Masters del universo (Masters of the Universe)

Todavía conservo mi colección de Masters del universo, con el He-Man clásico y el nuevo que hicieron hacia finales de los ochenta y primeros noventa al cual le golpeabas el pecho y le aparecía una herida, lo mismo con Skeletor. Muchos muñecos, y el castillo de Greyskull por supuesto. Algo que me gustaba especialmente de las figuras era que incluían un mini-cómic explicando alguna aventura del muñeco en cuestión. Así, siendo un entusiasta como era de los muñecos, os podréis imaginar lo emocionado y excitado que estaba cuando mi madre me llevó al cine a ver Masters del universo (Masters of the Universe, Gary Goddard, 1987). Para acabar de redondearlo, mis padres me compraron figuras de los nuevos personajes que habían surgido a raíz de la película por mi cumpleaños.

Recuerdo que me gustó en su momento, sin embargo como no la volví a ver se fue diluyendo entre el montón de películas que veía. Sin embargo algo se quedaría, porque cuando empezó Friends (1994-2004), Monica fue mi favorita desde el primer momento, y era interpretada por Courteney Cox, una de las protagonistas de Masters del universo. Christina Pickles, que en la película interpreta a la Hechicera de Greyskull, en Friends interpreta a la madre de Monica, curiosamente.

El año pasado encontré una edición americana en DVD de la película (la que sacó Suevia roza el timo en cuanto a calidad de vídeo y audio y no trae ningún extra) y me dispuse a revisitar la película. Lo hice no sin cierta aprensión, ya que volver a ver películas que te gustaron de pequeño puede traer consigo la decepción provocada por ver algo que te gustó cuando tus ojos eran más inocentes.

Poco después de terminar Conan, el bárbaro (Conan the Barbarian, John Milius, 1982), el productor Edward R. Pressman se fijó en la linea de juguetes de Mattel Masters del universo como próximo proyecto siguiendo con la fantasía heroica que tan buenos resultados le había dado. Sin embargo, no sería hasta 1987 que la película se acabaría haciendo, dentro de la Cannon y con Pressman como productor ejecutivo. Fue escrita por David Odell y Stephen Tolkin, pero en el guion también trabajaron el director Gary Goddard y Dolph Lundgren (He-Man) para darle un poco más de acción, además de las líneas que añadió Frank Langella a su personaje, Skeletor.

La película tuvo una dura y traumática producción, provocada por el hecho de que la Cannon estaba a punto de quebrar (y desaparecería al cabo de poco tiempo), el control excesivo de Mattel sobre los personajes y un presupuesto limitado. Se decidió que, para ahorrar gastos, la mayor parte de la película transcurriera en la Tierra y muchos personajes no aparecen ya sea por las limitaciones en el presupuesto o por las limitaciones que entonces existían en cuanto a efectos especiales, lo que hacía imposible que Orko o Battle Cat hicieran acto de presencia.

El resultado final, sin embargo, es sorprendentemente bueno teniendo en cuenta que hubo momentos en los cuales Goddard no supo si podría filmar el final de la película o no y la intervención de productores que no acababan de entender exactamente que hacían. Tenéis más detalles sobre la historia de la película en he-man.org y motumovie.com.

La verdad es que disfruto la película cada vez que la veo, a pesar de algunos detalles algo cursis típicos del cine ochentero. La cosa empieza in media res con las fuerzas de Skeletor tomando posesión del castillo de Grayskull tras haber hecho prisionera a la Hechicera. He-Man, Duncan alias Man-at-Arms (Jon Cypher) y Teela (Chelsea Field) huyen y buscan refugio para poder contraatacar. Los tres se encuentran con Gwildor (Billy Barti), que al crear una especie de teletransportador al cual llama Llave Cósmica ha facilitado la victoria de Skeletor sin saberlo. Perseguidos por las fuerzas del mal, los cuatro huyen usando la Llave Cósmica y acaban en nuestra Tierra. Skeletor no tarda en mandar a unos mercenarios tras ellos, así como sus fuerzas de choque. En la batalla entre las fuerzas enfrentadas de Eternia se encontrarán atrapados Julie (Courteney Cox) y Kevin (Robert Duncan McNeill), dos típicos adolescentes americanos, y el inspector Lubic (James Tolkan), el típico policía americano.

La historia es bastante elemental, lo que posibilita que continuamente haya acción y pasen cosas con lo que nunca te aburres. La mezcla de fantasía y ciencia-ficción le da un aire diferente a la película, a pesar de las limitaciones presupuestarias. También me gusta el hecho de que la película empiece con Skeletor triunfante y He-Man en su momento más bajo, ya que resulta más interesante que el típico planteamiento de Skeletor maquinando planes que luego desbarata He-Man. Pero lo que salva la película, además de la dirección de Goddard, es el reparto. Lundgren es algo limitado en cuanto a habilidades dramáticas, pero desde luego es He-Man. Tolkan, el calvo de Regreso al futuro (Back to the Future, Robert Zemeckis, 1985), ofrece otro memorable secundario pirado. Meg Foster como Evil-Lyn resulta adecuadamente seductora y malvada. De hecho, las tres actrices de la película (Foster, Cox y Field) están estupendas. Pero el que sobresale por encima de todos es Frank Langella como Skeletor. Langella roba cada escena en la que sale mezclando adecuadamente maldad y diversión.

Muchas críticas contra la película provienen de comparar la película con la serie de dibujos, ya que parten de la equivocada idea de que la película se basaba en la serie de dibujos, lo cual no es cierto. El proyecto existió antes que la serie animada y se basaba exclusivamente en los muñecos para crear una historia. Lo que sí es cierto es que el tono de la película, que intenta gustar tanto a niños como adultos, hace que en ciertos momentos le falte un poco de fuerza. Al parecer Goddard tenía una idea para una posible segunda parte que hubiera transcurrido en Eternia y que hubiera sido algo más oscura. Bueno, nunca lo sabremos. Con los recientes avances en efectos especiales hacer una película de Masters del universo que tuviera lugar exclusivamente en Eternia parece mucho más factible, pero no parece que vaya a producirse ninguna en el futuro próximo, a pesar que desde hace un año se anunciaron guionistas para una nueva película llamada Greyskull.

Siendo honesto, es posible que gran parte del placer que obtengo viendo esta película venga de razones puramente nostálgicas. De pequeño viví de pleno el momento dorado que tuvieron el cine fantástico y de terror en los ochenta, así que guardo una especial simpatía por las películas de la época. Las pinturas matte, los efectos ópticos, los decorados, todos ellos bastante obvios en la actualidad pero sin carecer de encanto por ello. Por tanto, no puedo recomendar la película indiscriminadamente pero sí a aquellos que disfruten del  sense of wonder y de la fantasía ochentera con toques nostálgicos. Para ello recomiendo de nuevo la edición americana, ya que viene acompañada de un audiocomentario a cargo del director en el cual cuenta las dificultades de producción y detalles curiosos (como que uno de los extras que aparece brevemente fue el ganador de un concurso que hizo Mattel cuyo premio era aparecer en la película).

Soluciones a las frases

Las películas eran:

El sueño eterno (The Big Sleep, Howard Hawks, 1946)

El ejército de las tinieblas (Army of Darkness, Sam Raimi, 1992)

El cartero siempre llama dos veces (The Postman Always Ring Twice, Tay Garnett, 1946)

Golfus de Roma (A Funny Thing Happened on the Way to the Forum, Richard Lester, 1966)

¿Qué me pasa, doctor? (What's Up, Doc?, Peter Bogdanovich, 1972)

Reefer Madness: The Movie Musical (Andy Fickman, 2005)

Escuela de jóvenes asesinos (Heathers, Michael Lehmann, 1988)

Frases de cine

Como no me acababa de decidir por una película para poner hoy, os dejo uno de esos juegos que tanto os gustan. Se trata de adivinar a qué película pertenece la frase, ordenadas de más fácil a menos fácil. Las dos últimas han sido comentadas en el blog:

-Su hija ha intentado sentarse en mis rodillas mientras todavía estaba de pie.

-Bueno. Malo. Soy el tío con la escopeta.

-Nunca me ha preocupado mucho el aspecto que tengo pero no he conocido a ningún hombre desde los 14 años que no quisiera darme su opinión al respecto.

 

-La casa de Licus. Que compra y vende la carne de bellas mujeres. Esto es para aquellos de vosotros que no estéis en absoluto interesados en los piratas.

-¿Eunice? ¿Hay una persona llamada Eunice?

-¡Jimmy! ¿Qué haces aquí en plena noche? Son casi las nueve.

-Dear diary, my teen-ansgt bullshit now has a body count.

Sherlock Holmes tras la pista de Jack el Destripador

Sherlock Holmes fue llevado a la pantalla por primera vez en 1903 en la película Sherlock Holmes Baffled. Desde entonces han tenido que pasar más de cien años para que el personaje fuera llevado a la pantalla de forma fiel. Me refiero a la película Sherlock Holmes (2009) de Guy Ritchie, donde por primera vez vemos un Sherlock Holmes que es tal y como aparece en las novelas y relatos de Arthur Conan Doyle. También la excelente serie de la BBC Sherlock (2010) hace una gran recreación del personaje actualizándolo situando a Sherlock Holmes y al doctor Watson en el Londres contemporáneo.

Por un lado tenemos la típica imagen de Sherlock Holmes con la gorra y la capa a cuadros, fumando en pipa, que fue cogida de una ilustración y, a base de repetirla en diversas películas, se convirtió en la imagen asociada con el detective. Por otro lado, la interpretación de Basil Rathbone, que hizo por primera vez de Sherlock Holmes en 1939 en El perro de los Baskerville (The Hound of the Baskervilles, Sidney Landfield), se convirtió en canónica. El resultado ha sido que la mayoría que no conoce los trabajos literarios de Conan Doyle tenía una imagen estereotipada del personaje que no acababa de encajar con la realidad literaria.

Es por eso que personalmente me parecieron más interesantes los pastiches y las aventuras apócrifas protagonizadas por Sherlock Holmes como El secreto de la pirámide (Young Sherlock Holmes, Barry Levinson, 1985), La vida privada de Sherlock Holmes (The Private Life of Sherlock Holmes, Billy Wilder, 1970) y, por supuesto, la película que nos ocupa: Asesinato por decreto (Murder by Decree, Bob Clark, 1979). Lo interesante de la película de Bob Clark es que pone a Sherlock Holmes (interpretado por Christopher Plummer) tras la pista de uno de los asesinos en serie más famosos de la historia: Jack, el Destripador. Aunque no fue el primer enfrentamiento entre Sherlock Holmes y Jack el Destripador, Estudio de terror (A Study in Terror, James Hill, 1965) fue el primero, sí es el más logrado e interesante.

El misterio en torno a la identidad de Jack el Destripador ha alimentado también gran cantidad de películas, novelas y cómics. En Gotham: Luz de Gas, el guionista Brian Augustyn y el dibujante Mike Mignola enfrentan a un Batman victoriano con el Destripador. También destaca el enfrentamiento entre H.G. Wells (Malcolm McDowell) y Jack, el Destripador (David Warner) en Los pasajeros del tiempo (Time After Time, Nicholas Meyer, 1979). En El regreso de Jack (Jack's Back, Rowdy Herrington, 1988), James Spader es atormentado por unas visiones en las cuales un asesino en serie reproduce los asesinatos de Jack el Destripador cien años más tarde en Los Ángeles. Tampoco podemos olvidar la meticulosa y casi obsesiva recreación histórica que llevaron a cabo Alan Moore y Eddie Campbell en From Hell, luego llevado a la pantalla en Desde el infierno (From Hell, The Hughes Brothers, 2001), película que si bien prácticamente no guarda ninguna relación con la novela gráfica que adapta (la novela se explica desde el punto de vista del Destripador, no hay suspense en descubrir quién es) no dejaba de ser entretenida.

Tanto la novela gráfica escrita por Alan Moore, como Asesinato por decreto y la interesante miniserie Jack el destripador (Jack the Ripper, David Wickes, 1988) protagonizada por Michael Caine, se basan todas en la famosa teoría que aparece por primera vez en The Ripper File de Elwyn Jones y John Lloyd y que, si bien no es la única ni la definitiva, es la que tiene más adeptos.

Asesinato por decreto realiza una concienzuda tarea en reconstruir los crímenes reales y llevar a cabo una acertada recreación histórica, con la cual mezcla personajes ficticios como Sherlock Holmes. De hecho, me sorprendió lo cuidado que está el aspecto histórico, teniendo en cuenta que la película no deja de ser una interesante cinta de intriga que juega con la idea de mezclar el detective más famoso de la literatura con uno de los asesinos en serie más famosos de la historia.

El reparto de la película es de lujo. A Plummer hay que sumarle James Mason como el doctor Watson, David Hemmings como el inspector Foxborough, Donald Sutherland como John Lee y Geneviève Bujold como Annie Crook.

Clark consigue crear suspense a pesar de contar hechos conocidos, principalmente por como filma los asesinatos usando cámara subjetiva y colocando una lente que deforma ligeramente la imagen. Destacaría sobretodo un plano al principio del ojo del Destripador antes de atacar donde vemos que tiene la pupila completamente negra. También se construye de forma efectiva la intriga de la investigación, donde se podría decir que se sustituye el inspector Abberline que históricamente se encargó del caso por Sherlock Holmes. El interés del espectador aumenta a medida que se va intuyendo una complicada conspiración.

Mezclando realidad y ficción, personajes históricos con literarios, Clark nos deja una entretenida e interesante película de suspense que nos mantendrá durante hora y media bastante intrigados. El estilo entre clásico y moderno de Clark se adecua a este pastiche, así como la recreación histórica nos mete de lleno en la trama. Lo consigue a pesar de que, en mi caso, estaba bastante familiarizado con la historia y las teorías del Destripador, ya que al ser una película de ficción se puede permitir una serie de licencias que otras interpretaciones más acuradas no pueden, o no deberían, permitirse.

Por supuesto, la película es perfectamente disfrutable aunque no os interesen ni Sherlock Holmes ni Jack el Destripador como una buena película de suspense.

Grindhouse: tal y como se tenía que haber visto

Muchos de mis recuerdos relacionados con el cine lo están no sólo con una película en particular pero también con el cine en el cual vi la película. Recuerdo esperar en la cola de un cine para ver Braindead (Peter Jackson, 1992) con unos amigos y ligar con unas chicas que estaban delante nuestro esperando para entrar, cosa que conseguí haciendo comentarios en un tono de voz lo bastante alto para que me oyeran y hacerlas reír pero no tanto que pareciera que estaba gritando.

La mayoría de estos recuerdos están asociados con el cine de barrio que había detrás de mi casa. Uno de esos cines en los que hacían dos películas de reestreno, en los cuales te podías quedar toda la tarde viendo el programa que hacían porque no te echaban. Era el cine Dante. Tenía aspecto de teatro antiguo, con las paredes de terciopelo rojo y el techo altísimo. Aunque cuando yo iba se notaba que los días de gloria del cine hacía tiempo que habían pasado.


Recuerdo que a veces había discusiones en la sala que eran más interesantes que la película que daban. Recuerdo como anunciaban el programa de la semana siguiente proyectando los títulos de las películas escritos a mano.


Y recuerdo las películas que vi allí porque no eran demasiado buenas. Normalmente, daban dos malas o una mala y una buena.

Muchos recuerdos del Dante me vinieron a la cabeza cuando me enteré del proyecto Grindhouse (2007) de Quentin Tarantino y Robert Rodriguez. Obviamente, los cines a los que se hace referencia en Grindhouse eran mucho peores que el Dante, que no dejaba de ser el típico cine de barrio. Daba igual, no podía esperar a que se estrenase este festival de homenaje al cine exploitation. Ya que, por un lado, como fan del cine exploitation de los 70 tenía mucho interés en ver como lo interpretaban Tarantino y Rodriguez y, por otro lado, me llenaba de nostalgia recrear las dobles sesiones de mi cercana juventud. Sin embargo, os podéis imaginar mi decepción cuando me enteré de que en Europa se iban a estrenar las películas por separado y sin los tráileres de Eli Roth, Edgar Wright y Rob Zombie. Pero, gracias a la magia del Blu-ray he podido disfrutar de Grindhouse tal y como la habían imaginado Tarantino y Rodriguez.

La película se inicia con el tráiler, entonces, falso de Machete y pasa entonces a Planet Terror. La versión que hay aquí es la original y no la extendida que vimos en los cines en Europa. Planet Terror funciona como película de mutantes caníbales al estilo de La invasión de los zombis atómicos (Incubo sulla città contaminata, Umberto Lenzi, 1980). Adecuadamente exagerada y absurda, incorpora un tono irónico que te recuerda que no te has de tomar nada de lo que ves en serio.

La versión que tenemos aquí es más trepidante y sucinta que la versión extendida, y le da un aire acelerado más en sintonía con los clásicos de los 70 a los que hace homenaje. Y si bien nunca alcanza el nivel de delirio y locura de alguna de las películas a las que hace referencia, resulta divertida y entretenida en todo momento. Cuenta además con la participación del genio Tom Savini, aunque delante de las cámaras.

Tras terminar la película, llega el turno de la contribución de los directores invitados.

El tráiler de Rob Zombie titulado Werewolf Women of the S.S. hace referencia al subgénero de la exploitation nazi. Películas ambientadas durante la II Guerra Mundial en campos de concentración o mostrando supervivientes nazis haciendo nuevas maldades por el mundo. Pensad en La loba de las SS (Ilsa: She Wolf of the SS, Don Edmonds, 1975) y os haréis una idea. El estilo de Rob Zombie encaja perfectamente con el del formato tráiler, creando un segmento tremendamente divertido y absurdo que alcanza cotas de insospechada gloria con la aparición de Nicolas Cage como Fu Manchú, sin olvidar la presencia del psicotrónico Udo Kier como Franz Hess. El tráiler empieza con la típica voz narradora que usaban pretéritamente para intentar disfrazar la película como algo serio y con interés en lugar de una morbosa exploitation.

El póster original al que hace referencia Planet Terror lo podéis encontrar escondido en el fondo de este blog.

El tráiler de Edgar Wright es mi favorito de los tres. El genio británico recrea  en su falso tráiler Don't los tráileres americanos que se hacían de películas europeas como Suspiria (Dario Argento, 1977) o El más allá (E tu vivrai nel terrore - L'aldilà, Lucio Fulci, 1980). Estos tráileres no daban nunca una idea de como era la película realmente, simplemente juntaban una especie de greatest hits para atraer espectadores. El resultado es un acelerado despliegue de escenas terroríficas inconexas que acaba resultando surrealista.

Finalmente, Eli Roth se encarga de hacer un falso tráiler para una imaginada película slasher llamada Thanksgiving. El segmento de Roth hace referencia a la moda de ambientar las películas slasher en días determinados del calendario como Navidad o Fin de Año. Roth decidió ambientar la película en el Día de Acción de Gracias porque aseguraba que ningún slasher se había ambientado en esa fecha tan señalada para los americanos. Pero Roth se equivoca: el slasher Home Sweet Home aka Slasher in the House (Nettie Peña, 1981) está ambientado en Acción de Gracias. Básicamente el tráiler es un resumen de momentos icónicos del género aderezados con una sanas dosis de cachondeo. El resultado es bastante divertido.

Entre los tráileres y las películas se pueden ver antiguas cortinillas (familiares si os habéis comprado alguna película de Grindhouse Releasing) y un anuncio de un restaurante también falso.

Grindhouse termina con Death Proof de Quentin Tarantino. No es una opinión muy popular pero me gustó mucho más que Planet Terror. Tarantino hace la doble pirueta de homenajear los slasher y las road movies en una única película.

Para ello cambia la estructura habitual del slasher y los personajes típicos que aparecen en ellos. En lugar de seguir un asesino matando a sus víctimas una a una, tenemos todos los asesinatos al mismo tiempo en la primera parte de la película. Y en la segunda mitad se transforma en una road movie. Esta desestructuración del slasher resulta bastante interesante si os interesa el lenguaje de los géneros.

Está versión tiene missing reel al igual que Planet Terror y concentra más la acción eliminando varias secuencias de diálogos. Obviamente, los diálogos tienen más gracia y están mejor construidos en la VO. Son estos diálogos por los que me gusta más Death Proof, ya que permiten un mayor desarrollo de los personajes y de sus personalidades.

Terminan así tres horas de diversión. Como fan de la exploitation me sentí bastante satisfecho tras ver la película en su formato original. Si bien únicamente una exploitation de los 70 parece realmente una exploitation de los 70, la reivindicación de una serie de películas tan denostadas por la crítica "seria" me pareció absolutamente genial.