Niños y niñas, no hagáis esto en casa

No fumo, ni bebo, ni siquiera tomo café y nunca he experimentado con las drogas recreacionales. Tras ver The Acid Eaters (B. Ron Elliott -alias de Byron Mabe-, 1968), ni falta que me hace.

A finales de los 60 aparece la llamada cultura de las drogas, que utiliza el LSD y otras drogas alucinógenas como manera de expandir los horizontes de la mente y llegar a otros planos de la realidad. Y así los viajes de ácido empiezan a hacerse populares dentro de los círculos alternativos. Si bien Hollywood no tocaría ni con un palo de 5 metros una temática de tan mal gusto; los cineastas independientes, alternativos y underground, así como los distribuidores y productores que se dedicaban a la exploitation no tenían los mismos prejuicios, por suerte para nosotros.

Dentro de este cine psicodélico nos encontramos con dos tipos de filmes. Primero tenemos películas como The Trip (Roger Corman, 1967), hecha "desde dentro". Es decir, Jack Nicholson, guionista, y Peter Fonda, protagonista, eran "consumidores" y, en aquella época, se movían en los ambientes que aparecen representados en la película. Fonda interpreta a Paul Groves, un ejecutivo televisivo que en medio de una crisis personal decide emprender un viaje y no a Benidorm, precisamente, sino un viaje de ácido. El resto del film se dedica a mostrar sus experiencias interiores y exteriores.

Mientras que The Trip es un intento sincero -si bien algo ingenuo- de representar un viaje de LSD y la cultura que había alrededor de esta droga, nos encontramos en segundo lugar con películas como The Acid Eaters echas por gente conocía sólo de oídas todo este mundo y cuyo único interés era ganar dinero "explotando" un tema polémico y popular entonces. Pero para lo que nos interesa, no son tan diferentes, ambas estan llenas de delirantes alucinaciones y resultan igualmente curiosas e interesantes como retrato de una época que ya ha pasado.

The Acid Eaters se cuenta desde el punto de vista de los comedores de ácido que la protagonizan: oficinistas, un pintor y trabajadores diversos que se reúnen al acabar la jornada laboral. Como se explica desde una perspectiva "dopada", la película roza el cine experimental, acumulando escenas absurdas y diálogos inconsecuentes y proporcionando ilimitada diversión al espectador. Bueno, "ilimitada" durante una hora y dos minutos, que es lo que dura la película.

Dejando de lado el realismo o naturalismo, la película es una larga alucinación llena de gags absurdos, chicas en topless y música non-stop. Entre la psicodelia y lo kitsch, la película avanza y el espectador se queda ojiplático, hasta que llega el momento álgido del film en el cual los protagonistas encuentran una pirámide enorme de LSD en mitad del campo y entran en ella. Aquí el surrealismo (tanto el intencionado como el que no) que impregna el film resulta a un mismo tiempo sorprendente y divertidísimo.

La bailarina y actriz Pat Barrington que participó en The Acid Eaters usando el nombre Camille Grant.

Prácticamente todos los que participaron en la película, delante y detrás de la cámara, usaron pseudónimos. No sé si los actores y actrices lo hicieron por miedo a que perjudicara su futura carrera, aunque teniendo en cuenta lo malas que son las interpretaciones no creo que hubiera pasado nada si hubieran usado sus nombres reales. De hecho, las interpretaciones son tan malas que sorprende descubrir aquí y allá algún momento de autenticidad en el que la cámara capta reacciones de los actores que no forman parte de ninguna interpretación sino que son reales. Vamos, que en algunas escenas se les escapa la risa a los actores.

El único rostro, por no decir otra cosa menos elegante, más o menos reconocible es el de Pat Barrington, que protagoniza uno de los momentos más delirantes del film: en un escenario y fondo negro, la vemos bailar en topless alrededor de un hombre tocando unos tambores, hasta que llega un momento en que uno de los tambores cae al suelo y el hombre sigue imperturbable tocando el tambor que queda con una sola mano mientras Pat sigue bailando ajena a todo. Al cabo de un momento el hombre recoge el tambor del suelo y sigue tocando como si aquí no hubiera pasado nada. Mientras, en la banda sonora suena un canción que, obviamente, no tiene nada que ver con lo que está tocando este hombre.

En definitiva, The Acid Eaters es una comedia surrealista y alucinógena, un descacharrante viaje psicodélico que no deja de sorprender y no aburre en ningún momento. Una joya de la exploitation más demente que hará disfrutar al espectador de este tipo de cine enormemente.

El Cinéfago de nuevo al rescate de otra película de calidad alternativa

Por un lado tenemos a Barbara Bach. Por el otro tenemos a extrañas criaturas mutantes anfíbias. Al frente de todo el director italiano Sergio Martino. ¿Molan los 70 o molan de verdad los 70?

La extraña isla de los hombres pez (L'isola degli uomini pesce, Sergio Martino, 1979) es un entretenido film de aventuras, con elementos de terror y ciencia ficción, que toma prestadas ideas de La isla del doctor Moreau de H. G. Wells y de los relatos de H. P. Lovecraft y las mezcla al estilo italiano.

Todo empieza con los supervivientes del naufragio de un barco prisión, a mediados de 1891. El teniente doctor Claude de Ross (Claudio Cassinelli) apenas puede mantener a raya con una pistola a los prisioneros que han sobrevivido con él en un pequeño bote. Unas extrañas criaturas arrastran el bote hasta unas rocas afiladas, despachan a unos prisioneros y hunden el bote. Los supervivientes de los supervivientes son el doctor De Ross y cuatro prisioneros más. Sin embargo, el número de supervivientes se verá aún más reducido hasta que los pocos que quedan se encuentren con la bella Amanda (Barbara Bach). A pesar de que Amanda les dice que se larguen, De Ross y sus compañeros la siguen (¿y quién no?). Es así como van a parar a la casa de Edmond Rackham (Richard Johnson), el cual comanda a un grupo de indígenas desde su mansión colonial. Por ahí también anda el profesor Ernest Marvin (Joseph Cotten), expulsado de la comunidad científica por sus experimentos contra natura (como todo científico que se precie en el cine).

Sergio Martino es el genio responsable de la soberbia Torso - Violencia carnal (I corpi presentano tracce di violenza carnale, 1973 -comentada aquí-) y de La montaña del dios caníbal (La montagna del dio cannibale, 1978), que causó cierta polémica (y diversión personal) cuando fue emitida por error por TVE1 al mediodía hace ya unos años, pensando que sería la típica película de aventuras y no el festival de sexo y gore que es, entre otros títulos antológicos. La extraña isla de los hombres pez, sin embargo, no causaría ningún problema al ser emitida en horario protegido, ya que no hay escenas sangrientas o desnudos. Lo que sí hay es toneladas de entretenimiento.

Parece que la intención de Martino era acumular todos los elementos típicos del pulp y el cine de aventuras en una sola película. Además del mad doctor y los hombres pez, tenemos: una inestable isla volcánica, la ciudad perdida de Atlantis, ritos vudú, una selva llena de trampas, una belleza en peligro acosada... Todo servido con la energía, el arte y la demencia propia de las películas italianas de entonces. Eso sin mencionar su contundencia sonora, porque si hay algo característico del cine italiano de entonces es como sonaban los golpes, guantazos y puñetazos, que te da la sensación de que duelen el doble que los puñetazos normales.

Esta especie de Julio Verne puesto de ácido es pura fantasía de bolsilibro, el tipo de película que solían echar los domingos por la tarde en TVE1, antes de que las cadenas privadas convirtieran "película de domingo por la tarde" en sinónimo de infumable telefilme. Una película sin pretensiones (ni mucho presupuesto) que hoy día resulta divertida y entretenida gracias a sus cualidades artesanales. Los efectos especiales son algo rudimentarios, y los hombres pez resultan más entrañables que aterradores. Eso sí, como su diseño recuerda al de la Criatura de la Laguna Negra, por la que, como podéis deducir por el nombre del blog, siento cierta debilidad -como ya comenté aquí-, les doy unos puntos extra.

Os invito a averiguar qué tremendo secreto custodian esos extraños seres un día que os apetezca algo de ligera diversión. Tened cuidado al buscarla y no cojáis la versión americana: distribuida por la New World de Roger Corman, tras no funcionar demasiado bien en taquilla decidieron cambiarle el título, recortar unos 15 minutos de película y añadieron escenas rodadas por ellos y que no tenían nada que ver con el film de Martino. Y hablando de Roger Corman, esta película es ideal para ver en doble sesión con la más "adulta" y también genial Humanoides del abismo (Humanoids from the Deep, Barbara Peeters [Jimmy T. Murakami filmó escenas adicionales], 1980), comentada aquí.

Sherlock Holmes: Juego de sombras (Sherlock Holmes: A Game of Shadows)

Sherlock Holmes: Juego de sombras (Sherlock Holmes: A Game of Shadows, Guy Ritchie, 2011) se enfrenta al mismo problema que tienen todas las secuelas y continuaciones (ya sean parte de una misma historia como la saga de La guerra de las galaxias o películas independientes entre sí como las de Indiana Jones) buenas o malas: es imposible recapturar la frescura y la sorpresa de conocer por primera vez a unos personajes y su mundo. De modo que es posible que lo que a muchos espectadores y espectadoras les pareció fresco y diferente en la primera entrega, ahora les parezca repetitivo y rancio. Los responsables de la franquicia (la próxima ya se está preparando) creen en el dicho "si no está roto, no lo arregles" y esta entrega repite el mismo tono y estilo que la anterior. Todo es lo mismo menos el caso, el adversario y los guionistas.

En los aspectos negativos de la película pesa una pareja de guionistas, Kieran y Michele Mulroney, sin mucha experiencia, que son incapaces de hacer que la trama resulte intrigante o absorbente. Y como son la única incorporación, diría que los máximos responsables de los fallos en el film. Por supuesto, también hay que tener en cuenta que este tipo de producciones se hacen "en comité", y no se puede responsabilizar de todo lo que no funciona a unos guionistas inexpertos: parte de la culpa recaerá en las sin duda diversas reescrituras y cambios que se irían sucediendo durante la producción del film.

Pero, como digo, el principal problema de esta continuación es que no tiene una trama que sea mínimamente interesante. Por otro lado, las escenas de acción están bien hechas, tiene acertados momentos cómicos y, sobretodo, un gran villano. El profesor Moriarty al que da vida Jared Harris (al cual algunos recordaréis de la serie Fringe) está a la altura del Holmes de Robert Downey Jr. y representa un auténtica amenaza. Y aunque la película no se basa en ninguna de las novelas o relatos de Arthur Conan Doyle, los que las hayan leído reconocerán un momento extraído de una de sus novelas que en su momento causó una gran polémica y repercusión. El resto del reparto hace un buen trabajo, destacando las incorporaciones de Stephen Fry y de la Lisbeth Salander original Noomi Rapace, que aquí hace poca cosa aparte de lanzar un par de cuchillos y poner cara de no entender qué pasa.

La película me resultó entretenida, pero una débil trama, a pesar de darle un aire internacional, hace que no tenga la misma calidad de su predecesora. Si la vais a ver, id antes al baño: es un pelín larga y de otro modo los últimos minutos pueden hacerse algo incómodos.

Ya están aquíiiii: Los fantasmas de Poltergeist

Hace poco leí, en la sección Schlock Corridor de la página web Badass Digest, un interesante análisis sobre Poltergeist (Tobe Hooper, 1982). Interesante porque me hizo darme cuenta de cosas que, al ver de nuevo la película, parecen evidentes pero en las que hasta entonces no había reparado. Te das cuenta al ponerte a analizar la película objetivamente, pero las emociones que me provoca el film hacía que no me fijara. La segunda parte de este artículo de Devin Faraci se adentra en el tumultuoso rodaje del film, las absurdas leyendas que ha generado y la discusión sobre quién dirigió en realidad la película. En lugar de repetir lo que dice el articulo, os sugiero que lo leáis (y si tenéis problemas con el inglés, estoy dispuesto a enviaros una traducción via e-mail si realmente os interesa el tema).

Como sabéis, desde el momento en que se estrenó Poltergeist han corrido rumores que dicen que Steven Spielberg fue en realidad el director, sustituyendo a Tobe Hooper. El artículo de Faraci no ofrece ninguna conclusión definitiva, tampoco los diversos artículos escritos al respecto, en los cuales actores y técnicos ofrecen sus opiniones, en algunos casos contradictorias, ni la página web no oficial dedicada al film aclara nada definitivamente. Personalmente creo (y esto es sólo mi opinión personal, basada en lo que sé) que es posible que Spielberg se implicara mucho, era el productor y se encargó de rodar algunos planos de la segunda unidad. Pero Hooper fue el director, ya que hay muchos elementos propios del director tejano en esta película a pesar de la presencia de Spielberg.

Lo extraño es que en la edición 25 aniversario en DVD y Blu-ray no hay ni un sólo extra dedicado a cómo se hizo la película. Hay un documental sobre los fenómenos poltergeist, pero ni un sólo documental o entrevista que pudiera poner fin a tantos rumores e historias sobre la concepción de la película. Resulta aún más extraño (o decepcionante) teniendo en cuenta que es una película muy popular que ha generado dos secuelas (de calidad relativa, aunque con estupendos efectos especiales) y una serie de televisión, así como un posible remake para el 2013 (actualmente lo raro sería que no se preparase un remake).

Es posible que los conflictos tras las cámaras expliquen algunos de los detalles del film que no tienen mucho sentido. De todos modos, lo que es indiscutible es que es un clásico que sigue en plena forma.

Cuando compré Poltergeist en Blu-ray hacía mucho, mucho tiempo que no veía este film. No compré ninguna de las anteriores ediciones en DVD ya que me parecían muy pobres, sin extras ni nada, y pensé que tarde o temprano saldría una edición especial (cosa sobre la que estuve, al menos, medio acertado). El caso es que tenía un recuerdo vago del film y, al volver a verla, me sorprendió lo mucho que me enganchó y lo intensa que es teniendo en cuenta que es una película apta.

Claro, que lo que era apto en 1982 hoy tal vez no lo fuera.

Uno de sus mayores aciertos es la manera en que se distribuyen los momentos de impacto. Entre secuencia y secuencia impactante se deja un espacio para que el espectador se recupere y se mantenga la capacidad emocional intacta. Al contrario que en otros filmes, donde se acumula escena tras escena hasta que el espectador básicamente queda anestesiado y ya no le impresionada nada y le aburre todo (hay excepciones, por supuesto, para todo hay excepciones). Así, cada momento diseñado para impactar al espectador, impacta al espectador.

El espacio entre la secuencia en que Carol Anne (Heather O'Rourke) es secuestrada y Robbie (Oliver Robbins) es casi devorado por un árbol de aspecto "maldito" y la visita de los espectros y la alucinación del lavabo es suficiente para que una no pese sobre la otra. Así, el tramo final también resulta efectivo.

Me pregunto hasta que punto la efectividad de los efectos visuales y prácticos y de la propia película en mí depende del factor nostálgico. Poltergeist me gustó mucho cuando la vi de pequeño en televisión. No es que me diera mucho miedo, pero sí me dejé llevar por la montaña rusa de emociones que ofrece. ¿Si la viera hoy por primera vez me causaría el mismo efecto? No lo sé ni creo que lo sepa nunca, pero mientras la siga disfrutando poco importa.

11/22/63

11/22/63 es la nueva novela de Stephen King, que aparecerá publicada en España en marzo como 22/11/63 (supongo), y que he estado leyendo estos días como si no hubiera un mañana. La trama del libro giro en torno a Jake Epping, un profesor de instituto normal y corriente, que viaja, a través de un portal en el tiempo, al pasado con la misión de impedir el asesinato del presidente John F. Kennedy.

Esta no es una novela de terror, como son la mayoría de las publicadas por King, sino que entra en el terreno de la ciencia-ficción, sin que eso signifique que no haya algunos momentos y secuencias en la novela que podrían estar dentro del género terrorífico. De hecho, hay una importante conexión con It, una de las mejores novelas de King (y mi favorita), ya que el portal a través del cual viaja Jake le lleva a 1958 y pasa un tiempo en Derry. Tiempo durante el cual volveremos a encontrarnos algunos personajes de It cuando son jóvenes. Hay también algunas otras referencias a otros trabajos de King, ya que el hombre a construido con sus libros una especie de Universo King, parecido al Universo Marvel o Universo DC, en el cual tienen lugar todas sus historias cortas y novelas.

King acierta en convertir el medio con el que viaja Jake en un portal, en lugar de algún avanzado método científico, ya que le permite tener un protagonista con el cual es fácil identificarse y nos ahorra largas explicaciones y justificaciones científicas para hacer el método creíble, como sucede en novelas contemporáneas que han tratado el tema. Al fin y al cabo, no es importante cómo el protagonista llega al pasado, sino qué le sucede ahí. De todos modos, el portal y sus vigilantes formarán parte de la trama. Aunque lo importante en la novela, aparte de impedir el asesinato de Kennedy, es la vida de su protagonista en el pasado, qué le sucede entre 1958 y 1963, presentando y desarrollando varios personajes que se acabarán convirtiendo en el corazón de la historia, mezclados con los personajes históricos.

Aunque el método con el que se viaja en el tiempo es más bien secundario, no lo son las consecuencias de viajar en el tiempo, el llamado efecto mariposa. Tema ya tratado en diversas ocasiones, siendo la más clásica y fundamental el relato de Ray Bradbury El sonido del trueno (al cual se hace referencia en 11/22/63), y que el propio King había tratado previamente en el relato Ur, en el cual el protagonista recibe un Kindle que puede acceder a libros de universos paralelos y de su propio futuro. Series de televisión como El salt (Quantum Leap, 1989-1993) -"el salto", desconozco si se emitió en otros canales estatales aparte del autonómico catalán- y Edición anterior (Early Edition, 1996-2000) se basaban en personajes cuya misión era, de hecho, cambiar el pasado y el futuro, respectivamente.

Otro aspecto interesante de la novela es el contraste entre el pasado y nuestro presente. En lugar de caer en la nostalgia fácil, se hace una comparativa donde vemos sus pros y contras. Aspectos positivos del pasado, como que se pueden obtener cosas de mayor calidad a un precio más bajo, se comparan con otros negativos como el lugar de la mujer en la sociedad y el racismo (que tampoco son cosas que sean totalmente del pasado pero que entonces eran aún peores).

También resulta interesante la relación que establece Jake con Lee Harvey Oswald y su familia mientras el primero los vigila. Nos es que se establezca ninguna relación próxima, pero las apreciaciones sobre la familia de Oswald van evolucionando a medida que Jake los espia. Y aunque no se trata de una novela histórica, por lo menos no en el sentido habitual, King y su investigador Russ Dorr llevaron a cabo un exhaustivo trabajo de investigación sobre el periodo y el asesinato de Kennedy. Al parecer, este trabajo de investigación fue una de las razones por las cuales King abandonó el proyecto cuando se le ocurrió por primera vez a principios de los 70, ya que en aquel entonces trabajaba como profesor de instituto y no podría haber hecho compatibles ambos trabajos. King comenta, en el postfacio de la novela, que se alegra de no haberla escrito entonces, ya que evento todavía era muy reciente y ahora tiene una mayor perspectiva del suceso.

Aparte de los elementos de ciencia-ficción, el suspense y alguna secuencia terrorífica, en el libro también hay lugar para el drama y el romanticismo, con lo que es posible que la novela llegue a un público más amplio o a aquel que no le guste el terror.

Para acabar, esta es la música que escuché mientras leía el libro (cuando podía), ya que me gusta "ambientarme" y crear una atmósfera adecuada a lo que esté leyendo:

Bernard Herrmann: The Twilight Zone, Bernard Herrmann (obviamente)

Twilight Zone: 40th Anniversary Collection, varios compositores (entre ellos Bernard Herrmann y Jerry Goldsmith)

Ennio Morricone: The Thriller Collection, Ennio Morricone (obviamente, otra vez)