Razas de noche: el montaje del director

Hace cuatro años escribí un artículo sobre Razas de noche (Nightbreed, Clive Barker, 1990), cuyo origen estaba en el hecho de que se acababa de descubrir nuevo metraje del film en VHS. En el artículo expresaba mi deseo de que se editara un montaje del director para que los fans pudiéramos disfrutar de la película tal y como Barker la había concebido. Y hace un par de días mi deseo se hizo realidad, en la comodidad de mi hogar pude ver por fin el montaje del director de Razas de noche, editado en una fantástica edición limitada de tres discos (hay también una edición sencilla y ambas son solo de zona A, de momento: imagino que en el futuro también se editará en Europa).

En caso de que haya alguien que esté leyendo esto y no conozca Razas de noche, le resumo brevemente el argumento: Aaron Boone (Craig Sheffer) tiene pesadillas recurrentes en las que sueña con un lugar llamado Midian. Le habla de este lugar a su psiquiatra, el doctor Philip K. Decker (David Cronenberg). Decker aprovecha para colgarle a Boone una serie de asesinatos que Aaron no ha cometido. Boone huirá a Midian pero será atrapado por la policía y acabará muerto tras una emboscada. Su novia Lori (Anne Bobby), no cree que Boone fuera un asesino e irá a Midian para ver el lugar en que murió. Será allí donde descubra que Boone no está muerto y que existe todo un mundo subterráneo desconocido. Un mundo que ahora está en peligro.

Para mí Razas de noche tiene el mismo valor que para otros pueda tenerlo un film como E. T. El extraterrestre (E.T. the Extra-Terrestrial, Steven Spielberg, 1982). No es que me marcara para toda la vida, pero sí que cuando lo vi cuando tenía entre diez y once años, me encantó el hecho de que los monstruos fueran los héroes y con el tiempo la fui apreciando más, aunque era consciente de que no era la versión que Barker quería que fuera vista. Pero la nostalgia es algo poderoso, y los recuerdos que me traía hacía que viera cosas en ella que no estaban ahí. Es decir, observándola de forma fría me daría cuenta de que debido a los cortes que sufrió hay cosas que no tienen sentido, pero como había leído la novela un par de veces y sabía lo que faltaba, pues era como si lo hubiera visto. De hecho, pensé en leerme la novela otra vez antes de ver el montaje del director pero la impaciencia por ver la auténtica Razas de noche me hizo desechar la idea.

No voy a repetir de nuevo aquí cómo se descubrió el nuevo metraje y por qué se estrenó una versión truncada en su momento: se explica profusamente en los extras y el libro que acompaña la película, así como en diversos artículos y reseñas en la web. Sí que me gustaría aclarar un par de detalles, antes de entrar en la nueva versión: el llamado Cabal Cut NO es el montaje del director. El Cabal Cut era básicamente el primer montaje, donde el director incluye todo lo que se ha rodado para ver qué no hace falta, qué parte necesita trabajo, opciones de montaje, etc. De modo que el montaje del director es media hora más corto que el Cabal Cut, ya que había mucho material que desde el punto de vista cinematográfico sobraba. El montaje del director dura dos horas, solo veinte minutos más largo que la versión estrenada en cines, pero incluye cuarenta minutos de material nuevo. Esto es así porque se ha eliminado material que Barker fue obligado a añadir a la película en el momento del estreno.

El estudio que financió la película, Morgan Creek, quería una película de terror, pero Razas de noche no es una película de terror. Además, no acababan de entender que los monstruos fueran los héroes, así que sus cortes y manipulaciones fueron intentos de convertir la película en algo que no era. El montaje del director deja más claras las intenciones y se añade mejor todo el subtexto y las capas que tenía la película antes de ser mutilada. Esto se nota especialmente en la primera mitad, en la que se desarrollan más los personajes (Lori resulta que es cantante, ¡y tiene un número musical!). En el nuevo metraje también se enriquece el mundo de Midian y hay más monstruos (y Doug Bradley recupera su voz, doblado por el estudio por un actor con acento alemán por alguna extraña razón).

El resultado final es un film auténticamente épico y fantástico. Después de tanto tiempo esperando, ver el montaje del director ha sido una experiencia más emocional de lo que pensaba. Esta no es la película que vi cuando era niño pero siento como si lo fuera. De todos modos, me alegro de que Shout! Factory haya incluido la versión cinematográfica por razones puramente nostálgicas, aunque dudo de vuelva a ver esa versión ahora que puedo ver el film tal y como fue concebido originalmente (aunque tengo la antigua edición en DVD de la película que incluye un solo extra pero valioso: una pista aislada con la banda sonora de Danny Elfman). Y todos aquellos que no conocían esta película tienen la suerte de que podrán verla desde un primer momento como la gran película que es.

En brazos de la mujer psicótica 2: Bestias humanas

No apreciada como se merece, El carnaval de las bestias (Jacinto Molina, 1980) nos ofrece un retrato nada halagüeño de la naturaleza humana. La venganza y la imposibilidad de encontrar redención son el centro de esta historia llena de personajes ambiguos.

El carnaval de las bestias tiene varios puntos en común con Los ojos azules de la muñeca rota (Carlos Aured, 1973): Paul Naschy, que dirigió y escribió la película usando su auténtico nombre, interpreta de nuevo a un criminal que será atrapado en una casa en la que dos hermanas no del todo cuerdas le dedicarán sus atenciones. Además, El carnaval de las bestias se rodó en la misma casa en la que se rodó Los ojos azules de la muñeca rota.

Pero El carnaval de las bestias es un film mucho más redondo. Naschy concibió la película en una etapa en la que se encontraba decepcionado por cómo eran recibidas sus películas, en la que había sido objeto de traición y engaño en diversas ocasiones y en la que estos sentimientos contribuyeron a crear uno de los periodos artísticos más interesantes de esta leyenda del terror. Algo que queda perfectamente demostrado en esta fantástica película.

El experto en Naschy Mirek Lipinski escribe, en las notas que acompañaron a la edición en DVD de BCI de esta película, que este es un film que satisfará a los cínicos y desencantados. Una definición acertada del tono de El carnaval de las bestias, que queda ya indicado en la secuencia de títulos de crédito, en la que la cámara se pasea por el terriblemente majestuoso cuadro de Pieter Bruegel El triunfo de la Muerte.

 

El triunfo de la Muerte de Bruegel

Pero, para mí, el punto fuerte de la película es que el protagonista, Bruno Rivera (Naschy), es al mismo tiempo héroe y villano. Cuando arranca el film nos encontramos a Bruno, un mercenario que se vende al mejor postor, cerrando un trato con Mieko (Eiko Nagashima) para que ayude a su organización a robar unas joyas. Bruno se queda con Mieko y su hermano Taro (Kogi Maritugu) mientras se prepara el golpe. Tiempo durante el cual, además, Bruno y Mieko se enamoran. Sin embargo, cuando se lleva a cabo el golpe, Bruno los traiciona, mata a Taro y huye con las joyas. Perseguido por una Meiko determinada a vengar la muerte de su hermano, Bruno irá a parar a la casa de Don Simón (Lautaro Murúa), el cual curará sus heridas. Las hijas de Don Simón, Mónica (Silvia Aguilar) y Alicia (Azucena Hernández), se verán atraídas por Bruno, y harán lo posible por mantenerlo en la casa. Pero Bruno pronto empieza a sospechar que en esa casa pasa algo raro, al tiempo que empiezan a producirse una serie de asesinatos.

Como veis, en una de las tramas Bruno es el villano. Un traidor y asesino justamente perseguido por Meiko. En la otra, Bruno es el héroe. Acosado por los remordimientos de lo que le ha hecho a Meiko, es un hombre transformado por las heridas que ha sufrido y busca la redención a través de su relación con Alicia, mientras intenta desentrañar el misterio de lo que sucede en la casa de Don Simón. Por supuesto, las dos tramas chocan, en una casa cargada con una pesada atmósfera de locura y desesperación. Pero mientras que en Los ojos azules de la muñeca rota la locura se hacia evidente a través de las taras corporales, aquí es más sutil. Aquí la demencia es un cáncer que va devorando a una familia de manera tan silenciosa como implacable.

En esta película Naschy nos muestra una interesante evolución de los temas presentados en Los ojos azules de la muñeca rota, de una forma más interesante y madura. Un film que desde aquí humildemente reivindico y que espero pronto encuentre nuevos y satisfechos espectadores.

En brazos de la mujer psicótica 1: La casa de las mujeres psicóticas

En 1972, Jacinto Molina, alias Paul Naschy, decidió hacer una película de intriga a imitación del nuevo estilo que estaba saliendo de Italia con gran éxito. Es decir, Naschy quería hacer un giallo. Y lo que consiguió fue crear un film de intriga muy influenciado por Luis Buñuel que se hizo memorable no por su trama de asesinatos sino por el psicodrama que protagonizan un psicótico trío de hermanas.

Los ojos azules de la muñeca rota (Carlos Aured, 1973) arranca con el recién salido de prisión Gilles (Naschy) en busca de trabajo. Es recogido mientras hace autoestop por Claude (Diana Lorys), la cual lo lleva a la casa que comparte con sus otras dos hermanas: Nicole (Eva León) e Yette (Maria Perschy). Así, Gilles empieza a trabajar para estas tres hermanas que viven completamente aisladas. Las únicas personas que las visitan son un viejo doctor y una enfermera para Yvette. Además, claro, del ocasional manitas y hombre para todo que trabaja para ellas durante una temporada, papel que ahora ejerce Gilles.

Al poco de estar Gilles trabajando allí, se empiezan a producir una serie de asesinatos por la zona, pero la verdad es que esta trama de intriga es casi secundaria. Lo que hace esta película fascinante es el cuarteto formado por Gilles y las tres hermanas. En Estados Unidos, este film fue conocido como House of Psychotic Women (de ahí el título del excelente libro de Kier-La Janisse), un título muy adecuado si nos fijamos en cómo son estas hermanas:

Claude tiene una mano desfigurada y mutilada por un accidente, que esconde con una prótesis de plástico anticuada. Insiste en no cambiarla por una más moderna y discreta, además de procurar tener siempre un aspecto severo y nada femenino. Se ve a si misma como fea y hace todo lo posible para hacer esa idea real, y así justifica el hecho de quedarse en la casa con sus hermanas.

Yvette es atractiva pero muy frágil psicológicamente. Está confinada a una silla de ruedas, aunque al conocerla, el doctor que la trata insinúa que esta parálisis sea posiblemente psicosomática.

Nicole es la única que tiene un aspecto exterior completamente normal, ya que sus problemas son "interiores": es una ninfómana a la que Claude encierra con llave en su habitación.

Las tres se ven atraídas inmediatamente por Gilles y viceversa. Gilles ve atractivas a las tres mujeres, aunque se lanza primero por Nicole ya que ella se le insinúa la misma noche que se conocen. Pero de las tres, la que parece atraerle más es Claude. Además, de las tres, Claude es la que irá experimentando una transformación a medida que avance el film.

Por cierto, las tres hermanas tienen su lado psicótico pero Gilles también. En el pasado cometió un asesinato que lo atormenta y tal vez por ello se ve atraído por estas (física y mentlemente) mutiladas mujeres. Lo que queda claro es que Gilles es un fetichista de cuidado, al que de inmediato llama la atención la prótesis que lleva Claude.

Y en medio de todo esto, se van sucediendo los asesinatos a ritmo de Frère Jacques. Asesinatos que tienen también una "traumatizada" motivación y cuya resolución es tan delirante como la del mejor giallo italiano. Sin embargo, como ya he mencionado, el retrato que se hace del cuarteto central resulta mucho más fascinante que la trama de intriga.

El extraño que se introduce en un ambiente familiar psicológicamente exótico es un tema al que volvería Naschy en el futuro (y de hecho lo haría en la misma casa donde se rodó Los ojos azules de la muñeca rota), creando un interesante díptico que acabaremos de ver mañana. De momento, os dejo con el tráiler de esta película, donde se ve que el mal doblaje no es exclusiva de nuestro país.

Obsession: A Taste for Fear (Pathos - Segreta inquietudine)

Obsession: A Taste for Fear (Pathos - Segreta inquietudine, Piccio Raffanini, 1987) es una de esas películas que comento no porque sea particularmente buena, sino porque es bastante curiosa, desconocida y puede que haya algún/a pervertido/a que encuentre cierto placer en su visionado.

Diane (Virginia Hey) es una famosa fotógrafa que se dedica a hacer arte fotográfico de alto contenido erótico. Una modelo culturista con la que ha mantenido relaciones aparece asesinada, lo que hace que el detective Arnold (Dario Parisini) considere que Diane o alguien de su entorno es el asesino, el cual se dedica a enviar vídeos de los asesinatos a Diane. Cuando más conocidos suyos vayan apareciendo muertos, Diane se decidirá a descubrir quién es el misterioso asesino.

Esta película llama la atención en primer lugar por su ambientación futurista. Una ambientación futurista de bajo presupuesto, que hace todo esté lleno de pantallas, luces de neón y muchos interiores (un ejemplo de la alta tecnología empleada en la película es un reloj digital Casio). Pero aunque no sea muy creíble, le da por lo menos un toque exótico divertido al film.

Y no hay mucha más diversión. No se invierte demasiado tiempo en la trama de intriga y sí mucho en las creaciones artísticas de Diane. Pero aunque en Pathos hay muchos desnudos, no hay sexo o erotismo que destaque.

Como ya he dicho, este es un film que hoy día resulta bastante oscuro y curioso, puede animar una tarde tonta, pero no tiene ese algo especial de las películas de culto realmente interesantes. Pero como puede que haya algún lector a quien sí le interese, aquí os la descubro.

Historia macabra (Ghost Story)

 

Cualquiera que haya leído la excelente novela de Peter Straub Fantasmas, sabrá que es un texto complicado de llevar a la gran pantalla debido a su complejidad narrativa de historias dentro de historias. Sin embargo, Universal lo intentó y a principios de los 80 estrenó Historia macabra (Ghost Story, John Irvin, 1981).

En la pequeña ciudad de Milburn reside la sociedad Chowder, un grupo de viejos amigos que se reúne para contarse historias de miedo. La sociedad está formada por Ricky Hawthorne (Fred Astaire), Sears James (John Houseman), el doctor John Jaffrey (Melvyn Douglas) y Edward Charles Wanderley (Douglas Fairbanks Jr.). Todos ellos acosados por pesadillas. Pesadillas que tomarán cuerpo cuando el hijo de Edward muera en misteriosas circunstancias. Cuando su otro hijo, David (Craig Wasson) regrese al pueblo para el entierro, lo hace sabiendo que una extraña mujer, Alma (Alice Krige), es tal vez la responsable de la muerte de su hermano. Una mujer que de alguna forma está relacionada con la sociedad Chowder.

Para juzgar con cierta ecuanimidad esta película, lo mejor es verla cuando la novela se tenga un poco olvidada (en caso de que se haya leído, claro, de otro modo no hay problema). Juzgarla por sus propios méritos como película. Desde este punto de vista, Historia macabra es un film interesante pero en última instancia fallido.

Los fallos no se encuentran en el excelente reparto, tremendamente efectivo y que realiza un gran trabajo, tanto los veteranos como los entonces recién llegados. El problema que tiene el film es de atmósfera, sobretodo en el clímax donde no se crea la tensión que seria de esperar. Hay momentos de impacto, reforzados por el soberbio trabajo de efectos de maquillaje del veterano Dick Smith (con el que trabajó un joven Rick Baker), pero estos momentos están aislados y no resultan liberadores de tensión acumulada, ya que el director, como he dicho, no consigue crear ninguna tensión. Eso sí, el look del film está muy conseguido, gracias al holgado presupuesto con que contaban para rodar la película.

A pesar de todo, de que no es una película muy efectiva como cinta de terror, tiene sus momentos de interés y tampoco es que sea un film aburrido. De todos modos, si no se ha leído la novela en que se basa, casi es mejor ir directamente al libro y saltarse la película.