Ya podéis leer lo que me pareció Los juegos del hambre: Sinsajo - Parte 2 (The Hunger Games: Mockingjay - Part 2, Francis Lawrence, 2015) en Underbrain Mgz, clicando aquí:
La épica conclusión de esta saga y la fantástica segunda parte En llamas han hecho que casi perdone a Francis Lawrence por las infumables Constantine y Soy leyenda.
Esta crítica será rápida y poco ortodoxa, ya que está hecha a partir de las pocas notas que tomé después de ver esta película en Syfy el sábado pasado. Y me decidí a hacerlo porque lo cierto es que no tenía ninguna intención de buscar o ver esta película, ya desde que la había visto mencionada en diversas páginas dedicadas al cine de terror la descarté. La razón es simple: una adaptación de un videojuego hecha directamente para la televisión/VOD/mercado doméstico pues, la verdad, es que no me despertaba ningún interés. Además, el que fuera una película de zombis tampoco me llamaba la atención, ya que el que fuera uno de mis subgéneros favoritos para mí estaba completamente quemado debido a la poca originalidad y cansina repetición de los títulos actuales de zombis.
Así, sin ninguna expectativa ni interés, empecé a verla y lo cierto es que me sorprendió la forma en que me enganchó. Nada más empezar y aparecer un fantástico zombi payaso enarbolando un hacha la película me ganó (ese y el zombi travelo fueron los que más me gustaron de los que aparecen en la película). La película está llena de detalles y momentos, como el zombi que pasa comiéndose al bebé que llevaba sujeto al pecho cuando estaba vivo, que ayudaron a que, aunque no es que sea nada original, me divirtiera y me lo pasara bien con los personajes.
No conozco el videojuego, no soy mucho de videojuegos ni consolas, así que desconozco hasta que punto es fiel o si lo que me gustó procede del juego, pero tiene detalles de la trama que me ayudaron a disfrutarla y que no fuera la misma peli de zombis que ya he visto un millón de veces o algo en la tediosa línea de The Walking Dead (prefiero ver directamente una película de George Romero en lugar de una vulgar copia). La acción se sitúa en una realidad en la que los brotes zombis son algo común y hay un medicamento para ello. Sin embargo, el medicamento deja de funcionar en uno de estos brotes y se crea una complicada situación para los que están atrapados dentro de la ciudad en la que aparecen los zombis.
Los que quedan atrapados dentro, Chase (Jesse Metcalfe), Crystal (Meghan Ory) y Maggie (Virginia Madsen) deben enfrentarse no solo a los zombis, también a un grupo de moteros que ha visto demasiadas veces Mad Max. Al otro lado del muro de la cuarentena, Jordan (Keegan Connor Tracy), compañera de Chase, investigará lo que parece una conspiración oculta tras este nuevo brote. Todo esto presentado de forma bastante entretenida, la única pega sería el uso de sangre CGI, haciendo un buen balance entre las escenas cómicas y las serias. En el aporte cómico destacaría los comentarios que se hacen desde un informativo que sigue la situación, hechos por Susan (Carrie Genzel) y Frank West (Rob Riggle).
Como ya he dicho, no me esperaba nada pero me lo pasé bastante bien con Dead Rising. En Syfy repiten bastante las películas, así que si la veis anunciada, recomiendo darle una oportunidad.
Película de culto más ochentera que unos calentadores, Neon Maniacs (Joseph Mangine, 1986) no ha perdido nada de su bizarro encanto. Aquellos que la descubran aquí no hace falta que me den las gracias, forma parte de mi misión en la vida.
Natalie (Leilani Sarelle, Roxy en Instinto Básico [Basic Instinct, Paul Verhoeven, 1992]) y su grupo de amigos han decidido salir de fiesta y pasar el rato de botellón en un parque. Además de ser tan adolescentes como el reparto de Grease (Randal Kleiser, 1978), son bastantes insoportables. Pero, tranquilos, no habrá que aguantarlos mucho ya que rápidamente son exterminados por un extraño grupo de mutantes asesinos (ver tráiler). Natalie queda comprensiblemente traumatizada, pero nadie la cree, aunque la policía investiga las desapariciones. Nadie, excepto Paula (Donna Locke), una "chavala" (si los de 17 los interpretan veintañeros, ya os podéis imaginar las edades de los personajes que representa que tienen 13 o 14 años) obsesionada con el cine de terror y ciencia ficción que descubre el lugar en el que se ocultan estas extrañas criaturas. Además, Natalie recibirá también el apoyo de Steven (Alan Hayes, luego Clyde Hayes), el cual está bastante interesado en conocer a Natalie en el sentido bíblico del término.
Esta es una de esas película que se nota que fue hecha por frikis para frikis. Solo hay que echarle un vistazo a las películas en las que trabajaron tanto el director Joseph Mangine como el guionista Mark Patrick Carducci. Es una lástima que problemas con el presupuesto impidieran rodar diversas escenas y la película no resulte tan espectacular como podría haber sido. Pero para haber sido hecha con cuatro duros, lo cierto es que tiene un look cuidado (Mangine trabajó principalmente como director de fotografía) y los maquillajes de los maníacos de neón están muy logrados.
Paula, la "niña" de la película sirve también como homenaje y guiño a los aficionados al género, un poco como Tommy lo era en Viernes 13. Último capítulo (Friday the 13th: The Final Chapter, Joseph Zito, 1984). Y hablando de Viernes 13. Último capítulo, Clyde Hayes es una de las víctimas de Jason en esa película. Y más Viernes 13: una de las amigas supervivientes de Natalie, Lorraine, está interpretada por Marta Kober, que fue Sandra en la segunda parte de la franquicia (vamos, que ya llevaba unos años haciendo de "adolescente").
Como ya he dicho, problemas con el presupuesto impidieron que el equipo pudiera rodar diversas escenas importantes, pero eso no quiere decir que la película carezca de momentos memorables. El que se lleva la palma, sin duda, es la masacre en la batalla de las bandas. Los mutantes irrumpen en una batalla entre la banda del prota, power pop a lo Rick Springfield o Tommy Tutone, y una banda rival del instituto, unos Twisted Sister de saldo. Se supone que los protas tenían que preparar a la gente, pero obviamente no lo hacen bien por fortuna para el espectador que disfruta de una entretenida masacre.
La edición en Blu-ray está agotada, solo se encuentra a precios desorbitados, pero resulta fácil de encontrar en DVD. Al fin y al cabo, teniendo en cuenta la época y el presupuesto, no es que de para una imagen en alta definición espectacular. Si podéis, os sugiero que le deis una oportunidad, ya no las hacen así.
Esta crítica llega con bastante retraso, pero Fox decidió que no valía la pena editar la versión extendida de X-Men: Días del futuro pasado (X-Men: Days of Future Past, Bryan Singer, 2014) que apareció este verano, conocida como The Rogue Cut ya que incorpora una subtrama con Pícara (Rogue) de protagonista, en Blu-ray en España y la editó solo en VOD. Esto me obligó a buscar una de las distintas ediciones en Blu-ray que hay de importación y esperar que llegara, y ver otras películas que tenía pendientes antes, y los pases de prensa, y, bueno, que ya la he visto (y los extras).
Al contrario de lo que dice Bryan Singer en el tráiler (abajo), The Rogue Cut es una versión extendida de la película, más que una versión alternativa, por lo menos esa fue mi impresión. Si no te gustó la versión estrenada en cines, esta versión tampoco te hará cambiar de idea. Pero si te gustó, será una experiencia más satisfactoria y completa, ya que, además de una mayor participación de la Pícara de Anna Paquin, se extienden escenas y se añaden detalles que le dan una mayor riqueza a los personajes y, por tanto, a la película.
The Rogue Cut es 17 minutos más larga, de modo que esta versión dura 148 minutos. Teniendo en cuenta las duraciones de este tipo de películas-evento no está fuera de la media, así que, después de verla, me costó un poco entender que Singer decidiera cortar un material realmente bueno. Según explican en el audiocomentario, tenían la impresión de que la misión de rescatar a Pícara se apartaba demasiado de la trama principal y que alejaría demasiado a los espectadores de la trama principal. Supongo que parte de razón tenían, pero al ver esta versión, la forma en que se incluye la escena, intercalada con lo que sucede en el pasado, resulta bastante efectiva.
Esta versión de la película, a pesar de su aparentemente larga duración, se me pasó bastante rápido. Como ya he mencionado, no solo es el añadido de Pícara a la película, pero muchos otros momentos repartidos a lo largo del film, que hacen que esta versión sea, para los fans, mucho más satisfactoria. También son bastante satisfactorios los extras, en especial los dos audiocomentarios que te explican por qué hay dos versiones, las complicaciones que tuvieron que superar para terminar la película y el origen de la idea para adaptar esta historia de La Patrulla-X, mientras rodaban X-Men: Primera generación (X-Men: First Class, Matthew Vaughn, 2011).
De toda la larga historia de La Patrulla-X, la única etapa que realmente me ha interesado y he leído muchas veces es la etapa de Chris Claremont y la historia de Días del futuro pasado, ideada junto a John Byrne, es una de las que más me gusta. Resulta curioso al leerla hoy día, ya que se trata de simplemente dos números en medio de largas sagas, pero tal vez por ello resulta más memorable. Así que cuando supe que se iba a llevar al cine me entusiasmé. Me alegró mucho que la película fuera tan buena y me gustara tanto. Por ello me alegro aún más de contar con esta versión extendida, que si os gustó la cinematográfica, seguro que os entusiasmará.
Hay películas malas que resultan aburridas o mediocres. Y hay películas tan malas que se convierten en toda una experiencia debido precisamente a su acumulación de errores, interpretaciones ineptas o cutrerío generalizado. Uno de los mejores ejemplos de este último caso es La noche del terror (Le notti del terrore, Andrea Bianchi, 1981).
La verdad es que no me acababa de decidir entre comentar esta película o La muerte tiene ojos (La sorella di Ursula, Enzo Milioni, 1978), pero al final me decidí por esta porque pensé que es más conocida y la gente entendería mejor lo que explico y porque no estoy seguro de querer que se sepa que conozco un film tan ultrasórdido como La muerte tiene ojos.
La noche del terror, más conocida por su título inglés Burial Ground: The Nights of Terror, fue dirigida por Andrea Bianchi, el mismo (ir)responsable de Desnuda ante el asesino (Nude per l'assassino, 1975). Pero mientras que se pueden encontrar algunos detalles que redimen lo que por otro lado es un festival de sordidez a la italiana como Desnuda ante el asesino, La noche del terror no hay por donde cogerla y la única manera de disfrutarla es como comedia involuntaria. Y, desde luego, nos ofrece muchos y diversos momentos de carcajada.
El argumento, por llamarlo de alguna manera, gira en torno a un grupo de amigos que van a visitar a un profesor (Raimondo Barbieri) amigo suyo, que me recuerda bastante al padre Abraham que cantaba con los pitufos. Lo que ellos no saben es que el profesor ha sido devorado por unos zombis de todo a 100 que ha despertado leyendo unos símbolos. Este grupo de amigos se enfrentará de forma bastante estúpida a unos zombis bastante listos.
Efectivamente, algo que podría haber dado gran resultado en una buena película aquí resulta desperdiciado: zombis inteligentes. Utilizan herramientas para matar e idean trampas, combinado con la típica actitud de zombi lento y estúpido. Pero nunca tan estúpidos como los vivos, que en ningún momento se les ocurre coger los coches en que han venido, que se encuentran en perfecto estado, para huir y salen corriendo de la casa aunque una de ellos tiene un tobillo lesionado.
Pero el elemento que más destaca en el film es Pietro Barzocchini que, usando el nombre Peter Bark, interpreta a Michael, el hijo pequeño de una de las parejas. Destaca porque Michael se supone que tiene unos doce años y Pietro tenía unos 26 años cuando lo interpretó. Con su pequeña estatura y un terrible doblaje se pretendía convencer al espectador de que Pietro era un niño pequeño. ¿Y por qué se hizo esto en lugar de buscar un niño actor? Pues porque después de un ataque zombi se produce una breve escena incestuosa entre Michael y Evelyn (Mariangela Giordano), su madre en la película. Es decir, prefirieron complicarse la vida para incluir una escena de incesto en su película de zombis en lugar de tener a un niño de verdad y eliminar el incesto. En fin, yo creo que fue una decisión acertada ya que la inquietante presencia de Michael proporciona grandes y bizarros momentos, en especial cuando lanza su inquietante mirada ojoshuever al espectador.
Creo que la mejor manera de ver La noche del terror es en grupo y con ganas de cachondearse de una película increíblemente cutre. Cutre por sus efectos, cutre por sus interpretaciones y cutre por su director. Diversión asegurada.
A juzgar por lo llena que estaba la sala en el pase de prensa, esta es una película que se esperaba bastante. No es de extrañar ya que es un film bastante potente.
Supongo que no dirá mucho de mí como persona que, ahora mismo, con la que está cayendo en Cataluña con la independencia y demás, yo esté más interesado en explorar la nueva edición de Arrow de las tres primeras entregas de la serie Hellraiser, la estupenda The Scarlet Box Limited Edition Trilogy que en lo que puedan decir los políticos que nos ha tocado sufrir. Pero así es, ya que lo que se inventó Clive Barker es más imaginativo y evocador que lo que se inventan los políticos.
La llegada de esta Scarlet Box me trajo de nuevo a la memoria no solo lo mucho que me gustan las películas de Hellraiser (me refiero, claro, a las tres primeras, del resto salvaría solo algunas partes de Bloodline), también la novela The Scarlet Gospels. En esta novela, Clive Barker retoma a los Cenobitas en su última aventura literaria.
Por supuesto, cuando Barker anunció la publicación de una novela en que explicaría la última y definitiva historia protagonizada por Pinhead y dijo, además, que Pinhead compartiría protagonismo con otro gran personaje suyo, el detective Harry D'Amour, las expectativas que tenía se desmadraron. Expectativas que tuve que restringir ya que Barker hace tiempo que abandonó el terror salvaje de sus primeros trabajos, y, a partir de Sortilegio (en inglés Weaveworld), sus novelas se inclinan más hacia la fantasía oscura. Aunque los elementos terroríficos aún se encontraban presentes en sus historias, ya no eran el foco.
Los seguidores de Barker y la franquicia ya saben que solo en la novela breve The Hellbound Heart (una de mis favoritas, publicada aquí con el título Hellraiser), Barker había usado a los Cenobitas literariamente (sin tener en cuenta los cómics). Por lo que, en realidad, el Pinhead que aparece en The Scarlet Gospels tiene más relación con el de las películas que con el de la novela.
Menciono esto porque la novela, en una primera lectura, me dejó algo descolocado. El inicio recuerda bastante al Barker de los primeros tiempos. A medida que avanza, sin embargo, se adopta un estilo más en sintonía con el Barker de El gran espectáculo secreto (lo cual no es un problema para mí porque esa novela me encanta). Sin embargo, sí me sorprendió la cantidad de humor presente en la novela, proporcionado por D'Amour y sus compañeros.
Pero con el tiempo, una vez habiendo digerido lo diferente que es esta novela de la anterior The Hellbound Heart y las películas, he ido apreciando más la historia. The Scarlet Gospels cuenta la odisea de Pinhead en su intento de hacerse con el control del Infierno, con D'Amour y sus amigos atrapados entre el Cenobita y las fuerzas infernales. Si bien todavía me cuesta aceptar el ordenado Infierno que Barker imagina, he podido apreciar mejor la historia en una segunda lectura. Para ello, hay que olvidarse de las películas y de la novela breve anterior y, simplemente, leer The Scarlet Gospels como una historia independiente en si misma, a pesar de las conexiones que Barker hace a lo largo de esta novela con sus anteriores trabajos.
Si uno puede aceptar esta historia por si misma, es posible que la disfrute mucho más, porque, como ya digo, se aparta radicalmente de todo lo anterior. The Scarlet Gospels mezcla terror, fantasía y novela negra para ofrecer al lector una experiencia que resulte memorable y lo logra en muchos instantes. Por lo tanto, es una novela que, tras leer de nuevo, recomiendo a los seguidores de Barker, Pinhead y el fantástico.
En el mundo del cine, la copia y la imitación se encuentran presentes
desde el principio. Los estudios de Hollywood han convertido la copia en
casi una necesidad para triunfar. Pero es el cine de género italiano el
que, durante los 70 y los 80, convirtió la imitación y la copia en un
arte que produjo títulos convertidos en clásicos por si mismos, como Poder maléfico (Chi sei?, Ovidio G. Assonitis, como O. Hellman, y Roberto D'Ettorre Piazzoli, como Robert Bertran, 1974), puesta en marcha a raíz del grandioso éxito de taquilla que fue El exorcista (The Exorcist, William Friedking, 1974).
Cuando Jessica Barrett (Juliet Mills) le cuenta a su marido Robert
(Gabriele Lavia) que está embarazada de su tercer hijo, extraños
fenómenos empiezan a tener lugar. El bebé está creciendo más rápido de
lo normal y Jessica muestra graves cambios de personalidad, dando la
apariencia de estar poseída. Aquí entra en escena el misterioso Dimitri
(Richard Johnson), un antiguo amante de Jessica que formaba parte de una
secta.
Por supuesto, Jessica vomita y gira la cabeza 360º como hacía la pobre Regan en el clásico de Friedkin, pero los realizadores de Poder maléfico también intentan superar los fenómenos de El exorcista. Por ejemplo, si en la película de Friedkin temblaba una cama y se movían objetos solos, en esta película tiembla toda una habitación llena de objetos poseídos, fenómeno al que hay que añadir un ejército de muñecas a las que se les iluminan los ojos. Además, Poder maléfico también toma prestadas muchas cosas de La semilla del diablo (Rosemary's Baby, Roman Polanski, 1968), lo que, irónicamente, le da su propia personalidad al film.
Esta mezcla de elementos, a lo que se ha de sumar una banda sonora de rock progresivo que se aprecia mejor en la versión sin cortes (107 minutos), junto a la locura y el sinsentido propios del cine de género italiano de la época, transforman Poder maléfico en un film tremendamente entretenido y divertido. Tanto que, en su época, fue un gran éxito, lo que provocó una demanada de la Warner por plagio. Otras imitaciones se habían estrenado, pero esta fue la único que obtuvo un notable éxito de taquilla en Estados Unidos cuando se estrenó con el título Beyond the Door, así que Warner decidió demandar para que no afectara al negocio que el estudio esperaba hacer con el reestreno de El exorcista y la secuela que estaba ya en marcha. Hay contradicciones en cómo acabó el asunto de la demanda (al parecer los dos ganaron, de algún modo). Lo curioso es que, aunque es obvio que Chi sei? se puso en marcha con la intención de aprovecharse del éxito de El exorcista, los fenómenos que aparecen en el film de William Friedkin no fueron creados para el film: eran adaptaciones de fenómenos registrados por exorcistas católicos, apareciendo algunos ya en el film El demonio (Il demonio, Brunello Rondi, 1963), como la poseída caminando a cuatro patas como una araña.
En todo caso, Poder maléfico se mantiene como una película entretenida y divertida, con una personalidad propia a pesar de todo lo que coge de otras películas.
Aparte de que seguro que funciona mejor en VOSE que doblada, la cantidad de buenas películas de terror que se han estrenado últimamente tal vez provoque que esta peli más bien normalita pase desapercibida, aunque tampoco está tan mal y resulta entretenida.
Si os habéis fijado en el lema que hay bajo el nombre de este blog, os habréis dado cuenta de lo mucho que me gusta esta pequeña maravilla de fantástica atmósfera decadente. Vicios prohibidos (Il tuo vizio è una stanza chiusa e solo io ne ho la chiave, Sergio Martino, 1972) fue el cuarto giallo que dirigió Martino y uno de los mejores del género.
El film adapta de forma bastante libre el clásico relato de Edgar Allan Poe El gato negro, aunque incluye sus elementos y motivos más significativos, manteniéndose bastante fiel al espíritu de Poe. Oliviero (Luigi Pistilli) es un escritor en crisis, que intenta ahogar en alcohol sus frustraciones y disfruta humillando y abusando de su sufrida esposa Irina (Anita Strindberg). Unos brutales asesinatos empiezan a tener lugar en el pueblo e Irina sospecha que su esposo puede estar involucrado, haciendo aún más tensa y peligrosa la de por sí ya degenerada relación del matrimonio. La llegada de la guapa sobrina de Oliviero, Floriana (Edwige Fenech), complicará aún más las cosas, creándose un enfermizo triángulo.
Para los aficionados al género, este es un film que llama la atención por la forma en que, ya en una fecha tan temprana como 1972, juega con los tópicos del giallo para desmontarlos y confundir al espectador, en el buen sentido, que espera con curiosidad y ansia ver qué sucederá a continuación. Por supuesto, la familiaridad con el relato de Poe hace que uno ya tenga cierta idea de como acabará todo, pero a pesar de ello Martino consigue sorprender ofreciendo una historia cargada de perversidad y, como decía al principio, una fantástica atmósfera decadente.
Uno de los elementos clave en el éxito del film se halla en su guion, pero es la brillante interpretación de Fenech, dentro de un reparto principal sobresaliente, que logra que este guion seduzca al espectador. Tras haber interpretado a las sufridas víctimas protagonistas de los previos gialli de Martino La perversa señora Ward (Lo strano vizio della Signora Wardh, 1971) y Todos los colores de la oscuridad (Tutti i colori del buio, 1972), en esta ocasión la reina del giallo interpreta a un personaje perverso y oscuro, que se dedica a jugar con Oliviero e Irinia, metiéndose en la cama de ambos y dirigiendo sus mutuas animosidades. Un papel que permitió mostrar las habilidades de Fenech como actriz, más allá de su belleza y presencia carismática.
Esta película es también bastante popular por su largo y genial título. Desde luego, Vicios prohibidos resulta bastante soso y vulgar cuando lo comparamos con el original italiano Tu vicio es una habitación cerrada y solo yo tengo la llave. Los seguidores del género y de Martino ya sabrán que es una frase que apareció por primera vez en La perversa señora Ward, en uno de los anónimos que recibe la sufrida protagonista. Martino observó que era una frase que había llamado mucho la atención y decidió aprovecharla como título, dándole al film una notoriedad extra. Pero la película ofrece mucho más que un título llamativo, además de las brillantes interpretaciones del trío protagonista y un guion retorcido. Nos ofrece escenas brillantes cargadas de suspense, como una en el estudio de Oliviero que más tarde tomaría prestada El resplandor (The Shining, Stanley Kubrick, 1980).
Es un film muy recomendable para los que quieran ver una buena película de suspense mezclada con un perverso drama psicológico y casi que indispensable para los amantes del giallo. Una película que es una delicia verla y oírla, gracias a la genial banda sonora de Bruno Nicolai.
Supongo que quedará claro que me lo pasé muy bien con esta entrega de las aventuras de James Bond, solo espero que puedan mantener el nivel en el futuro.
