La orgía de los muertos (Orgy of the Dead)

Esta es una de las pocas películas que he tenido muchas dudas sobre si incluirla en el blog o no. La orgía de los muertos (Orgy of the Dead,  Stephen C. Apostolof como A.C. Stephen, 1965) fue escrita por Ed Wood Jr. y lleva su marca, lo que la hace automáticamente interesante. Al mismo tiempo, tiene momentos en que se hace muy aburrida. Resulta obvio que me he inclinado por escribir sobre ella, ya que es lo suficientemente bizarra como para merecer un sitio aquí.

Bob (William Bates) y su novia Shirley (Pat Barrington) conducen por una solitaria carrereta una noche, buscando un cementerio en el que Bob pueda inspirarse para escribir una novela de terror. Lo que no saben es que esta es la misma noche que las criaturas del más allá, lideradas por el Emperador (Criswell) acompañado de su segunda la gul (Fawn Silver), celebran su peculiar orgía de baile. Bob y Shirley deberán escapar de esta orgía antes de convertirse ellos en las próximas víctimas de las criaturas de la noche.

Dependiendo de la fuente, esta película fue escrita por Ed Wood Jr. para luego adaptarla en novela o fue escrita como novela por Ed Wood Jr. y adapatada al cine por él mismo. Los títulos de crédito indican que es un guion de Ed Wood Jr. basado en su novela, dejémoslo ahí. Pero la implicación de Wood es importante ya que, aunque él no fue el director, este film tiene muchas de las características del cine del maestro del surrealismo torpe, en particular de su etapa de decadencia. Estas características radican en unos diálogos ridículamente absurdos o absurdamente ridículos, la presencia del psicotrónico Criswell y una narrativa bastante torpe. La dirección de Apostolof alcanza grandes niveles de entusiasta incompetencia, así que encaja perfectamente con las otras películas de Wood.

La película fue rodada cuando las nudies estaban ya desapareciendo. La trama es una excusa para presentar los distintos bailes que llevan a cabo bailarinas en topless, una de ellas Pat Barrington que, además de interpretar a Shirley, es la Chica de Oro. Vistas hoy en día, las nudies destacan no por su erotismo (completamente nulo), sino por su ingenuidad y ocasional incursión en el surrealismo. Es el caso de Orgy of the Dead, cuyas escenas de baile resultan demasiado largas y aburridas, sin mencionar que no son precisamente muy excitantes, por muy atractivas que sean las bailarinas (ver tráiler).

Sin embargo, en las escenas entre bailes, la películas deja de ser aburrida para convertirse en una maravilla trash capaz de hacerte caer del sofá de la risa. Esos diálogos, esa interpretación de Criswell, ese hombre lobo levantando la cabeza mostrando donde termina la máscara que lleva... En defintiva, un delirio absurdo que compensa el tedio de las escenas de baile.

La película ofrece tantos momentos álgidos como de bajón, pero los amantes del cine basura y del absurdo deberían darle una oportunidad.

Pánico en la carretera (Retroactive)

De entre los diversos temas propios de la ciencia ficción, los viajes en el tiempo es de los que ha originado películas más distintas entre sí. Un ejemplo de ello es Pánico en la carretera (Retroactive, Louis Morneau, 1997), que usa los viajes en el tiempo para crear una especie de road movie de acción.

Karen (Kylie Travis) viaja por el desierto cuando un accidente hace que se quede sin transporte. Es recogida por Frank (James Belushi) y Rayanne (Shannon Whirry). Todo parece más o menos normal, hasta que Frank se descubre como un violento psicópata, que tras matar a Rayanne se dedica a perseguir a Karen. En su huida, Karen entra en una instalación donde se está llevando a cabo un experimento secreto lo que provoca que, accidentalmente, se vea transportada al pasado. Pensando en que ha recibido una oportunidad para impedir un asesinato, intenta arreglar las cosas, pero solo empeoran. Y con cada viaje al pasado, parecen empeorar más.

Retroactive establece sus sencillas reglas para el viaje temporal de forma rápida, ya que en realidad es todo una excusa para mostrar cada vez más elaboradas escenas de acción, a medida que va avanzando hacia su conclusión.

Los paisajes desérticos son un gran escenario para una road movie y permiten que la película parezca mucho más espectacular de lo que en realidad es. Lo que resulta también importante para que no se haga repetitiva: cada viaje es distinto, aunque involucra a las mismas personas. El principio sí que puede hacerse algo largo, hasta que Karen viaja al pasado, pero es necesario para que podamos conocer a los personajes y su situación antes de que todo se vaya alterando.

Las secuencias de acción y la interpretación de Belushi como pirado asesino son los elementos que hacen de este un film muy entretenido, aunque poco más. Pero la película tampoco quiere ser nada más que eso.

Chocolate

JeeJa Yanin es una estrella del cine de acción tailandesa, cuyo debut fue la delirante e impresionante Chocolate (Prachya Pinkaew, 2008).

Yanin es Zen, hija de un yahuza, Mashashi (Hiroshi Abe) y una mafiosa tailandesa, Zin (Ammara Siripong). Su relación está condenada por el jefe de Zin, así que Mashashi se ve obligado a regresar a Japón y Zin a esconderse. Cuando Zen nace, se le diagnostica como autista, con una inaudita habilidad para imitar y copiar movimientos. Tras ver continuamente películas de artes marciales, Zen no tarda en convertirse en una experta luchadora, lo que le servirá cuando el jefe de su madre regrese buscando venganza.

Chocolate tiene ciertos puntos en común con películas como Merantau (Gareth Evans, 2009), en el sentido que invierten mucho tiempo en los aspectos dramáticos de su historia, haciendo que la acción tarde en presentarse. Pero cuando lo hace, lo hace de forma espectacular. Chocolate contiene impresionantes escenas de acción que van aumentando en complejidad hasta llegar a un tramo final que te deja con la boca abierta. Por desgracia, fuera de Tailandia no se puede ver la versión completa de la película. Esto se debe a que Zen imita a la perfección escenas de acción de Bruce Lee y Jackie Chan, así que originalmente se habían concebido escenas en las que se usaría pantalla partida: en un lado JeeJa Yanin y en el otro el actor al que imita. Por razones de derechos, fuera de Tailandia se tuvo que eliminar todo el material en el que aparece Bruce Lee y Jackie Chan, quedando solo las escenas en las que Zen ve películas de Tony Jaa y sin pantallas partidas. Sin embargo, se puede reconocer el estilo de Lee y Chan en las escenas donde se supone que Zen los imita.

La principal razón por las que estas escenas de acción resultan tan impresionantes es el realismo que transmiten, ya que muchas veces los actores y actrices realmente están llevando a cabo las acciones que vemos en pantalla. En los títulos de crédito aparecen tomas falsas, como en las cintas de Jackie Chan, y se ve que algunos acabaron hospitalizados y Yanin se llevó más de una patada en la cara.

Si sois fans del cine de acción y artes marciales, supongo que ya conoceréis el trabajo de esta actriz, que admito he descubierto recientemente ya que no estoy muy puesto en este género. A los que no la conozcan, os animo a ver esta cinta que resulta espectacular, si tenéis paciencia con las escenas dramáticas.

Effects

 

Considerada perdida durante décadas, Effects (Dusty Nelson, 1980) regresa para inquietar a toda una nueva generación de espectadores. Tras un fugaz pase en diversos festivales, el film de Dusty Nelson desapareció sin haber sido nunca editada en VHS o ningún otro formato doméstico. Y se mantuvo en el limbo hasta que Synapse la rescató del olvido, editandola en DVD en el 2005. Ahora, Agfa la ha editado en Blu-ray.

Normalmente, esta es la parte en la que hago una sinopsis de la película, respondiendo la pregunta eterna que nos persigue a todos: ¿de qué va? Pero creo que la mejor manera de entrar en Effects es sin saber mucho del argumento. Yo no sabía nada de la película cuando apreté "play" y me puse a verla, solo su reputación y su conexión con George A. Romero, lo que posiblemente contribuyó a que la disfrutara más, ya que no tenía ninguna idea preconcebida sobre ella. En este sentido, os recomiendo lo mismo.

¿Y por qué deberías sentir ningún interés en verla? Porque consigue mucho con muy poco. La conexión George A. Romero es que gran parte del personal delante y detrás de las cámaras formaba parte del equipo que Romero empleaba en su etapa como cineasta independiente. Los más reconocibles son Joe Pilato y Tom Savini, que se encargó también de los efectos de maquillaje. Trabajando como actor tenemos a John Harrison, que se encargó de la banda sonora de Creepshow (George A. Romero, 1982) (algo que también hace en Effects) y fue el director de El gato infernal (Tales from the Darkside: The Movie, 1990). Todos ellos acostumbrados a trabajar con pocos medios sin que fuera evidente. Y, en cierto modo, se interpretan a si mismos ya que el film gira en torno a personas haciendo una película de terror de bajo presupuesto. En el audiocomentario cuentan que mucho del equipo que aparece en pantalla era el equipo que ellos mismos estaban usando para rodar la película.

En ciertos aspectos, Effects es un film adelantado a su tiempo. Recursos hoy comunes como el de "una película dentro de una película" eran muy novedosos y no se habían usado mucho anteriormente. También hay otros aspectos que en nuestra sociedad de reality es bastante normal, pero entonces tampoco se había utilizado, más que puntualmente y con otras intenciones.

Estos elementos contribuyen a la inquietante atmósfera que planea sobre toda la película. Este es un film que trabaja el terror psicológico, perturbador. Poco a poco, el espectador se siente atrapado sin saber por qué, hasta que todo explota en el tramo final. Eso significa que aquellos que no tengan paciencia para lo que se llama un slow burn es posible que no disfruten, o no les llame la atención, Effects. Yo disfruto de todo tipo de terror, del más gráfico al más sutil, así que esta película encaja perfectamente con mis gustos. Espero que los vuestros también.

Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle)

 

Ya se ha publicado mi crítica de la nueva Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle, Matthew Vaughn, 2017) en Underbrain Mgz:

https://underbrain.com/cine/kingsman-el-circulo-de-oro/

Estupenda secuela que no supera la original pero mantiene el nivel. Si os gustó la anterior, seguro que la disfrutáis.

El asesino de la isla (The Slayer)

 

Arrow Video ha rescatado del olvido El asesino de la isla (The Slayer, J. S. Cardone, 1981), un antecedente de Pesadilla en Elm Street (A Nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984). Este film de terror estuvo perdido durante décadas en ediciones en VHS censuradas, recortadas y con pésima calidad de imagen y horrendas ediciones en DVD que eran versiones digitales de esas ediciones en VHS.

Kay (Sarah Kendall) y su marido David (Alan McRae) aceptan la invitación de irse de vacaciones a una casa en una isla que les ha hecho Eric (Frederick J. Flynn), hermano de Kay, y su esposa, Brooke (Carlo Kottenbrook). Desde hace un tiempo, Kay sufre de insomnio y terribles pesadillas, así que estas vacaciones son un intento de eliminar estos terribles sueños. Pero cuando los asesinatos empiezan, queda claro que las pesadillas no desaparecen sino que se hacen realidad.

Como he mencionado al principio, el argumento de The Slayer recuerda bastante al de la posterior Pesadilla en Elm Street. Con eso no quiero decir que Wes Craven se inspirara en esta película ni mucho menos, pero resulta interesante que, durante principios de los 80, los sueños y las pesadillas cada vez tuvieran una mayor presencia en el género. Cardone cuenta que la inspiración para su película la obtuvo de los relatos clásicos de H. P. Lovecraft de trama onírica. Como le sucede a muchos protagonistas de los relatos de Lovecraft, Kay nunca es tomada en serio cuando expresa sus terrores nocturnos, hasta que ya es demasiado tarde.

Se ha criticado que el desarrollo de The Slayer es algo lento. Es verdad que Cardone dedica bastante tiempo a crear una atmósfera inquietante y llena de suspense, tal vez más del necesario. Pero, desde mi punto de vista, eso no hace más que las escenas sangrientas tengan un mayor impacto. Si tenemos en cuenta que las interpretaciones son bastante buenas y la solitaria ambientación muy efectiva, los esfuerzos de Cardone en crear esa atmósfera obtienen buenos resultados. The Slayer es un efectivo y logrado film de terror que se merece salir de la oscuridad.

Yo no estaba familiarizado con este film y ha sido todo un descubrimiento para mí. Si también os atraen las atmósferas inquietantes y los terrores oníricos os invito a descubrir si se trata de una pesadilla o es... The Slayer.

IT

Ya podéis leer lo mucho que disfruté con IT (Andy Muschietti, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:

https://underbrain.com/cine/it

Tras la terrible experiencia que fue La Torre Oscura (The Dark Tower, Nicolaj Arcel, 2017), disfrutar de nuevo con una adaptación de una novela de Stephen King en la gran pantalla ha sido maravilloso. En especial, la adaptación de esta novela que es mi favorita. Id todos a verla.

Terror sin fin (Night Terrors)

Como ya mencioné en el artículo que escribí al hacerse pública la muerte de Tobe Hooper, quiso la casualidad que estuviera repasando una de sus menos conocidas películas antes de saber la terrible noticia. Mi interés por este título radica en el conocido hecho de que, a partir de los años 90 y, especialmente, durante el siglo XXI, la carrera de Hooper había entrado en decadencia, consiguiendo sobrevivir dirigiendo episodios de televisión y películas editadas directamente en el mercado doméstico. Tenía curiosidad por ver qué títulos de esta época podían ser reivindicables.

Supe originalmente de la existencia de Terror sin fin (Night Terrors aka Nightmare, 1993) por la revista Fangoria, que por aquel entonces editaba ediciones Zinco. Recuerdo leer una entrevista a Robert Englund a raíz de su papel en este film, adornada con fotografías que despertaron mi interés. Cuando finalmente la encontré en vídeo no me pareció gran cosa, más allá de disfrutar con la poderosa presencia de la actriz protagonista, Zoe Trilling. Viéndola de nuevo ahora, es fácil entender qué me atrajo de este film siendo un inmaduro adolescente y qué no, y qué me atrae ahora como inmaduro adulto y qué no.

El film transcurre en dos momentos temporales. Primero nos introduce a Robert Englund como el marqués de Sade, siendo torturado en una prisión, en algún momento a finales del XVIII y principios del XIX (Sade murió en 1814). Las secuencias de Sade en prisión sirven como contrapunto a la historia del presente, en la que la joven Genie (Zoe Trilling) llega al Cairo para visitar a su padre, el doctor Matteson (William Finley), mientras este lleva a cabo ciertos trabajos de arqueología. Genie se verá pronto involucrada en los aspectos menos sanos de la vida nocturna del Cairo, mezclándose con una secta sadomasoquista encabezada por Paul Chevaller (Englund), descendiente del marqués de Sade.

Queda claro que este no es un film perfecto y creo que los elementos que más me hicieron disfrutar del film puede que descoloquen/no sean apreciados por otros espectadores o personas normales. Se nos presenta a Genie como el producto de una estricta educación religiosa, el siempre genial Finley interpreta a su padre como un fanático religioso algo desequilibrado con afición por las cuerdas, así que la joven se ve más que predispuesta a romper todos los tabúes imaginables. Parte de esta rebelión contra el padre implica tomar drogas, lo que proporciona una serie de secuencias alucinógenas nada despreciables. Además de las alucinaciones, Genie también tiene memorables pesadillas y sueños, enlazados con el marqués de Sade.

Todo ello da como resultado un film que tal vez no es muy impresionante como cinta de terror o thriller erótico, pero desde luego resulta tremendamente entretenido gracias a sus momentos oníricos y asesinatos. Las interpretaciones de Englund y Finley, como siempre, no decepcionan, aunque Trilling no destaque precisamente como actriz. La misteriosa Trilling, también conocida como Geri Betzler, se ha ganado un seguimiento de culto gracias a las diversas películas de terror en las que intervino, aunque se retiró pronto del mundo de la interpretación. No muy hábil como actriz es innegable que, como ya he dicho antes, su poderosa presencia la hace siempre interesante.

Terror sin fin, desde luego, no se encuentra entre lo mejor del director tejano, pero no por ello resulta menos interesante. No lo recomiendo a todo el mundo, pero si la mezcla de alucinaciones, sueños y sadismo os parece atractiva, dadle una oportunidad.

Milano odia: la polizia non può sparare aka Almost Human

 

La reciente edición inglesa en Blu-ray de Milano odia: la polizia non può sparare (1974), bajo su más popular título Almost Human, dirigida por el siempre interesante Umberto Lenzi, es la excusa perfecta para recuperar este violento clásico con una memorable banda sonora de Ennio Morricone.

Giulio Sacchi (Tomas Milian) es un criminal de poca monta cuyo consumo continuado de pastillas y alcohol lo está transformando en un violento psicópata. Tras estropear un atraco, decide que ha llegado la hora de ir a lo grande y, con la ayuda de sus compinches Carmine (Ray Lovelock) y Vittorio (Gino Santercole), decide secuestrar a la hija de un millonario, la pobre Marilù Porrino (Laura Belli). Giulio inicia así una brutal serie de crímenes y asesinatos, ya que está determinado a matar a todo el que se le ponga por delante. El único que se atreve a darle caza es el inspector Walter Grandi (Henry Silva), un policía obsesionado con poner fin a la orgía de violencia de Giulio.

Lenzi, para crear este brutal poliziottesco, usó la influencia del cine negro francés y la mezcló con el inquieto y revuelto ambiente social que, en ese momento, se vivía en Italia. De hecho, los secuestros se habían empezado a popularizar como crimen, de ahí la idea para Milano odia. El resultado final es un film tenso y muy violento, que destaca por las interpretaciones de Tomas Milian y Henry Silva. Aunque, claro, se disfruta más del trabajo de Silva en la pista de audio inglés y del de Milian en la pista de audio italiano, aunque no es suya la voz sino de Ferruccio Amendola, un actor escogido personalmente por Milian.

La principal baza del film es la manera en que Lenzi presenta el rastro de destrucción que va dejando Giulio a su paso. A pesar de ser mostrado como un desequilibrado psicópata, también tiene la astucia suficiente como para burlar los esfuerzos del inspector Grandi para atraparlo, lo cual aumenta la frustración de Grandi hasta conducirlo a llevar a cabo acciones extremas. La espera por el inevitable enfrentamiento entre ambos y por ver qué nueva atrocidad llevará a cabo Giulio llenan de tensión el metraje del film.

En definitiva, un clásico del género, que imagino de sobras conocido por los aficionados, pero que ahora muchos iniciados tienen la oportunidad de descubrir.

7, Hyden Park: La casa maledetta aka Formula for a Murder

 

Hacia mediados de los 80, el giallo de los 70 estaba prácticamente desaparecido, sustituido por imitaciones de thrillers y slashers a la americana. 7, Hyden Park: La casa maledetta (Alberto de Martino, 1985), más conocida por su título inglés Formula for a Murder, es un tardío ejemplo del género, uno de los últimos, además de ser la última película de su director.

Joanna (Christina Nagy) es una millonaria parapléjica que planea donar una fortuna a un instituto para los descapacitados como ella. Joanna acabó en una silla de ruedas tras sobrevivir al ataque de un asesino pederasta vestido de cura. Ahora, empieza a verse acosada por visiones de un misterioso cura. Al mismo tiempo, unos brutales asesinatos empiezan a tener lugar, perpretados por un hombre vestido de cura. Joanna depende más que nunca de la ayuda de Craig (David Warbeck), su en apariencia devoto marido que planea hacerse con la fortuna de Joanna antes de que esta cometa la locura de donarla a beneficiencia.

El film de De Martino adopta ciertas caracterísitcas del giallo, sobretodo a la hora de representar los asesinatos, pero está más en sintonia con las películas de mujeres amenazadas, siguiendo el modelo implantado por películas clásicas como Sospecha (Suspicion, Alfred Hitchcock, 1941) y Luz que agoniza (Gaslight, George Cukor, 1944). El resultado es una interesante mezcla, en la que los motivos psicológicos del giallo, principalmente el trauma del pasado, y visuales, el asesino cuya arma es una afilada navaja de afeitar, se utilizan para crear suspense de manera diferente a la habitual en el género. En lugar de esperar hasta el final, se revela al principio del film el complot entre el personaje de David Warbeck y Ruth, personaje que interpreta Carroll Blumenberg, de manera que la intriga se basa más en temer por la vida de Joanna a medida que el peligro aumenta.

Como suele ser habitual en este tipo de películas, la presentación que se hace de la trama resulta mucho más interesante que la trama en sí, sobretodo si se añaden escenas oníricas a la mezcla como hace De Martino. Tiene momentos interesantes, como un intento de asesinato via orgasmo o los diversos asesinatos de curas, de modo que resulta entretenida de principio a fin. No muy popular comparado con otros giallo, es un título que interesará a los fans completistas.