El mito, la leyenda: Howard... un nuevo héroe

La gente me ha acusado de ser antisocial porque no tengo Facebook, ni cuenta en Twitter, ni nada. Ni siquiera sabía que existía FilmAffinity hasta que lo vi comentado por aquí (tampoco estoy apuntado). El caso es que es una acusación completamente injusta. Si soy antisocial es porque no me gusta la gente, así, en general (no me refiero a ti, por supuesto, amable lector, ¿ya has clicado en algún anuncio?).

Tampoco habría empezado el blog si una amiga no me hubiera insistido en ello. Y sinceramente os digo que me sorprendió descubrir que había gente que lo leía.

Comento todo esto porque temo que todo haya llegado a su fin cuando diga lo que estoy a punto de decir. Es posible que signifique el fin de este blog, ser borrado de la comunidad internetera y ser objeto de escarnio y burla. Pero ha llegado el momento de que me levante con orgullo y proclame:

Me gusta Howard... un nuevo héroe (Howard the Duck, Willard Huyck, 1986).

Ya está, ya lo he dicho.

Howard el pato fue creado por Steve Gerber y Val Mayerick en las páginas de Adventure into Fear en 1973 como personaje secundario en las aventuras del Hombre Cosa. El personaje alcanzó suficiente popularidad para protagonizar su propia serie: Howard the Duck, en cuyo número uno hacía aparición el asombroso Spiderman (de ahí que fuera incluido en Biblioteca Marvel: Spiderman nº 26). En el cómic, Gerber utilizó a Howard como vehículo para satirizar diversos aspectos de la sociedad, y a medida que avanzó la serie se fue haciendo más y más experimental, parodiando diversos géneros, haciendo referencias a la cultura pop y adquiriendo un tono existencialista sin dejar nunca la comedia.

El personaje, tras la cancelación de su serie, fue apareciendo en diversas colecciones y especiales durante los 80 y 90, hasta alcanzar de nuevo popularidad con una miniserie dentro del sello Max de Marvel, dedicado a lectores adultos. La última aparición suya que he leído es en el quinto tomo de la edición española de la imprescindible Marvel Zombies, con el título Marvel Zombies 5: La bella, el pato y el robot. Este tomo es uno de los mejores de la ya de por sí hilarante serie, y nos presenta a Howard el pato, Aaron Stack el Hombre Máquina y a la pistolera Jackie Kane saltando de universo paralelo en universo paralelo matando zombis. De paso, los autores aprovechan para parodiar y hacer referencias a los distintos tipos de zombis y las distintas películas de caníbales resucitados que nos encontramos en la cultura pop.

El tono satírico, la experimentación y la comedia existencialista no fueron utilizados para la película, en la cual la personalidad de Howard (maleducado, malhablado y desagradable) fue cambiada para ser más simpático . Aparte de Howard, el otro único personaje del cómic que hace aparición en la adaptación cinematográfica es Beverly Switzler, encarnada por Lea Thompson, que pasa de ser una modelo a ser una cantante.

George Lucas se encontraba en una difícil situación económica y necesitaba un éxito cinematográfico desesperadamente. Y pensó que una adaptación de Howard el pato podría ser ése éxito. Decidió llevar a cabo tareas de producción, y le pasó la tarea de escribir la película a Gloria Katz y Willard Huyck, éste último sería también el director. Katz y Huyck eran amigos y colaboradores de Lucas desde los inicios de éste. Escribieron los tres juntos la clásica American Graffiti (George Lucas, 1973), época en la cual Lucas sugirió por primera vez adaptar Howard el pato, y Katz y Huyck fueron también los guionistas de Indiana Jones y el templo maldito (Indiana Jones and the Temple of Doom, Steven Spielberg, 1984).

En videoeta.com hacen una interesante comparación entre el póster original de la película y la edición políticamente correcta del DVD. ¿Notáis la diferencia?

Inicialmente se plantearon hacer la película como un film de animación, sin embargo, la necesidad de un gran estreno para el verano del 86 por parte de Universal precipitó la filmación de la película como un título de imagen "real". Lucas confiaba que su empresa de efectos especiales Industrial, Light and Magic podría crear un convincente Howard animatrónico.

Tras un complicado y técnicamente difícil rodaje, con un presupuesto final de unos 36 millones de dólares (de 1986) se estrenó Howard... un nuevo héroe. La película que había sido promocionada como la gran nueva creación de la factoría Lucas fue un monumental desastre de taquilla, fue recibida con agresivamente malas críticas y odio general por parte de la población.

La película tiene ciertamente sus problemas. Hay una secuencia en el tramo final que consiste en Howard y Phil Blumburtt (Tim Robbins) huyendo de la policía en un ultraligero que se hace un pelín larga. El problema principal es Howard, cuyo traje animatrónico no resulta muy convincente y es una de las raras ocasiones en las que creo que la CGI podría haber sido de gran ayuda. Actualmente, un Howard infográfico sería mucho más convincente que el traje que hicieron entonces, dentro del cual iba el actor Ed Gale principalmente. Siete actores diferentes interpretaron a Howard, pero Gale fue el principal, y Chip Zien se encargó de la voz.

Pero dejando esos detalles aparte, la película me gusta, a pesar de la mayoría en contra, porque es tremendamente absurda, extraña, demencial y, como dicen los estadounidenses, off the wall.

Grandioso momento de Howard el pato.

El otro grandioso momento de Howard el pato.

 

Creo que la película fracasó en parte porque se pensó que era una película dirigida al público infantil, al fin y al cabo estaba calificada PG (apta para todos los públicos). Grave error. Uno de los puntos fuertes de la película es la relación romántica entre Howard y Beverly y hay diversas referencias sexuales a lo largo del metraje. Eso sin olvidar la parte "oscura" de la película que culmina con una monstruosa y soberbia creación de Phil Tippet que aún hoy es fantástica de ver. El traje de Howard es el único efecto que no resulta enteramente convincente, el resto de efectos de la ILM son muy efectivos.

Todo se reduce a si sois el tipo de persona que, como a mí, le resulta divertida la relación entre un pato antropomorfo y una humana. Es en ese aspecto en el cual, para mí, la película funciona: sus toques de comedia surrealista, bizarra y tonta, a lo Monty Python o Muchachada Nui (salvando las distancias).

Beverly y Howard a punto de entrar en acción. Queda claro que Beverly no es vegetariana.

Son sus conceptos absurdos los que me atraen de esta película. Conceptos que no habrían funcionado en un film animado, ya que lo que hace resaltar el absurdo es un pato inteligente en un entorno "de carne y hueso" y el efecto se habría diluido si todo fuera en dibujos animados.

La mejor parte de la película es sin duda la segunda, en la cual Jeffrey Jones es poseído por un oscuro señor del mal procedente de otra dimensión y empieza a transformarse en un monstruo. Es en esta sección de la película donde entran en juego los elementos más oscuros que se mezclan con la comedia y donde los efectos especiales realmente brillan. De hecho, preferiría que hubiesen acortado la primera parte y alargado la segunda.

De todas formas, diga lo que diga la gente, siempre que veo Howard lo hago con una gran y estúpida sonrisa en la cara. Me divierte su ridiculez y absurdidad. Pensad lo que queráis, la disfrutaré igual.

El camino no elegido

Debo decir esto con un suspiro

En algún lugar hace siglos y siglos:

Dos caminos se bifurcaron en un bosque, y yo...

Yo cogí el menos transitado,

Y eso hizo toda la diferencia.

Robert Frost (1874-1963), The Road Not Taken

Southland Tales (2006) de Richard Kelly es una de esas películas que odias o amas. Sin término medio. Esta épica de ciencia ficción es una sátira sobre Estados Unidos antes de las elecciones del 2008. Una película compleja y absorbente que nos lleva hacia una realidad alternativa y que nos muestra como será el fin del mundo.

Si te gusta Philip K. Dick y (Kurt) Vonnegut y algunos de los otros escritores que inspiraron este tipo de material, la apreciarás por lo que es. Y creo que si no es de tu gusto entonces una película como ésta puede acabar convirtiéndose en algo completamente incomprensible.

Con estas palabras del director y guionista Richard Kelly podréis comprender fácilmente el fracaso de esta película en taquilla y las reacciones viscerales que menciono al principio. Southland Tales es una película compleja no sólo por la cantidad de detalles y personajes que la pueblan, la avalancha de información que el espectador ha de procesar, también por lo complejo de los temas que presenta. Es una película que exige cierta implicación y esfuerzo por parte del espectador para poder descifrar que sucede en esta extraña realidad alternativa creada por Kelly. Una realidad alternativa en la que la sociedad al borde del colapso y del desastre por el cual se mueve el reparto coral que protagoniza la película.

También hay sitio para la sátira política y la comedia más negra que os podáis imaginar. Los personajes por sí mismos resultan bastante extremos como Boxer Santoros (Dwayne Johnson), estrella del cine de acción amnésica que es víctima de una conspiración; Krysta Now (Sarah Michelle Gellar) es una estrella porno mediática que ha escrito un guion de cine profético o la misteriosa Serpentine (Ling Bai), una estilizada esbirra de la Treer Corporation.

Kelly llena cada frame con tantos detalles que la película exige más de un visionado, además de para poder captar todas las ramificaciones de la trama, para poder ver todos esos detalles. Y creo que el hecho de que sea una película exigente con el espectador, que no te lo da todo masticado, una película en la cual el espectador es algo más que un simple voyeur de los eventos que tienen lugar en la pantalla, lo que en última instancia marcará que os acabe gustando o no.

El director nos presenta una sociedad que está a un paso de convertirse en un estado policial. La razón de ello se haya en que Estados Unidos sufre un doble atentado nuclear, lo que facilita la creación de sistemas para controlar la sociedad hasta límites insospechados. La guerra en Oriente Medio ha provocado que empiece a escasear el carburante basado en combustibles fósiles, de ahí que la aparición de Karma Fluido, una especie de electricidad wi-fi que puede hacer funcionar toda clase de aparatos, parezca ser la salvación. El estado de las cosas provoca la aparición de los Neo-Marxistas, un grupo terrorista que espera boicotear las próximas elecciones. Y hay un extraño experimento que ha provocado la amnesia de Boxer Santoros y su fácil manipulación. Y mil cosas más.

Como podéis ver, la película es un rato compleja. Pero también es divertida. Hay incluso momentos musicales como éste:

Referencias literarias y cinematográficas aparte, Southland Tales es una película que me fascinó. Me quedé tan completamente absorto por los eventos que estaban teniendo lugar frente a mí que incluso no me dí cuenta de las referencias a la novela Fluyan mis lágrimas, dijo el policía de Philip K. Dick, una de mis favoritas. Era una película tan atrevida y diferente a todo lo demás que se estaba haciendo en aquel momento que no pude más que admirar la valentía de Kelly de hacer una película como ésa y estrenarla. Y admirar el hecho de que es una película hecha con un presupuesto muy bajo pero que parece hecha con el doble de dinero.

Mientras la veía no podía más que extrañarme de que no la hubiese visto en el cine. Después de ver Donnie Darko (2001), otra gran película de ciencia ficción de Kelly, tomé nota de seguir la obra de este director. Así que cuando supe que su nuevo trabajo era Southland Tales, me aseguré de estar atento para verla cuando se estrenase. Día que no llegó nunca. Lo siguiente que supe de ella fue cuando me la encontré editada en DVD en una tienda (de importación, claro). La compré sin pensarlo, sin saber de qué iba, nada. Y me dejó con la boca abierta. Al cabo de unos días la volví a ver. Luego supe de la desastrosa exhibición de la película.

Desastrosa exhibición en Cannes. Desastrosa recaudación de taquilla en Estados Unidos.

Lo entendí, no es una película para todo el mundo. Pero de todas formas, ¿la gente no quiere cosas que sean diferentes? ¿No le gusta que una película demande cierta participación de parte de su audiencia? Supongo que no, por eso no se hacen más películas como ésta, una auténtica obra de culto, en su sentido original.

Imagino que parte del problema es la cantidad de información que uno tiene que asumir al principio, en un prólogo. La explicación de ello la tenéis a continuación, en la imagen:

Esta imagen pertenece al prólogo que hay al principio, unos cinco minutos. Este prólogo que sitúa al espectador en el punto a partir del cual se inicia la historia resume los tres primeros capítulos de una historia de la cual en la película aparecen los tres últimos. Estos tres primeros episodios fueron publicados en forma de cómic, bajo el título genérico Southland Tales: The Prequel Saga, y podéis ver los títulos en la izquierda de la imagen. La película se puede ver de forma independiente, por supuesto.

Repito que la película me encanta. Pero no paro de repetir lo compleja que es. La verdad es que me gusta tanto que desearía decirle a todo el mundo: "ved esta película, es una pasada". Es una de esas películas que cada vez que la ves encuentras un nuevo detalle, un nuevo matiz. Sin embargo la película es tan peculiar que soy consciente de que mi opinión es más bien minoritaria. En DVD está sólo de importación, pero si podéis (y os interesa) comprad la edición Blu-ray americana: es muy barata y es zona libre. Recomiendo el Blu-ray especialmente porque incluye dos extras que no están en el DVD: un comentario de Richard Kelly (de donde he sacado la explicación que hay arriba) en el cual comenta la posibilidad de editar una versión extendida de la película, la cual parece de momento de difícil realización aunque ha aparecido de forma pirata por Internet con no muy buena calidad el montaje que se presentó en Cannes; el otro extra del Blu-ray realmente interesante es la inclusión de las novelas gráficas completas, fáciles de leer y sin perder detalle: no es un simple escaneo de las páginas. Cuando recibí el Blu-ray me leí los cómics antes de volver a ver la película, y como resultado ésta se me hizo mucho más fácil de seguir y amplió el ya de por sí complejo universo.

Southland Tales es una película diferente, original, extraña, compleja y fascinante.

Recuerda lo que dijo el lirón: Sucker Punch

Tenía mucha curiosidad por ver Sucker Punch (2011) de Zack Snyder ya que se trata de la primera película original que hace. Es decir, no se trata de un remake (Amanecer de los muertos (Dawn of the Dead, 2004)), ni la adaptación de un cómic (300 (2006), Watchmen (2009)), ni se basa en una serie de novelas (Ga'Hoole - La leyenda de los guardianes (Legends of the Guardians - The Owls of Ga'Hoole, 2010)). Por primera vez Snyder realiza una película sin las muletas de un trabajo previo, usando un guion escrito por él y Steve Shibuya. Para mí Sucker Punch iba a servir para ver si Snyder es simplemente un director competente a la hora de crear escenas de acción con buen gusto para escoger sus lecturas o un cineasta realmente interesante.

Os digo de entrada que oiréis muchas cosas malas de esta película. Gente que la odiará con pasión.

No encontraréis nada de eso aquí.

También os digo que es una película que se ha de ver para poder juzgarla y no dejarse llevar por comentarios ajenos, ya sean a favor o en contra. No os forméis una opinión hasta haberla visto y no entréis en la sala de cine con ideas preconcebidas. Lo mejor es ir con la mente abierta para cualquier cosa.

Sucker Punch es fantasiosa, frenética y fetichista. Una auténtica película del siglo XXI por la manera en que construye su discurso visual mezclando los códigos narrativos de diferentes medios. Abundan las referencias cinematográficas, especialmente Oz, un mundo fantástico (Return to Oz, Walter Murch, 1985), pero también es palpable la influencia de los videojuegos, los cómics y el anime. Todo ello es usado por Snyder para construir una serie de muñecas rusas, cada una encapsulando un nivel distinto de realidad (o irrealidad).

Primero nos encontramos con una visión hiperestilizada de los años 30, en el cual vemos como Baby Doll (Emily Browning) es internada en un manicomio, un lugar especializado en jovencitas dementes o antisociales. Y recordad que durante ésa década en Estados Unidos era bastante fácil que una joven fuera internada en un manicomio, simplemente por no comportarse bien. Era posible que si la chica en cuestión fuera lesbiana intentaran curarle su "desviación" a base de electroshocks.

Una vez ingresada, Baby Doll se sumerge en el segundo plano narrativo, en la cual se imagina el manicomio como una especie de burdel en el cual las chicas hacen números musicales supervisados por Madame Gorski (Carla Gugino) y donde Baby Doll espera a que la vendan al Gran Apostador (John Hamm). En este nivel es cuando Baby Doll planea fugarse contando con la ayuda de Rocket (Jena Malone), Blondie (Vanessa Hudgens), Amber (Jamie Chung) y Sweet Pea (Abbie Cornish) (notad que ninguno de los nombres es real). Todo esto, por supuesto, tiene su contrapartida en el mundo real, en el cual Baby Doll espera a que la lobotomicen.

Como parte del plan, Baby Doll deberá ejecutar una serie de bailes para despistar a los secuaces y villanos, durante estos bailes se sumergirá en el tercer plano narrativo: fantasías que son representaciones de los objetos/objetivos que necesitan para fugarse. En cada una de estas fantasías aparece un misterioso personaje, interpretado por el gran Scott Glen, que explicará la misión a las chicas. Es en estas fantasías donde se concentra la parte más espectacular de la película y donde Snyder crea un collage visual, mezclando fantasía, ciencia ficción, pulp, steampunk y mil cosas más.

Es importante señalar aquí la música, que tiene una gran importancia en este palno. En Sucker Punch se hace algo parecido a lo que hicieron (o perpetraron, depende de a quién le preguntéis) en Moulin Rouge (Baz Luhrmann, 2001): coger canciones conocidas y versionarlas de manera que encajen con la película. Así podemos escuchar versiones de Sweet Dreams de Eurythmics, Where is my mind? de Pixies o Search and Destroy de Iggy Pop and The Stooges. Sin embargo, resulta especialmente significativa una de las canciones utilizadas: White Rabbit, escrita por Grace Slick y un gran clásico de Jefferson Airplane. Significativa porque si conocéis la canción, sabréis que se trata de un homenaje que hizo de Slick a la obra de Lewis Carroll. Y la obra de Carroll es también una gran influencia en esta película.

Si habéis leído la obra clásica de Carroll Alicia en el País de las Maravillas sabréis que el libro en sí no tiene una trama. Vamos siendo testigos de las diferentes y surrealistas peripecias de Alicia hasta que esta se encuentra de nuevo en el mundo real. Su anárquica narrativa y libérrima fantasía ha hecho que la obra de Carroll se convierta en clásica y que una obra destinada al público infantil pueda ser apreciada por los adultos por su calidad poética y alucinógena (más sobre Alícia y Carroll en mi post Alicia en Sunderland).

De la misma manera, Sucker Punch tiene un argumento bastante sencillo pero eso no quiere decir que la película sea simple. El argumento no es más que un medio para conseguir un objetivo. Lo mismo que, por ejemplo, en Pink Floyd The Wall (Alan Parker, 1982) se utiliza un argumento muy sencillo (un cantante de rock sufre una crisis nerviosa, eso es todo lo que en realidad sucede) porque lo que  interesa en realidad es explorar una serie de temas y representarlos de una manera que sólo es posible por lo sencillo de su argumento. Otros cineastas como Akira Kurosawa en Los siete samuráis (Shichinin no samurai, 1954) hicieron lo mismo: buscar una premisa argumental básica que les permitiera tratar los temas que realmente querían tratar más allá de la historia que se desarrollaba en la pantalla.

Sucker Punch tiene un argumento sencillo y una estructura básica que le permite explorar y explotar visualmente diversos temas sin que el espectador se pierda. La estructura de la película sigue la de las películas de fugas como La gran evasión (The Great Scape, John Sturges, 1963) y el mecanismo de un videojuego (obtener objetos en misiones exponencialmente más complicadas) para que el espectador no se vea abrumado por el espectáculo que está viendo.

En ese sentido hace lo mismo que hizo Christopher Nolan en Origen (Inception, 2010). La única diferencia es que Nolan utilizó la estructura de las películas de robos/misiones (reunir el equipo-el objetivo-el plan-preparación-ejecución-lo que puede salir mal sale mal-botín/se cumple misión) para explorar el mundo del subconsciente. Los elementos conocidos, hasta tópicos, por el espectador le permite anclarse para disfrutar de los eventos que se despliegan en la pantalla y no perderse.

Sucker Punch es, en definitiva, un espectacular y oscuro cuento de hadas. Y como todos los cuentos de hadas, también tiene su moraleja. Es también una película que exige más de un visionado para poder apreciar todos los ricos matices de los que la película está plagado. Ya sea un fantasía geek o un alegato feminista, lo cierto es que intuyo que es una película destinada a chocar con aquellos "cinematográficamente miopes", aquellos habituados a una narrativa convencional, que serán incapaces de ver más allá de los orcos y zombis nazis a vapor y desecharán la película como un espectáculo puramente superficial. Algo parecido a lo que le sucedió a otro clásico contemporáneo, en su momento despreciado por ser un simple espectáculo de efectos especiales: Blade Runner (Ridley Scott, 1982).

Un consejo: si todavía no la habéis visto (y no tenéis la costumbre de hacerlo) quedaos a ver los títulos de crédito finales.

La dama roja mata siete veces (La dama rossa uccide sette volte)

Vi La dama roja mata siete veces (La dama rossa uccide sette volte, 1972) de Emilio P. Miraglia inmediatamente después de La notte che Evelyn uscì dalla tomba (1971), con lo cual enseguida pude comprobar que La dama es un filme superior a Evelyn y que, por dirección y argumento, me gustó mucho más. Y con lo que me había gustado Evelyn, eso es decir mucho.

El gran éxito de taquilla de Evelyn facilitó que para su segundo giallo Miraglia contara con un presupuesto mayor y mejores medios para hacer la película. Por ello, la producción se trasladó a Alemania para darle un aire internacional. La dama, sin embargo, no es una película superior porque tuviera más dinero Miraglia, sino porque tanto el argumento, como su ejecución, está mejor construido y preparado, dejando de lado la misogínia que aparecía en Evelyn.

Dentro de la familia Wildenbrück corre la leyenda sobre dos hermanas, la Dama Negra y la Dama Roja, que se enfrentan cada siete años, tras ese enfrentamiento, al cabo de un año regresara la Dama Roja para matar siete personas. Y ahora le toca a Kitty Wildenbrück (Barbara Bouchet) ser la víctima de la persecución de la Dama Roja que regresa de nuevo, asesinando a la gente que trabaja con ella en una firma de moda femenina. ¿Es real la maldición? ¿Quién se esconde tras la máscara de la Dama Roja?

Aquí tenéis a la Dama Roja en mi estantería, frente a la edición especial de Horizonte Final (Event Horizon, Paul W. S. Anderson, 1997), vigilando que nadie toque mi colección de tebeos de Spiderman ni los tebeos guionizados por Garth Ennis.

Miraglia nos sumerge en una compleja trama de ambición laboral y secretos de familia. Contínuos giros y brutales asesinatos van salpicando la historia protagonizada por la bellísima Barbara Bouchet. Pero, además, Miraglia llena la película de bellas actrices: Sybil Danning, Pia Giancaro, Marina Malfatti... Con la excusa de ambientar la trama en una firma de moda femenina, la película rebosa de bellezas. En el departamento masculino tenemos a Ugo Pagliai, que se pasa gran parte de la película sin tener ni idea de lo que ocurre intentando limpiar su nombre; y a Marino Masé, como el bigotudo inspector de policía que intenta averiguar quién es el/la asesin@.

Los asesinatos de La dama son bastante sangrientos y elaborados, todos ellos contando con otra fantástica banda sonora de Bruno Nicolai. Miraglia se asegura que hasta el último momento no tengamos ni idea de lo que sucede con gran estilo: van apareciendo personajes y tramas secundarias que van complicando el argumento, pero todo acaba teniendo (más o menos) sentido. En esta película Miraglia vuelve a incorporar elementos góticos, tanto temáticos como visuales, incidiendo en el pasado atormentador y la incorporación de supuestos elementos sobrenaturales sobre los que no me extiendo para no arruinar sorpresas. También tenemos una estupenda escena onírica que le añade un toque fantástico.

Como mencioné en el post de Evelyn, La dama viene incluida en The Emilio Miraglia Killer Queen Box Set, que incluye la figura que aparece arriba, en una versión completa sin censurar y el audio original italiano. Si la buscáis por otros medios cercioraros de que es la versión sin cortes y sin el ridículo doblaje inglés.

Muerte y resurrección de The Punisher en el cine

Como señala el crítico cinematográfico Vern, el Castigador es el único personaje de cómic del cual se han hecho tres películas distintas con tres actores distintos y con estilos y tonos distintos. Es decir, cada nueva película empezaba de cero sin considerar las anteriores. Creo que la razón de ello es que el Castigador es un personaje de cómic complicado en el sentido de que sus intenciones y naturaleza hacen que sea difícil crear historias realmente interesantes que no resulten repetitivas.

PERO, ¿QUIÉN DEMONIOS ES THE PUNISHER?

Frank Castle alias el Castigador (The Punisher, en inglés), creado por Gerry Conway (al cual nunca se le acredita el mérito ya que lo hizo en una época en la cual las editoriales se quedaban con todos los derechos de los personajes), apareció por primera vez en el número 129 de Amazing Spiderman que data de febrero de 1974, publicado en el número 23 de Biblioteca Marvel: Spiderman, cuando era editada por Forum (luego los derechos de la Marvel de publicación en España fueron recuperados por Panini). Ya desde el principio resulta un personaje ambiguo, originalmente es un villano que intenta matar a Spiderman. Sin embargo, luego descubre que ha sido engañado por el Chacal, que le había hecho creer que Spiderman era un criminal.

A partir de entonces el Castigador fue apareciendo en las páginas de la serie de Spiderman, que siempre intentaba evitar que Frank Castle ejecutara criminales a granel. El personaje se hizo bastante popular entre sus lectores, para al cabo de un tiempo caer en el ostracismo y no es hasta que Frank Miller, en su etapa en Daredevil, lo rescata del olvido que empieza a convertirse en un personaje realmente popular. Es durante los ochenta que el Castigador disfruta de una mayor popularidad, llegando a encabezar tres colecciones distintas y diversos especiales.

Sin embargo, al terminar los ochenta y entrar en los noventa, el Castigador entra de nuevo en decadencia, igual que el cine de acción cargado de testosterona popular durante los ochenta, y aparte de alguna miniserie interesante como Punisher: P.O.V.  de Jim Starlin (guion) y Berni Wrightson (dibujo) publicada a principios de los noventa, las historias se hacen bastante mediocres. Esto llevará a la cancelación de las diferentes colecciones por bajas ventas y a que el personaje caiga de nuevo en el ostracismo.

Esto demuestra que el Castigador necesita guionistas de talento que sepan hacer de él un personaje interesante y no un vigilante enloquecido más.

A finales de los noventa, Marvel empieza a publicar el sello Marvel Knights. Bajo esta cabecera se publican personajes que habían caído en decadencia con la intención de rescatarlos y devolverles la gloria. Uno de los primeros en aparecer con esta nueva cabecera es Daredevil, en una interesante miniserie escrita por Kevin Smith y que luego generaría una de las mejores épocas del héroe ciego contando con grandes guionistas como Ed Brubaker y Brian Michael Bendis. Otros personajes rescatados fueron la Viuda Negra y, por supuesto, el Castigador.

En 1999 se publica en España Punisher: Purgatorio, un tomo que recopila la miniserie en la cual Christopher Golden y Tom Sniegoski, en el guion, y Berni Wrightson, en el dibujo, intentaron de nuevo rescatar a Frank Castle del olvido. Sin embargo fue una serie extremadamente polémica ya que en ella Frank Castle está muerto y vemos que se ha convertido en un vengador de ultratumba con acceso a infinidad de armas celestiales. La idea no gustó nada de nada a los fans, aunque admito que a mí me hizo bastante gracia, y tras sólo otro especial, coprotagonizado por Lobezno, la idea fue abandonada completamente.

En el 2000 se publica una nueva maxiserie de 12 números protagonizada por el Castigador, esta vez con el mismo equipo creativo de la fantástica Predicador: Garth Ennis (guion) y Steve Dillon (dibujo). Ennis vuelve al Castigador clásico en una serie que hace gala de la ultraviolencia y el tono humorístico grotesco que caracterizan al  guionista irlandés. Esta maxiserie fue luego seguida de otra miniserie con el mismo equipo para luego terminar con esta linea paródica en La conjura de los necios (publicada recopilada en un tomo en España) de nuevo con Ennis en el guion, pero con John McCrea en el dibujo. Esta última miniserie sigue el mismo tono humorístico de las anteriores, sin embargo, cuando a Ennis  le encargan hacer una serie regular protagonizada por el Castigador, se da cuenta de que no puede seguir usando el tono paródico empleado hasta entonces y hace un cambio radical de tono y estilo, sin abandonar la ultraviolencia, que inaugura la línea Marvel Max, dirigida a un público adulto (lo que en Estados Unidos significa palabrotas, desnudos y violencia más gráfica), con una serie que contiene historias más serias y dramáticas. Este nuevo entendimiento del personaje cristaliza a la perfección en Nacimiento, una miniserie publicada aquí en tomo, en donde Ennis recrea y reinterpreta Frank Castle desarrollando el origen de su posterior transformación en vigilante vengativo en la guerra de Vietnam.

Para el fan del personaje de cómic, este breve recorrido habrá resultado muy superficial. Es cierto, y ello se debe a que mi interés por los cómics del Castigador sólo se despertaba cuando algún artista que me gustaba se ocupaba del personaje, como Berni Wrightson o Garth Ennis, y sólo he sido lector casual de sus colecciones.

CASTIGADOS EN EL CINE
Como mencionaba al principio, la trayectoria cinematográfica del Castigador en el cine ha sido casi tan accidentada como su trayectoria editorial. A continuación, las tres películas que se han hecho hasta ahora con el personaje.

Vengador (The Punisher, Mark Goldblatt, 1989): Parece que los distribuidores españoles desconocían que el Castigador se publicaba en España a juzgar por el título que le pusieron a la película. The Punisher de Goldblatt tuvo bastante mala suerte en su distribución y difusión, así como problemas con la censura allí donde se estrenó. Esta producción rodada en Australia fue protagonizada por Dolph Lundgren como Frank Castle alias "el Vengador". La película contó con un guion de Boaz Yakin  que nos presenta a Punisher in media res, dedicado desde hace algún tiempo a masacrar mafiosos. Castle es convertido en ex policía, siendo su antiguo compañero Jake (Louis Gossett Jr.) el que está encargado de la fuerza policial cuya misión es atrapar a Punisher. La fuerza la componen Jake, ya que todo el mundo cree que Castle está muerto, y su nueva compañera Sam (Nancy Everhard). Los villanos son los mafiosos que dirige Gianni Franco (Jeroen Krabbé) y la yakuza que dirige Lady Tanaka (Kim Miyori).

La película disgustó a los fans, ya que Punisher no lleva su característica calavera a pesar de usar parecido vestuario negro. No lleva la calavera por decisión de los cineastas que no querían poner al protagonista en un traje al estilo del típico héroe de cómic. Goldblatt es un excelente editor especializado en escenas de acción, así que ese aspecto de la película está bastante conseguido.

La verdad es que me había olvidado completamente de esta película, hasta que fue comentada en el post de Masters del universo por Javi y Dr. Gonzo. Poco después me puse a rebuscar entre mi colección de cintas de vídeo, ya que me sonaba haberla visto grabada. Efectivamente, la grabé de Antena 3 cuando su logo era a3. Por lo tanto, al volver a ver la película para este post no lo hice en las mejores condiciones: mala calidad de imagen y pésimo doblaje. Ahora puedo disfrutar de la película en la edición alemana de 1 Blu-ray y 2 DVDs que incluye la versión del director sin censurar y el workprint, lo que ha motivado que reescriba esta parte del artículo, ya que originalmente no era muy positivo. Sin embargo, hoy día, en una prístina versión con toda la violencia y la sangre intacta, disfruto enormemente de esta película como lo que es: una cinta de acción ochentera pasada de vueltas. El reparto está bastante bien, en especial Krabbé como mafioso italiano (!) y Gossett Jr. como el ex compañero de Castle. Lundgren hace un papel correcto dentro de sus capacidades.

El resultado final no se aleja demasiado de películas como El exterminador (The Exterminator, James Glickenhaus, 1980) (siendo ésta más memorable con su vengador lanzallamas en ristre). La historia es simple pero se ejecuta de forma interesante, gracias al ritmo rápido y la constante acción. No es la mejor adaptación que se ha hecho del personaje, pero desde luego es de las más entretenidas.

The punisher (El castigador) (The Punisher, Jonathan Hensleigh, 2004): La producción de esta película fue algo problemática, pero a pesar de sus fallos el resultado final me gustó. El principal problema de la película fue el limitado presupuesto, que obligó a eliminar escenas que no se pudieron filmar y a trasladar el rodaje de la película a Tampa, Florida, lejos del ambiente urbano habitual del Castigador, y la tensión entre lo que quería hacer Hensleigh y lo que quería el estudio.

Hensleigh tenía la visión de hacer una película que fuese un homenaje al cine de venganza de los setenta y las películas con Clint Eastwood y Charles Bronson, con referencias a Mad Max: Salvajes de la autopista (Mad Max, George Miller, 1979) y aires de spaghetti western. Pero el estudio quería hacer algo en la línea de la primera maxiserie que había escrito Ennis y utilizar el mismo tono paródico exagerado. El resultado final es una mezcla de ambos tonos, lo que proporciona algunos momentos divertidos pero le resta algo de sentido épico.

Me gustó, eso sí, el exceso del que se hace gala en varios momentos. Por ejemplo, el hecho que la familia mafiosa de Howard Saint (John Travolta) mate a toda la familia de Frank Castle, no sólo a su mujer e hijo, también a su padre, madre, abuelos, primos, tíos... Todos masacrados. El tiroteo/masacre final también está bastante conseguido, así como la sibilina manera en que Punisher (Thomas Jane) va destrozando la familia Saint que va más allá de usar armas a tutiplén. Hensleigh, además, adaptó dos historias del Castigador: Punisher: Year One, de Dan Abnett, Andy Lanning (guion) y Dale Eaglesham (dibujo), y la anteriormente mencionada maxiserie de Garth Ennis y Steve Dillon, acercándose bastante al personaje del cómic, aunque nunca tanto como para considerarla una adaptación fiel.

La película se planteó como la primera de una futura franquicia que nunca se realizó. Thomas Jane hace un buen papel como Punisher gracias a su talento interpretativo. Jane era fan del personaje y su intención era seguir interpretándolo, pero continuos retrasos para hacer la secuela y los cambios de guion hicieron que finalmente abandonara al personaje. El director también expresó, en el comentario del DVD, su deseo de poder hacer una película del Castigador con un mayor presupuesto que le permitiera rodar en un ambiente urbano más propio del personaje.

Todas estas intenciones se quedaron en nada. Si bien la película no fue un fracaso, no fue muy bien recibida por los fans, esta vez por el hecho de transcurrir en Tampa. Existe una versión extendida: incluye el prólogo que no pudieron filmar por cuestiones de dinero en una versión animada y la subtrama del amigo traidor que no resulta especialmente interesante ni cambia la visión de la película, pero es una curiosidad para los fans.

Punisher: War Zone (Lexi Alexander, 2008): La hasta ahora última aparición del Castigador en el cine, no dudéis  de que volverá a aparecer en el futuro, tampoco satisfizo a los fans y tuvo una recepción fría en taquilla debido a la gran cantidad de críticas en contra, de ahí que en España se estrenase directamente en DVD.

Y al parecer es en el formato doméstico que la película ha encontrado a su público. Yo mismo, cuando vi la carátula con un adhesivo indicando: "esta película contiene imágenes que pueden herir la sensibilidad del espectador", pensé que sería interesante de ver. Obviamente, el adhesivo no era más que una maniobra publicitaria, ya que la edición en DVD y Blu-ray es la versión unrated, es decir: sin pasar por la censura americana.

Esta vez Ray Stevenson es Frank Castle, el Castigador. Ciertamente, el actor da el tipo físicamente y en cuanto a talento interpretativo tampoco está mal. Es mejor que Lundgren, desde luego. Por una vez, en esta ocasión, el Castigador se enfrenta a un villano salido del cómic: Puzzle (Jigsaw en inglés), encarnado por Dominic West. También hay que mencionar la aparición de Doug Hutchinson, como el hermano loco de Puzzle, que en la serie Expediente X interpretó a Tooms, otro personaje con afición al canibalismo, así que debe ser algo en que se debe haber especializado Hutchinson.

La película es un desmadre tremendamente entretenido, gracias a la gran cantidad de violencia desmesurada y absurda que la directora Alexander (campeona mundial de karate y kickboxing) sirve con mucha alegría. También resulta interesante el conflicto moral que se le presenta al Castigador cuando por accidente mata a un federal encubierto creyendo que era un mafioso más y decide proteger a la familia del agente. Una historia que recuerda a las clásicas tramas del heroic bloodshed que con gran gusto nos ofrecía el cine de Hong Kong.

La verdad es que disfruté bastante de la cinta, me resultó tremendamente entretenida por su total desprecio por cualquier tipo de realismo. Al fin y al cabo, si quiero realidad me asomo por la ventana y punto. Pero el cúmulo de despropósitos (en el buen sentido) hace que sea un título a considerar por los aficionados al cine más bruto y con su punto de demencia.

El Castigador, sin embargo, sigue sin protagonizar esa gran película que lleve toda su mística al cine. El problema es el mismo que tiene en el cómic, un personaje cuya sencilla naturaleza (un hombre obsesionado con masacrar criminales) hace que sea difícil hacer algo que sea interesante o diferente, a no ser que tengas el talento de Garth Ennis.