En el ojo de la tormenta (Into the Storm)

 

Aquí tenéis el enlace para leer en Underbrain Mgz mi crítica de En el ojo de la tormenta (Into the Storm, Steven Quale, 2014):

http://underbrain.com/cine/enelojodelatormenta/

En la crítica leeréis, entre otras cosas, lo interactivo que puede ser ver esta película en el cine.

I Declare War

No sé la razón de que todavía me asombre que películas tan interesantes y absorbentes como I Declare War (Jason Lapeyre, Robert Wilson, 2012) queden inéditas en las pantallas de cine de nuestro país, dejando de lado algún pase trasnochado en algún festival de cine. Por lo menos, espero que con este artículo la película gane unos cuantos espectadores más, porque se merece ser vista.

Es otro día de verano y otro día de jugar a la guerra en el bosque. El juego de hoy, sin embargo, no va a ser como los demás. El general P. K. Sullivan (Gage Munroe) ha ganado todas y cada una de las guerras que han hecho hasta ahora, pero por primera vez se enfrenta a un rival que sabe lo que hace (ha leído libros y juega al ajedrez): el general Quinn Wilson (Aidan Gouveia). Pero el general Quinn tampoco lo tiene fácil, ya que uno de sus soldados, Skinner (Michael Friend), tiene su propia agenda en lo que respecta al juego. Transformando con su imaginación simples juguetes en terribles armas de precisión, los niños llenarán el bosque de sangre en un juego de la guerra que poco a poco se irá transformando en algo mucho más serio.

I Declare War es un film que funciona a distintos niveles y está abierto a diversas interpretaciones. Primero tenemos la alegoría antibélica. Los niños juegan a la guerra en un reflejo de lo que han visto en películas y la televisión, lo que sirve como alegoría de lo absurdo de los conflictos bélicos. La escena en que Skinner tortura a Paul Kwon (Siam Yu), el mejor amigo de su rival P. K., recuerda los escándalos de torturas en prisiones americanas en Irak.

El film también explora el cine bélico, mostrando los tópicos del género desde la perspectiva de unos niños que repiten de forma inconsciente lo que han visto en películas. De hecho, P. K. ha visto varias veces Patton (Franklin J. Schaffner, 1970) como guía para ser un gran general. Otros deciden transformarse en personajes del género, como Caleb (Kolton Stewart) que, junto a su perro Sombra, se transforma en un silencioso guerrero.

Pero lo que hace tan absorbente el film es la propia historia de los niños. Son niños de 12-13 años que se encuentran en las puertas de la adolescencia y que pronto dejarán atrás el mundo de la niñez. Jessica (Mackenzie Munro) se mete en el juego de la guerra porque le gusta Quinn, e intenta usar sus "armas de mujer" para confundir a los chicos y ganar para Quinn, provocando tensiones entre los chicos. P. K. y su obsesión por ganar a cualquier precio. Skinner y su sed de sangre alimentada por sus deseos de venganza. El film está lleno de conflictos que se ven agravados a medida que avanza la contienda. Es aquí donde normalmente mencionaría El señor de las moscas, el gran clásico de William Golding, pero aunque a primera vista parecen tener puntos de contacto, son dos obras muy distintas.

El señor de las moscas trata sobre lo frágil y fina que es la capa de civilización que nos cubre, relatando la historia de unos muchachos que, tras un naufragio, van a parar a una isla desierta y allí desarrollan una brutal y salvaje sociedad. I Declare War representa a los niños tal y como son, con su mezcla de crueldad e inocencia, y no pretende que sean otra cosa que lo que son. Y es aquí donde radica el interés, porque muchos de los conflictos a los que se enfrentan no desaparecerán al llegar a la adolescencia, en muchos casos se agravaran. La forma en que se enfrentan a estos conflictos ahora refleja la forma en que lo harán en el futuro.

En cualquier caso, todo esto es simplemente para decir que creo que I Declare War es una gran película que recomiendo a todo el mundo. Una película compleja pero que cuenta una historia sencilla y eterna, además de ser muy divertido y entretenido.

Señal de alarma (Warning Sign)

Resulta curioso, viendo películas "antiguas" como Señal de alarma (Warning Sign, Hal Barwood, 1985), te das cuenta de hasta que punto son "modernas" muchas películas actuales, especialmente dentro del cine de zombis.

Biotek es un sofisticado laboratorio dedicado a la investigación y desarrollo de nuevas formas de cultivo y de mejora de plantas mediante la ingeniería genética. O, al menos, eso es lo que cree todo el mundo. En realidad, se trata de una instalación ultrasecreta del gobierno dedicada a desarrollar armas bacteriológicas, a pesar de que la guerra biológica es ilegal. Cuando un peligroso virus "queda libre", la oficial de seguridad Joanie Morse (Kathleen Quinlan) no tarda en reaccionar y cierra por completo la instalación, aislándola del mundo. Por desgracia, eso también significa que Joanie se queda encerrada con un centenar de científicos cada vez más paranoicos y violentos, incluso antes de ser infectados por el virus, que los transforma en peligrosos dementes sedientos de sangre. Por alguna razón, Joanie es inmune al virus, así que su principal preocupación es sobrevivir a los ataques de la horda de dementes que quiere su sangre. Mientras, en el exterior, el sheriff del lugar, Cal Morse (Sam Waterson), busca cómo solucionar la situación para que su esposa Joanie pueda salir, así como salvar a todos aquellos que no estén infectados. No recibe ayuda del enviado por los militares, el mayor Connolly (Yaphet Kotto), que en realidad busca la manera de que no se descubra lo que realmente sucede dentro de la instalación. Cal reclutará entonces al doctor Dan Fairchild (Jeffrey DeMunn), un antiguo trabajador de esta instalación secreta. Juntos se enfrentarán a los horrores que se esconden dentro de Biotek.

Producida a mediados de los 80, Señal de alarma se inspira en el miedo al desarrollo de armas biológicas y la creación de nuevas enfermedades que la Guerra Fría entre Estados Unidos y la antigua URSS había puesto en el inconsciente colectivo, a pesar de su ya mencionada ilegalidad (porque los gobiernos no cometen ilegalidades, ¿verdad?). En este sentido, la primera mitad del film se desarrolla de forma parecida a la de un thriller al estilo Michael Crichton. Esta parte se centra en la tensión de la situación y en cómo reaccionan los distintos personajes. La segunda mitad del film, sin embargo, se convierte en una película de zombis moderna, aunque no en el sentido literal: los infectados no son muertos vivientes, sino en el modo en que los ataques en masa de los infectados son bastante parecidos a los ataques que podríamos ver en cualquier película de zombis actual. Como os podréis imaginar, en esta parte predomina más la acción. También resulta bastante sangrienta teniendo en cuenta que se trata de una producción de un gran estudio, la 20th Century Fox, aunque no os imaginéis un baño de sangre como si fuera una producción de terror de bajo presupuesto. Al fin y al cabo, el objetivo del film está más dirigido hacia la tensión y la acción del thriller que hacia la sangre del terror.

El film está cargado de excelentes actores habitualmente secundarios y de rostros familiares de la televisión actual. Lo que se traduce en un saludable conjunto de estupendas actuaciones, que hacen creíble la increíble situación en que se encuentran metidos los personajes. Barwood ha trabajado más como guionista en el cine, además de dirigir y escribir diversos videojuegos, pero su trabajo en Warning Sign como director resulta bastante correcto y efectivo.

Señal de alarma es un film bastante olvidado hoy día, pero creo que sería interesante que los aficionados al género lo recuperaran para poner en perspectiva las supuestas innovaciones actuales. También porque es un film bastante entretenido y, aunque no te va a cambiar la vida ni nada de eso, te hace pasar un buen rato.

Infiltrados en la universidad (22 Jump Street)

 

Leed atentamente mi crítica de Infiltrados en la universidad (22 Jump Street, Phil Lord y Christopher Miller, 2014) en Underbrain Mgz:

http://underbrain.com/cine/infiltradosenlauniversidad/

Así podréis saber por qué esta es una de las mejores secuelas que he visto en mucho tiempo. Divertidísima y cargada de metalenguaje para los que sepan de qué va el rollo. Por favor, si es posible vedla en gloriosa versión original.

Doble cuerpo (Body Double)

 

Tal vez hoy día resulte difícil de creer, pero en el momento de su estreno El precio del poder (Scarface, 1983) fue un fracaso. Su director, Brian De Palma, decidió entonces refugiarse en un proyecto más personal. Una película de suspense que tocaba temas muy queridos por el director y muchos de sus seguidores. Esta nueva película fue otro fracaso, un fracaso cargado de polémica y que provocó ataques airados contra De Palma. Y es la película que comentamos hoy: Doble cuerpo (Body Double, 1984).

Jake Scully (Craig Wasson) es un actor que el mismo día pierde la novia (desnudo cameo por parte de la Scream Queen Barbara Crampton) y el trabajo. Al rescate llega un compañero actor, Sam (Gregg Henry), que le ofrece cuidar de la casa de un amigo rico. Allí, Jake descubrirá que una de las vecinas, Gloria (Deborah Shelton), tiene costumbre de desnudarse y complacerse a si misma cada noche. Jake pronto se obsesiona con la atractiva mujer, más cuando descubre que Gloria puede convertirse en la víctima de un peligroso asesino. Jake deberá contar con la ayuda de la actriz porno Holly Body (Melanie Griffith) para atrapar al asesino.

Doble cuerpo ("doble de cuerpo" sería una traducción más acertada) no cuenta con muy buena reputación ni entre los fans de De Palma, pero cuenta con su propio grupo de fans, algo parecido a lo que sucede con otra discutida película de este director: En nombre de Caín (Raising Cain, 1992) (ambas películas me encantan, como os podréis imaginar). La idea para la película se le ocurrió a De Palma mientras filmaba a la doble de cuerpo de Angie Dickinson en la escena de la ducha de Vestida para matar (Dressed to Kill, 1980). De nuevo, en Doble cuerpo nos encontramos con una reinterpretación o comentario u homenaje del trabajo de Alfred Hitchcock, en concreto de su obra maestra Vértigo. De entre los muertos (Vertigo, 1958), e incluso le añade algunos toques sacados de The Slumber Party Massacre (Amy Holden Jones, 1982).

Pero el centro de la película es puro De Palma, que utiliza el voyeurismo para crear una doble narrativa. La forma en que nos presenta esta historia de suspense sirve al mismo tiempo como comentario sobre el medio mismo. El director nos muestra un juego de engaños lleno de trucos hechos con humo y espejos, para indicar al espectador que esa es la misma naturaleza del cine: magia hecha con humo y espejos. En ese sentido, Doble cuerpo tiene bastante en común con Impacto (Blow Out, 1981), en la que De Palma también utiliza el cine para hablar del cine.

En lo que se refiere a su nivel superficial, Doble cuerpo cuenta una relativamente sencilla historia de suspense, una sencillez que permite al director crear elaboradas y absorbentes secuencias en las que predomina una narrativa puramente visual. Secuencias que se ven realzadas y completadas con una fantástica banda sonora de Pino Donaggio. Entre estas secuencias destacaría el seguimiento que hace Jake de Gloria, el divertido videoclip de Frankie Goes to Hollywood y, por supuesto, el asesinato.

Para muchos no es de lo mejor de este director, pero para mí es puro De Palma. Un festival visual que atrapa al espectador con sus elaborados movimientos de cámara. Si se quiere disfrutar de este film al máximo, yo recomendaría la edición en Blu-ray australiana de Umbrella Entertainment (muy barata si vais directamente a la fuente) ya que incluye todos los extras de la edición especial que editó Twilight Time, actualmente agotada y que se encuentra a unos precios desorbitados de reventa, pero carece de subtítulos. La edición española en Blu-ray no incluye ningún extra. Los extras que aparecen en la edición de Twilight y de Umbrella son los mismos que aparecían en la edición especial en DVD americana que salió a principios del s.XXI. Os dejo con el tráiler, que por desgracia no es muy bueno.

Patrick

 

De todas las películas que se han hecho sobre tipos en coma con poderes telequinéticos, posiblemente la australiana Patrick (Richard Franklin, 1978) sea una de las mejores películas que se han hecho de entre todas ellas.

Kathy Jacquard (Susan Penhalion) empieza a trabajar como enfermera en la clínica privada Roget. Su trabajo consistirá en hacer uno de los turnos que se ocupan de cuidar de Patrick (Robert Thompson), un paciente en estado vegetal que sigue vivo gracias al soporte vital que hace que siga respirando. Sin embargo, Kathy empieza a creer que Patrick quiere comunicarse con ella, que no está tan en coma como parece a primera vista. Cuando le cuenta sus temores al doctor Roget (Robert Helpmann), este rápidamente los desmonta. Pero, en secreto, tanto el doctor Roget como la hermana Cassidy (Julia Blake), que dirige el hospital, están convencidos de que Patrick esconde más de lo que parece a primera vista.

Tres simples elementos son los que hacen de Patrick un título memorable: dirección, guion, interpretación. Parece algo obvio, pero no todas las películas consiguen que estos tres factores trabajen conjuntamente de forma tan harmoniosa. Empezando por las interpretaciones, Penhalion como la enfermera que sufrirá ser el objeto de deseo de Patrick consigue que el espectador empatice con su personaje. Thompson resulta adecuadamente inquietante como Patrick, algo realmente difícil de lograr teniendo en cuenta que su personaje está inmovilizado en una cama. Pero si alguien realmente destaca es Helpmann como el doctor Roget, un doctor algo desequilibrado que experimenta con Patrick con alegre sadismo.

El guion corrió a cargo de Everett De Roche, americano afincado en Australia que, durante los 70 y parte de los 80, escribió los guiones de los títulos más destacados del cine de terror, suspense y fantástico australianos. Sin embrago, pasaron varios años desde que escribiera Patrick y el guion se produjera. Es poco después de que su trabajo como guionista de la cinta de culto Largo fin de semana (Long Weekend, Colin Eggleston, 1978) terminara que empezó la producción de Patrick. Para darle vida al guion, el director Richard Franklin adoptó un estilo clásico y elegante, que hacía evidente su pasión por Alfred Hitchcock, enganchando al espectador que poco a poco se va viendo inmerso en el suspense de la historia. La relación de trabajo entre ambos fue tan buena que volverían a trabajar juntos con excelentes resultados en Roadgames (1981), Link (1986) y Visitors (2003).

En su país de origen Patrick no fue un gran éxito, pero sí lo fue en el resto del mundo. En Italia el film se hizo tan popular (la versión italiana sustituye la fantástica banda sonora del gran Brian -nada que ver con el guitarrista de Queen- May por música de los Goblin) que se hizo una secuela no autorizada: Patrick vive todavía (Patrick vive ancora, Mario Landi, 1980). Aunque en su momento los productores de Patrick consiguieron que esta secuela pirata no se estrenara fuera de Italia, la llegada del DVD hizo que el film se conociera fuera de su país de origen, así que ahora es bastante fácil de encontrar (tampoco vale mucho la pena perder el tiempo buscando, la verdad). Recientemente se estrenó un remake de Patrick, dirigido por Mark Hartley, director conocido por sus documentales sobre la ozploitation y el cine filipino.

Patrick es un sólido ejemplo de cine fantástico que mezcla terror y suspense. Un clásico del que disfrutarán los aficionados al género que todavía no lo conozcan.

Los Mercenarios 3 (The Expendables 3)

 

Ya podéis leer la crítica que he escrito de Los Mercenarios 3 (The Expendables 3, Patrick Hughes, 2014) en Underbrain Mgz:

http://underbrain.com/cine/losmercenarios3/

Después de ver la nueva de Marvel, os recomiendo ir a pasarlo teta con el alegre desmadre de acción que es Los Mercenarios 3.

Cómo rellenar un bikini (How to Stuff a Wild Bikini)

 

Decir que una beach movie es surrealista comparada con otras películas es normal. Decir que una beach movie es surrealista comparada con otras beach movies, eso ya son palabras mayores. Y eso es exactamente lo que es Cómo rellenar un bikini (How to Stuff a Wild Bikini, William Asher, 1965).

Esta fue la última película playera que protagonizaron Annette Funicello y Frankie Avalon en los 60 (volvieron a juntarse en el revival Regreso a la playa [Back to the Beach, Lyndall Hobbs, 1987]), así que es una lástima que su participación sea tan deslucida. El film cerraba su largo romance playero, pero debido a que Avalon había pedido más dinero del que le podían pagar, su participación se reduce a prácticamente un cameo, apareciendo en pequeñas escenas al principio y al final, más una central, para que parezca que está más presente de lo que realmente está (además de que estrenó un par más de películas ese año, así que estaba bastante ocupado). Por otro lado, Funicello estaba embarazada, así que lleva un vestuario muy poco playero de ropas holgadas y tampoco tiene un excesivo protagonismo.

El argumento gira en torno a cómo Frankie (Avalon) pide ayuda a un brujo (Buster Keaton) para que controle que Dee Dee (Funicello) le es fiel mientras él cumple el servicio militar. Esto sirve de excusa para una serie de situaciones estrambóticas debido al impacto que causa Cassandra (Beverly Adams), enviada por el brujo para mantener a los chicos ocupados, además de la habitual presencia de la banda de motoristas liderados por Eric Von Zipper (Harvey Lembeck). Mickey Rooney interpreta a Peachy Keane, un ejecutivo publicitario que liará a la banda playera en su promoción (o algo así, la verdad es que nada en el film tiene mucho sentido).

Aunque desde luego es una de las más extrañas películas playeras y su primera parte es muy divertida, luego el film parece perder gas y se hace algo largo. Las apariciones de Buster Keaton siempre resultan divertidas, y cameos como el que hace Elizabeth Montgomery (en aquel entonces popular por su papel en Embrujada [Bewitched, 1964-1972]) tienen su gracia, pero a medida que el film avanza parece que se va cansando y le cuesta más crear situaciones cómicas que no resulten repetitivas o que parezcan frescas a los ojos del espectador. Lo cierto es que el género se encontraba en plena decadencia. Una decadencia provocada por los cambios sociales del momento, los movimientos contraculturales, el hippismo, la nueva cultura de las drogas y la revolución sexual. Además de que empezaban a ser películas muy repetitivas y recaudaban cada vez menos en taquilla. A pesar de ello, hasta 1967 este tipo de películas no desaparecería del todo gracias a los imitadores de la AIP.

Transformers: La era de la extinción (Transformers: Age of Extinction)

 

Este viernes asalta las pantallas la nueva abominación de Michael Bay: Transformers: La era de la extinción (Transformers: Age of Extinction, 2014). Podéis leer mi crítica de esta "película" aquí:

http://underbrain.com/cine/transformers-laeradelaextincion

Con casi tres horas de duración, al terminar esta nueva Transformers te queda la sensación de que te han quitado un pedazo de vida. Los efectos y las escenas de acción están bien, pero el guion es increíblemente torpe, estúpido e innecesariamente largo.

La gurú (te necesita)

La gurú, si todo va bien, será un cortometraje en tres partes disponible en Youtube protagonizado por una chica que intenta averiguar qué hay detrás del suicidio de una amiga suya. Ahora mismo está en fase de preproducción, aunque el rodaje se iniciará esta semana. Como es un proyecto independiente necesita una pequeña ayuda a través de crowdfunding. Toda la información al respecto la podéis encontrar aquí, incluido cómo ser figurante en el corto (cuando aparezca la página, clicad en "leer en español", que no os espante el inglés):

http://igg.me/at/laguru

Como os podéis figurar, la razón por la que comento este corto en particular es porque conozco a la gente que hay detrás y me alegra colaborar de cualquier forma posible. También me parece una historia interesante, por lo menos las partes que conozco y que prefiero no "espoilear". Si queréis saber más cosas sobre el proyecto, tenéis la indispensable página en Facebook:

https://www.facebook.com/pages/La-gur%C3%BA/1444585659152936

El director es Bouman, editor de Underbrain, cuyos Bouman Studios ya tienen otros interesantes trabajos que podéis ver en Youtube y en la página del estudio:

www.boumanstudios.com 

https://www.youtube.com/BoumanStudios 

Os dejo con su último trabajo hasta ahora. El cortometraje Suburbio mental (2011).