French Connection II

Mirando en perspectiva, uno no puede más que alegrarse de que hubiera una serie de productores que "se atrevieran" y "cometieran el sacrilegio" de hacer secuelas de películas como El padrino (The Godfather, Francis Ford Coppola, 1972), Psicosis (Psycho, Alfred Hitchcock, 1960) o, en este caso, de Contra el imperio de la droga (The French Connection, William Friedkin, 1971). El padrino. Parte II (The Godfather: Part II, Francis Ford Coppola, 1974) es una obra maestra que supera a la primera entrega; personalmente (y no soy el único) prefiero, como decía en el post que hice aquí, Psicosis II: El regreso de Norman (Psycho II, Richard Franklin, 1983) antes que la película de Hitchcock; y French Connection II (John Frankenheimer, 1975) es un gran drama criminal.

Bueno, si todavía queda alguien después de decir que prefiero la segunda parte de Psicosis antes que la original, vamos a hablar de French Connection II.

En realidad, existía cierta coartada histórica para hacer una segunda parte de The French Connection, aparte del gran éxito que tuvo este clásico de Friedkin. Como sabéis, y si no comprad ya el DVD o Blu-ray de la película, Contra el imperio de la droga se basa en hechos reales: Jimmy Popeye Doyle (Gene Hackman) se basaba en el policía Eddie Degan y el detective Buddy Russo (Roy Scheider) en el policía Sonny Grosso, los cuales llevaron a cabo la operación que se dramatiza en el film. Tras esa operación, Eddie Degan viajó a Francia en un intento de atrapar al elusivo contrabandista francés responsable, que en la película encarna Fernando Rey, pero volvió con las manos vacías al no contar con la colaboración de la policía francesa.

Jimmy Popeye Doyle viaja a Francia para dar caza a Alain Charnier (Fernando Rey), el cual vuelve a planear maldades. Doyle choca con las autoridades francesas y poco a poco se verá llevado al límite. Este es el sucinto argumento de la película, sobre el que Frankenheimer construye un excelente drama criminal.

Frankenheimer era el hombre perfecto para dirigir esta película ya que no sólo hablaba perfectamente francés sino que había vivido en Francia. Además, claro, de su talento natural para filmar acción y secuencias cargadas de suspense.

El director hereda el estilo vérité usado en la primera entrega y lo adopta a la perfección, llegando al extremo de filmar secuencias con cámaras ocultas y "robando planos" al más puro estilo guerrillero. Otro detalle que logra hacer funcionar es transmitir el aislamiento al que se ve sometido Doyle al no traducir con subtítulos lo que dicen los policías y el resto de ciudadanos franceses. Claro, esto sólo funciona si uno no sabe francés, como yo no sé francés me sentía tan perdido como el propio Doyle. Además de la barrera idiomática, la propia manera de hacer las cosas que tiene Doyle, acostumbrado a las calles de Nueva York, no funcionan en Marsella. Esto provoca varios enfrentamientos con la policía francesa, que genera errores que provocan la muerte de un policía francés y que Doyle sea utilizado sin muchos miramientos como un cebo.

La parte más interesante y memorable de esta continuación, aparte del adrenalítico clímax, es cuando Doyle es convertido en yonqui y luego pasa una dura desintoxicación. El realismo y la forma natural en que está filmada esta sección de la película son muy notables, transmitiendo la sensación de estar viendo un documental sobre un yonqui más que un film hollywoodiense. Una valentía difícil de encontrar en el cine de Hollywood desde hace tiempo. Una valentía que seguramente hizo que la película no funcionara en taquilla en su momento.

Es esta manera de adentrarse en terrenos dramáticos inéditos, sin olvidar cómo construye su trama policial, la que convierte French Connection II es un interesante film por derecho propio. Un film que se merece más que simplemente ser visto como una secuela más de las muchas que produce la industria desde que el cine es cine.

Drive

La serie de Internet 80's Dan está protagonizada por un joven ochentero que misteriosamente aparece en el presente, el Dan del título interpretado por Brian Jones, acompañado de un pequeño robot; ilustrando en cada episodio a sus amigos del presente sobre alguna reliquia del pasado. De la misma manera, Drive (Nicolas Winding Refn, 2011) parece haber saltado mágicamente en el tiempo de algún remoto momento del pasado a nuestro presente.

Drive es un film reminiscente de las clásicas producciones de Philip D'Antoni, de los dramas criminales centrados en un personaje que tanto gustaban en los 70, pero también del género criminal posmoderno que representa la editorial Hard Case Crime, con novelas como A la cara (Money Shot) de Christa Faust o False Negative de Joseph Koenig, y esa obra maestra del noveno arte que es la serie Criminal de Ed Brubaker y Sean Phillips. Un tono y estilo de los 70, aunque la tipografía de los títulos de crédito sea claramente de los 80, y una banda sonora electrónica moderna, realizada por Cliff Martinez y bandas de vanguardia como College y Desire, que ejemplifica esta mezcla de lo clásico y lo moderno.

La película se basa en una novela de James Sallis, de la cual el autor está a punto de publicar una secuela: Driven, protagonizada por un personaje sin nombre identificado por su profesión, es simplemente el conductor, cuyo inicio es clásico noir:

Mucho más tarde, mientras estaba sentado con la espalda apoyada en la pared interior de un Motel 6 al norte de Phoenix, observando como el charco de sangre se le acercaba, el Conductor (driver es conductor en inglés) se preguntaría si había cometido un terrible error.

Este enfoque minimalista, existencial de Sallis atraería al productor Marc E. Platt, el cual se enamoró de la historia, pero sobretodo de su personaje principal. Hossein Amini fue el guionista escogido para adaptar la novela, cambiando la estructura de flashbacks en algo más cinematográfico pero conservando su tono. Platt es también el productor que quiso que la película fuera protagonizada por Ryan Gosling. Tras el leer el guion, Gosling no tardó en aceptar interpretar al misterioso conductor protagonista. Y fue Gosling el que decidió que el director tenía que ser Nicolas Winding Refn, ya que al actor le había atraído la capacidad del director danés de filmar películas tan diferentes como Bronson (2008) y Valhalla Rising (2009). Refn aceptó dirigir la película, intrigado por el concepto y su personaje principal.

Porque todo gira en torno a este personaje, este conductor del cual no sabemos nada al empezar y tenemos la sensación de saber aún menos en realidad en el momento que los títulos de crédito finales aparecen. ¿Quién es este misterioso conductor, especialista cinematográfico de día, conductor de fugas de noche? Surge de la nada, como el protagonista de un western de Sergio Leone, y lo único que sabemos de él es que le encanta conducir y es muy bueno en ello. Su apartamento está casi vacío, sin recuerdos ni fotografías. Sus movimientos son económicos, casi robóticos, y apenas habla. Por supuesto, sabemos que hay otra cosa que hace muy bien aparte de conducir: matar. Sus habilidades, movimientos y forma de planear indican que no es la primera vez que se encuentra en una situación de vida o muerte. También podemos intuir que mentalmente no es alguien que esté del todo equilibrado.

La forma desapasionada, mecánica, con la que el Conductor elimina a sus atacantes, en esta historia clásica de atraco que sale mal e implicación mafiosa, contrasta con los únicos momentos en los cuales actúa como un ser humano. Momentos en los que se relaciona con Irene (Carey Mulligan) y su hijo Benicio (Kaden Leos). Son los sentimientos por esta joven esposa a la espera de que su marido salga de la cárcel (interpretado por el camaleónico Oscar Isaac) los que acabaran por desestabilizar la "rutinaria" existencia del Conductor, como les sucedía también a los conductores sin nombre de Carretera asfaltada en dos direcciones (Two-Lane Blacktop, Monte Hellman, 1971).

Es todo lo que no sabemos junto a lo poco que sí sabemos lo que acaba haciendo que el personaje resulte fascinante. Pero si bien la película gira en torno al Conductor, no es lo único que nos ofrece. Tenemos también a Albert Brooks y Ron Perlman interpretando a una atípica pareja de mafiosos. Atípica en el sentido de cómo son representados: Perlman es Nino, un desesperado quiero-y-no-puedo y el Bernie Rose de Brooks es, en cierto modo, un reflejo del Conductor: parece un buen tipo, es más relajado y cuerdo que el Nino de Perlman, pero se revela también como una máquina de matar peor que los aparentemente más violentos mafiosos.

Drive se merece puntos también por ser una pieza de género clásica que ha conseguido atraer a críticos y público que normalmente no verían una película como ésta. Aunque al terminar de verla no pude evitar pensar que tenía algo de razón aquella señora que, en Estados Unidos, quiso demandar a la productora porque fue a ver Drive pensando por el tráiler que sería una película como A todo gas (The Fast and the Furious, Rob Cohen, 2001). Es cierto, esta película no se parece en nada a A todo gas: Drive sí es una buena película, llena de momentos memorables y pequeños grandes detalles, como las strippers ante la aparición del Conductor martillo en ristre que reaccionan como si eso pasase allí cada día o la patética historia del mecánico que interpreta el ahora muy popular Bryan Cranston.

Cuando el aburrimiento es bueno

Este 1 de enero, como cada 1 de enero, celebro no sólo el inicio de un nuevo año, también mi cumpleaños. Y entre los presentes que me han regalado este año se encontraba la 2ª temporada en Blu-ray de la serie Bored to Death de Jonathan Ames. Una fantástica comedia de la que me he dado cuenta no he hablado aquí. Así que voy hablaros de Bored to Death, una gran serie... que parece ser ha sido cancelada tras finalizar su tercera temporada en Estados Unidos <suspiro>.

La serie está protagonizada por Jonathan Ames (Jason Schwartzman), un escritor sin éxito que decide llevar una doble vida como detective privado sin licencia, contando con la experiencia de haber leído cientos de novelas de detectives. Junto a Jonathan nos encontramos a su jefe en la revista Edition George Christopher (Ted Danson) y al mejor amigo de Jonathan, Ray Hueston (Zach Galifianakis).

Cada temporada está formada por 8 episodios de aproximadamente 30 minutos (bueno, 24, 26 o 27 minutos normalmente), así que se pasa bastante rápido. Si te gusta este tipo de humor posmoderno que a mí me encanta, claro. Es decir, si os gustan las obras de David Foster Wallace y películas como Los Tenenbaums: Una familia de genios (The Royal Tenenbaums, Wes Anderson, 2001), las posibilidades de que os guste esta serie son altas.

Pero la experiencia me dice que no es un tipo de humor muy popular. Basado en lo neuróticos, extraños e inmaduros que podemos llegar a ser; situaciones incómodas y surrealistas y unos diálogos muy trabajados; que analiza pero no condena a sus personajes. Así como los clientes que recibe Jonathan nos recuerdan que siempre hay alguien que está peor o es más neurótico de lo que creemos que somos. Por otro lado, es un humor que se basa, de hecho, en la tristeza. La vida de Jonathan es un completo desastre: le deja la novia por su afición a empinar el codo y su carrera como escritor no avanza. Incapaz de arreglar su vida, Jonathan se crea una doble vida a través de la cual alimenta una fantasía adolescente y resuelve los problemas de los demás, ya que no puede con los suyos.

El reparto es brillante. Schwartzman, es un habitual de Wes Anderson, así que este tipo de estilo humorístico le es familiar y lo ejecuta sin dificultad. Galifianakis aporta la dosis justa de excentricidad y (ligera) demencia, más cerca de sus actuaciones como stand-up (su especial en Comedy Central es muy, muy divertido) que del papel que le ha dado fama en Resacón en Las Vegas (The Hangover, Todd Phillips, 2009). Sin embargo, Ted Danson es el que me ha sorprendido, ya que lo recordaba por su papel en la serie Cheers (1982-1993) y poco más, de modo que verlo aquí ha sido un poco como verlo de nuevo por primera vez.

La 1ª y 2ª temporada de la serie deberían ser fáciles de encontrar en cualquier gran superficie. Ya tenéis vuestro primer gran descubrimiento de este año. De nada.

Sé lo que estás pensando y esta película no es así

Para acabar el año con alegría he decidido descubrir a aquellos que no la conocían La cárcel caliente (Caged Heat!, 1974), el debut en la dirección de Jonathan Demme. Seguramente le habréis echado un vistazo al póster, visto el título y pensado: "Bueno, esta película no es para mí" o "me encantan este tipo de pelis". Os equivocáis de ambos modos, ya que esta película no es como aparenta ser o la vende el tráiler... o es mucho más que sólo eso.

Os voy a ser sincero: no me gustan las películas de cárcel de mujeres. Me aburren, son demasiado repetitivas y previsibles. Lo mismo le sucedía a Roger Corman, que aunque este género le resultaba rentable económicamente no le acababa de gustar el resultado artístico de las mismas. Mientras, Jonathan Demme había empezado a trabajar en la New World de Corman, escalando posiciones como era la costumbre en la empresa de Corman: primero en el departamento de publicidad, luego guionista y productor, director de segunda unidad y finalmente le tocaba estrenarse como director. Demme había escrito, producido y dirigido la segunda unidad de The Hot Box (Joe Viola, 1972), tras lo cual le pidió a Corman dirigir su primera película y le presentó el guion de Caged Heat! A Corman no le gustaba el género de cárcel de mujeres, como ya he dicho, pero le atrajo el hecho de que Demme había añadido detalles personales muy interesantes, así como un sentido del humor que casi parodiaba el género (lo mismo sucedió con las dos películas de cárcel de mujeres que Corman había encargado a Jack Hill). De esta forma nació esta joya destinada a convertirse en una gran película de culto.

Algo que inmediatamente separa este film de otros del mismo género, además del tono y argumento, es el estilo que adopta Demme a la hora de presentarnos la historia que quiere contar en imágenes. Cuando la vi por primera vez, sabiendo que era la primera película del director, tuve la impresión que era como un niño jugando con un juguete nuevo, explotando todo lo que puede hacer al máximo. Se notaba que Demme había pasado tiempo ideando elaborados movimientos de cámara y planeando secuencias sin tener en cuenta las dificultades que podían traer considerando el presupuesto y el calendario que tenía para rodar. Una impresión que me confirmó el propio director, en el audicomentario que acompaña la edición en DVD de la película, declarando que quería experimentar y jugar con el lenguaje cinematográfico. Así surgen las distintas y curiosas escenas oníricas, las transiciones jugando con la luz, diferentes homenajes cinematográficos, el equilibrio de diferentes subtramas y todo aquello que hace que esta película se disfrute tanto.

El argumento presenta una mezcla de tramas vistas anteriormente en el género, con un giro personal de Demme, así como motivos que luego serían explorados en películas posteriores "más serias" como Alguien voló sobre el nido del cuco (One Flew Over the Cuckoo's Nest, Milos Forman, 1975). Todo empieza cuando Jacqueline Wilson (Erica Gavin) es detenida y encerrada. En la cárcel conocerá a diversas prisioneras con las que mantendrá una relación tensa. Intentos de fuga y experimentos a cargo del psiquiatra de la cárcel van enriqueciendo la trama de la película, cargada de acción y los habituales ingredientes de una buena exploitation. Y además todo ello en apenas 80 minutos de metraje, la película avanza demasiado deprisa para resultar aburrida en ningún momento.

Demme reunió un fantástico reparto para su película. Las protagonistas son rostros familiares en este blog: Erica Gavin (aquí y aquí), Roberta Collins (aquí y aquí), Barbara Steele (aquí, aquí, aquí y aquí), Juanita Brown (aquí), a Linda Gold alias Crystin Sinclaire la tenía vista de Trampa mortal (Eaten Alive, Tobe Hooper, 1977) y a Cheryl "Rainbeaux" Smith la había visto en The Swinging Cheerleaders (Jack Hill, 1974). Todas ellas eran actrices atractivas y hermosas, obviamente, pero las cuales también tenían un gran talento interpretativo, cosa que no se les reconoce. Gavin era capaz de ofrece personajes completamente distintos en cada película que hacía: su personaje en Vixen! (Russ Meyer, 1968) no tiene nada que ver con el que interpreta en El valle de los placeres (Beyond the Valley of the Dolls, Russ Meyer, 1970) que no tiene nada que ver con el que interpreta en Caged Heat! Barbara Steele era otra estupenda actriz que combinaba belleza y talento. En esta película interpreta a la paralítica alcaide de la cárcel, que en una secuencia onírica interpreta un delirante número de cabaret mientras que en su día a día es una mujer tremendamente reprimida y mojigata.

Mención aparte merecen Roberta Collins (1944-2008) y Cheryl Rainbeaux Smith (1957-2002). Collins era una roba-escenas profesional, cargada de una gran y fuerte personalidad que la hacía resaltar hiciera lo que hiciera, y que durante un tiempo fue una gran estrella de la factoría Corman. Por desgracia, murió hace unos años de sobredosis. Rainbeaux Smith, por otro lado, tuvo una vida que parecía sacada de una de sus películas, cargada de misterio. Tenía un indudable talento interpretativo pero también su carrera se vio abruptamente interrumpida por las drogas, la hepatitis que la mató la contrajo debido a que consumía heroína. Esta película era su favorita de las que hizo (también lo es de Erica Gavin).

A riesgo de parecer sentimental, estos hechos hacen que ver estas películas sea en ocasiones una experiencia agridulce. Disfruto viendo a Collins y Rainbeaux Smith, así como otras de destino parecido como Claudia Jennings y Sharon Tate, en plena forma en las películas pero me entristece saber como acabaron.

Caged Heat! es divertida, excitante, entretenida e interesante. 80 minutos de fantasía cinematográfica, mucho mejor de lo que parece a simple vista o por lo que podáis pensar por el tráiler.

La celda de la violación (Jackson County Jail)

¿No odiáis esos días en los que todo parece ponerse en tu contra? Esos típicos malos días en los que te peleas con tu jefe y te largas a buscar otro trabajo, tu pareja te pone los cuernos, te roban el coche con todas tus pertenencias y entonces la policía te mete en la cárcel por vagancia. El típico mal día. Por desgracia para nuestra protagonista, Dinah Hunter (Yvette Mimieux, la Weena de El tiempo en sus manos [Time Machine, George Pal, 1960]), las cosas aún pueden empeorar a partir de ahí.

La celda de la violación (Jackson County Jail, Michael Miller, 1976) es una poderosa mezcla de drama y cinta de acción. La escena de la violación a la que alude el sutil título castellano es realmente desagradable y deja muy mal cuerpo, es una "buena" escena de violación: no busca excitar ni provocar morbo, resulta terriblemente realista. Especialmente cuando ha terminado y ves las reacciones de la víctima y el violador. Mimieux se queda con una cara de shock que te transmite todo el dolor de lo que le ha pasado así como explica su reacción posterior.

Tras este trauma, Dinah se ve arrastrada en la fuga de la cárcel por Coley Blake, carismático criminal interpretado por Tommy Lee Jones, en uno de sus primeros papeles importantes. Jones nos ofrece una gran interpretación, atrayendo nuestra atención casi sin esfuerzo. El centro de la película es la relación que se establece entre Dinah y Coley, cada uno con su visión personal sobre la vida, como parten de lugares distintos e intentan encontrar un terreno común. Así, es esencial que los actores puedan cargar con el peso de la carga dramática para que la película funcione. Y estos dos cargan con ese peso sin problemas.

El cinismo y la amargura de Coley sirve de contraste con la inocencia de Dinah. Él cree que no hay nada malo en ser un criminal porque todo el mundo es corrupto, ella cree que todavía queda gente honesta en el mundo. El conflicto entre ambos se ve aderezado con diversas escenas de acción que tienen lugar mientras la policía les persigue.

Tal vez no cuenta una historia particularmente original, pero las interpretaciones y la dirección la convierten en una cinta interesante. El principio, con el encadenado de desgracias que sufre Dinah, parece algo ridículo pero el tono y el estilo que adquiere la película después de que Dinah sea atracada y metida en la cárcel la salvan.