Clasificado "S": Transgresión en la Transición (Exorcismo: The Transgressive Legacy of Clasificada "S")

 

 

Clasificado "S": Transgresión en la Transición (Exorcismo: The Transgressive Legacy of Clasificada "S", Alberto Sedano, 2024) es un documental que explora un momento mágico e irrepetible dentro del cine español. La época de oro del cine español, según mi criterio, que abarca la década de los 70 del siglo XX y el principio de la década de los 80.

Tiene una estructura semejante a la del documental Sesión salvaje (2019) de Paco Limón y Julio Cesar Sánchez, ya que tratan el mismo periodo histórico. Pero mientras que Sesión salvaje se centraba más en lo que era el cine de género desde una perspectiva de "cine de barrio", Clasificado "S" se centra más en el cine, pues eso, que fue clasificado S en su estreno. Yo pensaba que el cine S era principalmente cine erótico, pero esta es una idea equivocada. La clasificación S se aplicaba a todas aquellas películas que se consideraban de naturaleza sensible debido, sí, al contenido sexual, pero también la violencia o la temática. Así, películas de terror también fueron clasificadas S, así como películas inclasificables como la comentada aquí Los violadores (Paul Grau, 1981). De hecho, en el blog he comentado diversas películas de las mencionadas en el documental sin tener yo idea de que se trataba de películas clasificadas S como Más allá del terror (Tomás Aznar, 1980), Secta siniestra (Ignacio F. Iquino, 1982) o Los ritos sexuales del diablo (José Ramón Larraz, 1982).

Es esta la virtud de este documental, que, aunque seas aficionado al cine de género, en particular al fantaterror y el cine de terror setentero y te conozcas de sobra la historia del por qué de este periodo y cómo acabó (está hecho con un público anglosajón en mente), te descubre nuevas cosas y se disfruta mucho con las anécdotas y el recorrido histórico. Y, sobre todo, te descubre alguna nueva película que desconocías para añadir a la lista de películas a ver. Su duración también le permite entrar en más detalle en hechos que otros documentales pasan más por encima, como el impacto de la ley Miró y por qué fue tan perjudicial para el cine español.

Esta fue una época salvaje, libre y anárquica dentro del cine español, algo que ya no volveremos a ver nunca más. Ahora hay más medios pero son mucho más caros, las únicas películas independientes que se hacen son dramas y el cine de género está muy domesticado. Se siguen haciendo buenas películas, algunas muy buenas, pero ya no hay esa sensación de que puede pasar cualquier cosa, de que no hay límites y todo está permitido. Algo que podemos revivir de nuevo a través de este documental, recuperando las películas que comenta y otras de la época que corren por ahí esperando darle la vuelta a tu cerebro.

 

[REC] Terror sin pausa

 

Se estrena el documental [REC] Terror sin pausa (Diego López, 2022), que se centra en el inédito fenómeno en el cine de género español que fue [REC] (Jaume Balagueró, Paco Plaza, 2007). Podéis leer mi comentario al respecto en:

https://underbrain.com/cine/rec-terror-sin-pausa/

Interesante para los fans y los aficionados al género, mucho de lo que comentan Balagueró y Plaza ya lo cuentan en los extras que aparecen en las distintas ediciones en Blu-ray/DVD de la franquicia, pero es interesante escuchar a otros protagonistas y descubrir la historia tras la historia.

Moonage Daydream

 

Publicada mi crítica del documental Moonage Daydream (Brett Morgen, 2022) sobre la obra de David Bowie en Underbrain Mgz:

https://underbrain.com/cine/moonage-daydream/

Bueno, "documental" no sé si es el término correcto. Es toda una experiencia visual y auditiva, eso sí. Tremenda en Imax.

The Sparks Brothers

 

Publicada mi crítica del recomendado documental The Sparks Brothers (Edgar Wright, 2021), del cual podéis saber más clicando en:

https://underbrain.com/cine/the-sparks-brothers/

Un documental muy entretenido, interesante y divertido, tanto si conocéis a Sparks o no.

Sesión salvaje

Publicada mi crítica del indispensable documental Sesión salvaje (2019) de Paco Limón y Julio Cesar Sánchez en Underbrain Mgz. Leedla clicando en:

https://underbrain.com/cine/sesion-salvaje/

Este blog está lleno de amor por el cine exploitation español de los 70 y primeros 80, como, por ejemplo, aquí, así que disfruté enormemente con el documental, aunque se pasa demasiado rápido. Muy recomendado.

You're So Cool Brewster! La historia de Noche de Miedo

 

Los fans de las aventuras de los improbables cazadores de vampiros Charley Brewster y Peter Vincent están de enhorabuena ya que se ha editado, por fin, el documental You're So Cool Brewster! The Story of Fright Night (Chris Griffiths, 2016), por el mismo equipo responsable de Leviathan: The Story of Hellraiser and Hellbound: Hellraiser II (K. John McDonagh, 2015).

A lo largo de algo más de tres horas y media, se repasa la creación y producción de Noche de Miedo (Fright Night, Tom Holland, 1985) y Noche de Miedo II (Fright Night Part II, Tommy Lee Wallace, 1988), su influencia en la cultura popular e incluso se comenta brevemente el remake. El propio Tom Holland se implicó en la creación del documental, lo que favorece que aparezcan los principales miembros del reparto y el equipo de rodaje, así como Tommy Lee Wallace y varios miembros del reparto de la secuela, incluida Julie Carmen.

A pesar de su larga duración, el documental es bastante ágil y rápido (aunque habría eliminado los segmentos introduciendo las distintas secciones con Simon Bamford haciendo de Peter Vincent), cubriendo todo aquello que cualquier fan de estas películas querría saber. A título personal, encontré especialmente interesante la sección dedicada a Noche de Miedo II, ya que las ediciones que hay actualmente en DVD y Blu-ray no contienen extras interesantes (como máximo el tráiler y cosas de este estilo). Por supuesto, esto se explica debido a la complicada historia tras su distribución (en Estados Unidos no se encuentra más que en DVD de segunda mano a precios exorbitantes y en un formato de pantalla incorrecto, la edición en Blu-ray española no tendrá extras pero por lo menos la imagen sí es la correcta) que descubriréis viendo el documental.

Por si fuera poco con los 217 minutos de documental, se añaden extras que aún expanden más en algunos detalles de Noche de Miedo, aunque también significa que algunas anécdotas de los actores se repiten. De todos modos, si te gustan estas películas como a mí, no te lo pensarás demasiado a la hora de hacerte con este documental.

Asesinando Norteamérica (The Killing of America)

Horror con mayúsculas, un viaje al centro de la locura es lo que ofrece Asesinando Norteamérica (The Killing of America, Sheldon Renan, 1981). Un brutal documental que analiza la fascinación de Estados Unidos con la violencia y las armas de fuego. Y si bien el documental fue realizado entre finales de los 70 y principios de los 80, por desgracia sigue siendo vigente.

Inicialmente, el documental fue concebido por el productor japonés Mataichiro Yamamoto, de cara al mercado japonés, después de comprobar asombrado el tipo de imágenes que aparecían en los informativos americanos. Leonard Schrader y su esposa Chieko se encargaron del guion, mientras que Sheldon Renan fue el encargado de dirigirlo, al tener acceso a mucho material de archivo y haber realizado ya algún documental.

El film adopta una narrativa en forma de espiral, empezando con el asesinato del presidente Kennedy y, a partir de aquí, sumergiéndonos más y más en la locura, culminando en una inquietante entrevista al asesino en serie Ed Kemper.

Lo que hace que este documental sea terriblemente efectivo es que se aleja de la ruta del mondo, muy popular entonces, mostrando el horror pero nunca cayendo en el morbo típico de films más inofensivos como Este perro mundo (Mondo cane, Paolo Cavara, Gualtiero Jacopetti, Franco Prosperi, 1962).

El segmento más interesante para mí es el dedicado a analizar los asesinos en serie, deteniéndose en distintos casos. Pero no se puede decir que en todo el documental haya nada que sobre. La edición en Blu-ray de Severin incluye la versión japonesa, unos 20 minutos más larga y con distinta narración. Yamamoto sentía que no podía hacer un documental que hablase solo de lo negativo de Estados Unidos, para la mentalidad japonesa sería deshonesto, así que esta versión incluye un prólogo prescindible sobre las maravillas de América. Pero también incluye extensiones interesantes de otros momentos, como un vídeo de entrenamiento de la policía en que vemos a un niño disparar a cámara y luego marcharse tranquilamente con su bici. Este vídeo de entrenamiento es el único momento ficticio del documental, así que por eso fue eliminado de la versión americana, pero hay más añadidos que hacen de la versión japonesa un interesante complemento, como el caso de un joven asesino que sin duda inspiró el relato Alumno aventajado de Stephen King.

He mencionado la versión americana, pero este documental no se estrenó en Estados Unidos hasta hace poco. Problemas con la censura y el contenido hicieron imposible su distribución, lo cual también forma parte de las razones por las que todavía es vigente.

No es un visionado fácil, incluye momentos terribles y muy gráficos, pero sin duda es un documental increíble y fascinante.

Gimme Danger

 

Ya podéis leer en Underbrain Mgz la crítica que hice de Gimme Danger (Jim Jarmusch, 2016), clicando aquí:

http://underbrain.com/cine/gimme-danger/

Documental sobre la genial banda The Stooges, vuestro disfrute dependerá en gran medida de cuánto os guste la música de la que habla. También contiene historias fascinantes.

Raro y orgulloso de serlo

 

No recuerdo ningún instante de mi vida en el que no me gustase el terror en cine y literatura y los cómics. Desde que era pequeño, siempre he sentido una inclinación natural por el género. Aunque con el tiempo mis intereses se fueron ampliando y enriqueciendo, el terror siempre ha estado ahí.

Este hecho trajo consigo que durante mucho tiempo me llamaran raro, extraño o friqui, ya que mis gustos e inclinaciones no casaban con los de la mayoría. Y hubo algunos momentos en los que tuve dudas y pensaba si en el fondo no habría algo que no estaba del todo bien dentro de mí.

Dudas que forman parte del pasado. Desde que dejé el instituto y entré en la universidad no tuve nunca más ningún momento de debilidad. Sí, era raro. Pero todos los demás también, por suerte. De hecho, ya que he tenido que aguantar no ser considerado "normal" durante mucho tiempo, eso ha hecho que tenga la mente más abierta y tolerante hacia las opciones personales de los demás, seas cuáles sean en el campo que sean. Menos la tauromaquia, ya que encuentro injustificable torturar un animal hasta matarlo y hacer un espectáculo de ello.

Estas reflexiones vienen a colación del estupendo documental Why Horror? (Nicolas Kleiman, Rob Lindsey, 2014). En él, acompañamos a Tal Zimerman, fan que se pregunta por qué el terror le atrajo desde de pequeño. Con este punto de partida se hace un amplio análisis del género abarcando cine, literatura, arte e incluso videojuegos. La exploración antropológica que se hace del género, la destrucción de tópicos y el recorrido histórico hicieron que el documental me interesara, pero realmente lo hizo especial el hecho de verme perfectamente reflejado en Zimerman y sus experiencias.

El documental cuenta con un largo número de entrevistas que incluye expertos como George A. Romero, John Carpenter, Don Coscarelli, Steve Niles, Karen Lam, las hermanas Soska, Eli Roth, Kier-La Janisse, Álex de la Iglesia y un largo etcétera. Todos ellos aportan interesantes perspectivas ya sea como fans del género o académicos.

Descubrí este documental incluido como extra en la edición francesa en Blu-ray de [Rec] 4: Apocalipsis (Jaume Balagueró, 2014) y lo recomiendo de corazón. Why Horror? lo disfrutarán todos los amantes del género, pero también puede resultar interesante para aquellos que lo desconozcan ya que es posible que les desmonte algunos de los prejuicios que puedan tener sobre el género. Por mi parte, fue una nueva evidencia de que no tengo nada de que avergonzarme: soy raro y estoy orgulloso de serlo.

That's Sexploitation!

 

Chicos y chicas, en este documental, Frank Henenlotter y David F. Friedman nos guían a través de 40 años de demencial cine erótico, exótico, lúbrico, ingenuo, perverso, surrealista, estúpido... Agarraos que vienen curvas: esto es That's Sexploitation (2013).

El documental se nutre principalmente de una extensa entrevista realizada a David F. Friedman poco antes de que muriese. Friedman, el monarca de la exploitation, tocó todos los palos de cada género en orden de hacer mucho dinero gastando muy poco y estaba lleno de increíbles anécdotas e historias. Su testimonio resulta interesante ya que estuvo allí, lo vivió en primera persona, y nos ofrece una visión única de aquel mundo hoy ya extinto.

Por otro lado, el director Frank Henenlotter, además de dirigir, nos sirve como narrador ofreciendo una perspectiva histórica y aclarando los distintos tipos de sexploitation que había. No solo eso, los comentarios que hace en algunos de los clips, con anotaciones en pantalla, resultan divertidísimos, añadiendo comicidad a unas escenas que ya de por sí resultan hilarantes desde una perspectiva moderna.

El principal atractivo del documental, obviamente, son los cientos de clips y fragmentos que ilustran la historia de este cine ignorado y despreciado. Fragmentos que hacen de este un documental capaz de provocar carcajadas y asombro a partes iguales cuando nos presenta los bizarros y surrealistas momentos que Henenlotter selecciona para el espectador. El documental se cierra con la llegada a mediados de los 70 de los espectáculos de sexo en vivo y del cine porno a las salas de cine. Un hecho que provocó la desaparición/transformación de la sexploitation.

 

Aunque eché en falta un mayor análisis social, lo cierto es que me lo pasé bastante bien con este documental, principalmente por la gran cantidad de momentos ojipláticos que provoca. Ved el tráiler y podréis saber rápidamente si a vosotros también os resultará tan divertido como a mí.

Leviathan: The Story of Hellraiser and Hellbound: Hellraiser II

El documental Leviathan: The Story of Hellraiser and Hellbound: Hellraiser II (2015), dirigido por K. John McDonagh, sigue la línea trazada por otros documentales como More Brains! A Return to the Living Dead (Bill Philputt, 2011), Never Sleep Again: The Elm Street Legacy (Daniel Farrands, Andrew Kasch, 2010) y Crystal Lake Memories: The Complete History of Friday the 13th (Daniel Farrands, Andrew Kasch, 2013). Es decir, un documental dedicado a los fans que explora a fondo el origen, realización e impacto de Hellraiser, los que traen el infierno (Hellraiser, Clive Barker, 1987) y Hellbound: Hellraiser II (Tony Randel, 1988).

Habréis notado que el documental se centra solo en las dos primeras películas. Las razones son que son las dos producciones británicas y las únicas que cuentan con el favor de todos los fans. La tercera tiene una sección especial en el tercer disco de extras de esta edición. En el mismo disco, hay dos extras más que de forma breve y diplomática se dedican a repasar el resto de la franquicia. Creo que es lógico, ya que una vez los Weinstein se hicieron con los derechos de la serie se dedicaron a destrozarla y hundirla en la miseria, ya fuera a través de ínfimos presupuestos o por el hecho de que muchas veces usaron guiones que no tenían nada que ver con la serie a los que les incrustaron a los Cenobitas.

Las dos primeras son las únicas que veo con regularidad. La tercera es bastante entretenida y divertida, pero solo la veo cuando veo las dos anteriores seguidas. El resto de secuelas solo las he visto una vez, ya que cada vez tengo la esperanza de que sea una buena entrega. Fans de Hellraiser, ¿habéis visto alguna de las secuelas a partir de la 4 más de una vez, por placer y no por ánimo completista?

Volviendo al documental, antes que nada he de advertir que la edición que yo pre-ordené está agotada, pero se mantiene a la venta la edición de tres discos. La edición agotada era simplemente una edición que añadía una chaqueta de cartón y un folleto al conjunto, nada del otro mundo como podéis ver en las fotos (abajo). Yo la pre-ordendé porque pensaba que lo de limitada se refería a los tres discos, con lo que tampoco os perdéis mucho si la compráis ahora.

El documental dura unas 8 horas en total, aunque está dividido en dos discos como películas individuales. El primer disco está dedicado a Hellraiser y el segundo a Hellbound, claro. Si el documental tiene un defecto es que no tiene el ritmo ágil de otros documentales del mismo estilo, casi como si quisiese durar tanto. ¿Cuántas veces necesitas ver entrevistados diciendo que Clive Barker es un genio, más si luego en los extras hay un documental dedicado a él donde se repiten muchos de esos mismos comentarios? Pero lo positivo es que te proporciona toneladas de información y curiosidades sobre las películas. Por ejemplo, una de las cosas que más me interesó fueron los dibujos ocultos en el diseño de la caja.

Por supuesto, este es un doucmental dedicado a los fans y que solo a los fans de estas películas interesará. Y, aunque tiene sus defectos, como fan a mí me ha interesado de principio a fin, aunque debido a su duración (más la de los extras) no ha sido fácil.

Por amor al arte

 

Henri Charbakshi (alias Henri Charr) llevaba toda la vida soñando con rodar una película. Finalmente le llegó la oportunidad para convertir en realidad su sueño. Sin embargo, los productores y financieros le pusieron una pequeña condición: la película tenía que incluir escenas de sexo explícito. El documental A Labor of Love (Robert Flaxman, Daniel Goldman, 1976) retrata el rodaje de la película de Charbakshi y los problemas con que se encuentra un equipo inexperto y unos actores y actrices primerizos al intentar rodar una película X.

Este documental ofrece al espectador una experiencia entrañable, divertida y honesta. Muy disfrutable gracias al grupo de personas que retrata. Desde el algo torpe director, convencido de estar haciendo un drama serio que da la casualidad de que contiene escenas de sexo y que se olvida de amortiguar el ruido de las cámaras, hasta la actriz que lo es desde hace una semana, la protagonista Debbie Dan, las entrevistas y escenas que protagonizan en el rodaje provocan carcajadas y simpatía en el espectador, testigo privilegiado de las rocambolescas situaciones que tienen lugar en el set.

Cuando Robert Flaxman se presentó en el rodaje de la película de Charbakshi, que se acabó llamando The Last Affair, no sabía qué tipo de película era, ya que Charbakshi únicamente le había hablado del aspecto dramático. La intención de Flaxman era hacer una película sobre cómo se hacía una película que no fuera el típico producto publicitario hollywoodiense. Descubrir que se trataba de una película X le añadió toda una nueva dimensión, ya que los conflictos y las dificultades por las que pasaban los actores y actrices eran bastante únicos. Además, las personas que rodaban The Last Affair no eran profesionales acostumbrados a ello, sino gente normal y corriente que un buen día se encuentra rodando una porno.

Hemos de recordar que cuando se rodó este documental, el porno chic estaba llegando a su fin. El porno chic fue ese momento a principios de los 70 en que de repente se puso de moda ir al cine a ver películas porno, debido al gran éxito de Garganta profunda (Deep Throat, Gerard Damiano, 1972). Iban famosos, estrellas de la música, jóvenes parejas... Era moda. De modo que teniendo en cuenta esto, no resulta extraño que los actores y actrices de The Last Affair vieran su participación como una manera "normal" de entrar en el negocio del cine. Pero no es fácil librarse de los prejuicios, en un momento del documental se nos cuenta cómo una de las actrices tiene problemas para hacer la escena debido a que entre el momento que obtuvo el papel y el momento de rodar su participación se había enamorado. Pero posiblemente los momentos más memorables de A Labor of Love los ofrezcan Debbie Dan y John Smiley, los cuales no se llevan nada bien y se ven en la obligación de mantener relaciones sexuales  delante de un montón de gente, justo cuando le acaba de empezar el período menstrual a Debbie. Son los momentos más divertidos del documental y su resolución seguramente provocará carcajadas al espectador. Por todo ello, recomiendo mucho esta película documental.

Crystal Lake Memories: The Complete History of Friday the 13th

Trae subtítulos en castellano. Lo digo así, de buenas a primeras, por si acaso hay algún interesado que no sabe inglés. Los interesados son, por supuesto, fans de la grandiosa saga Viernes 13 y del terror en general.

Este documental es la versión filmada del gran libro de Peter Bracke Crystal Lake Memories, realizado por el mismo equipo responsable de Never Sleep Again: The Elm Street Legacy (Daniel Farrands, Andrew Kasch, 2010). A lo largo de siete horas, se repasan todas y cada una de las películas de la saga (y la serie de televisión), así como su legado e influencia. Está dividido en cómodos capítulos, cada uno dedicado a un film, para que su visionado no sea un problema. Por supuesto, yo lo vi de una tirada un domingo, más las cuatro horas y veinte minutos del disco extra (más sobre eso luego) y las siete horas de un interesante comentario llevado a cabo por el director Daniel Farrands, Peter Bracke y el coeditor Luke Rafalowski.

Para cualquier fan de la saga, este masivo documental es todo un tesoro. Al ser realizado de forma completamente independiente, los realizadores lo financiaron de su propio bolsillo, los entrevistados son muy honestos respecto a la realización de las películas, problemas con productores/estudio y demás, así como lo que realmente piensan de la película que hicieron/protagonizaron. Y no podemos olvidar la gran cantidad de anécdotas e historias que se cuentan. Habiendo leído el libro de Bracke, muchas de las historias ya me resultaban familiares, pero verlas explicadas por los protagonistas es todo un placer difícil de hacer entender a alguien que no esté interesado en este tipo de cosas.

Curiosamente, la parte dedicada a Viernes 13 (Friday the 13th, Sean S. Cunningham, 1980) fue la menos interesante para mí ya que ya le habían dedicado extensos documentales en anteriores ediciones. La parte realmente fascinante para mí empieza a partir de la 2ª entrega de la saga.

Los fans recordaréis el especial His Name Was Jason: 30 Years of Friday the 13th (Daniel Farrands, 2009). Con apenas 90 minutos de duración no era muy exhaustivo y estaba más pensado como homenaje. En Crystal Lake Memories, Farrands reutiliza entrevistas realizadas entonces, pero ampliadas (además de nuevas entrevistas, claro) y se deja fuera a todos aquellos que no tuvieron nada que ver con la saga. Por tanto, lo que en un principio podría parecer una pega, en realidad es un beneficio. Eso sí, en cuanto a extras anda algo escaso, así que los añadidos en la edición en DVD de His Name Was Jason son todavía muy disfrutables.

No es que la edición no tenga ningún extra: viene acompañada de un interesante audiocomentario, mencionado anteriormente. Los que encargaron este documental, como servidor, en preventa nos vimos recompensados con un disco extra que incluye entrevistas extendidas (es casi como otro documental) y un par de vídeos especiales.

En definitiva, ningún fan debería perderse esta maravilla. Es una edición de 4 discos: 2 Blu-ray y 2 DVD de zona libre (ya no quedan con disco extra), subtitulada en castellano, muy bien de precio (me costó alrededor de 15 euros). Como es un producto de gran calidad hecho de forma independiente y autofinanciado, os pido, por favor, que lo compréis en lugar de descargarlo de forma ilegal, ya que me gustaría ver más documentales como este dedicados a otras sagas.

ET me convirtió en un adorador de Satán

Todavía tengo el ordenador estropeado y dependo de la gentileza de amigos/familiares, pero esto era demasiado bueno como para dejarlo correr. ¿Recordáis la absurda polémica provocada por ciertos grupos religiosos que calificaban Harry Potter de satánico? Pues este documental, llamado Engaño a una generación, es lo mismo pero hecho para las preocupadas familias de los 80. Por aquel entonces Estados Unidos vivía en pleno pánico satánico, como todos los que han visto The House of the Devil de Ti West ya saben, cualquier cosa podía ser considerada propaganda de Lucifer. Y resulta que algunos juguetes y prácticamente todas las series que veía de pequeño eran demoníacas a más no poder: Scooby Doo, Dragones y mazmorras, Los pitufos, Thundercats... Sin olvidarnos esa criatura del mal que era ET.

El valor del arte

Cada vez que repaso alguna de las diversas revistas de cine que se publican actualmente, me asombra la cantidad de espacio y la importancia que se le da a la cantidad de dinero que recaudan las películas. Es como si se ligara el éxito económico y el artístico.

Utilizar como argumento la taquilla de un film para justificar que nos parezca bueno o malo o tópicos como el crítico esnob, que desprecia la película que hace mucho dinero, son cosas que creo que nunca desaparecerán, pero no por ello dejan de parecerme estupideces.

Recientemente he visto el documental Searching for Sugar Man (Malik Bendjelloul, 2012). Es la historia de un hombre que fue una súperestrella sin saberlo. Los discos de Rodríguez no se vendieron en Estados Unidos, fue considerado un fracaso. En Sudáfrica se convirtió en un símbolo de la rebeldía y de la lucha contra el apartheid.

El documental es realmente una maravilla, un film emocionante y sorprendente. También me hizo pensar sobre como se liga éxito económico y éxito artístico. Los discos de Rodríguez no se vendieron en el momento en que editaron, pero el buen arte tiene una cualidad que lo separa del mal arte: sobrevive.

Las buenas películas son recordadas y revisitadas continuamente cuando triunfan en taquilla, pero cuando no lo hacen son igualmente recordadas, revisitadas y también redescubiertas. Algo que hemos de agradecer a la aparición de los formatos domésticos (VHS, DVD, Blu-ray) e Internet, que ha hecho más inmediato el rescate de películas que habrían quedado en la oscuridad de otro modo y merecen ser vistas.

El buen arte no muere, aunque se trate de un slasher hecho con cuatro duros y considerado basura en el momento de su estreno.

Y, por supuesto, tampoco considero que un film que recaude millones y sea considerado comercial ha de ser inferior o "malo". Para mí el cine de entretenimiento y el cine artístico son igualmente necesarios y fundamentales. Una película destinada al entretenimiento puede convertirse en clásico del cine, una película artística o independiente puede convertirse en un éxito masivo. Pero, en ningún caso, se ha de considerar el dinero que hacen como un factor para determinar su calidad.

O a lo mejor solo soy yo, que no le doy importancia a la taquilla. Y Searching for Sugar Man es un documental fantástico.

Una para las curiosas y los curiosos, las viciosas y los viciosos, las morbosas y los morbosos

Hay pocas películas que puedan ofrecer momento delirante tras momento delirante de la misma manera que lo hace este documental de John D. Lamond. Australia After Dark (1975) es un increíble viaje por la Australia más surrealista que, en la mejor tradición mondo, mezcla verdad y mentira de forma magistral.

Supe de este documental (o "documental") gracias a otro documental, el esencial Not Quite Hollywood: The Wild, Untold Story of Ozploitation (Mark Hartley, 2008). El documental de Hartley habla sobre el fantástico cine de género que se generó en Australia entre los años 70 y primeros 80. Australia After Dark tiene su origen en un momento de apertura, una especie de "destape" a la australiana, en la que cualquier excusa es buena para mostrar grandes cantidades de hasta entonces cubierta epidermis.

Sin embargo, puede que este documental naciera con la intención de mostrar la máxima cantidad de gente desnuda posible, pero acaba siendo un retrato fascinante de una sociedad que empezaba a mostrar lo que hasta entonces reprimía. No solo en lo que respecta al sexo, también ofrece retratos de la vida secreta australiana y comenta algunos aspectos sociales, para darle un aire respetable al conjunto. Así, la denuncia de las pobres condiciones de vida de los aborígenes australianos se mezcla con la afición del australiano a la cerveza.

Personalmente este documental me resultó fascinante porque me sorprendía minuto a minuto. De la pintura corporal salta a un ritual satánico "verídico", de un recorrido por las playas nudistas (que puedo dar fe que se parecen bastante a las que he ido por Catalunya, por suerte) salta a un museo donde se conservan máscaras mortuorias de diversos asesinos y criminales, de una boda gay salta a una especie de comuna new age. El resultado final es que no te aburres ni un momento. Del puro asombro pasas a la excitación y de ahí a la carcajada. Un momento especialmente divertido para mí fue cuando el documental muestra como se rueda una escena porno: el director le indica al actor el ritmo que ha de tener usando una música que procede de una especie de papel higiénico musical, tirando del rollo suena una cantinela como de caja de música.

Pero no olvidemos que el foco principal es mostrar gente desnuda. Eso sí, los hombres y mujeres que aparecen desnudos en este documental son hombres y mujeres "reales". Es decir, no son modelos y no tienen cuerpos esculturales. Lo que para mí le acaba de añadir encanto y atractivo. Además (y esto posiblemente no sea muy popular entre los y las más jóvenes) se filmó mucho, mucho antes de que llegara esta horrible moda del rasurado. No sé al resto, pero a mí pubis el rasurado no me gusta, me da mal rollo y creo que le quita personalidad a la zona, ya que cada mujer tiene el vello púbico diferente. Este documental tiene mucha personalidad. Recordad: donde hay pelo, hay alegría.


Australia After Dark (1975) - Trailer (uncut) por AussieRoadshow

La S infernal

 

Os ofrezco un curioso, ligeramente alucinante, "documental" dirigido por Rodney Ascher, responsable del anticipado documental Room 237 (2012). Puesto a disposición de todo el mundo por el propio director y el canal de YouTube del festival de Sundance.

La conjunción de imágenes, música y la bizarra historia que cuenta en menos de 10 minutos resulta en un vídeo que lo que carece de duración lo suple en intensidad. Me ha parecido muy curioso y extraño, así que espero que os guste también.

El código Kubrick (o cómo las películas de Stanley Kubrick han vuelto locas a algunas personas)

Hace poco leí un interesante artículo escrito por Chuck Klosterman publicado en la página web Grantland. He intentado ponerme en contacto con ellos para pedirles permiso para publicar el artículo traducido al castellano, sin suerte. Podéis leer el artículo en inglés clicando aquí. Este post está dedicado, ya que no puedo publicar el artículo entero, a comentar el aspecto más interesante, aquello que me llamó más la atención, y compartirlo con vosotros. Espero que os resulte igualmente interesante y curioso.

Todos estamos familiarizados con la crítica clásica de películas y con la llamada "nueva crítica", aunque no la llamemos así (aquella que se fija en la película individualmente sin tener en cuenta la intención del autor o la reacción de la audiencia). Aparte de esto nos encontramos con algo que Klosterman llama "crítica inmersa".

La crítica inmersa se caracteriza porque su autor describe un código e intenciones ocultas dentro de un film que van más allá del argumento o tema de la película, una realidad oculta que elimina cualquier otra consideración y que da como resultado teorías completamente demenciales, normalmente tras ver la película en cuestión decenas de veces. En algunos casos los directores hablan de estas intenciones ocultas, como los Wachowski y su trilogía Matrix, pero el 99% de casos se trata de algo que descubre este "espectador inmerso", que ve como un mensaje revelador aparece tras seguir una serie de pistas. Stanley Kubrick es un director que más casos de estos ha provocado al ser un hombre muy privado que generó diversas leyendas a su alrededor. Para ver mejor de lo que hablo, he aquí un ejemplo: en este vídeo los autores tratan de demostrar que el film de Kubrick Eyes Wide Shut (1999) trata sobre los Illuminati y otras organizaciones satánicas que el legendario director quería denunciar:

Como podéis comprobar, la validez de los argumentos es floja, por decirlo suavemente. Pero el ejemplo más entretenido, el que me hizo reír de verdad, es el film de Michael Wysmierski The Shining Code, en el cual analiza como El resplandor (The Shining, 1980) se trata en realidad de una confesión de Kubrick. A través de toda una serie de símbolos, con este film Kubrick revelaba que él había sido el director de las imágenes del hombre llegando a la luna, el gran fraude ideado por la NASA. Lo que me resulta especialmente fascinante es la voz calmada y racional en que Wysmierski lo cuenta todo a pesar de ser completamente ridículo.

Aquí tenéis la versión nueva del film, con más códigos revelados. Disfrutad.

¿Puede la pornografía ser arte?

Muchas veces hemos leído en el periódico o visto en el informativo (por lo menos cuando todavía eran informativos) que tal o cual exposición de arte ha provocado mucha polémica y ha sido considerada pornográfica por algún sector, normalmente conservador. Pero dejando de lado la frontera entre arte y pornografía, que depende siempre del ojo del que mira, ¿es posible utilizar pornografía para crear obras de arte? ¿Con auténtica pornografía crear auténtico arte?

Eso parece ser lo que intentan hacer los responsables del proyecto Destricted, que desde el 2006 recoge cortometrajes de prestigiosos cineastas y artistas independientes y alternativos en los cuales estos ofrecen su visión del sexo y la pornografía. De entre todos estos cortometrajes, algunos increíblemente aburridos, destaca Impaled de Larry Clark.

El director de Kids (1995) y Ken Park (2002) nos ofrece una obra que es a un tiempo provocativa, deprimente y perturbadora, además de crear interesantes reflexiones. El corto se inicia con una serie de entrevistas a más o menos jóvenes chicos que se presentan al casting anunciado por Clark. Son chicos normales y corrientes, los cuales responden de forma franca las preguntas de Clark, ofreciendo un panorama que me pareció bastante deprimente.

Una de las cosas que me llamó la atención es que muchos responden a las preguntas como si estuvieran anestesiados, hablando con indiferencia sobre sus experiencias personales, casi como si les hubiesen sucedido a otra persona. Lo siguiente es que muestran una asombrosa carencia de imaginación, todo lo que les gusta hacer (todos desean, por ejemplo, practicar el sexo anal, con una chica por supuesto) son cosas que imitan de las películas porno. Especialmente el aspecto de las chicas. Además, casi todos se afeitan el vello púbico a imitación de lo que han visto en las porno. Otra cosa que me dejó algo descolocado, aunque tal vez se trate simplemente de mis prejuicios, es que todos ven como algo sexy que les pone el hecho de eyacular en la cara de sus amantes. De nuevo, a imitación de lo que han visto en las películas porno. Uno dice que lo prefiere porque no quiere arriesgarse a dejar a la chica embarazada, el uso de preservativos ni se les pasa por la cabeza, algo que hoy en día es bastante peligroso y no sólo por los posibles embarazados no deseados.

Acabadas las entrevistas, Clark escoge a un chico de delgado y peinado a lo emo y se pasa a la segunda parte que consiste en entrevistar a las candidatas a hacer una escena de sexo con el chico. Aquí surgen momentos perturbadores, como una de las candidatas que cuenta que perdió la virginidad a los 12 años, "oh, era un tío cualquiera" responde a la pregunta de con quién lo hizo. Otra candidata cuenta que se metió en el mundo del porno para pagar las facturas ya que tenía tres hijos y no le llegaba el dinero "pero ya no tengo a los críos y lo sigo haciendo, así que..." concluye. Aunque hay que destacar que mientras los chicos parecían aturdidos y no muy en contacto con su vida interior (en caso de tenerla), las entrevistadas parecen mucho más abiertas y simpáticas, relajadas como si estuvieran hablando tranquilamente en un bar, a pesar de la nota de desesperación que parece subrayar las declaraciones de una de las candidatas que ha cumplido cuarenta años. Una comenta como muchas y muchos actrices y actores porno caen en la drogadicción y otros problemas porque a lo mejor una se pasa mucho tiempo trabajando y de repente hay un parón, nada que hacer y dinero que gastar, mostrando cierta visión sobre su mundo nada disfrazada de fantasía.

Sin embargo, a pesar de que la actitud de las entrevistadas podría hacer este segmento más llevadero, Clark no deja de meter elementos que incomodan al espectador. Durante las entrevistas de las candidatas está presente el chico elegido y es él el que hace las preguntas y el que escogerá a la chica con la que hará la escena porno. Durante el proceso, vemos al chico tímido e incómodo, mezclado con la excitación de que lo hará con una de esas candidatas. Además, a pesar de lo sanas (psicológicamente, quiero decir) que parecen la mayoría, se nos presentan indicios aquí y allá que nos sugieren que tal vez la procesión va por dentro.

Finalmente llega la escena de sexo cuya intención parece ser desglamourizar o deconstruir la pornografía, nunca excitar. Se pasa rápidamente por toda la acción principal, con rápidos cortes, y sólo se detiene a observar detenidamente cuando sufren un "accidente" durante la escena de sexo anal y paran para limpiarse. La intención parecer ser destruir todo elemento de fantasía que pudiera tener el espectador sobre el cine porno.

Para responder la pregunta del inicio, sí, creo que se pude hacer arte usando la pornografía. Por lo menos Larry Clark lo ha hecho.

Reflexiones sobre arte, sexo y muerte ¿en un documental sobre Herschell Gordon Lewis?

He de admitir que soy el primer sorprendido en el tipo de reflexiones y consideraciones sobre arte, sexo, muerte y violencia que ha provocado en mí el visionado de Herschell Gordon Lewis: The Godfather of Gore (2010), documental dirigido por Frank Henenlotter y Jimmy Maslon, hace nada editado en DVD.

Para poner en situación a los neófitos, Herschell Gordon Lewis es un reputado publicista más conocido por su trabajo como director durante los 60 y 70 de películas de bajo presupuesto y creador del gore como género. Sus películas son pura y demencial exploitation, ni buenas ni malas: son de Herschell Gordon Lewis. El documental hace un recorrido por la carrera de este peculiar cineasta con entrevistas al propio Lewis, su compinche David F. Friedman, colaboradores de sus películas, así como de los expertos Joe Bob Briggs, Henenlotter y John Waters.

Para los que conocen la obra de este director es un documental esencial y, también, muy divertido ya que está plagado de geniales anécdotas y gente como Broggs, Henenlotter y Waters son siempre entretenidos. Para los que no la conozcan puede ser la oportunidad perfecta para introducirse en un mundo delirante, además de pasar un rato divertido disfrutando de una gran galería de personajes extravagantes.

Las reflexiones o consideraciones a las que he hecho mención fueron generadas por un comentario de Waters y por fragmento de las escenas eliminadas incluídas en el DVD dedicado a otro género al que contribuyó a crear Lewis: las roughies. Por cierto, hay un momento muy divertido en las escenas eliminadas en el que Henenlotter muestra una rarísima novelización de Blood Feast (Herschell Gordon Lewis, 1963), novelización que Waters en el documental se muestra ansioso por descubrir ya que es la única que le falta y pide que si alguien la encuentra se la mande.

Waters comenta como en estas películas, la sangre y las escenas de asesinatos están filmadas como si fueran escenas de sexo. Todo el sexo que en aquel momento no se podía mostrar en pantalla queda sustituido por escenas de sangrientos asesinatos. Esto se enlaza (yo lo enlacé, no en el documental), con la creación de las roughies.

Para aquellos que no hayan visto los documentales Schlock! The Secret History of American Cinema (2001) de Ray Greene o American Grindhouse (2010) de Elijah Drenner, les explicaré brevemente que eran las roughies. Desde finales de los 50 y durante la primera mitad de los 60 se popularizaron unas películas llamadas nudie cuties que mostraban a gente desnuda -principalmente mujeres, claro- en campos nudistas o posando. Sólo se mostraban pechos y traseros, nada de genitales, y no había sexo. Gente paseando desnuda por el bosque, jugando al tenis o tomando el sol. Muy pronto se quemó el género (se hicieron unas 300 películas de este tipo, sin contar los cortometrajes que se mostraban en los locales de burlesque). Cuando el género estaba condenado a desaparecer debido a su candidez e inocencia (repito que no había sexo, ni siquiera erotismo), fue entonces que Lewis y Friedman rodaron Scum of the Earth (Herschell Gordon Lewis, 1963), película con unas gotas de erotismo en la que se añadió un nuevo elemento: violencia.

Así, las roughies son películas en las cuales se muestran desnudos y escenas de violencia. La aparición de este género se explica por la frustración provocada en unos espectadores ansiosos de emociones más fuertes de las que proporcionaban las nudies. El sexo no se podía mostrar en pantalla, así que era sustituido por violencia. Lo cual no deja de ser perturbador. Los roughies, significativamente, desaparecieron en los 70 con la llegada del cine porno a las pantallas de los cines.

Vemos, entonces, que el excesivo puritanismo y la censura llevó a la creación de algo peor que lo que en un principio se quería prohibir. Y cuando digo "peor" me refiero a que la candidez de las nudies fue sustituida por la sordidez de films como Olga`s House of Shame (Joseph P. Mawra, 1964) en la cual se simulan escenas de torturas y abusos de jóvenes chicas. Son películas que no me gustan ni las encuentro mínimamente entretenidas (no tienen nada que ver con Scum of the Earth o otros títulos previos, son básicamente tortura y violencia), igual que las nudies, son increíblemente aburridas, es una cuestión de gusto personal, no que vaya yo ahora a condenar y juzgar películas.

El sexo y la muerte son partes esenciales de nuestra existencia, y como tales deben estar presentes en el arte, ya sea filmado, escrito, pintado o cantado. También resulta interesante el uso del sexo, la muerte y, en este caso, la violencia, como sustitutos o metáforas. En las roughies, la violencia era el sustituto del sexo que no se podía mostrar en pantalla, en Saló o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975) el director Pier Paolo Pasolini utiliza las humillaciones y los abusos como alegorías de las injusticias sociales y los abusos del poder. La diferencia entre las roughies y, por ejemplo, el film de Pasolini está en que las primeras lo hacen de forma inconsciente y el maestro italiano lo hacía de forma consciente.

Esto me llevó al reciente fenómeno de las mal llamadas torture porn. Estas películas son como las roughies del siglo XXI, siendo mucho más explícitas en cuanto a efectos especiales. Por un lado, este genero se creó a raíz del éxito de Hostel (Eli Roth, 2005) y Saw (James Wan, 2004), la mayoría (con notables excepciones) son muy inferiores a las películas que las originaron y también parece que es un género que ha ido de capa caída rápidamente. Por otro lado, ¿es posible que represente de forma inconsciente aspectos de nuestra sociedad? En un principio se habló de la sociedad post ataque a las Torres Gemelas y el clima de inseguridad y miedo en que se sumergió el mundo como origen de estos films. O, tal vez, se debe al insaciable apetito por las emociones fuertes en un espectador cada vez más insensibilizado. ¿Hay alguna relación entre estos films extremadamente violentos y el furioso puritanismo que parece resurgir atacando de manera casi histérica películas como A Serbian Film (Srpski film, Srdjan Spasojevic, 2010) o The Human Centipede II (Full Sequence) (Tom Six, 2011)?

¿Qué opináis? ¿Alguna idea? De momento, os vuelvo a recomendar el fantástico documental Herschell Gordon Lewis: The Godfather of Gore.