos, su amigo policía Valentine (Richard Lawson) investiga el caso y enseguida empieza a sospechar de la dulce Sugar.

El punto de partida es original, el uso de zombis para vengarse de la mafia, y después de la reciente sobredosis de zombis es refrescante volver a ver unos muertos vivientes provenientes del vudú y la magia negra. Sin embargo la película tiene unos cuantos fallos que le impiden convertirse en un auténtico clásico y se queda en divertimento.

El principal fallo posiblemente sea la interpretación de Marki Bey, que es excesivamente intensa. Utiliza la misma intensidad para decirle a su novio que le quiere como para jurar venganza o pedir un café. La subtrama policial en la cual vemos a Valentine investigando resulta interesante y podría ser utilizada para un enfrentamiento final pero desemboca en ningún sitio. Antes del final se saca a Valentine de la trama. Luego tenemos a los zombis. Los zombis tienen un grave problema de maquillaje, en los ojos decidieron ponerles medias bolas plateadas que les dan un aspecto bastante ridículo (ver tráiler).

Aparte de lo mencionado, la película es bastante rutinaria. Vamos viendo como los mafiosos son eliminados uno a uno hasta llegar al último, sin que Sugar se encuentre con ninguna dificultad ni desafío, lo que desde mi punto de vista hace que pierda interés. Cuando todo le resulta fácil al protagonista ¿qué interés tiene seguir la trama? Ya se ve claramente que el protagonista conseguirá su objetivo sin dificultad.

Aunque a ratos parezca un cómic E.C. excesivamente alargado, la película también tiene alguna escena interesante y puede ser una buena manera de matar 90 minutos de una tarde.

Mystery Men - Hombres misteriosos

Furioso: Lance es en realidad el Capitán Fabuloso.

Zapador: ¡Qué tontería! Lance lleva gafas y el Capitán Fabuloso no.

Furioso: Porque se las quita cuando se transforma.

Zapador: Eso es completamente absurdo. Si se quitase las gafas no vería nada. 

Estrenada en 1999, antes de la fiebre superheroica que se desató con X-Men, Mystery Men fue una película adelantada a su tiempo. Si se estrenase ahora seguramente sería un gran éxito, sin embargo en el momento que vio la luz fue un fracaso. La gente no estaba preparada. Con el tiempo se ha ido ganando seguidores y convertido en un film de culto no sin razón, el único largometraje del director Kinka Usher, especializado en anuncios de prestigio, es un despliegue visual fabuloso y una de las mejores parodias de superhéroes jamás realizada.

Basada en el cómic de Bob Burden del cuál yo tampoco he oído hablar, Mystery Men retrata la rutina de tres amigos que pretenden ser superhéroes: Mr. Furioso (Ben Stiller), El Zapador (William H. Macy) y El Rajá Azul (Hank Azaria). Las cosas no les van muy bien, más que nada porque la ciudad ya tiene a un gran campeón: El Capitán Fabuloso (Greg Kinnear). Pero a pesar de las apariencias, al Capitán Fabuloso tampoco le van muy bien las cosas. Ha hecho demasiado bien el trabajo de limpiar la ciudad y ya no quedan grandes criminales a los que enfrentarse. Entonces, antes que sus patrocinadores le retiren sus apoyos, decide liberar a Casanova Frankenstein (Geoffrey Rush), un peligroso y demente supercriminal, para enfrentarse con él. Las cosas no van muy bien y cuando el Capitán Fabuloso es secuestrado, recae en las inseguras manos de Furioso, Zapador y el Rajá Azul la tarea de rescatarlo.

Con un reparto de los que tiran de espaldas, a los mencionados hay que añadir a Janeane Garofalo, Tom Waits, Wes Studi, Paul Rubens y Lena Olin, Mystery Men parodia de forma demoledora todos los tópicos de las películas de superhéroes a las que estamos acostumbrados. No sólo eso, además su guión es tremendamente inteligente y tiene algunos giros inesperados, cosa que no se puede decir de muchas películas "serias" de superhéroes. Un diseño de producción repleto de detalles minuciosos, que convierte a la ciudad de la película en una réplica "alegre" del Los Angeles de Blade Runner, crea un universo en el que habitan personajes tan impagables como La Vengadora Menstrual, El Hombre Gofre o mis favoritos: los malvados Chicos Disco.

Una de las pocas películas que cualquiera que la vea sólo tiene cosas buenas que decir de ella, o al menos esa ha sido mi experiencia, Mystery Men es una película totalmente recomendable.

La carrera de la muerte del año 2000 (Death Race 2000)

Como muchas otras obras maestras surgidas de la factoría de Roger Corman, La carrera de la muerte del año 2000 (Death Race 2000, 1975) surgió como intento de aprovecharse del éxito de la fantástica Rollerball (Norman Jewison, 1975). El mismo año de su estreno, a la vista del éxito que estaba cosechando el film de Jewison, Corman encarga hacer una película que trate el mismo tema: sociedad futura distópica en la que un deporte mortal mantiene la sociedad anestesiada. El proyecto cayó en manos de Paul Bartel, un malogrado genio, que convirtió la película en una acelerada sátira social cargada de sádico humor negro, influencias de la serie de dibujos Los autos locos (donde salían Pierre Nodoyuna y su perro Patán), gore y una saludable dosis de desnudos.

En el reparto nos encontramos a la imprescindible Mary Woronov, es una película de Paul Bartel al fin y al cabo, David Carradine encarnando al piloto campeón Frankenstein y, en un papel secundario, un Sylvester Stallone pre-Rocky. El resto del reparto está poblado por habituales de las películas producidas por Corman y bellas actrices como Simone Griffeth o Roberta Collins.

Vista hoy día sorprende como la película se mantiene completamente actual en el retrato que hace de la sociedad, desde los programas de televisión a la situación  política. Lo que no dice mucho de nosotros. Pero si el análisis social no os interesa, tenéis en Death Race 2000 diversión asegurada. Gags como el hospital que deja a los viejos en mitad de la carretera para ser atropellados por los automóviles o como echan al personaje de Roberta Collins de la carretera, usando una treta digna del Coyote y el Correcaminos.

El 2008 se hizo un remake de la película, escrito y dirigido por P.W. Anderson, titulado simplemente La carrera de la muerte (Death Race). En la nueva versión se elimina la sátira y el humor negro y se cambia el circuito intercontinental de la original por un circuito cerrado en una cárcel futurista. Si bien el remake no es ni de lejos tan buena como el original, resulta bastante entretenido y divertido, si no te lo tomas en serio, sobretodo gracias al trabajo del siempre efectivo Jason Statham. También resulta sorprendente ver a una actriz de prestigio como Joan Allen metida en semejante descerebre de serie B. Ambas se pueden encontrar de forma relativamente fácil en dvd. La original recomendada sin reservas. El remake para cinéfagos sin prejuicios que le pueden encontrar alguna gracia.

Muerte y desayuno (Dead & Breakfast)

Matthew Leutwyler escribió y dirigió esta divertida comedia terrorífica en 2004. Muerte y desayuno (Dead & Breakfast) combina elementos de la saga Evil Dead de Sam Raimi con el tono de comedia de Peter Jackson en Braindead. Gore como hace mucho tiempo que no se veía en pantalla, Dead & Breakfast tiene un definitivo aire de comic-book realzado por las transiciones entre escenas que imitan las páginas de un tebeo. Eso sin olvidar los momentos musicales por cortesía de Zach Selwyn que actúan a modo de coro griego comentando los diferentes acontecimientos que tienen lugar en la película.

El film va a una velocidad de cien por hora, sin tiempos muertos ni lugar para el aburrimiento. Especialmente se aprecia en dos momentos: al principio, cuando la trama sobrenatural todavía no ha empezado, los diálogos entre los personajes resultan muy divertidos, evitando que uno se ponga impaciente con ganas de que empiece la masacre; el otro momento es en la inevitable parte en la que los personajes están sitiados en el "bed and breakfast" por los poseidos, momento muy familiar debido a la reciente moda zombi, que de nuevo gracias a lo ingenioso de las situaciones y los diálogos resulta un tramo muy divertido.

El director y los actores principales (Ever Carradine, Gina Phillips, Oz Perkins, Jeremy Sisto, Erik Palladino) son todos amigos desde hace tiempo, lo que se traduce en una estupenda química entre todo el reparto, se nota que se lo están pasando pipa y con ellos el espectador. Y eso es básicamente todo lo que pretende la película. Así que todos aquellos que quieran hacerse unas risadas ya saben que ver. Muy recomendada.

El rojo en los labios (Les lèvres rouge aka Daughters of Darkness)

-Condesa, ¿cuál es su secreto para mantenerse tan bella?

-Mucho descanso y una dieta estricta, querida. 

Esta coproducción franco-belga-alemana es un fantástico ejercicio de horror mezclado con erotismo. Dirigida por Harry Kümel, El rojo en los labios (Les lèvres rouge/Daughters of Darkness, 1971), permanece como un ejercicio de estilo tremendamente estimulante. Ahora que los vampiros descafeinados, lights y sosos de Crepúsculo parece que están de moda, es el momento de volver la vista atrás y volver a disfrutar con los auténticos vampiros. Vampiresas, en este caso.

La figura central del film es la infame condesa Bathory, que despachó más de 600 jovencitas para mantenerse eternamente bella y joven. Y parece que lo ha conseguido o así se lo parece a una joven pareja que se encuentra con la condesa, fabulosa Delphine Seyrig, y su bella asistente, a la que aporta su hermosa fisonomia Andrea Rau. La pareja, encarnada por John Karlen y Danielle Ouimet, se sentirá irremediablemente atraída por la condesa sin saber que formarán parte de un terrible juego mortal.

Fascinación es la palabra que define esta película. Fascinación por la sangre, por la violencia y por el sexo prohibido. Kümel eleva con su dirección el film, dotándolo de un aire onírico estilísticamente perverso. El argumento del propio Kümel, Pierre Drouot y Jean Ferry (con alguna añadidura de Manfred R. Kölher) explora la leyenda de la condesa Bathory y la mezcla con Carmilla de Sheridan Le Fanu. Vampiresas y lesbianismo van cogidas de la mano en el cine, recordemos otros grandes ejemplos como Els amants del vampir (Vampire Lovers, Roy Ward Baker, 1970) o Las hijas de Drácula (Vampyres, José Ramón Larraz, 1974); por tanto es natural que en El rojo de los labios también se explote (no por nada lo llaman exploitation). Y lo hace de manera fantástica. Pero la calidad de la historia y las interpretaciones hace que la película sea muy disfrutable más allá de la vesante libidinosa.


Daughters of darkness Trailer
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The House of the Devil

Dirigida por Ti West, The House of the Devil fue una de las mejores películas del 2009. La película recrea una película de terror de principios de los ochenta, al menos así se vendió, lo que podría llevar a pensar que era una especie de imitación del experimento Grindhouse de Tarantino y Rodríguez. Nada más lejos de la realidad, la película es más una pieza de época que una meticulosa recreación de un estilo de película o por lo menos así la vi, ya que la historia originalmente fue escrita ambientada en ese periodo por razones históricas: a principios de los ochenta el 70% de los americanos creía en la existencia de cultos satánicos peligrosos. Por supuesto, el hecho de que no hubiera pruebas de ello se atribuía a que todo era tapado por el gobierno. Así que, de nuevo, teniendo en cuenta la naturaleza de la historia tiene sentido que la película se ambiente en esa época.

La joven Samantha (Jocelyn Donahue) necesita dinero desesperadamente así que no duda en aceptar un trabajo de canguro para la extraña familia Ulman (Tom Noonan y Mary Woronov) a pesar de las reticencias de su amiga Greta (Greta Gerwig). Veréis, en realidad los Ulman no tienen un niño que vigilar, sino que es la  anciana madre de la señora Ulman la que necesita vigilancia. Y esa noche da la casualidad de que se va a producir un eclipse total de luna. La noche será una larga pesadilla para Samantha.

THOTD es una atmosférica e inquietante película de terror. Ti West, que también ha escrito y editado la película, crea un film que cuece a fuego lento, metiendo al espectador lentamente de manera que hacia la mitad de la película uno ya está en plena tensión temeroso de lo que va a suceder a continuación. La incorporación de Noonan y Woronov en el reparto va más allá del simple cameo para los fans y hacen un estupendo papel como los raros Ulman. Y hablando de cameos, Dee Wallace hace una pequeña aparición al principio de la película. Sin embargo, es Jocelyn Donahue quién destaca del reparto ya que sobre ella descansa el peso del film, sale prácticamente en todas las escenas, y si ella no hubiese hecho un buen papel la película no habría tenido ningún efecto en el espectador.

The House of the Devil es una efectiva, interesante y absorbente película más allá del ejercicio nostálgico.

The Harrad Experiment

Filmada en 1973, The Harrad Experiment lleva a la pantalla la novela homónima de Robert H. Rimmer, de la cual no había oído hablar en la vida. Dirigida por Ted Post, un hombre con una carrera peculiar, la película refleja la revolución sexual de finales de los sesenta y primeros setenta en que se dejó de ver el sexo como algo tabú y cosas "escandalosas" como la masturbación femenina o el sexo pre-matrimonial se discutían de forma abierta.

En el film nos encontramos en la Universidad Harrad, donde se llevan a cabo estudios sobre la sexualidad humana. Para llevarlos a cabo, se empareja a un chico y una chica que compartirán habitación durante un mes, tiempo después del cual cambiarán de pareja. Todas las clases que implican ejercicio físico se hacen desnudos de forma obligatoria (de ahí surge una de mis frases favoritas de toda la película: "la clase de yoga es a las 7:30... desnudos"). Además se hacen debates y discusiones sobre fidelidad, monogamia, adulterio, matrimonio y sobre si son o no conceptos del pasado.

El grueso del film descansa en los hombros de cuatro estudiantes. Dos parejas sobre las que veremos cómo les afectan las tesis de Harrad: Stanley Cole, interpretado por Don Johnson (también canta una canción de los títulos de crédito), es un don juan que donde pone el ojo pone lo otro; Sheila, interpretada por Laurie Walters, es tímida y virgen, la combinación ideal para Harrad; el inseguro Harry, interpretado por Bruno Kirby (a lo mejor os suena de la genial Cuando Harry encontró a Sally) al cual emparejan con Beth, la rubia Victoria Thompson. Los profesores están encarnados por Tippi Hedren (Los Pájaros) y James Whitmore (Cadena Perpetua).

El conflicto entre el sexualmente hiperactivo Stanley y la apocada Sheila será el que enmarque la tesis de la película. En este punto es donde The Harrad Experiment resulta moderna, si bien condena el libertinaje de Stanley cuyo objetivo es ir sumando conquistas, está completamente a favor de la experimentación y libertad sexual que encarnan el resto de los personajes. Especialmente Sheila, que durante gran parte de la película lucha contra el miedo que le provoca el sexo.

Como he dicho la película resulta moderna cuando cuestiona las imposiciones sociales y los tabúes de la sociedad, pero al mismo tiempo resulta algo anticuada a ojos modernos por la forma algo ingenua en que se explica todo. Creo que esta ingenuidad es una virtud más que un defecto. Antes de ver la película me esperaba la típica sexploitation con falsa moralina: mientras una voz en off condena o denuncia cierta inmoralidad las imágenes se recrean en esa misma inmoralidad para satisfacer algún apetito morboso. Sin embargo el enfoque honesto del film me ganó. Imagino que la intención de los productores sería llenarse los bolsillos, pero ciertamente el enfoque honesto de los personajes que no juzgan sino que intentan poner a prueba viejos conceptos resulta refrescante. Es el símbolo de una época, idealismo e ingenuidad que por desgracia parecen formar parte del pasado. Sobre nosotros pesan los mismos prejuicios, pero somos mucho más hipócritas sobre ellos.

La película está libre de derechos de autor con lo cual no debería ser muy difícil de encontrar. Aunque la versión sin censurar puede ser más difícil de obtener. Mientras veis la película podéis jugar a "¿dónde está Melanie?"; Melanie Griffith no está acreditada pero es una de los extras que hacen de estudiantes.

House (Hausu)

Dirigida por Nobuhiko Ôbayashi, House (Hausu) es un increíble despliegue de fantasía y terror. Con un acelerado ritmo cinético que recuerda al Sam Raimi más loco, con la diferencia que la película de Ôbayashi es de 1977,  en la película se mezclan diversos medios visuales, incluso algo de animación, originando un collage cinematográfico que te deja durante 88 minutos con la boca abierta.

Siete jóvenes japonesas (el número no es casualidad) van a una casa de campo, sus apodos son: Angelical, Dulce, Prof, Mac, Kung Fu, Melodía y Fantasía. Efectivamente, los apodos refieren a la personalidad de cada una. El objetivo del viaje es ayudar a Angelical a superar el hecho de que su padre se va a casar de nuevo después de ocho años de viudedad. La casa pertenece a la tía de Angelical, que las recibe encantada. Pero muy pronto extraños sucesos empezarán a tener lugar en la casa, convirtiendo las vacaciones es un festival de horror.

Una de las cosas que más me ha llamado la atención de esta película es como los sucesos más horribles, las muertes más atroces, el final más negro son explicados de forma casi optimista, lírica, energética y fantástica. Esta disparidad de tonos y estilos me quedó clara cuando supe que muchas de las ideas de la película se le ocurrieron a la hija de Ôbayashi, que entonces tenía once años. La historia empieza cuando un grupo de productores le pidió a Ôbayashi, que en ese momento era un reputado director publicitario y avanguardista, que hiciera una película al estilo del Tiburón de Spielberg. Al director no se le ocurría nada original, entonces le preguntó a su hija que cosas le daban miedo. Su hija empezó a relatarle una serie de imágenes y situaciones (tendréis que ver la peli para saber cuáles) que Ôbayashi apuntó y convirtió en guión. Así se entiende mejor la mezcla de surrealismo y poesía del film. Un film lleno de ideas sencillas y poderosas, igual que los miedos infantiles.

House es una película tremendamente original y diferente que desafía cualquier intento de cataloguización.

Furia de Titanes (Clash of the Titans)

Ahora, que cada vez está más próximo el estreno de su nueva versión, parece un buen momento para repasar Furia de Titanes (Clash of the Titans, 1981, dir. Desmond Davies). Furia... fue la última película para la que Ray Harryhausen creó los efectos visuales y tiró la casa por la ventana incorporando algunas de sus más recordadas creaciones. Harryhausen es un caso único en la historia del cine porque es el único técnico de efectos visuales que recibía crédito como autor de la película por encima del director. Su técnica única a la hora de crear stop-motion no se parecía a la de ningún otro, sus creaciones tienen una personalidad propia que las hace reconocibles como suyas.

Como en sus otras producciones, Harryhausen construyó la película alrededor de las secuencias de animación que quería hacer. Para ello escogió hacer una película sobre las aventuras mitológicas de Perseo, que Beverley Cross se encargó de convertir en guión. El reparto es de auténtico lujo, Laurence Olivier hace de Zeus, Ursula Andress es Afrodita, Burgess Meredith es Amón... Nombres y rostros que elevan una de por sí ya fantástica película de aventuras. Por otro lado tenemos a Harry Hamlin en la piel de Perseo y a la bella Judi Bowker como Andrómeda.

Furia de Titanes tal vez no sea tan buena como Jasón y los Argonautas (Jason and the Argonauts, 1963, dir. Don Chaffey), pero ofrece un gran espectáculo con secuencias memorables como el ataque del Kraken o la guarida de la Medusa. Ciertamente se toma algunas libertades con los mitos griegos, pero no vamos a ver esta película para que nos den una lección de mitología. Para mi es una de esas películas que automáticamente me retrotaen a mi infancia, cada vez que la veo me siento como un niño de siete años otra vez absolutamente fascinado por la magia de los eventos que tienen lugar en la pantalla. Tengo curiosidad por ver la nueva versión y comprobar si consiguen recrear el sense of wonder de esta gran película de aventuras.

La original

El remake

2024: Apocalipsis nuclear (A Boy and His Dog)

El horrible título que tenéis arriba escrito fue escogido para distribuir en DVD en España la fantástica A Boy and His Dog (1975), gran clásico de culto de ciencia-ficción escrito y dirigido por L.Q. Jones que adaptaba la novela breve homónima de Harlan Ellison.

Vic (un joven Don Johnson) es un adolescente que sobrevive en un escenario postapocalíptico. Las cosas no le van demasiado mal gracias a su perro Blood (voz de Tim McIntire). Blood era un perro policía, lo que significa que es superinteligente y se comunica telepáticamente con Vic. Ambos mantienen una relación mutuamente beneficiosa: Vic consigue comida y Blood le advierte de posibles enemigos y dónde encontrar mujeres con las que mantener relaciones sexuales. Las cosas se complicarán para ambos cuando conozcan a Quilla June Holmes (Susanne Benton), una atractiva joven que procede de una ciudad subterránea donde se intenta preservar la sociedad como era antes del apocalipsis.

La película mezcla humor negro, sátira e ironía a la hora de retratar esta sociedad futura. La mayor carga de crítica se reserva para las escenas que muestran a la sociedad subterránea, reflejo deformado de una sociedad conservadora no muy diferente de la nuestra. Una sociedad donde guardar las apariencias y las formas es esencial, todo el mundo va maquillado como si estuvieran en la corte del Rey Sol, y la muerte es el castigo por no seguir las normas. En la superficie la gente sólo se preocupa por conseguir comida y sexo. Hay improvisados campamentos donde se proyectan las películas que han sobrevivido a la debacle y son nuestro legado: películas porno.

La película en el momento de su estreno no fue un gran éxito, pero ganó el premio Hugo como mejor película de ciencia ficción. Se prepara una nueva versión para el año 2012, que puede que sea un remake o una continuación.

Harlan Ellison escribió y publicó tres historias protagonizadas por Vic y Blood: Eggsucker, A Boy and His Dog y Run Spot Run. Ellison lleva tiempo hablando de una supuesta novela que sería la última protagonizada por estos supervivientes postapocalípticos, Blood's A Rover, pero lleva tanto tiempo hablando de ello que no sé si algún día saldrá publicada. Las historias de Vic y Blood fueron adaptadas al cómic por el propio Ellison con dibujos de Richard Corben. La edición que tengo de Norma Editorial tiene ya unos añitos y no sé si se puede encontrar todavía.

Aquí tenéis el tráiler de la película, para despertaros la curiosidad:

La quema (The Burning)

La quema (The Burning), dirigida por Tony Maylam, se estrenó en Estados Unidos el ocho de mayo de 1981. Justo una semana después de que se estrenara Viernes 13, 2ª Parte (Friday the 13th Part II, 1981, dir. Steve Miner), lo que la situa en plena fiebre slasher. Uno pensaría que The Burning, ya que transcurre en un campamento de verano donde son asesinados un montón de adolescentes por un asesino deforme, es una copia de la serie Viernes 13, cuya primera entrega se estrenó un año antes. Sin embargo, sus artífices principales, los infames hermanos Weinstein, aseguran que tenían la idea para hacer la película antes que Viernes 13 se estrenase. En realidad, no es que unos se copiaran de otros, se trata más bien de un caso de inconsciente colectivo. La historia en que se basa el guión de The Burning era una leyenda urbana que corría de boca en boca desde hacía décadas. Y ahí encontramos su efectividad, como ya apuntaba Stephen King en Danse Macabre, un ensayo sobre el género publicado a mediados de los ochenta, en relación con el slasher en general; se trata de historias sencillas que entroncan con nuestros miedos más infantiles y primitivos. No por nada, tanto The Burning como Viernes 13, 2ª Parte contienen escenas donde uno de los personajes básicamente explica la película alrededor de una hoguera en forma de leyenda urbana.

Aquí entra en juego también lo que Aristóteles denominaba "el placer del reconocimiento". The Burning es una historia que conocemos y sabemos hacia dónde va pero bien contada. Igual que los griegos juzgaban las obras de teatro no por su historia, que todos conocían de sobra, si no por cómo se les explicaba esa historia; así se ha de juzgar esta película. ¿Es una historia original? No ¿Se disfruta de su visionado? Desde luego. Tony Maylam juega muy bien con nosotros y sabe crear suspense y sorprender al espectador, a pesar que muchos de los trucos fueron utilizados más tarde por miríadas de directores menos talentosos.

Entrando dentro de la película encontramos un reparto de actores y actrices que encarnan personajes que, sorprendentemente, uno no quiere ver masacrados al cabo de cinco de minutos de aparecer en pantalla. Y, si conocéis el género, sabéis que el caso habitual en un slasher es que lo pueblen personajes insoportables que deseas ver mutilados por Jason, Freddy o quién sea el psicópata de turno. El reparto también contiene un par de presentaciones interesantes: Holly Hunter hace un pequeñísimo papel como campista y Jason Alexander, que luego alcanzaría la fama como George en Seinfeld, es uno de los monitores.

Pero las auténticas estrellas de este film son los efectos de maquillaje a cargo del maestro Tom Savini. Savini, que rechazó hacer los efectos de la continuación de Viernes 13 después de hacer los efectos de la primera entrega para hacer The Burning, crea unos maquillajes tremendamente efectivos y realistas aún hoy día. Además, la edición en DVD de importación es sin censura, con lo cual podemos disfrutar de su trabajo en toda su gloria.

En resumen, The Burning es una gran muestra de su género, con todo el gore, la violencia y los desnudos gratuitos que hicieron grandes a los ochenta.

¿Dónde te escondes, hermano? (Basket Case)

La carta de presentación de Frank Henenlotter fue este clásico de culto que inmediatamente se convirtió en un favorito de los fans y expertos del género desde su estreno en 1982. ¿Dónde te escondes, hermano? sentaba las bases del cine de Henenlotter: presupuestos bajos, mezcla de comedia y terror y la presencia de mutantes y monstruos como héroes.

Basket Case, título original de la película, nos cuenta la historia de Duane y Belial, dos hermanos siameses separados al nacer. Duane tiene un aspecto normal. Belial tiene el aspecto de una goma de borrar mezclada con una hamburguesa. Ambos comparten una conexión telepática que Belial utilizará para planear y ejecutar una terrible venganza sobre los médicos que los separaron al nacer.

La relación entre Duane y Belial es donde se muestra el genio de Henenlotter. Mientras que Duane está desesperado por tener una vida normal y corriente, Belial sólo se preocupa de satisfacer todos sus deseos de forma inmediata. Esta dicotomía llevó a muchos críticos a considerar la película como una alegoría freudiana. Duane sería el ego sufridor que intenta hacer lo correcto y Belial el superego hedonista entregado al puro egoismo. Otro punto interesante de la relación entre estos dos hermanos se ve a lo largo de las continuaciones que hizo Henenlotter de su película: Basket Case 2 (1990) y Basket Case 3: The Progeny (1992). En ellas vemos como, a pesar de todo, es Belial el que consigue mantener una vida "normal" con una familia, mientras Duane se va encaminando más y más hacia la locura.

El bajo presupuesto de la película llevó al equipo a filmar en localización en la ciudad de Nueva York, antes de que le hiciesen un lavado de cara, y usar no profesionales como extras. Esto le confiere un aura de naturalismo y surrealismo al mismo tiempo. En una entrevista Henenlotter comenta que muchas noches podían oir el ruido de las pipas de crack romperse mientras iban por la calle filmando.

Las escenas gore contienen no pocos toques de humor, hechas con poco dinero pero efectivas. Sin embargo en la película también se pueden ver algunas escenas de stop-motion no demasiado logradas. Cosa que no parece preocupar mucho a su director y la verdad que quedan compensadas por todo el delirio que envuelve la película.

Si sois fans del género supongo que la conocéis y la habéis visto. Todos aquellos que tengan la suerte de verla por primera vez espero que también se conviertan en fans de Henenlotter. Podéis encontrar la película en DVD editada por Manga Films pero sin extras. A los fans les recomiendo la edición que sacó Something Weird Video cargadita de extras.

Las estupendas secuelas:

La Casa Encantada (The Haunting)

Una de las películas más aterradoras de todos los tiempos, La Casa Encantada (The Haunting, 1963, dir. Robert Wise) sigue provocando miedo a todo aquel que se atreva a verla hoy día.

Robert Wise después de haber producido y dirigido la clásica West Side Story quería hacer algo diferente y lo encontró en la novela de Shirley Jackson The Haunting of Hill House (publicada por la editorial Valdemar como La Maldición de Hill House). Jackson era una gran aficionada al ocultismo y la brujería, lo que dotó a la novela de realismo alejándose de los tópicos de fantasmas con cadenas. Algo que de forma muy inteligente trasladaron el guionista Nelson Gidding y Wise a la pantalla.

La película utiliza la imaginación del espectador. Todo lo que sucede podría tener una explicación racional o suceder únicamente en la cabeza de uno de los personajes, pero el espectador esta demasiado asustado para pensar racionalmente. Esta ambigüedad a la hora de filmar combinado con sencillos efectos de luz, sonido y movimientos de cámara crea un absorbente suspense, sin utilizar trucos baratos de sustos que provocan puntuales sobresaltos. Wise apostó por la atmósfera por encima del efectismo y gracias a ello la película no ha envejecido. Yo diría que cuanta más imaginación tiene el espectador, más miedo da la película.

Otro de los grandes aciertos del film son sus personajes y las relaciones que se establecen entre ellos. Richard Johnson es el doctor John Markway, entusiasta de los fenómenos paranomarles que organiza la expedición a Hill House. Julie Harris es la apocada Nell, que sufrió una experiencia telequinética en su juventud. Claire Bloom es Theodora, una seductora medium. Y por último tenemos a Russ Tamblyn como Luke Sanderson, heredero de Hill House. Estos dispares personajes están muy bien construidos, contribuyendo a que nos interese y preocupe lo que les pueda suceder. Otro de los puntos fuertes es el triángulo amoroso que se establece entre Theo, Nell y el doctor Markway. Filmada en los sesenta la censura solo permite insinuar, pero Wise deja bastante claro que Theo es lesbiana y que siente una inmediata simpatia por Nell, como la simpatia que puede sentir un gato por un ratón. Sin embargo Nell se siente atraída por el doctor Markway. Esto provoca que cuando la esposa de éste se presente en la casa hará que una situación de por sí tensa lo sea aún más.

Nell es un personaje frágil psicológicamente. La humillación sexual que sufre a manos de Theo y el trauma de tener que cuidar a su madre enferma y la muerte de la misma hacen de ella un personaje a punto de sufrir una crisis nerviosa. Son precisamente estos factores los que hacen que parezca que la casa se encapriche especialmente de la pobre Nell.

La Casa Encantada fue víctima de un horrible remake perpretado por Jan de Bont en 1999 que elimina la homosexualidad y los triángulos amorosos convirtiendo la historia en una soporífera sucesión de sustos baratos, colmados por unos ridículos efectos digitales. En 1997 Paul W. S. Anderson dirigió Horizonte Final (Event Horizon), una película que mezcla terror y ciencia-ficción que en parte es un remake inconfeso de La Casa Encantada en palabras del propio Anderson. Su influencia también se nota en la fantástica novela de Richard Matheson Hell House (La casa infernal, publicada por La Factoría de Ideas, leedla para pasar un buen mal rato) llevada al cine con guion del propio Matheson y dirigida por John Hough en 1973 con el título de La leyenda de la Casa del Infierno (The Legend of Hell House). Sorprendentemente, tanto La Casa Encantada como La leyenda de la Casa del Infierno son aptas para todos los públicos. En el caso de La Casa Encantada lo entiendo, pero La leyenda... contiene escenas sangrientas y desnudos salpicados con abundantes referencias sexuales, pero, en fin, así eran los setenta. La casa infernal también fue adaptada al cómic con guión de Ian Edginton y dibujos de Simon Fraser. Finalmente, Stephen King, fan declarado de la novela original de Shirley Jackson, también hizo evidente su influencia cuando escribió la miniserie Rose Red. Todas estas películas se pueden encontrar fácilmente en DVD y son ideales para ver una noche de tormenta. Aunque el remake me lo ahorraría a no ser que andéis cortos de posavasos.

Smoking Room

Filmada de forma independiente, financiada por los propios actores, Smoking Room retrata unos días en la oficina de una empresa, de la cual desconocemos a que se dedica, en los que se genera conflicto y malestar a partir de la petición de que se haga una "smoking room" para los trabajadores.

Cuando entramos en la película nos encontramos con toda una serie de personajes quemados. Tensos, estupidizados, las condiciones de trabajo en la oficina les hace acumular rencillas, envidias. Conversaciones banales cargadas de filosofia barata en torno a Alien Resurrección, organizaciones de partidos de fútbol donde todos quieren jugar en la misma posición, depresiones y neuras sentimentales van cargando el ambiente. La petición de la "smoking room" servirá de catalizador de muchas frustaciones, un santo grial, una lucha para reivindicar los derechos como trabajador y ser humano.

Actualmente hay empresas en Estados Unidos que hacen pasar a sus trabajadores por detectores de mentiras y test de drogas. Y hablo de empresas comunes. No sé si esta práctica llegará a nosotros, pero como todo acaba llegando mucho me temo que sí. Lo que añadirá una nueva iniquidad sobre los trabajadores. Pero dejando de lado los conflictos laborales, el trabajo en oficina también conlleva conflictos emocionales. Ya sea por los típicos rollos de oficina o por que le coges manía a alguien o alguien te la coge. Recuerdo estar trabajando en un sitio en el cual el aire acondicionado era continuamente motivo de disputa. Durante toda la mañana podías ver a gente levantándose y subiendo y bajando el aire acondicionado.

El estilo que utilizan Roger Gual y Julio D. Wallovits como directores y guionistas de la película es muy verité, fly on the wall que puede recordar a la serie The Office, con la que guarda no pocos puntos en común. Es un estilo pseudodocumental que ayuda a hacer más realistas los personajes. Será curioso ver como Wallovits cambia de estilo en la obra que estrenará en el teatro Poliorama. Las Listas es una obra muy alegórica que resulta diferente de sus anteriores trabajos basada en un libro de Umberto Eco.

Después de ver Smoking Room recomiendo leerse Entonces llegamos al final de Joshua Ferris, publicado por RBA, que retrata los últimos días de una agencia de publicidad en la que empiezan a despedir gente.

Y, el último hombre

En el sexto episodio de la quinta temporada de Perdidos podemos ver a Hurley leyendo un cómic. Concretamente Y, el último hombre. Por la portada y el grosor coincide con el tercer volumen recopilatorio que publicó Norma Editorial hará unos cuatro o cinco años.

La serie estaba ilustrada por Pia Guerra, co-creadora de la serie, y los guiones corrían a cargo del otro creador de la serie: Brian K. Vaughan. El mismo que a partir de la cuarta temporada de Perdidos lleva a cabo funciones de guionista y productor. Me atrevo a especular que fue por su trabajo en Y, el último hombre que le ofrecieron incorporarse al equipo de Perdidos. Ambas tienen en común la mezcla de elementos de ciencia ficción con los de género fantástico.

El argumento de Y resulta a primera vista tan simple como el de Perdidos. Un buen día una extraña plaga elimina a todos los machos mamíferos del planeta, que caen muertos tosiendo sangre. Todos excepto Yorick y su mono Ampersand que por alguna extraña razón son inmunes a lo que sea que haya eliminado al resto de los hombres.

Los escenarios post-apocalípticos no resultan desconocidos dentro de la ciencia-ficción. Es ahí donde resalta el talento de Vaughan para llevarnos por terrenos que son cualquier cosa menos tópicos. Ser el único hombre en un mundo poblado por mujeres parece el terreno abonado para llenarlo de fantasías adolescentes, pero a medida que avanza la trama y vamos conociendo a sus personajes se nos van haciendo más reales. No sólo Yorick Brown en busca de su novia Beth, también la agente 355, que se convertirá en su guardaspaldas, o la doctora Allison Mann, geneticista que acompañará en su viaje a Yorick y 355.

¿Qué provocó la plaga? ¿Por qué Yorick y Ampersand han sobrevivido? Estos y otros misterios serán tratados a lo largo de los sesenta números de la colección. En España Norma Editorial publicó cuatro tomos recopilatorios antes que los derechos de la serie fueran adquiridos por Planeta deAgostini que publicó parte de la serie en tebeos que incluían dos números de la edición original y el resto en tomos.

El Padrastro (The Stepfather)

Un hombre se afeita y acicala en un lavabo, suponemos que de su casa. Una vez vestido y arreglado sale. Baja unas escaleras y al pasar por el comedor vemos los cadáveres de una mujer y unos niños. Así empieza El Padrastro (The Stepfather, 1987, dir. Joseph Reuben), un thriller de bajo presupuesto que en su estreno inicial pasó algo desapercibido pero fue un gran éxito en el relativamente reciente mercado de video, de hecho yo la descubrí en una estantería del videoclub buscando algo que ver un fin de semana de no recuerdo cuando. Suficiente éxito tuvo en su paso al mercado doméstico para generar un par de secuelas (una en 1989 con Terry O'Quinn -Locke en Perdidos- repitiendo papel protagonista y otra en 1992 con otro actor haciendo de padrastro psicópata) y un remake que se estrena hoy en salas cinematográficas.

La historia no es difícil de imaginar. La joven Stephanie sospecha que el nuevo novio de su madre no es trigo limpio. Nosotros ya sabemos que es un psicópata por la primera escena. Un psicópata obsesionado con crear la familia perfecta y cuando ésta le decepciona se los carga a todos. La sospechas de Stephanie inevitablemente llevarán al imaginado enfrentamiento. El remake es exactamente igual sólo que cambia la hijastra por un hijastro... exactamente lo que hicieron en la secuela de 1989. Podríamos decir entonces que el remake lo es en realidad de la segunda parte o tomarlo como otra continucación o... en serio, ¿a quién le importa el remake?

El Padrastro se aleja de las claves del slasher popular en la época y se acerca más al thriller. Podríamos tomar como antecedente de este film La sombra de una duda que Alfred Hitchcock dirigió en 1943. Y aún podemos remontarnos más porque ¿cuántos cuentos de hadas tienen a malvadas madrastras como antagonistas? Supongo que desde que Saturno devoró a sus hijos, la familia y los intrusos en la misma han sido temas universales que son y serán tratados continuamente por artistas de todo tipo. Es posible que todo se reduzca al miedo que nos provoca la idea de que nuestro entorno, que consideramos seguro, no lo sea. Que aquellos que pensamos conocer sean extraños.

Volviendo a El Padrastro, ésta es una película de conseguido suspense. Es posible que hoy en día sus "trucos" y giros argumentales sean predecibles pero eso no es tanto culpa de la película como a que hemos visto su trama y situación imitada y llevada a cabo cientos de veces por personas con menos talento.

Josie y las Melódicas (Josie and the Pussycats)

Como buen cinéfago procuro mirar todo tipo de películas de todo tipo de géneros y tendencias sin ningún tipo de prejuicios. Así me acerqué a Josie y las Melódicas (Josie and the Pussycats, 2001, dir. Deborah Kaplan y Harry Elfront), sin esperar mucho pero con la mente abierta. Y para ser sincero la razón principal que me llevó a esta película fue solo una: Rosario Dawson.

Puede que sea por eso que la película me sorprendió agradablemente y pronto me vi riendo a carcajadas y disfrutando de esta comedia musical adolescente. Sobretodo gracias a un casting estupendo en el que tenemos, aparte de Dawson haciendo de Valerie Brown, a Rachel Leigh Cook como Josie, Alan Cumming como Wyat Frame y a la descacharrante Parker Posey como Fiona. Además de los cameos de Seth Green y Breckin Meyer de la gran serie Robot Chicken. Por desgracia, como la otra Pussycat tenemos a Tara Reid en la piel de la rubia descerebrada Melody Valentine. Cómo una persona como ella sin ningún tipo de talento ni atractivo llegó a ponerse delante de las cámaras es un misterio que dejamos a las futuras generaciones.

Josie and the Pussycats vieron la luz de la mano de Dan DeCarlo que las creó a principios de los años sesenta dentro de la empresa Archie Comics, donde se publicó hasta principios de los ochenta. Archie Comics era conocido principalmente por personajes como Archie y Sabrina, la bruja adolescente.

El éxito que The Archie Show tenía en televisión y en las radios con Sugar, Sugar (sugar, sugar, parapa-pa-pa-pa, oooh honey, honey, parapa-pa-pa-pa) en la competencia llevó a los estudios Hanna-Barbera a sacar tajada adaptando Josie and the Pussycats a la pequeña pantalla. En 1970 se estrenaba la serie de animación:

Para promocionar la serie se creó un grupo formado por Cathy Dougher, Patrice Holloway y Cheryl Ladd. El grupo se ideó como forma de promoción del show televisivo. El LP que se grabó estaba compuesto por canciones que aparecieron en la serie de dibujos. 

 Josie and the Pussycats entraron en el siglo XXI de la mano de Deborah Kaplan y Harry Elfront. Este equipo se mantuvo más "fiel" que la versión animada al tipo de historia que aparecía en los cómics. La historia gira en torno a The Pussycats, un trío femenino que intenta lograr un sitio en el mundo de la música fracasando miserablemente. Las cosas cambian cuando conocen a Wyat Frame, representante musical que les ofrece un contrato de inmediato. Frame rebautiza la banda como Josie and the Pussycats y lleva a cabo otras acciones que harán sospechar a las chicas que no todo es lo que parece.

Como decía al principio la película me pareció muy divertida. Aunque os advierto que el 90% de los chistes desaparecen con el doblaje, como una referencia a la canción de Nirvana Smells like teen spirit. Los directores y guionistas introducen además un fuerte componente crítico y satírico contra los entresijos de la industria musical, las "boys bands" y la comercialización de la música. Sin embargo, la película está plagada de "product placement". Tanto que resulta ridículo. Esto lleva a dos conclusiones: este exceso es llevado a cabo por los directores como parte de la crítica que la película hace de esos métodos o lo impuso el estudio ya que era una película pensada para un público joven consumidor sin tener en cuenta lo que decía el guión de la película.

Una película sobre un grupo musical ha de tener música. Y Josie y las Melódicas tiene música. En la peli se hace una mezcla de punk rock y power pop que me encantó. La banda sonora incluye una versión de Money y una versión de Real Wild Child que no están nada mal.

En fin, tenemos película con mensaje, chicas de buen ver, música pop e incluso alguna referencia a Beyond the Valley of the Dolls de Russ Meyer. ¿Qué más queréis?

De repente, el último verano (Suddenly, Last Summer)

Joseph L. Mankiewicz llevó al cine en 1959 la obra de Tennessee Williams De repente, el último verano (Suddenly, Last Summer), dirigiendo una adaptación escrita por Gore Vidal. Con semejante talento tras la cámara sólo podía salir una obra maestra. Además, delante de la cámara tenemos a Elizabeth Taylor, Katherine Hepburn y Montgomery Clift.

La película trata temas típicamente conflictivos en todas las familias como son el incesto y el canibalismo. Siendo una obra de Tennessee Williams tambíén tenemos una buena dosis de soterrada y conflictiva homosexualidad. Secretos e insinuaciones que mantienen al espectador pegado a la butaca mientras el doctor Cukrowicz (Montgomery Clift) intenta averiguar si Catherine Holly (Elizabeth Taylor) está loca o ha sufrido un trauma. La perversa señora Violet Venable intentará por todos los medios que encierren a Catherine para siempre. Terribles secretos se descubrirán a medida que Catherine empiece su narración: "De repente, el último verano..."

Durante el rodaje de este film, el director Mankiewicz trató de forma bastante abusiva a Montgomery Clift que en aquel momento luchaba con sus problemas de alcoholismo. Cuando se acabó el rodaje, al rodar la última toma, Katherine Hepburn se acercó a Mankiewicz y le preguntó: "¿Hemos terminado?" Tras la respuesta afirmativa de Mankiewicz, Hepburn le escupió en la cara como respuesta a la forma en que había tratado el director a Clift. Sin embargo, por terrible que suene, creo que está situación tras las cámaras benefició la interpretación de Clift que borda el papel de psiquiatra dividido entre su joven paciente y la poderosa voluntad de la señora Venable. Hepburn está increíble como señora Venable, pero Hepburn siempre lo está. Por último, Elizabeth Taylor ofrece una buena interpretación, además de ofrecer una imagen terriblemente voluptuosa.

Una gran definición de está película la dio Jesús Palacios cuando la describió como "gore conceptual". Una película cuyo impacto está en lo que no se dice, pero podemos imaginar perfecta y terriblemente. Un clásico de obligada visión.

Slither (La plaga)

James Gunn se estrenó como guionista dentro de la Troma, donde escribió la ya clásica Tromeo and Juliet. Dio el paso a Hollywood escribiendo las adaptaciones cinematográficas de Scooby-Doo y el remake de Dawn of the Dead que dirigió Zack Snyder. Su paso a la dirección con este bagaje podía ser un desastre o una maravilla. Por suerte para nosotros, fue un éxito.

Una noche mientras pasea por el bosque, Grant (Michael Rooker) es infectado por una criatura de origen extraterrestre. A pesar de que su mujer Starla (Elizabeth Banks) insiste en que vea a un médico, Grant no hace caso. Ni siquiera cuando su cuerpo empieza a experimentar serias mutaciones. Muy pronto, dejará a su aspirante a amante Brenda (Brenda James) embarazada. La criatura no es niño ni niña: son miles de babosas que invadirán el pueblo transformando a sus habitantes en zombis.

La trama a primera vista parece deudora del gran clásico de culto El terror llama a su puerta (Night of the Creeps, dir. Fred Dekker, 1986). En realidad lo que sucede es que ambas son homenajes a la ciencia-ficción de los cincuenta mezclado con el cine de terror ochentero. De hecho, Slither podría ser una película de los ochenta: mezcla comedia y terror y está plagada de referencias al cine de terror para los fans (al contrario que la moda Scream que encontramos en el cine reciente cuya manera de hacer "inteligentes" referencias es hacer que los personajes digan: "oh, esto es como una peli de terror"; braaavo).

El reparto de la película es excelente. Michael Rooker es adecuadamente repulsivo y "da cosica". Elizabeth Banks está muy divertida como la esposa de Rooker (en la ficción). Pero quien realmente despunta es el carismático Nathan Fillion, haciendo de sheriff. Es posible que recordéis a Fillion por sus apariciones en Buffy, cazavampiros, Firefly o la película que se hizo de la misma Serenity.

Slither es un gran ejemplo de lo mejor que puede dar de si la serie B cuando está hecha por alguien que la entiende y le gusta. Diversión asegurada.