Scream 4

Los 90 no fueron una gran década en lo que respecta al cine de terror. Pocos títulos, no muy logrados la mayoría, en una década que incluso la palabra "terror" era tabú: las películas se calificaban de "thrillers psicológicos" o "de miedo". Ante semejante panorama, no es de extrañar que Scream. Vigila quién llama (Scream, Wes Craven, 1996) se convirtiera en un gran éxito y fuera saludada como un nuevo clásico por los fans del género. Sin embargo, siempre me pareció que la película estaba sobrevalorada. Si bien la película me parece entretenida y divertida, al igual que las secuelas, no me parece tan absolutamente genial como muchos de sus seguidores la consideran. La razón de ello es que su supuesta visión metalingüística no resulta verdaderamente profunda, como lo es, por ejemplo, la de Return to Horror High (Bill Froehlich, 1987); y el aspecto terrorífico no destaca mucho. Y Kevin Williamson debería saber que hay una fina línea entre el homenaje y el plagio.

Ahora que el género se halla en plena fiebre de secuelas, precuelas y remakes, les pareció a Wes Craven  (cuya película anterior a Scream 4 sigue sin estrenarse) y a Kevin Williamson que era el momento de hacer un comentario sobre ello... con otra secuela. Con Williamson encargado del guion, hasta que sus compromisos televisivos se lo permitieron (el guion fue terminado por Ehren Kruger -el mismo de la 3ª entrega-), y con Craven de nuevo en la dirección, tenía curiosidad por ver el resultado final. ¿Sería una estupenda película de terror que trajese algo de frescura al género o caería en los mismos errores que la 2ª y 3ª parte? Bueno, aquí está la respuesta:

Scream 4 tiene partes divertidas, me hizo reír a carcajadas en un par de momentos pero me temo que tres de cada cinco chistes desaparecen en la traducción y doblaje, y también logradas secuencias de suspense. Es bastante sangrienta, comparadas con las anteriores parece un festival gore (de nuevo, eran los 90), pero no demasiado. Realmente no da miedo pero no resulta aburrida, y da gusto ver como se refieren en un par de ocasiones a las películas de terror como "horror movies" aunque el light "scary movie" se emplea mayoritariamente.

Se inicia con una efectiva secuencia de película dentro de película, que se lleva la mayoría de las risas, a modo de prólogo y tras los créditos empieza a desarrollarse el argumento. Se nos introduce de nuevo a los tres protagonistas supervivientes de las anteriores películas además de a la nueva carne de cañón. Esta parte de la película podía resultar la más complicada de llevar adelante: la introducción de nuevos personajes de manera que no se lastre la película o resulte forzada la relación entre unos personajes adolescentes y otros que están ya un poco creciditos.

Uno de los aspectos que resaltan más de la película es que se nota que se han esforzado mucho en que fuese una secuela relevante: se incluyen un montón de referencias a las redes sociales, aparte de los comentarios sobre los remakes y el estado del género. Aunque en ocasiones se esfuerzan demasiado y pierde algo de credibilidad que tantas chicas adolescentes de buen ver discutan sobre películas de terror. Además de que sigue siendo tan superficial como las anteriores, no hay un auténtico análisis: se dejan caer nombres y títulos. Por otro lado, cuando hacen referencias a cosas "modernas" como el "ciberespacio" los autores de la película parecen bastante mayores y algunas referencias se remontan a modas previas a la primera Scream.

La película abusa en ocasiones de "la lógica del cine" para poner a sus protagonistas en las mismas situaciones de siempre, pero la verdad es que me estaba divirtiendo demasiado como para darle importancia. Ni siquiera me molestaron (demasiado) los consabidos comentarios sobre "las reglas del cine de terror". Primero, porque cuando hablan de las reglas del cine de terror en realidad hablan exclusivamente de los slashers. Segundo porque todas estas reglas no son más que clichés y tópicos en los que caen mediocres cineastas intentando copiar lo que hicieron cineastas con talento. De ahí que las primeras películas del género slasher sean las mejores, ya que todavía no se había caído en un eterno repetir de lugares comunes. Los tópicos no son reglas, los tópicos nos indican que la persona que nos cuenta su historia no es muy buen narrador. El cine de terror, y el fantástico en general, no ha de tener, o no debería tener,  reglas.

Lo que más me preocupaba, la repetición de los errores de las secuelas, lo evitan bastante bien... aunque no del todo. Sí, la película tiene sus fallos, pero de todas maneras es mejor que la 2ª y la 3ª sin mucho esfuerzo. Y, la verdad sea dicha, me lo he pasado tan bien que no le he dado importancia a los errores. Tiene un argumento (más o menos) al contrario que la 2ª, que básicamente era un desfile de posibles sospechosos; y un buen balance entre el suspense y la comedia al contrario que la 3ª, que caía demasiado en la autoparodia.

Sí hay una cosa que me molestó bastante. Normalmente las referencias y preguntas que hacen los asesinos en la serie Scream son muy fáciles, para que resulten familiares a la mayoría de la audiencia, no sólo a los fanáticos del género. Y en esta película hacen una pregunta ¡que el asesino responde mal pero que se da por buena! Estuve a punto de ponerme a discutírselo a Ghostface, luego recordé donde estaba. Pero me revienta la cantidad de gente que se va a llevar una información errónea a casa y luego la expandirá.

Si veis la película lo entenderéis mejor: ¡NO FUE PEEPING TOM, IDIOTA!

Voy a ser honesto: no se ocurren que más cosas deciros aparte de que la he disfrutado de principio a fin (sí , a pesar de los fallos). Si sois fans del género seguramente ya pensáis ir a verla. Si no os gusta el cine de terror, seguramente no os gustará ésta, no sólo por la sangre: la cantidad de referencias puede provocar que no pilléis la mayoría de los chistes. De todas maneras, gran parte de las referencias desaparecen en las traducciones y doblajes ya que los traductores dan por supuesto que los espectadores no saben de que están hablando los personajes en la pantalla. Y también conozco gente que se tomó Scream en serio y no supo ver la comedia en ella, aunque la disfrutaron a pesar de ello.

Puede ser que la haya disfrutado no sólo por lo entretenida que es, también porque me ha dado la oportunidad de escapar de la fiebre futbolera que se ha desatado en Barcelona. Se notaba que los cuatro gatos que estábamos en la sala éramos fans del género, nos hemos reído todos en los mismos lugares. De la misma manera guardo agradables recuerdos de la primera Scream, ya que cuando fui a verla había vaga de transportes y como resultado de la vaga tuvimos que ir al cine a verla mi amigo y yo apretujados en un autobús. Y dio la feliz coincidencia que nos apretujarnos con dos chicas que también iban a ver Scream, al mismo cine que íbamos nosotros.

Aquí os dejo el tráiler. Prestad atención al momento remakes, uno de mis favoritos de la película.

Érase una vez... La revolución

Hacer la revolución no es ofrecer un banquete, ni escribir una obra, ni pintar un cuadro o hacer un bordado; no puede ser tan elegante, tan pausada y fina, tan apacible, amable, cortés, moderada y magnánima. Una revolución es una insurrección, es un acto de violencia mediante el cual una clase derroca a otra.

Mao Tse-Tung

Sergio Leone no puede hacer una película que no sea interesante.
Pier Paolo Pasolini

Parece increíble que a día de hoy la magnífica ¡Agáchate, maldito! (Giù la testa, 1971) de Sergio Leone siga inédita en España. Digo inédita porque las versiones que corren por aquí, aparte de pésima calidad de imagen y sonido, son versiones a las cuales les falta hasta una hora de película respecto al montaje original de Leone, con lo que, a no ser que la hayáis visto de importación, no la habéis visto aunque creáis que sí. La única versión que contiene el metraje completo de la película y la correcta banda sonora (del maestro Ennio Morricone) de principio a fin es la edición americana que apareció en DVD hace ya unos cuatro años.

El por qué existen estas versiones cortadas, ya sea por la censura o para acortar la duración, radica en la evolución de Sergio Leone como cineasta. Tras las magníficas Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) y La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965), Leone tuvo la ambición de convertirse en el David Lean italiano y crear grandes películas épicas. Fue ahí que empezaron los problemas de distribución y cuando empezaron a recortar sus películas sin ningún respeto, ya que, mientras Leone evolucionaba como cineasta, los distribuidores y productores le pedían más de lo mismo: enérgicos y violentos spaghetti westerns que dieran mucho dinero. Ya con El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966) los distribuidores empezaron a masacrar la película para reducir sus tres horas de duración a tiempos más manejables. La siguiente en ser masacrada fue Hasta que llegó su hora (C'era una volta il West, 1968), una soberbia película, la primera de la serie Érase una vez -el título original es Érase una vez el Oeste-, que de nuevo fue recortada para reducir sus tres horas de duración. Su última película, la magnífica Érase una vez en América (Once upon a time in America, 1984), fue no sólo recortada de las tres horas y 47 minutos que dura a dos horas y 20 minutos, también fue reeditada para que siguiese un orden cronológico en Estados Unidos. Imaginad que hubiesen hecho lo mismo con El Padrino. Parte II (The Godfather: Part II, Francis Ford Coppola, 1974).

Por tanto, si la versión que habéis visto de ¡Agáchate, maldito! dura menos de 157 minutos, no es la versión que se ha de ver. Además de los diferentes cortes, también hubo un serio baile de títulos. Originalmente, la intención era titularla Érase una vez la revolución, pero temores de que se confundiera con la película de Bernardo Bertolucci Antes de la revolución (Prima de la rivoluzione, 1964) hizo que se cambiara el título a Giù la testa que literalmente significa "agacha la cabeza" y es una expresión italiana que quiere decir "no te involucres", lo cual tiene bastante sentido considerando el tema de la película. Sin embargo en Francia, que son bastante perspicaces en cuanto a apreciar arte despreciado en otros países, sí se tituló Il était une fois... la révolution, es decir: "érase una vez... La revolución." Mientras en Estados Unidos se tituló primero A Fistful of Dynamite ("un puñado de dinamita") y luego se retituló por insistencia de Leone Duck, You Sucker igual que en España. El de Érase una vez... La revolución es el título que personalmente más me gusta, y sirve para unir sus últimas tres películas (oficiales) en una trilogía, igual que sus tres primeros westerns se unen en la llamada Trilogía de los dólares.

(Ya sé que muchos la llaman la Trilogía del Hombre sin Nombre. Pero este rollo del Hombre sin Nombre fue inventado por los distribuidores americanos mientras promocionaban Por un puñado de dólares. Es un concepto atractivo pero falso. En las tres películas Clint Eastwood tiene nombre, de hecho tres: en cada película es un personaje diferente.)

Pero habéis llegado hasta aquí y es posible que muchos no tengáis ni idea de que trata ¡Agáchate, maldito! o penséis que se trate de un spaghetti western como La muerte tenía un precio. Ésta película se podría decir que es la película política de Leone. Ambientada en plena revolución mejicana, aproximadamente entre 1910-1915 -no se da una fecha exacta en la película pero por las referencias a Pancho Villa imagino que antes de 1915-, está protagonizada por Juan Miranda (Rod Steiger), un ladrón al frente de una banda formada en gran parte por su familia, y Seán H. Mallory (James Coburn), un miembro del IRA que huye de la ley inglesa. Como señala Juan, el nombre de ambos es John (en inglés), coincidencia que Juan considera una señal del destino. Y ciertamente sus destinos quedan unidos para bien y para mal.

Al principio de la película se nos presenta a Juan como un pobre recogido por unos ricos burgueses en una lujosa diligencia. Leone no fue nunca considerado seriosamente por la élite intelectual italiana como cineasta (excepto por algunos realmente inteligentes como Pasolini) pero en ésta escena logra representar la decadencia y corrupción burguesa en apenas unos minutos de una manera brutal y efectiva. Utilizando primeros planos de ojos y bocas de los burgueses (incluido un miembro de la Iglesia, por supuesto) al tiempo que oímos comentarios que equiparan los campesinos con animales y relacionan la revuelta de los campesinos con "los problemas que causan los negros en Estados Unidos", Leone nos muestra la decadencia de la clase dirigente de manera tremendamente efectiva. Luego la escena da una vuelta cuando Juan se revela como un atracador y devuelve todas las puyas y humillaciones que le han lanzado.

Pero si Leone no se corta a la hora de representar una burguesía corrupta y un sanguinario estamento militar, tampoco lo hace a la hora de representar los conflictos, traiciones y desengaños de los revolucionarios. En este aspecto es interesante la historia de Seán, que se rebautiza John para que resulte un nombre más familiar pero también como desengaño por sus ideales de liberación irlandesa. Seán llega a México con la intención de trabajar en unas minas, pero no tardará en verse envuelto en la revolución mejicana a la cual arrastrará a Juan, el cual sólo está interesado en robar bancos y hacerse rico. Es durante su experiencia mejicana que rememora con amargura su desgraciada experiencia irlandesa y ve como los mismos errores y vicios se cometen. La amargura y desengaño de Seán se resumen en este diálogo:

Antes creía en muchas cosas, ¡en todas! Ahora, sólo creo en la dinamita.

También resulta interesante la opinión de Juan al respecto:

Ya sé lo que me digo cuando hablo de revoluciones. La gente que lee libros va a la gente que no sabe leer, los pobres, y dice: "Tenemos que cambiar las cosas." Así, los pobres hacen el cambio. Y entonces, la gente que lee los libros se sientan todos en unas grandes mesas pulidas y hablan y hablan y hablan y comen y comen y comen. Pero, ¿qué pasó con los pobres? ¡Están muertos! Ésa es tu revolución. Así que hazme el favor, ¡no me hables de revoluciones! ¿Y qué pasa luego? La misma mierda empieza otra vez.

Tras esta parrafada de Juan, Seán tira el libro que estaba leyendo: El patriotismo de Mijaíl Alexándrovich Bakunin.

Hay que mencionar que tanto Rod Steiger como James Coburn están absolutamente fantásticos. Me sorprendió Steiger que, acostumbrado a verle sobreactuar, ofrece una interpretación moderada con grandes momentos. Coburn está dentro de su acostumbrada excelencia.

La manera que tiene de representar ambos bandos Leone hace referencia al título italiano de la película: "no te impliques." Leone muestra ambos bandos bajo un prisma negativo y crítico. Claro que las críticas más fuertes están dirigidas al gobierno corrupto y el estamento militar, que se dedica a masacrar campesinos sin muchos miramientos, proporcionando escenas tremendamente impresionantes. Las críticas hacía los revolucionarios van más bien dirigidas hacia aquellos que no mantienen sus ideales o que los usan en su propio interés y beneficio. Juan es el único realmente honesto: quiere hacerse rico y por ello sigue a Seán con la esperanza de que le ayude a reventar bancos, sin embargo se convierte en héroe de la revolución a pesar suyo.

En éste último aspecto incide una de las escenas más divertidas de la película: Juan va abriendo compartimientos de un banco con la esperanza de encontrar oro y lo único que hace es ir liberando prisioneros políticos, lo cual no evita que se decepcione.

La historia de Juan presenta en un principio aspectos humorísticos pero luego se va volviendo más dramática a medida que avanza la película. Los motivos de ello no los destriparé por si no la habéis visto, pero resulta interesante ver como evoluciona el personaje.

La historia de Seán, o John como se hace llamar, resulta para mí más interesante, sin despreciar en absoluto la de Juan ya que ambas son, en cierta manera, la misma y están juntos durante la parte de la película que transcurre en el presente; pero me resulta interesante, digo, ya que nos muestra un hombre que actúa de manera amargada y desengañada pero al mismo tiempo lo suficientemente ingenuo o romántico para verse de nuevo envuelto en otra revolución. El gradual descubrimiento de su pasado irlandés a través de flahsbacks a lo largo de la película nos descubre algunas de sus motivaciones, pero igualmente resulta interesante la complejidad del personaje. Es decir, ¿qué hace que huya de una revuelta y decida esconderse en otra? He de añadir que el último y más revelador flashback del personaje resulta eliminado o recortado en las versiones truncadas.

Ésta película fue para mí todo un descubrimiento. La descubrí cuando, hace cuatro años, me compré en Estados Unidos (por Internet, no os penséis) la Sergio Leone Anthology que consistía en la Trilogía de los Dólares y ésta película como un añadido extra, en total ocho discos de maravilla cinematográfica. Es una de las películas más desconocidas de Leone, por las razones anteriormente expuestas, y también de las más interesantes. Para los fans del spaghetti western está llena de grandes momentos que son puro Leone, pero para aquellos que no les guste el western también resulta interesante no sólo por su contenido político, también por su componente dramático y temático: no es un western al uso. Insisto en que veáis la versión integra, que se abre con la cita de Mao que he puesto al inicio del post, ya que las versiones truncadas le quitan dramatismo y épica y no representan la genial visión de un director demasiado tiempo infravalorado.

Cómo el último Starfighter fue el primero

Entre el dramatismo, la seriedad y la violencia de los 70 y la sosería, lo políticamente correcto e intrascendente de los 90, uno no puede más que amar los 80 y la diversión y el desmadre que nos proporcionaron, tanto en el cine para todos los públicos (Una pandilla alucinante [The Monster Squad, Fred Dekker, 1987]) como en el cine "de mayores" que veíamos de pequeños ([Re-Animator, Stuart Gordon, 1985]). Fijémonos en uno de los títulos más memorables de la década (dejando de lado la oeuvre de Spielberg & Lucas): Starfighter: la aventura comienza (The Last Starfighter, Nick Castle, 1984).

Starfighter se dedica a hacer realidad una de las fantasías adolescentes más absurdas que se le podían ocurrir a uno con gran estilo y gracia: Alex Rogan (Lance Guest) es un experto jugador de Starfighter, un videojuego en el cual se dedica a destruir naves espaciales enemigas. Y es tan bueno jugando que es reclutado por la Liga Estelar para luchar contra el malvado Xur, ya que al parecer el videojuego es una herramienta que sirve para detectar Starfighters  a lo largo del universo.

Los videojuegos y el mundo de los ordenadores en general empezaba a desarrollarse a lo grande en la era dorada de los calentadores. El cine pronto empezó a reflejar estos avances, con títulos como la pionera Tron (Steven Lisberger, 1982), la cual imaginaba todo un universo dentro de las computadoras donde los programas se enfrentaban en juegos a muerte. Otro título interesante en este aspecto es la entrañable Juegos de guerra (WarGames, John Badham, 1983), en la cual un joven Matthew Broderick provoca sin querer la posibilidad de una III Guerra Mundial al introducirse en una megacomputadora que controla el sistema de defensa de Estados Unidos (algo que recuerda a la clásica Colossus: el proyecto prohibido [Colossus: The Forbin Project, Joseph Sargent, 1970]).

En el caso de The Last Starfighter se trata de convertir el videojuego en una especie de espada en la piedra. Igual que Arturo demuestra su poder sacando la espada de la piedra, Alex demuestra su potencial batiendo todos los récords del juego. De ahí la película evoluciona hacia una de esas historias de superación personal que tanto gustan a los norteamericanos. Alex vive con su familia en un parque de caravanas, es decir, no son millonarios precisamente. Alex sueña con irse de ese lugar e ir a la universidad, pero le deniegan el préstamo para sus estudios con lo cual se ve atrapado allí de por vida. Es entonces que se le presenta la oportunidad de convertirse en Starfighter.

Nick Castle, director, y Jonathan R. Betuel, guionista, fueron lo suficientemente inteligentes para evitar hacer una copia de Star Wars introduciendo una trama secundaria que transcurre en la Tierra, protagonizada por un robot dejado allí para que nadie note la ausencia de Alex, que se intercalada con las batallas espaciales. Las peripecias del robot intentando pasar por humano y perseguido por asesinos espaciales determinados a acabar con todos los Starfighters le dan un aire propio a la película.

Esta película fue la última que hizo el gran Robert Preston, que murió poco después. Dan O'Herlihy hace un gran trabajo como Grig, sabiendo transmitir su interpretación a pesar de tener que trabajar bajo capas de maquillaje. Para los mitómanos, tenemos como Maggie, la novia de Alex, a la guapa Catherine Mary Stewart, a la cual recordaréis de otro clásico ochentero: La noche del cometa (Night of the Comet, Thom Eberhardt, 1984).

The Last Starfighter se ha ganado su puesto en la historia del cine por ser la primera que utilizó efectos especiales generados por ordenador durante toda la película. Todo lo que tenía que ver con el espacio (las naves, los planetas, las estrellas) y algunos otros pequeños detalles fueron generados por ordenador. La previamente mencionada Tron incluía algunas partes animadas por ordenador, de forma primitiva, pero la gran mayoría fue animada a mano, de modo tradicional. En la genial Star Trek II: la ira de Khan (Star Trek: The Wrath of Kahn, Nicholas Meyer, 1982) también se incluía un breve fragmento de animación fotorrealista. Pero es en The Last Starfighter que se usó animación por ordenador fotorrealista de principio a fin.

La compañía encargada de los efectos, Digital Productions, ya había realizado una primitiva animación de naves espaciales para George Lucas en 1978 que, aunque finalmente no se usó, impulsó a la Industrial Light and Magic, o ILM, a ponerse las pilas en ese aspecto. Para 1984 se había realizado un gran avance, aunque actualmente es evidente que todavía se estaba al principio del proceso. Mientras que las naves resultan convincentes, ciertamente se nota que son artificiales pero no tanto como para sacarte de la película, algunos escenarios como el interior de un cráter resultan extremadamente simples y falsos. La razón de ello es que, como explica el mítico Ron Cobb encargado de diseñar la película y supervisar los efectos en el audiocomentario del Blu-ray, para crear entornos detallados con la tecnología que tenían entonces necesitaban mucho más tiempo del que tenían para hacer la película, con lo cual se vieron obligados a simplificar los escenarios.

Hay que reconocer el valor que tuvo el equipo de cineastas en embarcarse en algo que nadie había hecho antes y que no se sabía si era posible hacer. Después de esta película, la animación por ordenador siguió evolucionando aunque no fue usada de manera masiva hasta los 90. Pero poco a poco se pudieron ver los avances: del caballero de cristal de El secreto de la pirámide (Young Sherlock Holmes, Barry Levinson, 1985) hasta el morphing de Willow (Ron Howard, 1988) y de ahí al tentáculo de agua imitador de caras de The Abyss (James Cameron, 1989), lo que llevó al T-1000 de Terminator 2: el juicio final (Terminator 2: Judgment Day, James Cameron, 1992). Y el resto es historia.

Finalmente, dejando de lado sus primerizos efectos digitales, The Last Starfighter queda como una estupenda película de aventuras espaciales, con unos toques algo cursis pero divertidos, que nos ofrece 100 minutos de imperecedero y sólido entretenimiento.

Bonnie y Clyde (Bonnie and Clyde)

Some day they'll go down together
they'll bury them side by side.
To few it'll be grief,
to the law a relief
but it's death for Bonnie and Clyde.

The Trail's End (fragmento) de Bonnie Parker.

Cuando tuve la idea de hacer un post sobre Bonnie y Clyde (Bonnie and Clyde, Arthur Penn, 1967) tenía pensado hablar sobre la influencia europea en el cine americano y la violencia, lo típico. Sin embargo, cuando me puse a verla de nuevo me di cuenta de otro aspecto en el cual no había reparado: de que manera la prensa convierte en estrellas a Bonnie y Clyde.

La película trata sobre el mito de Bonnie Parker y Clyde Barrow más que sobre los Bonnie Parker y Clyde Barrow reales, mucho menos glamourosos y más sanguinarios. Un mito que fue creado en parte gracias a la prensa que daba cuenta de sus correrías y, cuando no tenía correrías reales a mano, se inventaba unas cuantas para mantener la venta de periódicos. La manipulación de la realidad por parte de la prensa es un tema que se empieza a tratar dentro de la ficción desde que Randolph Hearst empezó a poner en práctica su peculiar concepto de periodismo. Es decir, no hay muchos magnates de la prensa que puedan vanagloriarse de haber creado una guerra,  me refiero a la Guerra de Cuba de 1898 en la cual España perdió las últimas colonias que le quedaban en América. La obra maestra Ciudadano Kane (Citizen Kane, Orson Welles, 1941) y la primera versión de Un gran reportaje (The Front Page, Lewis Milestone, 1931) son algunas muestras de películas que de manera temprana muestran como para la prensa es mejor no fastidiar una buena historia con la verdad.

Esto se traduce en Bonnie y Clyde con sus atractivos protagonistas leyendo sus aventuras, ciertas o inventadas, a veces con humor y otras con enfado. Pero queda claro que la prensa contribuyó a convertir en héroes a estos atracadores de bancos en una época, la Gran Depresión, en la cual el negocio de la banca no estaba visto con buenos ojos y el ciudadano medio, que veía cómo de repente lo perdía todo y el banco se acababa quedando con su casa, acabó convirtiendo a estos ladrones en unos Robin Hood modernos, cosa que ciertamente no eran. Resulta significativo que la película sobre esta pareja de atracadores enamorados se realizara en otro momento, finales de los 60, en el cual las figuras de autoridad también estaban siendo cuestionadas por una rebelde juventud, a la que se dirigía la película. También es cierto que en Estados Unidos hay una tendencia a convertir en héroes a forajidos, dándoles un aire romántico, ya desde la época del salvaje Oeste. Tal vez por ello, en ocasiones Bonnie y Clyde tiene aires de western moderno, sustituyendo los caballos por automóviles, pero manteniendo algunos de los personajes y situaciones que eran habituales en el western.

En el documental Revolution! The Making of Bonnie and Clyde, Robert Benton explica como él y David Newman escribieron Bonnie y Clyde bajo la influencia de la Nouvelle Vague y, de hecho, querían que dirigiese la película François Truffaut. Pero Truffaut estaba ocupado con otro proyecto y la cosa no pudo ser. Pero el destino quiso que Truffaut le pasara el guion a Warren Beatty, que se interesó de inmediato en el proyecto. Beatty, productor y protagonista, tuvo la inspirada idea de traer como director a Arthur Penn.

En la anterior película de Penn, el estupendo drama La jauría humana (The Chase, 1966), éste ya muestra alguna de las características que darán estupendos resultados en Bonnie y Clyde, como son: el uso de una violencia realista alejada de los clichés del Hollywood del momento y el desarrollo de los personajes y sus motivaciones. Penn utiliza este estilo realista, de cinema verité, a la hora de retratar las correrías de Bonnie y Clyde mezclando comedia y drama y empleando luz natural siempre que era posible. Obviamente, lo que más llamó la atención de este estilo es la manera en que lo usa para retratar la violencia, de una manera sangrienta y dolorosa que hasta entonces había sido inaudita en el cine de Hollywood, rompiendo varios tabúes (tabúes que luego Sam Peckinpah reventaría definitivamente con la obra maestra Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969)). No sólo tabúes en cuanto a la representación de la violencia se rompieron con Bonnie y Clyde: es notoria la escena en la cual Bonnie (Faye Dunaway) le hace una felación a Clyde (Warren Beatty), algo tampoco visto en el cine de Hollywood hasta entonces.

(Notad que me refiero específicamente al cine de Hollywood, es decir, el que venía financiado por los grandes estudios, ya que muchos de estos tabúes y muchas de estas innovaciones ya hacía un tiempo que habían empezado a aparecer en el cine de serie B, bajo presupuesto e independiente).

Originalmente la película no triunfó en Estados Unidos, sin embargo fue un tremendo éxito en Europa. Tanto que en Londres y París se puso de moda entre las mujeres vestirse de la misma manera que lo hace Faye Dunaway en la película. Tras ver el impacto que había tenido lugar en Europa, la película volvió a estrenarse en Estados Unidos y esta segunda vez sí que fue un gran éxito de público y crítica.

El estilo de Penn se debe también al gran trabajo que hizo la editora Dede Allen, creando un ritmo específico para cada momento y escena. Alternando momentos de stacatto y montaje rápido, con otros en los cuales se mantienen los planos. Un estilo que visto hoy día se mantiene fresco y contribuye a que Bonnie y Clyde no haya envejecido.

Por último destacar el reparto de la película que realmente es brillante. Warren Beatty hace un trabajo aceptable como Clyde, teniendo en cuenta que es mejor cineasta que actor, y Faye Dunaway está realmente brillante. Dunaway demuestra que era tan bella como talentosa actriz. Entre los secundarios tenemos a Gene Hackman, Estelle Parsons y Michael J. Pollard, todos ellos brillantes como es habitual. Pero si alguien merece ser mencionado es Gene Wilder que hace un breve papel junto a Evans Evans y está tremendamente divertido en el que fue su debut en pantalla.

Actualmente Bonnie y Clyde representa una de las primeras películas del nuevo Hollywood, formado por unos jóvenes e innovadores directores que renovarían el agonizante panorama del Hollywood de entonces, en plena decadencia. Una nueva oleada que, como en Francia, daría lugar a una manera diferente de ver el cine y que proporcionaría la considerada Edad Dorada del cine americano: el cine de los 70. Un breve momento histórico en el cual los locos dirigieron el manicomio.

Fijaos en el tráiler de la película. Tanto el tipo de letra como el estilo del montaje deja claro el público al que iba dirigida la película. El mismo que en aquel momento se dejaba el pelo largo y protestaba en la calle.

MEME! Escenas para recordar: Cómo intenté jugar el juego

Este fin de semana pasado Javi de Cinódromo me invitó a jugar a MEME! Escenas para recordar. El juego aparentemente consiste en escoger la que es para uno la mejor escena en una serie de categorías fijas para todos los participantes.

La iniciativa me hizo gracia y, como ya tenía organizados los posts para la semana que entraba, me puse a darle vueltas y ver que salía. La cosa parecía bastante fácil. Total, se trataba de escoger mis escenas favoritas de cada categoría.

Empecé por las mejores escenas de baile, ya que se diferenciaba escenas coreografiadas de números musicales.  Mi primer impulso fue hacer algo un poco subversivo y divertido, e inmediatamente me vino a la cabeza el torpemente sexy baile de Tandra Quinn en Mesa of Lost Women. Luego pensé que sería más interesante para los jugadores y lectores algo un poco más serio en lugar de desperdiciar el tiempo en cosas que sólo me harían gracia a mí. Así que me puse a pensar. Entonces me vino a la cabeza la delirante escena de baile y pelea de 1941 de Steven Spielberg. El baile y pelea me llevó entonces a la pelea de Mary Elizabeth Winstead y Kristina Pesic en Scott Pilgrim contra el mundo. Pero eso no era exactamente un baile. Un baile era Fred Astaire dando vueltas por las paredes y el techo en Bodas reales. Pero la película no me gustaba mucho, lo que me llevó a la escena de John Travolta y Uma Thurman en Pulp Fiction, lo que me llevó a la película que inspiró esa escena: Banda aparte de Jean-Luc Godard. Y, bueno, estuve así muuucho tiempo.

Aún fue peor con la mejor escena de suspense. Empecé con la sombra del conde Orlok acechando a Ellen Hutter en Nosferatu pasando por el test de la sangre en La Cosa y Julie Harris y Claire Bloom abrazadas la una a la otra en La casa encantada, aterrorizadas por una cara en la pared ¿o son simplemente sombras? Y la puerta empieza a doblarse...

El caso es que parecía incapaz de quedarme en una sola escena. Una película me llevaba a otra y ésta a otra. De la seducción/tortura de Britt Ekland en The Wicker Man a Donald O'Connor en Cantando bajo la lluvia, de ahí a Robert Torti como el hilarante Jesucristo de Reefer Madness The Movie Musical y de ahí a John Travolta y Olivia Newton-John en Grease. ¿Y cómo no mencionar Rock 'n' Roll High School?

¿Veis el problema? Mi mente iba saltando de película en película. Lo que me llevó a pensar ¿por qué tendría que quedarme con una escena de una película?

De la misma manera que no creo que exista la mejor ni la peor película de la historia, ya que de momento la historia del cine sigue evolucionando y avanzando, he llegado a la conclusión que eso se aplica también a las escenas y momentos.

Por supuesto, hay obras maestras y películas seminales que han influido en películas posteriores como Ciudadano Kane o la grandiosa Metrópolis de Fritz Lang. Y también momentos que nos marcaron emocionalmente. Pero para mí el cine no sólo está vivo: todas sus partes están conectadas formando un enorme y vasto tapiz. Infinito como el universo. Y en continua expansión.

Por ello, prefiero ir ampliando mi visión del tapiz, en lugar de reducirlo a porciones. Lo intenté, pero tengo tantas y tantas películas dentro que simplemente me veo incapaz de escoger un único momento de cada categoría. Además, cada película te lleva a otra y ésta a otra ¿para que cortar el camino? Recuerdo cuando vi Reservoir Dogs y leí en los títulos de crédito las referencias a Monte Hellman y Jack Hill. Lo que me llevó a la obra maestra Two-Lane Blacktop y a Coffy, respectivamente. Y de ahí a todo el cine de los setenta. Y de ahí, ¿quién sabe? Todavía sigo explorando y buscando.