La Zona Muerta (The Dead Zone)

Después del festival cárnico de Videodrome, la siguiente película de David Cronenberg fue la sobria adaptación de la novela de Stephen King La Zona Muerta. Fue la primera película en la que Cronenberg sufrió una mayor intervención por parte del estudio y los productores: quería que la música fuera compuesta por Howard Shore pero el estudio le impuso que escogiera un compositor que ya hubiera trabajado con ellos, en este caso Michael Kamen y la primera opción de Cronenberg para interpretar al Sheriff Bannerman, Hal Holbrook, fue desechada por Dino De Laurentiis y se acabó escogiendo a Tom Skerritt.

Como muchos ya sabréis, el film cuenta la historia de Johnny Smith (Cristopher Walken) que tras un accidente descubre que tiene poderes que le permiten predecir el futuro y saber la vida y milagros de toda aquella persona que toca.

La intención original de la novela de King era explicar la historia del asesino de un presidente de modo que uno se pusiera de parte del asesino. Para ello se presenta al futuro presidente Greg Stillson (Martin Sheen) como un peligroso demente y delincuente. El problema con la película es que no crea un fuerte paralelismo entre Johnny y Stillson, además de que Stillson no tiene suficiente fuerza como demente peligroso. Le falta desarrollar más el personaje de Stillson.

Pero la película también tiene cosas buenas. La relación entre Johnny y Sarah (Brooke Adams) está bien construida y es el corazón de un film por lo demás bastante frío; la investigación sobre los asesinatos en Castle Rock también está bien narrada.

Tal vez el problema principal sea que la novela se habría trasladado mejor a la televisión como miniserie, donde se habría podido desarrollar con más tiempo a los personajes. Aunque ahora que lo pienso, sí que hicieron una serie de televisión basada en la novela, serie que duró seis temporadas, pero estaba pensada como serie regular, por tanto se eliminó todo lo relacionado con Stillson y se quedaron con los poderes que Johnny adquiere tras el accidente.

Finalmente, La Zona Muerta queda como un film menor dentro de la filmografía de Cronenberg. Como un descanso entre dos de sus títulos más conocidos: Videodrome (1983) y La Mosca (The Fly, 1986).

Forbidden World aka Mutant

Érase una vez que el insigne Roger Corman se encontraba paseando por los sets de una de sus producciones de bajo presupuesto, cuando se fijó en un decorado que representaba el interior de una nave espacial. Cuando preguntó que iban a hacer con él, le dijeron que iban a destruirlo. Corman, que odiaba desperdiciar, se apresuró a hablar con el entonces editor Allan Holzman y le dijo que si quería convertirse en director escribiese una secuencia y la filmase en el set que iban a destruir el lunes. Tenía que ser una secuencia que pudiese ser usada luego como el inicio de una película de ciencia ficción que luego pudiese tomar cualquier dirección. Holzman lo consiguió y se ganó su derecho a dirigir una película. Esta secuencia es, claro, la secuencia con la que empieza Forbidden World (1982).

Holzman trabajaba en un guión que fuese, en palabras de Corman, "como Lawrence de Arabia en el espacio". David Lean era uno de los directores favoritos de Holzman, así que empezó a construir una historia que se adecuase a esa premisa. Sin embargo, cuando se la presentó a Corman éste dijo que sería demasiado caro y que le hiciese "una copia de Alien." Finalmente se terminó de escribir el guión (atribuido a Tim Curnen, Jim Wynorski y R.J. Robertson, así que no sé quién fue responsable de qué). La producción se titulaba Mutant (título que conservó en su distribución fuera de Estados Unidos, la razón del cambio fue que la mayoría de la gente no sabía que era un mutante, cosa que cambió en unos meses gracias a La Patrulla X pero ya era tarde para la película) y era una producción de muy bajo presupuesto (que ya es decir hablando de una producción de Roger Corman), aprovechando sets de La Galaxia del Terror , el pasillo de las oficinas de la productora New World de Corman redecorados con envases del McDonald's y cajas de huevos y algunas localizaciones en el desierto cercano.

Después de unos demenciales días, la película se terminó de rodar. Holzman la editó y su entonces pareja Susan Justin compuso una pegadiza banda sonora electrónica para la película. Empezaron los pases de prueba.

En un primer pase la gente gritaba de sustos en ocasiones y se reía carcajadas en otras. "Perfecto" pensó Holzman. El director hacía poco que había visto Un hombre lobo americano en Londres (An American Werewolf in London, John Landis, 1981) y le había gustado la combinación de comedia y terror. Así que durante el rodaje fue incorporando muchos elementos de comedia con el apoyo del equipo de rodaje y los actores, que consistían principalmente en la exageración de situaciones absurdas, un robot que no funcionaba demasiado bien o líneas de diálogo hilarantes tras alguna escena sangrienta además de ciertos elementos de sátira. Muy satisfecho por como había reaccionado el público fue a hablar con Corman. Éste estaba furioso. No quería una comedia, quería una película de ciencia-ficción y terror seria. Así que Corman ordenó a Holzman que quitase todos los elementos de comedia, especialmente los que habían obtenido mayores carcajadas. Cosa que Holzman hizo. La película pasó de 82 minutos a 77 minutos. Algunos de los cambios fueron volver a doblar el robot para que se entendiera lo que dice, quitar el Danubio Azul de Strauss usado como contrapunto irónico y eliminar líneas de diálogo que resultasen divertidas.

Pero los intentos de Corman de convertir Forbidden World en una película seria estaban destinados al fracaso. Forbidden World es una película demencial y divertidísima, gracias a las exageraciones que incluyó Holzman. Todo el reparto está bastante divertido. June Chadwick, a la que much@s recordaréis por la serie de culto V, está que se sale como científica devora hombres. Holzman imprime al film de un ritmo acelerado, la película sólo dura 77, y muestra gran habilidad en transmitir mucha información al espectador de forma rápida. Además dota a la película de un gran estilo a la hora de dirigir que hace que destaque por encima de lo que estaba destinado a ser una copia más de Alien. A todo esto se le ha de añadir cantidades ingentes de gore y desnudos gratuitos.

El conjunto es una delicia para cualquier aficionado a la serie B, e imagino que la mayoría debe de haberla visto ya. Si no es vuestro caso, aprovechad para descubrir una auténtica joya. Además, la edición de dos discos en DVD de Shout! Factory incluye el montaje del director titulado Mutant con comentario de Holzman. Eso sí, la cualidad de imagen y audio del montaje del director no es muy buena, básicamente la misma que la de una cinta de vídeo.

Punto límite: cero (Vanishing Point)

Este clásico de la carretera de 1971, dirigido por Richard C. Sarafian, va ganando con el tiempo un estatus de leyenda. Escrita por Malcolm Hart, Barry Hall y Guillermo Cabrera Infante (con el pseudónimo Guillermo Cain), la película ha visto como su protagonista, el conductor Kowalski (Barry Newman), se ha convertido en un símbolo de la rebelión contra las autoridades, de la libertad, aunque su viaje es más existencial que político. Vanishing Point ha penetrado en la cultura popular ya sea a través de las referencias directas como en Death Proof (2007) de Quentin Tarantino o la cita incluida en la canción Breakdown de Guns 'N' Roses. La película formó parte del breve periodo, tras el estreno de Easy Rider, en que los estudios de Hollywood estrenaron películas que se arriesgaban formalmente y dieron libertad a los directores para expresarse artísticamente en un intento de ganar dinero, como lo había hecho Easy Rider a espuertas, atrayendo al público joven que hasta entonces había sido despreciado, al ser considerado poco rentable. De ahí el uso de la palabra "trip" no sólo en el póster sino también en el tráiler.

En realidad, Vanishing Point es la historia de un hombre que se dirige a su muerte. Kowalski empieza su viaje a través de la carretera para entregar un coche y se apuesta que puede llevar el coche de Denver a San Francisco en menos de 15 horas. Empezará así una carrera para cumplir su objetivo que provocará que se enfrente a la policía de carretera, un enfrentamiento que degenerará en una masiva persecución a través del desierto.

A medida que Kowalski avanza por la carretera vamos retrocediendo por su pasado, descubriendo quién es a través de flashbacks que nos llevan a entender sus motivaciones y por qué empieza esta guerra contra las autoridades. Su viaje se llena, además, de los extraños personajes que conoce en la carretera. De estos encuentros destaca el que tiene con una misteriosa autoestopista (Charlotte Rampling) que adquiere un fascinante tono onírico. Por otro lado tenemos a Super Soul (Cleavon Little), un locutor de radio ciego que a medida que va narrando los avances de Kowalski por la carretera va adquiriendo una especie de conexión mística con él.

La película sigue la estela de clásicos como Easy Rider. Buscando mi destino (Easy Rider, Dennis Hopper, 1969) y Carretera asfaltada en dos direcciones (Two-Lane Blacktop, Monte Hellman, 1971) en el sentido que progresivamente va adquiriendo un tono pesimista y melancólico. Kowalski sabe que no podrá huir siempre de la policía pero sigue adelante porque no tiene otro lugar al que ir. Por eso, parece casi como si Kowalski quisiera provocar todo el accidente para que lo atrapen y acaben con su miseria, aunque la película adquiere entonces un tono casi religioso.

El viaje de Kowaslki se convierte en una metáfora de la búsqueda de la libertad, recordad el clima de finales de los sesenta y primeros setenta, mientras se enfrenta a la policía de carretera que pasa a representar La Autoridad y como tal la vemos actuar de forma violenta y brutal para detener al luchador de la libertad Kowaslki que, irónicamente, fue una pieza del sistema como soldado en Vietnam y policía. Fue expulsado de las fuerzas del orden después de que tuviera una revelación sobre lo que estaba haciendo. Y si bien el director escogió un coche blanco para que de esa forma resaltase mejor contra el paisaje desértico y se viese bien, es evidente que el hecho de que sea blanco el transporte de Kowalski hace que se interprete como un símbolo de la pureza y la libertad.

En definitiva, éste film es un clásico que si todavía no habéis visto no perdáis la oportunidad de disfrutarlo. No sólo es una película de contenido existencialista y filosófico, también hay coches que chocan y motoristas desnudas.

Videodrome

Muerte a Videodromo. Larga vida a la Nueva Carne.

James Woods en Videodrome

Fue una mañana de domingo. Volvía del Mercado de San Antonio con un amigo y al llegar a casa nos pusimos a ver una de las películas que había comprado. Cogí la cinta de VHS y delicadamente la introduje en el vídeo. La película era Videodrome (1983) de David Cronenberg, el film que Andy Warhol calificó como "La Naranja Mecánica de los ochenta". Nos dejó alucinados. Al poco la volví a ver porque no había acabado de entender algunas cosas y desde entonces la he visto docenas de veces. Es una obra maestra de principio a fin que prácticamente dio origen al cyberpunk (movimiento literario dentro de la ciencia-ficción que trata sobre la fusión del ser humano con la tecnología, principal autor William Gibson) y todavía se mantiene vigente. Hay rumores de que se quiere hacer un remake, una empresa completamente suicida: ¿cómo haces una nueva versión de una película adelantada a su tiempo?

Cronenberg mezcla varios temas y conceptos en su película. Protagonizada por James Woods y Deborah Harry, cuenta la historia de Max Renn (Woods), un ejecutivo de un pequeño canal de televisión dedicado a emitir softcore y programas violentos para atraer a la audiencia. Todo va bien para Max hasta que descubre Videodromo: un programa que muestra simplemente la tortura y asesinato de una persona. A medida que Max investiga sobre este programa empezará a experimentar alucinaciones que le harán descubrir una realidad desconocida.

El guión original de Cronenberg era mucho más fuerte en contenido que la película que se acabó filmando. Cronenberg no tenía intención de filmar todo lo que había escrito y teniendo en cuenta las imágenes que pueblan la película uno no tiene más remedio que preguntarse ¿qué demonios se quedó en la página escrita?

LA PANTALLA DE TELEVISIÓN ES LA RETINA DEL OJO DE LA MENTE

Gran parte de la temática de Videodrome gira en torno a la televisión como medio y de qué manera había afectado (y afecta) a la sociedad. La sombra de Marshall McLuhan es alargada en la película, Cronenberg le tuvo de profesor en la universidad y el personaje de la película Brian O'Blivion (Jack Creley en el film, oblivion quiere decir "olvido" pero también se utiliza como término para "la nada después de la muerte") desarrolla teorías basadas en el trabajo de McLuhan. La televisión como medio es vista casi como el siguiente paso evolutivo del ser humano. En un adelanto de lo que serían los actuales reality shows y programas de testimonios, se plantea la idea de que en un futuro todos tendremos una identidad televisiva que sustituirá la real. Es decir, salir en televisión es una manera de asegurarse la existencia. Para ser famoso el único requisito necesario es conseguir salir en televisión, siendo el hecho en si de aparecer en televisión el valedor de una trascendencia y no es necesario ningún mérito especial. De hecho, carecer especialmente de méritos y regodearse en la propia ignorancia o someterse a humillaciones públicas de forma voluntaria, casi exigiendo ser tratado así, puede facilitar la popularidad.

La televisión también se muestra en el film casi como una necesidad social. Se crean centros de ayuda para vagabundos donde se les facilita acceso a un televisor como manera de que puedan seguir formando parte de la sociedad. Es algo parecido a las redes sociales actuales que forman una sociedad aparte de la real. La televisión, además, empieza a adquirir cada vez una mayor importancia en la sociedad. Un juicio televisivo tiene más valor, en ocasiones, que un juicio en los tribunales. Si la televisión te acusa, ya estás condenado.

MUERTE A VIDEODROMO

Otro aspecto interesante del film es la censura y la fascinación por ver "lo prohibido". El canal en el que trabaja Max se llama Civic Tv y se basa en un pequeño canal canadiense llamado CityTV que fue polémico en su momento por emitir películas softcore. Aquellos que vivan en Barcelona recordarán que durante un tiempo disfrutamos de este canal que actualmente se llama 8tv. Igual que su canal de origen, el CityTv barcelonés también emitía películas eróticas softcore pero teniendo en cuenta que otros canales locales emitían películas pornográficas, no es algo que llamase mucho la atención.

Cronenberg se había enfrentado a la censura de forma amarga en sus anteriores películas, así su creación de un grupo de fanáticos para acabar con toda la escoria que ve cosas como Civic Tv parece una pequeña venganza sobre aquellos que intentaron cortar sus películas o lo acusaron de pornógrafo. Este grupo de fanáticos crea Videodromo con el objetivo de hacer limpieza. Como sólo un degenerado podría tener interés en ver un programa como ése, crean un sistema para acabar con todos los degenerados. Por otro lado, en el film aparece una escena en la que Max se defiende por emitir el tipo de programas que emite argumentando que son una manera de que la gente de rienda suelta a sus fantasías de forma inofensiva.

Desde mi punto de vista, ver cierto tipo de películas o escuchar cierto tipo de canciones o leer ciertos libros no tiene porque llevar al asesinato o la locura. Las películas no pervierten a la gente. Sí son estimulantes o catalizadores. Es decir, una persona desequilibrada es posible que acabe cometiendo un asesinato tras ver una película pero la película no es la causante sino la activadora. Si la persona sufre un trastorno grave acabará matando igualmente si no se la trata, independientemente de las películas que vea o la música que escuche. La televisión y las películas son estimulantes en la mayoría de estos casos porque son cosas a las que tiene acceso todo el mundo. Si no existiesen, la gente encontraría otro motivo por el que matar, nunca ha habido escasez de ésos, por desgracia.

LA TELEVISIÓN ES REALIDAD, Y LA REALIDAD ES MENOS QUE LA TELEVISIÓN

La parte más interesante, para mí al menos, de Videodrome es intentar distinguir lo que sucede en realidad de lo que no. La película está contada desde el punto de vista de una persona que se vuelve loca y tiene alucinaciones de forma continua. Por lo tanto, intentar discernir que es cierto desde un punto de vista físico forma parte de la diversión. Mi tesis personal, después de muchos visionados y de darle vueltas, es la siguiente y es sólo mi interpretación, no la verdad absoluta: creo que todo lo que le sucede a Max es real. Tal vez no desde un punto de vista físico, pero sí que las alucinaciones son representaciones exageradas de lo que le sucede en la realidad. Para unos puede que todo sea alucinación y nada sea real; para otros, todo lo contrario. Tendréis que decidir vosotros mismos.

The Runaways

Normalmente no comento películas recién estrenadas pero voy a hacer una excepción con The Runaways ya que, como fan de la banda, hacía tiempo que la esperaba. De hecho incluí un tráiler de la película en el post que hice sobre The Pit hace ya un tiempo. Sin embargo, antes de entrar en detalles sobre The Runaways, aclarar una cosa: una película es ficción. Aunque esté basada en hechos reales, aunque cuente la vida de personas que vivieron realmente. Una película es ficción. Puede que este recordatorio os parezca innecesario, pero recuerdo como gente me contaba escenas de The Doors (1991) de Oliver Stone como si hubiesen sucedido realmente. Una película es ficción.

Las auténticas The Runaways

 De camino al cine me puse en sintonía con la película escuchando a las Runaways. Personalmente mis álbumes favoritos son los tres primeros: The Runaways (1976), Queens of Noise (1977) y Live in Japan (1977). Por un momento pensé que quizá estaba poniendo las expectativas demasiado altas y que me estaba entusiasmando demasiado provocando  que la película me decepcionase. Por fortuna, no fue así. La película dirigida por Floria Sigismondi es un efectivo drama musical sobre unas adolescentes que formaron una banda de rock e hicieron historia.

La película puede que se llame The Runaways pero en realidad cuenta la historia de Cherie Currie y Joan Jett de la misma manera que la película previamente mencionada The Doors no trata sobre el grupo sino sobre la leyenda de Jim Morrison. Al fin y al cabo, la directora Sigismondi basa su guión en el libro que escribió Cherie Currie Neon Angels y Joan Jett es una de las productoras ejecutivas. Y ése es uno de los aciertos de la película, la historia de las Runaways fue corta pero tremendamente intensa y compleja y ya ha sido cubierta en documentales donde se analiza con más calma con aquellos implicados. Así, la película gira en torno a Cherie y Joan, el resto de la banda es secundario y apenas tienen presencia en la película (de hecho, ni siquiera se las menciona en los títulos explicativos finales habituales en éste tipo de películas). A la única que destacan es a Lita Ford (Scout Taylor-Compton en la película) para retratarla como una persona borde y algo envidiosa.

Dakota Fanning y Kristen Stewart son Cherie Currie y Joan Jett, respectivamente. Fanning hace un buen trabajo retratando las partes más angustiosas y deprimentes de las experiencias de Cherie, pero es realmente Stewart la que destaca como Joan Jett, captando a la perfección sus andares y gestos. Ambas también hacen un buen trabajo en el aspecto vocal.

La película retrata al productor musical Kim Fowley (Michael Shannon en el film) como un excéntrico egocéntrico que intenta dar forma y dominar a las Runaways. Fowley forma uno de los vértices de la historia de amor de la película, aunque no es una historia de amor habitual. Joan Jett está enamorada de la música, Cherie está enamorada de la vida de estrella de rock quizá un poco demasiado y Kim Fowley está enamorado de si mismo y quiere ser parte de la historia del rock. Estas son las tres personalidades que entrarán en conflicto mientras van subiendo en las listas de éxitos. Es especialmente interesante la relación entre Joan y Cherie que oscila entre la amistad y el amor aunque nunca se menciona de forma explícita. Sí se retratan sus escarceos sexuales, pero hay ocasiones en que Joan mira a Cherie como si estuviera enamorada realmente de ella más allá de la simple experimentación, casi como hipnotizada por su presencia ya antes de conocerla.

Hay un tema interesante que sólo se toca brevemente pero creo bastante importante. Después de que Cherie se haga unas fotos subidas de tono (rondaba los 16 años), Joan la acusa de que después de eso, nadie las tomará en serio musicalmente. Y no le falta parte de razón: en un principio fueron famosas por ser la primera banda de rock de sólo chicas y por su agresiva actitud sexual, pero tuvo que pasar un tiempo para que fueran reconocidas musicalmente y con el tiempo se convirtieron en una de las bandas más influyentes de los 70. Y he de reconocer que como fan, a pesar de lo que he dicho al principio, me emocioné al ver como se creaba uno de sus mayores éxitos, el gran temazo Cherry Bomb.

Otro aspecto que me pareció interesante fue la representación del tiempo que se hace en la película. Aparece un cartel al principio para situar al espectador en el año que se encuentra y otro casi al final pero los años que forman el cuerpo del film están concentrados y no se da una idea exacta de los años que pasan. Es una manera inteligente de representar como lo viven las protagonistas. Ellas lo viven todo como un continuo acelerado, les pasan muchas cosas que no se paran a analizar como "esto fue este año y esto este otro", es todo un continuo. Así, el indicativo temporal marca el inicio de lo que sería la carrera en solitario de Joan Jett, su camino divergente que la llevaría hacia la gloria.

¿Me gustó la película? Sí, es un film interesante más allá de que cuente de manera más o menos fiel la vida de uno de mis grupos favoritos (aunque soy más fan de la carrera de Joan Jett en solitario). La banda sonora es de orgasmo, claro. Es el tipo de película que se ha de disfrutar loud as f*ck. Eso sin tener en cuenta mi fetichismo personal por las mujeres de mediados de los setenta y aquí pude disfrutar de casi dos horas de extasiantes peinados y vestimentas y zapatos, sin mencionar a las agradables muchachas que los llevan. No sé como será la recepción de esta película en España, ya que tengo la impresión que las Runaways no son demasiado conocidas. Recuerdo que, mientras colaboraba en un programa de radio, llevé un disco de las Runaways para poner al final de mi intervención y los responsables del programa se lo quedaron mirando como si fuera un extraño aparato alienígena y eran los mismos que hacían un programa de música. Mientras hablaba de música con una chica y aprovechaba para mirarle el escote me dijo que era una entusiasta del rock y cuando le mencioné a las Runaways puso la misma cara de ignorancia. Pero, claro, mi experiencia personal es reducida e imagino que debe haber mucha gente ahí fuera que las conoce y, por ejemplo, otra de mis bandas favoritas, Lula, las cita como influencia (y también citan a otro más de mis favoritos: The Cramps (¿que cuántos favoritos tengo? Pues: The Runaways, Joan Jett and the Blackhearts, The Cramps, The Doors, The Shangri-Las y Lula. Ya está)(Oh, y Alice Cooper)). El caso es que creo que es una película interesante aunque no conozcáis a las Runaways.

Dios, ¿no es genial?

Por cierto, después de ver The Runaways fui a ver Resident Evil: Ultratumba (Resident Evil: Afterlife) de Paul W.S. Anderson aprovechando que la daban en el mismo cine en 3D y versión original. Puede que por el tráiler os parezca la típica y tópica película de acción pero en realidad lo es. Mentiría si dijera que no me divertí con la película y me fue bien después de la inversión emocional que había hecho con The Runaways para despejarme un poco pero, con la excepción de Milla Jovovich, las interpretaciones son bastante mediocres y los diálogos ridículos. La película tiene la estructura de un videojuego: te da un punto de partida y un objetivo al que llegar tras pasar una serie de retos y ya está, no hay un argumento realmente del que hablar. Especialmente deplorable es la triste imitación de Matrix que hay (en serio, ¿es que Anderson pensó que no nos acordaríamos después de diez años que incluye una flagrante copia (nada de homenaje) de una de las películas más imitadas y parodiadas de la historia?) cortesía de Shawn Roberts que ofrece sin duda la peor interpretación de la película, de calle, como Albert Wesker. Lo mejor fue el tráiler en 3d que dieron antes de Tron Legacy (mira mi post sobre Tron para más información). Finalmente, si bebéis un chupito de licor cada vez que uno de los personajes se gira y apunta hacia el espectador con sus pistolas a cámara lenta es posible que acabéis agradablemente borrachos al cabo de media hora.

Esto es mejor que el tráiler de Residente Evil: Ultratumba (y que la película, de hecho)

Cramps - Bikini girls with machine guns
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