Las Tortugas Ninja (las originales)

 

 

Michelangelo, Donatello, Raphael, Leonardo, conocidos por todos como las Tortugas Ninja, Teenage Mutant Ninja Turtles (TMNT), protagonizan una franquicia mainstream que cuenta con diversas series de animación, películas, videojuegos y suficiente merchandising como para hundir un par de transatlánticos. Por eso no está de más recordar que todo empezó con un cómic en blanco y negro, independiente y muy violento, creado por dos artistas, Kevin Eastman y Peter Laird, sin muchas esperanzas de que se vendiese el único número que tenían pensado publicar. El resto es una historia que los fans ya conocen y los que no tienen muchos otras páginas para ver la evolución de cómic independiente a fenómeno social. Aquí nos centramos en las películas originales inspiradas por la creación de Eastman y Laird.

En la película, la ciudad de Nueva York sufre una ola de crimen sin precedentes. La periodista April O'Neal (Judith Hoag) cree que hay una misteriosa organización tras estos crímenes. Para callarla, el malvado Shredder (James Saito), líder del clan del Pie, envía a sus secuaces tras ella. Pero April es salvada por cuatro misteriosas figuras. Sus salvadores resultan ser cuatro tortugas ninja adolescentes mutantes: Michelangelo (Michelan Sisti/Robbie Rist voz), Donatello (Leif Tilden/Corey Feldman voz), Raphael (Josh Pais) y Leonardo (David Forman/Brian Tochi voz). Entrenados por su maestro/padre Splinter (Kevin Clash voz) para enfrentarse al clan del Pie y con algo de ayuda del justiciero Casey Jones (Elias Koteas), la batalla por el alma de Nueva York acaba de empezar.

Al igual que el cómic que la inspiró, Las Tortugas Ninja (Teenage Mutant Ninja Turtles, Steve Barron, 1990) era una pequeña película independiente que se convirtió en un fenómeno de taquilla. El proyecto de hacer una película basada en el cómic había hecho las rondas por los estudios y había rechazado por todos: el cómic había sido un inesperado gran éxito, pero no dejaba de ser un cómic independiente, es decir que no era conocido por el gran público, solo por los aficionados al cómic. La serie de animación había sido otro gran éxito, pero centrado en el público infantil. En otras palabras, era un concepto bizarro y desconocido para la mayoría de los estudios y no lo veían viable.

Eventualmente, el cómic llegó a las oficinas de Golden Harvest, el estudio de Hong Kong que había producido grandes clásicos del cine de acción como las películas clásicas de Bruce Lee, Armas invencibles (Police Story) (Ging chaat goo si aka Police Story, Jackie Chan, Chen Chi-Hwa 1985) y un largo etcétera. Raymond Chow tampoco entendía el concepto, pero podía ver que podía ser una película con acción no muy distinta de las que solían producir. Golden Harvest contactó con Steve Barron, que junto, al productor Simon Fields se encargaron de poner en marcha el proyecto.

Barron había trabajado con el estudio de Jim Henson en la serie El cuentacuentos (Storyteller, 1987-1988), de modo que sabía que Henson era el indicado para crear unas tortugas ninja creíbles y que no tendrían bastante dinero para hacerlo con el bajo presupuesto asignado por Golden Harvest. De nuevo, empezó la ronda por los estudios para encontrar alguno que pusiera el dinero que faltaba. Todos los rechazaron, otra vez. El único que aceptó invertir el resto del dinero necesario era New Line, un estudio independiente (años más tarde comprado por Warner Bros) que había hecho fortuna con la franquicia Pesadilla en Elm Street.

Henson inicialmente era reticente a trabajar en la película, ya que le preocupaba el contenido violento. Al final aceptó por su relación con el director. Que Henson aceptara al final participar en el proyecto fue toda una bendición para la película. El estudio de Henson creó los complicados animatrónicos responsables de dar vida a las Tortugas Ninja. Cada tortuga tenía dos marionetistas asignados a manejar las máscaras, más el actor que iba dentro del traje, más el actor que ponía la voz y los dobles de acción. Era un trabajo muy complejo, eso sin mencionar a Splinter, que era una marioneta animatrónica muy sofisticada.

Además del trabajo de Henson, la película destaca por ser una adaptación muy fiel del cómic original. Se basa en el arco de los cuatro primeros números y las miniseries aparecidas hasta entonces, en ocasiones incorporando diálogos palabra por palabra y replicando escenas del cómic. Dicho esto, se utilizaron elementos provenientes de la serie de animación en la versión cinematográfica: el amor de las Tortugas Ninja por la pizza, los antifaces de distintos colores y que April es una periodista en lugar de una científica. También se redujo bastante en la adaptación la violencia de los cómics, para que la película fuera apta para todos los públicos. Lo que no impidió que hubiera quejas de los padres por considerarla excesivamente violenta, seguramente porque solo conocían la serie de animación y desconocían que la base de la película no era esta.

La película de Barron maneja bien un tono que es serio, oscuro en ocasiones, sin dejar de lado el humor y la acción, esta última con el sello de garantía de Golden Harvest. En este sentido hay que destacar el increíble trabajo de los dobles de acción, capaces de hacer la acción creíble cargando con un pesado traje a través del cual apenas podían ver.

Las Tortugas Ninja es una de esas raras películas que son realmente para todos los públicos, que pueden disfrutar adultos y niños, ya que no es "infantil" pero tampoco es una cinta de acción solo para adultos. Un interesante equilibrio, que no se volvería a repetir hasta mucho más tarde en la franquicia.

 

  

 

El éxito de la primera entrega hizo que se pusiera en marcha rápidamente una secuela que llegó apenas un año después: Las Tortugas Ninja II: El secreto de los mocos verdes (Teenage Mutant Ninja Turtles II: The Secret of the Ooze, Michael Pressman, 1991).

En esta ocasión, las Tortugas descubren de dónde proviene el mutágeno que las convirtió en lo que son. Pero Shredder regresa de entre los muertos y también descubre el mutágeno, utilizándolo para crear mutantes con la intención de destruir la ciudad. Las Tortugas deberán de nuevo luchar para salvar Nueva York, con la ayuda de April (Paige Turco) y Keno (Ernie Reyes Jr.). 

Debido al éxito de la primera entrega, en esta segunda los ejecutivos estaban más encima para asegurar que la película era otro gran éxito. Escuchando las críticas hacia Las Tortugas Ninja, se rebajó la violencia, con escenas de acción en las que las tortugas no utilizan sus armas. El tono es también mucho más ligero y se hace más énfasis en la comedia, apartándose del cómic para crear su propia historia. También se cambió a la actriz que interpretó a April y tampoco regresó Elias Koteas como Casey Jones. En su lugar se creó a Keno, un personaje hecho a medida de Ernie Reyes Jr. que había llamado la atención de los cineastas por su talento realizando las escenas de acción en la primera.

La secuela pierde el filo de la primera, no hay ni una insinuación de oscuridad, pero la comedia y el rápido ritmo hacen de este un film muy entretenido. Una segunda entrega que continua la historia de la primera, como ya he mencionado sin tener en cuenta el cómic, añadiendo personajes curiosos como un par de mutantes estrambóticos. También hace una aparición Vanilla Ice, un rapero que fue un fenómeno a inicios de los 90 que luego, afortunadamente, desapareció de la escena musical.

Así, aunque no es tan buena como la primera, Tortugas Ninja II también cuenta con sus virtudes. La principal sería que se mejoró la tecnología de los animatrónicos, haciendo que las Tortugas fueran aún más expresivas que en la primera entrega. Es el punto álgido en lo que se refiere a las Tortugas de imagen real. No sé si considerarlo un efecto especial, pero la presencia de David Warner, que hizo la película por su hija, también le da un toque de respectabilidad.

 

 

 

Las Tortugas Ninja III (Teenage Mutant Ninja Turtles III, Stuart Gillard, 1993) tardó algo más en llegar. La segunda entrega había sido otro éxito de taquilla pero Kevin Eastman y Peter Laird no estaban nada contentos con su tono más infantil, así que eran algo reticentes a dar el OK a otra película. Las Tortugas Ninja III se puso en marcha gracias a la promesa del director de regresar al tono de la primera entrega, Stuart Gillard la presentó como un homenaje nada menos a Los siete samuráis (Shichinin no Samurai, Akira Kurosawa, 1954). El resultado final, no hace falta que lo diga, quedaba bastante lejos de Los siete samurái.

Cuando April (Paige Turco) es enviada atrás en el tiempo al Japón del siglo XVII accidentalmente por culpa de un pergamino mágico, las Tortugas acuden a rescatarla. Allí se verán envueltas en una lucha entre clanes, donde se encontrarán a un antepasado de Casey Jones (Elias Koteas).

Esta tercera entrega es despreciada por los fans. Tiene dos graves problemas: el primero que el guion tiene un tono esquizofrénico, intentando ser más serio pero, al mismo tiempo, seguir el estilo de la segunda para no perder al público infantil. El segundo es que el estudio Henson ya no se encargaba de hacer los trajes y se nota. Tienen un aspecto artificial, de plástico. Por un lado, la piel tiene un verde brillante y las manchas se notan excesivamente en lugar de estar más difuminadas sobre la piel como en las anteriores. Por otro lado, el director las filma a plena luz del día, mientras que en las anteriores siempre se rodaban de noche o en la sombra, con lo que se notan aún más las limitaciones de los trajes.

Pero la película lo intenta. No hace una historia rutinaria para mantener la franquicia sino que crea una historia de viajes en el tiempo, si bien es cierto que podría haber sido más interesante si se hubiera manejado mejor. O haber hecho como en los cómics y tratar el origen del Clan del Pie.

No me parece tan abominable como a los fans de la franquicia, pero, desde luego, no está al nivel de las dos anteriores.

 

 

 

Como una especie de bonus track y lidiar mejor con la algo decepcionante tercera entrega,  he decidido incluir Tortugas Ninja Jóvenes Mutantes (TMNT, Kevin Munroe, 2007) en este artículo. Tengo dos razones de peso: regresa al tono de la primera Las Tortugas Ninja y presenta personajes que luego fueron incorporados a la mitología de los cómics.

April O'Neil (Sarah Michelle Gellar) hace lo posible para reunir de nuevo a las Tortugas Ninja, ahora que hay un antiguo mal que ha vuelto a la vida para amenazar al planeta. 

La película funciona como una continuación de la trilogía original, en especial de la primera, sin repetir nada de lo ya visto. Las Tortugas se enfrentan a un nuevo enemigo, lo que da pie a enfrentamientos con nuevas criaturas. Su mayor logro es navegar entre ser apta para todos los públicos y el tono más "adulto" de los cómics. La animación, para la época, es notable aunque yo siempre he preferido la animación en 2D, a no ser que sea algo más experimental como en Spider-Man: Cruzando el Multiverso (Spider-Man: Across the Multiverse, Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson, 2023).

Es una lástima que la película no acaba convirtiéndose en la primera de una trilogía. Esta era la idea, pero se abandonó cuando el director Kevin Munroe abandonó por las consabidas "diferencias creativas" y el estudio Imagi Animation acabó bajando la persiana. Pero es una adición interesante a la franquicia, que tras la trilogía original no ofreció ninguna película interesante. Ninja Turtles: Caos mutante (Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem, Jeff Rowe, Kyle Spears, 2023) tiene valor por su estilo de animación, pero la historia no es particularmente original.

Estas son las películas que creo son lo mejor de esta franquicia hasta la fecha. Espero que alguien se anime a adaptar al cine The Last Ronin, aunque creo que no llegará nunca.

 

Crystal Lake

 

 

Al final se hizo realidad. La nueva largamente rumoreada serie de televisión inspirada en el universo Viernes 13 se estrenó para alegría de (la mayoría) de los fans. Crystal Lake ha sido un gran éxito y seguramente tendrá una segunda temporada. Como fan de la saga Viernes 13, por supuesto que iba a verla y comentarla aquí, como he hecho con la mayoría de cosas relacionadas con la franquicia. Pero no quería verla de una sentada en un atracón, sino espaciar los episodios para poder digerirla bien.

Lo primero que pensé fue: "mierda, se han cargado mi cronología". Hace justo 13 años, escribí una cronología basándome en lo que sucedía en las películas. En la original Viernes 13 (Friday the 13th, Sean S. Cunningham, 1980), el prólogo transcurre en 1958, pero la serie concentra la acción en los 70 del siglo XX. Esta es una de las muchas maniobras que hacen los guionistas para cumplir el objetivo principal de la serie: que la saga de películas original tenga sentido.

Entre otros muchos sinsentidos y contradicciones de la mitología de la saga, el principal sinsentido es el que le da origen: en la primera entrega Jason es el hijo muerto de Pamela Voorhees, en la segunda Jason es un señor mayor con un saco en la cabeza. Esto es así porque no fue una franquicia planeada, la primera película arrasó en taquilla y, para poder continuar exprimiendo el éxito, se fueron inventando la historia sobre la marcha. Cada director y guionista creaba su propia mitología sin tener en cuenta la continuidad o lo que se había hecho en anteriores secuelas. La serie reescribe la cronología para poder darle un sentido más o menos lógico a lo que sucede en las películas. También cambia la naturaleza de Jason para explicar su presencia secuela tras secuela, lo mismo que quisieron hacer en Viernes 13 IX: El viernes final (Jason Goes to Hell: The Final Friday, Adam Marcus, 1993). Por ello esta secuela fue muy atacada en su momento, igual que lo ha sido Crystal Lake, aunque no en el mismo grado y su explicación ha sido mucho más aceptada que la de la novena entrega.

Dejando de lado estos detalles que solo importan a los fanáticos de la saga, la serie es todo un éxito en cómo lleva el terror y el slasher al formato televisivo. El drama y el misterio mezclado con los asesinatos sangrientos pasados de vueltas característicos de Viernes 13 ha resultado ser una fórmula ganadora. Linda Cardellini es una estupenda Pamela Voorhees, un personaje esencial pero poco desarrollado en las películas. Lo único que falta es una mayor cantidad de desnudos y sexo, algo que el showrunner Brad Caleb Kane ya ha comentado que fue vetado a pesar de sus esfuerzos por incluirlo, no queda claro si por el canal o uno de los estudios implicados en la producción. Típica mentalidad de estudio americano: violencia OK, sexo y desnudos NO OK.

Para mí, uno de los atractivos de Viernes 13 es que tenía una continuidad que no tenía sentido. Pero, a pesar de que uno de los objetivos de Crystal Lake es darle sentido a la continuidad, lo hace contradiciendo también lo que sucede en la película original. Visto así, la serie sigue la tradición de las películas. Y por ahí me ganó, además de con una historia interesante y brutales efectos especiales.

 

Trilogía Cold Prey

 

 

¿Cuántas trilogías slasher noruegas conocéis? Yo sólo la formada por las tres entregas de Cold Prey, tal vez porque es la única que existe. Y es una lástima que no haya más producción noruega de terror, ya que esta es una trilogía muy sólida que capaz de proporcionar grandes dosis de terrorífico placer a los fans del género.

Cold Prey (Fritt vilt, Roar Uthaug, 2006) es el punto de partida. Jannicke (Ingrid Bolsø Berdal), Eirik (Tomas Alf Larsen), Morten Tobias (Eolf Kristian Larsen), Ingunn (Viktoria Winge) y Mikal (Endre Martin Midstigen) son un grupo de amigos que parten hacia las montañas para practicar snowboard. Eirik los lleva a un lugar algo apartado para evitar a los turistas y disfrutar de una experiencia más auténtica. Cuando Tobias sufre una mala caída y se rompe una pierna, sin embargo, encontrarse tan apartados resulta un gran problema. El grupo decide refugiarse en un hotel de montaña que parece abandonado desde mediados de los 70. Deciden pasar la noche allí y partir en busca de ayuda a la mañana siguiente. Pero alguien muy peligroso y muy demente, el Montañero (Rune Melby) ha establecido su residencia en ese hotel, alguien que decide dar caza uno a uno al grupo de amigos.

Cold Prey llegó en un momento no malo, pero si poco imaginativo dentro del cine de terror. La producción americana dominaba el género, se había producido el relevo entre la explosión de J-Horror y el mal llamado torture porn. El found footage todavía coleaba con producciones cada vez menos interesantes y la fiebre de los remakes de clásicos estaba subiendo. Y aquí llegó esta producción noruega que era un clásico slasher. No una reinvención ni una irónica explotación de los clichés del género, sino un slasher puro en el que un grupo de amigos son asesinados por un misterioso enmascarado; llamado en los títulos de crédito con un nombre que se puede traducir como el Hombre de la Montaña, aunque yo prefiero llamarlo el Montañero, que suena más slasher.

Noruega no era un país conocido por su cine de terror, la única producción contemporánea se había estrenado poco antes que Cold Prey: Bosque tenebroso (Villmark, Pål Øie, 2003). Fue, de hecho, el éxito de Bosque tenebroso el que puso en marcha la idea de producir un slasher a los productores. Esto coincidió con facilidades en la financiación por parte del gobierno noruego para producir películas que fueran más aceptadas entre los noruegos, abriendo la puerta al cine de género. Esta era también una manera de producir películas que pudieran tener vida fuera del país. Y así fue con el film de Roar Uthaug, que tiene un atractivo muy universal. Los increíbles paisajes noruegos son la mayor indicación de su procedencia, la historia y los personajes resultan muy universales, incluso ambientar la historia en un paisaje nevado ya se había dado en algunos slashers americanos como Shredder (Greg Uson, 2003) o The Chill Factor aka Demon Possessed (Christopher Webster, 1993) (ya sé que esta no es un ejemplo puro del género, pero contiene trazas de slasher).

La simple eficacia de la trama mezclado con la gran habilidad del director para crear escenas de suspense, aumentando la tensión a medida que avanza el film, son los principales responsables del gran resultado final. Un film cuya falta de pretensiones y claro objetivo hacen fácil disfrutarlo de principio a fin. Tampoco podemos olvidar a la final girl, Jannicke es una gran adición al panteón de heroínas slasher que seguramente sería más popular sino fuera que, al ser noruega, no ha tenido la mismo exposición que sus contrapartidas americanas.

La sólida ejecución y su universalidad hicieron de esta película un gran éxito, como es obvio por este artículo, las secuelas no tardarían en llegar.

 

  

 

Cold Prey II (Fritt Vilt II, Mats Stenberg, 2008) se puso en marcha de forma bastante rápida. La acción arranca al poco de acabar la primera película. Jennicke es llevada a un hospital para recuperarse de sus heridas, mientras la policía investiga para determinar la veracidad de su historia. El hospital al que llevan a nuestra heroína está a punto de ser cerrado, solo hay el personal mínimo y un par de pacientes, de modo que la llegada de la policía y la nueva paciente causa gran impacto. Este impacto se hace más grande cuando la policía llega con los cadáveres de los amigos de Jannicke y su asesino. Durante la noche, el cadáver del Montañero (Robert Follin) vuelve a la vida y empieza una nueva matanza.

Como queda claro por la sinopsis, para justificar el regreso del Montañero se añade un elemento sobrenatural a la película, expandiendo la mitología del personaje a medida que la trama se va desarrollando. Esto le añade más colorido a esta secuela, que es de esas pocas secuelas que está a la altura de la original y en algunos momentos la supera. Los fans del género habréis notado rápidamente la correlación entre esta secuela y su precedente y La noche de Halloween (Halloween, John Carpenter, 1978) y ¡Sanguinario! (Halloween II, Rick Rosenthal, 1981). Empezar a partir del final de la anterior y la ambientación en un hospital hace inevitable pensar en ello, pero esta secuela también se inspira en cómo Aliens: El regreso (Aliens, James Cameron, 1986) continuó a partir de Alien - El octavo pasajero (Alien, Ridley Scott, 1979). Esta secuela aumenta la acción y tiene un mayor número de víctimas, así como Jannicke se "ripleyza".

El director Mats Stenberg hace un gran trabajo con la acción y las escenas de asesinatos más elaboradas, creando una secuela que es más trepidante y emocionante que la anterior. Para mí es semejante a  como conectan Hellraiser, los que traen el infierno (Hellraiser, Clive Barker, 1987) y Hellbound: Hellraiser II (Tony Randel 1988), la primera una historia de terror íntima pero muy efectiva, la segunda una película que le da un toque épico a la historia sin perder la esencia.

Esta excelente segunda entrega fue otro gran éxito, ¿podrían los cineastas mantener el nivel en la tercera entrega?

 

  

 

Para Cold Prey III (Fritt vilt III, Mikkel Brænne Sandemose, 2010) los productores decidieron coger la ruta de la precuela. Se expande algo de lo que ya conocemos en las dos entregas anteriores, para darle una nueva interpretación, y luego pasar a finales de los 80. Entonces se nos presenta el clásico grupo de amigos que decide hacer un viaje improvisado para acampar en un lago. Allí, el Montañero (Endre Hellestveit) los matará uno a uno, en una historia que llena huecos en la historia de este asesino brutal.

Cuando compré originalmente estas películas en DVD en su día, lo hice en un pack que incluía también la película El placer de la caza (Rovdyr, Patrik Syversen, 2008), otra producción noruega que hacía homenaje al cine de terror salvaje inspirado en Las colinas tienen ojos (The Hills Have Eyes, Wes Craven, 1977), pero ambientado en un bosque. Esta tercera entrega de Cold Prey tiene bastante en común con la película de Patrik Syversen. En la precuela se abandonan los parajes nevados para trasladar la acción a un espeso bosque, con el Montañero acechando a los protagonistas al estilo de El terror final (The Final Terror, Andrew Davis, 1983) o Pánico antes del amanecer (Just Before Dawn, Jeff Lieberman, 1981).

Este cambio de escenario va acompañado de un cambio de tono. Esta película es más violenta y oscura, partiendo del hecho de que al empezar ya sabemos que los personajes están condenados. Es una precuela y la existencia del Montañero es un secreto al inicio de la primera película. Esto hace que la trilogía no se haga aburrida, ya que cada una ofrece una experiencia distinta, pero también hace que esta precuela sea la más floja de las tres. La más floja comparada con las dos anteriores, sigue siendo un brutal ejemplo de sólido slasher moderno.

En conjunto, esta es una de esas raras trilogías dentro del género en que todas las entregas tienen un gran nivel de calidad y son tremendamente entretenidas, aunque el hecho de que las dos primeras se puedan ver como una sola película hace que la tercera quede algo desconectada. Si no las conocías, son perfectas para ver seguidas en plan maratón.

 

Trilogía A Better Tomorrow

 

 

Hay pocos directores que puedan presumir de haber creado todo un género, pero con la trilogía A Better Tomorrow John Woo hizo exactamente eso. Marcó un antes y después, rescatando su carrera del abismo al mismo tiempo.

A Better Tomorrow (Ying hung boon sik, 1986) cuenta la historia de Sung Tse-Ho (Ti Lung), un contrabandista que se deja arrestar para salvar a Shing (Waise Lee), un ingenuo recién llegado a la banda. Tras cumplir condena espera reunirse con su hermano Sung Tse-Kit (Leslie Cheung), que es policía. Kit no sabía nada de las actividades criminales de su hermano hasta que lo arrestaron, un hecho que ha perjudicado su carrera dentro de la policía y por ello recibe a Ho con rencor y odio. Después de este pobre recibimiento, Ti descubre que su compañero Mark (Chow Yun-Fat) ha pasado de ser admirado por sus compañeros a convertirse en objeto de desprecio, debido a las heridas que sufrió vengando la traición  a Ho. Para acabar con esta pobre puesta al día, Ho descubre que aquel ingenuo que salvó de la cárcel es ahora el jefe de la organización. Ho quiere olvidar su pasado criminal pero deberá implicarse de nuevo para salvar la vida del hermano que le odia.

Esta historia nos presenta una trama clásica, lo que no resulta extraño ya que se trata de un remake de la película The Story of a Discharged Prisoner (Ying xiong ben se, Kong Lung, 1967). Una historia clásica, sí, que salvó las carreras de su director y los actores protagonistas. John Woo inició su carrera rodando películas de acción de artes marciales, siguiendo los pasos de su mentor Chang Cheh, director de clásicos como El espadachín manco (Dubei Dao, 1967). Pero tras el éxito de la comedia Money Crazy (Fat chin hon, 1977) se vio encasillado en este género, forzado a dirigir una comedia tras otra. Amargado y deprimido, sopesando dejar el mundo del cine, Woo estaba en su peor momento cuando Tsui Hark le rescató.

Woo y Tsui habían trabado amistad cuando el segundo empezaba su carrera como director. Después de que tres de sus primeras películas fueran fracasos de taquilla, Tsui tenía serias dificultades para encontrar trabajo cuando Woo convenció a los directivos de Cinema City para que contrataran a Tsui, ya que consideraba que era un gran talento. Gracias a la intervención de Woo, Tsui fue contratado e inició una exitosa carrera como director y productor. Pasado el tiempo, Tsui, ahora una figura con cierta influencia, decidió devolverle el favor a Woo y sacarlo del pozo en el que los ejecutivos lo habían metido. Ambos habían hablado de hacer una nueva versión de The Story of a Discharged Prisoner durante mucho tiempo y había llegado el momento de hacerlo realidad. Sin embargo, la idea que tenía Tsui era hacer una versión que estuviera protagonizada por tres actrices, la principal sería Michelle Yeoh. Este enfoque no convenció a Woo que prefería mantener los protagonistas masculinos como en la original. Tsui aceptó, animando a Woo a que se hiciera la película suya. Por primera vez, Woo vio la oportunidad de crear una película que fuera suya, un proyecto personal. Luego, ambos llevaron A Better Tomorrow a los jefes de Cinema City.

Los jefes del estudio no estaban muy convencidos de tener a Woo como director, pero la idea de tener en el reparto a la estrella emergente Leslie Cheung les acabó convenciendo. Por suerte no sabían que Tsui y Woo tenían pensado contratar a Chow Yun-Fat. Entonces, Chow era considerado veneno para la taquilla, un popular actor de televisión que había protagonizado tres películas cinematográficas y las tres habían sido fracasos, de ahí que muchos dieran ya por terminada su carrera en el cine. La elección del protagonista tampoco habría entusiasmado a los ejecutivos: Ti Lung, un actor popular en la década de los 70 como una estrella de títulos wuxia, pero que ahora se veía pasado de moda como las películas que protagonizó.

Es por esto que Woo, Chow y Lung se tomaron el proyecto como algo personal. Los tres eran visto como artistas acabados sin nada que aportar. Esta película era su oportunidad de demostrar lo muy equivocados que estaban sus detractores. Y, a pesar todo, la película casi no se estrena. Cuando los directivos la vieron consideraron que era terrible, que sería un fracaso y era mejor guardarla en una estantería. Por suerte, tras las muy positivas reacciones en un pase previo, cambiaron de idea y la película se estrenó.

A Better Tomorrow fue todo un fenómeno. Rompió todos los récords de taquilla, la crítica la celebró, fue un éxito sin precedentes. Ti Lung vio su carrera revitalizada y Chow Yun-Fat de repente se vio convertido en una gran estrella que todos querían contratar. Pero lo más impactante fue el estilo con el que Woo había rodado las escenas de acción. El público no había visto nada igual y rápidamente empezaron a surgir imitadores. Había nacido lo que en Occidente se conoce como heroic bloodshed o bullett ballet.

Woo no tenía intención de crear un nuevo género. Desde su punto de vista, simplemente trasladaba los temas y la acción de las películas wuxia a un entorno contemporáneo. Se trataba de cambiar las espadas por las pistolas. Pero el hecho de que por primera vez, tras 12 años trabajando como director, tuviera la oportunidad de expresarse libremente, de dar rienda suelta a la visión que él tenía de lo que era una buena escena de acción, hizo que desarrollara un estilo nunca visto antes. Pero no fue solo la acción, la historia de estos hombres determinados a hacer justicia, que se negaban a traicionar sus principios, conectó también con el público.

A Better Tomorrow fue un éxito descomunal en todos los niveles. Y, por supuesto, esto significaba que, inevitablemente, se iban a producir secuelas.

 

 

 

Si la producción de la primera A Better Tomorrow reflejaba los valores de la amistad, de un grupo de artistas trabajando juntos para crear con éxito una obra de arte, la producción de A Better Tomorrow II (Ying hung boon sik II, John Woo, 1987) fue todo lo contrario. Durante el rodaje de esta película la amistad entre Tsui Hark y John Woo se rompió.

Esta vez Ho y Kit  se ven obligados a trabajar como agentes encubiertos. El objetivo es destapar las acciones criminales de Lung Tsi (Dean Shek). Pero, en realidad, este es inocente y se le ha tendido una trampa para que parezca culpable. Los tres deberán enfrentarse a un gran grupo criminal, contando con la ayuda de Ken (Chow Yun-Fat), el hermano gemelo de Mark.

El grandioso éxito de A Better Tomorrow provocó que surgieran como setas imitadores, películas que copiaban el argumento o el estilo de acción de este clásico. Esto hizo que la presión para estrenar una secuela aumentara sobre Tsui y Woo. Woo tuvo la idea de hacer una precuela que tratara sobre cómo se conocieron Mark y Ho, ambientada a finales de los 60 en Vietnam. Esto enlazaría con una escena de la primera entrega en la que Mark cuenta una aventura que tuvieron en Vietnam. Pero la secuela tenía que contar sí o sí con Chow Yun-Fat que ahora era una gran estrella y la precuela tendría a actores más jóvenes interpretando a los personajes. De modo que Tsui tuvo la idea de hacer una secuela que contara con Chow interpretando al hermano gemelo de Mark. La idea no entusiasmó a Woo, pero aceptó. Además, Tsui y Woo querían ayudar a Dean Shek, que pasaba una crisis de confianza y quería abandonar la industria, y le dieron el papel de Lung Tsi, un papel dramático que no era habitual para el actor.

Tsui culpa a lo que sucedió entre él y Woo a las presiones y tensiones por tener lista la secuela en cuestión de meses. Se empezó a rodar sin tener el guion terminado, mientras Woo rodaba en Estados Unidos escenas con Chow y Shek, Tsui rodaba escenas en Hong Kong con el resto del reparto. Woo no estaba muy contento de cómo avanzaba la historia, así que se centró en las escenas de acción. Todo era muy tenso y frenético.

Para poder estrenar la película a tiempo, se puso a todos los editores que trabajan en Cinema City a editar escenas. Y aquí es donde surgieron los problemas entre Tsui y Woo. El director presentó su versión de la película que rondaba las dos horas y media. Se consideró que era demasiado larga y el estudio masacró la película para reducirla a 90 minutos. Tsui luego la reeditó y le añadió unos quince minutos. Woo no considera que la versión que se estrenó como la suya, si bien las escenas de acción sí que son algo de lo que está orgulloso. Debido a las tensiones entre ambos, Tsui intentó impedir que Woo rodara The Killer (Dip huet seung hung, 1989), un proyecto que Woo deseaba hacer desde hacía décadas. Gracias a la intervención de Chow Yun-Fat, que hizo de mediador entre ambos, el proyecto, por suerte para todos, siguió adelante. Pero la traición final por parte de Tsui hacia Woo llegaría más adelante, con la tercera parte.

A Better Tomorrow II no es tan buena como la primera, está claro. Tiene una historia excesivamente complicada que avanza a trompicones. Si bien alguno de sus problemas se solucionan en la versión que originalmente editó Woo y que ha salido a la luz recientemente, otra tramas no tienen arreglo ya que salieron estropeadas de serie. Me refiero a todo el tramo en que Shek pierde la razón para luego curarse como quien aprieta un botón. Pero también hemos de considerar que A Better Tomorrow es una puta obra maestra y, considerando las condiciones en que fue rodada, la secuela lo tenía complicado para llegar al mismo nivel. Con esto quiero decir que, aunque tiene diversos problemas narrativos, A Better Tomorrow II es un gran clásico del cine de acción a pesar de todo. Y lo es gracias a las increíbles escenas de acción que creó Woo, el único aspecto en el que la secuela supera al original. Son escenas increíbles y épicas, en las que nace el Woo que todos conocemos y amamos.

Con esas escenas de acción y el carisma de Chow Yun-Fat hubo bastante para que, a pesar de los problemas narrativos, la película fuera un éxito, especialmente en Occidente. Aquí es más apreciada que en su país de origen, fue el primer paso de John Woo hacia Hollywood.

 

 

 

La tensión entre Tsui Hark y John Woo, como ya hemos explicado, fue aumentando. Se agravó con que Tsui editara la segunda entrega sin contar con Woo, luego intentó poner freno a The Killer y pasó las riendas de director de Gunmen (Tin law dei mong, 1988) a Kirk Wong cuando se la había prometido a Woo. Pero A Better Tomorrow III: Love and Death in Saigon (Ying hung boon sik III: Zik yeung ji gor, Tsui Hark, 1989) fue la gota que colmó el vaso, fue la acción de Tsui que Woo vio como la traición definitiva.

Como hemos explicado antes, Woo fue quien tuvo la idea de hacer una precuela ambientada a finales de los 60 contando el origen de los protagonistas, explicando su inicio en el mundo criminal en Vietnam. Era también una manera que tenía Woo de hablar de su juventud en Hong Kong. A pesar de que luego se optaría por una secuela, Woo y  Tsui habían estado trabajando juntos en esta premisa. Por eso Woo vio como una traición cuando Tsui dirigió y produjo esta precuela ambientada en Vietnam, contando cómo Mark se convirtió en el Mark de la primera A Better Tomorrow.

Estamos en 1974, Mark llega a Vietnam desde Hong Kong para sacar a su primo Ah-Man (Tony Leung) de la cárcel. Una vez en Saigón, Mark y su primo se sienten atraídos por Chow Ying-Kit (Anita Mui), una contrabandista que les introduce en el ambiente criminal. Pero a medida que el caos crece en Vietnam, este trío se enfrentará a enemigos despiadados.

Tsui construye un film que quiere ser más dramático y romántico que los anteriores, reduciendo todo lo posible los aspectos criminales de los protagonistas. Eso no quiere decir que no haya acción, hay diversas secuencias de acción. El problema es que Tsui intenta imitar el estilo de John Woo, para seguir con las anteriores entregas, en lugar de aplicar su propio estilo. Esto provoca que las escenas de acción acaben careciendo de personalidad y no sean tan efectivas como las vistas previamente. Habría sido mejor para la película que Tsui se hubiese mantenido fiel a su estilo de filmar acción.

Lo que sí es propio de Tsui es que le da protagonismo a un fuerte personaje femenino. Sin embargo, no deja de ser una presentación esquizofrénica, tal vez porque el guion fue escrito por un equipo de guionistas a las órdenes de Tsui. En las escenas de acción,  se presenta como un personaje fuerte, intrépido y con gran habilidad con las armas. Pero en las escenas dramáticas se presenta un personaje sin agenda, prácticamente a disposición de los personajes masculinos, sin que tenga ni voz ni voto en el triángulo amoroso en el centro del film.

Pero si hay algo notable del film de Tsui es presenta cómo afectaba la guerra de Vietnam a los vietnamitas, mientras que en Occidente estamos más acostumbrados a que se presente cualquier historia sobre la guerra de Vietnam desde el punto de vista de los americanos.

Como decía al principio, John Woo vio la producción de esta película como una traición, lo que hizo que pusiera en marcha Bullet in the Head (Dip huet gai tau, 1990). Ambientada a finales de los 60, cuenta la historia de tres amigos que deben huir de Hong Kong e intentan hacer fortuna en Vietnam como contrabandistas. Lo que sigue es una auténtica obra maestra, una de las mejores películas de Woo. Aunque tienen un mismo origen, la película de Tsui y la de Woo son muy distintas, excepto en dos secuencias parecidas que aparecen en ambas películas, lo que delata este origen común. Una es la llegada de los protagonistas coincidiendo con un atentado, la otra es el final en la de Tsui y la huida del club en la de Woo.

Pasados los años, Tsui y Woo rehicieron su amistad. En cuanto a la tercera entrega, queda como la más floja de las tres. Eso no quiere decir que sea una mala película, es muy interesante  y notable por si misma, pero comparada con las dos anteriores no sale bien parada, ya sea por unas escenas de acción poco imaginativas o una historia amorosa desarrollada de forma poco afortunada y tópica. Por eso es mejor valorarla por ella misma y no en comparación con las dos que dirigió Woo.

 

Sesión de medianoche (Matinee)

 

 

Siempre me han interesado las películas de terror ambientadas en un cine. Y también me han interesado siempre las películas híbridas que mezclan géneros. Sesión de medianoche (Matinee, Richard Martin, 1989) es ambas cosas.

Durante la celebración de un festival de terror en el cine del pueblo, se comete un asesinato. El culpable nunca es descubierto. Dos años más tarde, se celebra de nuevo el festival y, de nuevo, los asesinatos se repiten.

Lo primero que sorprende de esta película de terror canadiense es que se sitúa en Canadá y no intenta pasar por una producción americana. El director Richard Martin también sorprende por la manera en que presenta la narrativa de forma muy estilizada, con trabajadas transiciones entre escenas. El film tiene una estructura clásica de slasher, con el prólogo, la presentación de los personajes y la reanudación de los asesinatos, pero esto sirve simplemente como esqueleto. Pero a pesar de estos elementos, la película tiene más de cinta de misterio o suspense que de slasher. También se hace mucho énfasis en el drama, que se maneja bien gracias a un buen reparto lleno de rostros conocidos como William B. Davis o Don S. Davis.

Martin aprovecha que la historia se ambienta principalmente en un cine para representar diversos homenajes al cine de terror, haciendo guiños que van desde el cine mudo a los estrenos recientes entonces. Esto le añade diversión a una película que, por otro lado, es bastante seria. Se hace tanto énfasis en los personajes adultos como en los jóvenes, algo bastante inusual entonces, de nuevo para trabajar el drama entre las distintas muertes.

Matinee no es un gran clásico, es una modesta producción sin muchas ambiciones. Pero su efectiva ejecución y los distintos homenajes hacen que sea un título entretenido y recomendable para el aficionado al género.