El almuerzo desnudo (Naked Lunch, 1991) es una de mis películas favoritas, no sólo dentro de la filmografía de David Cronenberg sino en general. Más que una adaptación de la novela homónima del genio William S. Burroughs, Cronenberg mezcla elementos de la novela, de relatos como Exterminador y de la vida del propio Burroughs para recrear en imágenes el universo de este inclasificable autor.
Peter Weller interpreta a Bill Lee, el alter ego de Burroughs (es el seudónimo con el que publicó su primera novela Yonki), encarnando el personaje a la perfección gracias a su peculiar fisonomía. Cronenberg, al igual que hiciera en Videodrome, nos cuenta la historia de una persona que pierde el contacto con la realidad desde su punto de vista. El resultado es una experiencia alucinógena, una película narrada con la lógica de los sueños.
Para comprender plenamente la película es necesario tener ciertos conocimientos literarios y de la biografía de Burroughs pero no son imprescindibles para disfrutarla. Aparecen varias representaciones de autores con los que Burroughs tuvo relación, especialmente dentro de la generación beat: Hank (Nicholas Campbell) representa a Jack Kerouac, Martin (Michael Zelniker) representa a Allen Ginsberg, Tom Frost (Ian Holm) representa a Paul Bowles. También aparecen representaciones de la esposa de Burroughs así como algún amante de su estancia en Marruecos.
Pero repito que no es necesario para disfrutar de la película. Cuando la vi por primera vez sólo conocía un par de novelas de Burroughs y parte de su folletinesca vida y alguna obra de Kerouac.
La película ha tenido una distribución peculiar en España. En Barcelona la vi a mediados de los noventa en un cine de versión original, creo que el Verdi, donde se exhibió por poco tiempo. Luego, los cines Méliès, dedicados al cine de autor, tuvieron a bien de programarla cada verano hasta hace por lo menos cinco años, creo. Luego, en 2007 se estrenó de forma oficial en España, cuando ya había salido en DVD. Y ya que lo menciono, recomiendo la lujosa edición en DVD de Criterion para aquellos que no tengan problemas con el inglés.
Fijaos bien en el tráiler ya que incluye fragmentos de las películas experimentales en las que participó Burroughs en los sesenta y una voz en off que lo imita a la perfección. Es realmente soberbio y sorprendió al propio Cronenberg por su calidad. Si no habéis visto esta película, haceos un favor y vedla ya.
En mi lejano post sobre la serie de televisión Cuentos de la criptamencioné brevemente la serie de televisión Misterio para 3. Uno de los episodios de la primera temporada fue dirigido por David Cronenberg. El capítulo (y resumo esto directamente de los recuerdos que tengo) trata sobre un médico o curandero que tiene unos guantes que pueden extraer cualquier enfermedad de un cuerpo pero que ha de ser traspasado a otro ya que si no el portador de los guantes sufriría la enfermedad multiplicada, esos guantes eran el objeto que aquella semana les tocaba recuperar a sus protagonistas. Cronenberg dirigió este episodio justo antes de dirigir una película sobre unos médicos que, al igual que el curandero de este episodio de Misterio para 3, no estaban muy sanos: Inseparables (Dead Ringers, 1988).
Basada en hechos reales (la historia de los gemelos Marcus), Inseparables cuenta la historia de los gemelos ginecólogos Beverly y Elliot Mantle (Jeremy Irons) cuya relación degenerará de forma progresiva tras conocer a Claire Niveau (Geneviève Bujold) y que Beverly se enamore de ella. Ésta película fue la que hizo que la crítica "seria" viera en Cronenberg algo más que un director de películas de terror y no se cansaron de anunciar que Cronenberg dejaba el género para hacer cine "serio". Nada más lejos de la verdad.
Hasta ahora Cronenberg había mostrado como el cuerpo se rebelaba, como nuestra entidad física podía estar sujeta a degradaciones varias, a mutaciones que la transformaban. Como la mente también actuaba en ocasiones sobre la carne. En este film, sin embargo, Cronenberg muestra una degradación psicológica. Y mientras las transformaciones corporales o las enfermedades podían traer consigo cosas positivas o alcanzar un nuevo estado (superior, inferior o alternativo), la degradación mental aquí mostrada lleva a la destrucción.
El punto de inflexión lo encontramos cuando Beverly se enamora de Claire. Este hecho rompe el equilibrio de la rutina que habían establecido los gemelos, propia de una comedia de enredo, en la que un gemelo ligaba con una mujer y después de intercambiar fluidos se la pasaba a su hermano. Sin embargo, una vez Beverly se implica emocionalmente es como si fuese infectado por una enfermedad. Las emociones actúan como un cáncer que destruye el cuerpo. Las drogas, la heroína se usan como remedios para acabar con esta enfermedad emocional que ha destruido la vida de los hermanos pero lo que consiguen es empeorar la situación.
Beverly es retratado como el gemelo débil y su lento pero continuo viaje hacia la locura es mostrado con gran detalle y cuidado. Destacando el momento en que empieza a diseñar unos instrumentos ginecológicos para mujeres mutantes e intenta usarlos con una incauta paciente. Elliot, por otro lado, se supone que es el gemelo fuerte, el extrovertido. Elliot intenta sanar a Beverly, pero es Beverly el que lo acaba arrastrando consigo, como si la carencia emocional de Elliot, su egocentrismo, lo hiciese más vulnerable a sucumbir ante un súbito ataque emocional.
Cronenberg no había abandonado sus pasiones. Simplemente, en este film hablamos de enfermedades y mutaciones emocionales, mucho más peligrosas que las físicas.
El rencuentro de David Cronenberg con el éxito masivo de taquilla fue La Mosca (The Fly, 1986); la historia del científico Seth Brundle (Jeff Goldblum) que por error mezcla sus genes con los de una mosca común experimentando con la teletransportación para horror de su novia Veronica (Geena Davis).
"La mosca" es el cuento que abre Relatos del antimundo (Nouvelles de l'Anti-Monde, mi edición es de Planeta) una antología de cuentos del escritor francés George Langelaan. El relato fue llevado al cine en 1958 en una película dirigida por Kurt Neumann y protagonizada por el maestro Vincent Price. Esta primera versión es bastante fiel al cuento original e incluso mantiene la nacionalidad francesa de los protagonistas, algo poco habitual en las adaptaciones americanas de relatos extranjeros. La película tiene algunos momentos memorables pero no deja de ser algo tontorrona, cosa que tampoco le quita encanto. Es un buen título para los amantes de la cifi de los cincuenta y fans de Vincent Price (que también aparece en las continuaciones que se hicieron).
A mediados de los ochenta se decidió hacer un remake de la cinta. El proyecto estaba producido nada menos que por Mel Brooks y contaba con un guión original de Charles Edward Pogue. Este proyecto fue ofrecido a David Cronenberg que lo aceptó ya que el guión contenía elementos que él mismo había tratado en sus anteriores films; empezó entonces a trabajar en el guión para acabar de darle el toque definitivo.
La Mosca de Cronenberg es una película de horror. Pero el horror no reside en los ataques de una criatura monstruosa sino en la experiencia que sufre un hombre que ve como se está transformando en un proceso sobre el cual no tiene ningún tipo de control. Como la adolescencia. Al igual que en anteriores películas de Cronenberg, aquí no hay villanos ni personajes malvados, todos se acaban convirtiendo en héroes.
La película destaca especialmente por la representación que hace de la transformación o metamorfosis que sufre Seth. Los efectos de la criatura estuvieron a cargo de Chris Walas, que en 1989 dirigió una segunda parte: La Mosca II (The Fly II), no demasiado interesante.
Esta es una película perfecta para iniciarse en la filmografía de Cronenberg ya que trata alguno de sus temas habituales, como la revolución del propio cuerpo contra uno mismo, y resulta bastante accesible para el neófito. De hecho, si no recuerdo mal, fue la primera o de las primeras películas de Cronenberg que vi.
Hoy es día de fiesta en Barcelona y que mejor manera que pasar un día de fiesta con la clásica opera prima de Joe Dante Piraña (Piranha, 1978). Bueno, en realidad es la primera película que Dante dirigió en solitario, anteriormente había codirigido Esas locas del cine (Hollywood Boulevard, 1976) con Allan Arkush.
Cuando se estrenó Tiburón (Jaws, 1975) de Steven Spielberg, una de las críticas sobre la película decía: "es como una película de Roger Corman pero más grande." Y razón no le faltaba a la crítica, Tiburón es una película de serie B echa con un millones de dólares. Roger Corman también se percató del echo y decidió hacer una copia de Tiburón (no fue el único). Pero en lugar de hacerla con un bicho grande, siendo una producción de bajo presupuesto, se decidió a hacerla con un montón de bichos pequeños. El guión definitivo, después de anteriores intentos fallidos, corrió a cargo del talentoso John Sayles que creó una historia cargada de suspense y con un claro mensaje antibelicista y antisistema. Además, la unión con Dante también proporcionó al guión unas saludables dosis de humor y sátira.
Es el humor y la clara intención de hacer una divertida serie B que han convertido la película en un clásico de culto. Nada más empezar la película se ve a una chica jugando a una máquina electrónica basada en la película Tiburón, un guiño a la película de Spielberg y también una manera de decir: somos conscientes de lo que estamos haciendo. Hay otros detalles curiosos y referencias que pueblan la película (como las extrañas criaturas mutantes en stop-motion que aparecen en un laboratorio o la referencia a La mujer y el monstruo al principio).
La historia, unas pirañas mutantes son accidentalmente liberadas en un río creando víctimas por doquier, está muy bien llevada por el reparto. Bradford Dillman y Heather Menzies encarnan a los héroes de la función: un alcohólico montañero y una detective que busca personas desaparecidas, respectivamente. Son unos héroes relativos a los que las cosas les salen mal y muchas veces llegan tarde para evitar la tragedia, también se hacen bastante simpáticos ya que la relación entre ambos resulta bastante divertida. Entre el resto del reparto encontramos a Paul Bartel, Barbara Steele y habituales en las películas de Dante como el gran Dick Miller, Belinda Balaski y Kevin McCarthy. Todo el reparto sabe interpretar el humor de la película y te ríes a menudo pero también, no hemos de olvidar, hay grandes momentos de suspense y varias sangrientas matanzas cortesía de las pirañas mutantes.
En el momento de su estreno a la Universal no le hizo mucha gracia la película y amenazó con demandar al estudio de Roger Corman (Universal estaba a punto de estrenar la primera de las infumables secuelas que hizo de Tiburón), pero Steven Spielberg, después de ver la película y gustarle bastante, les convenció de que no lo hicieran. Spielberg luego incorporó Dante al proyecto de En los límites de la realidad (The Twilight Zone: The Movie, 1983) junto a Spielberg mismo, John Landis y George Miller. Luego Spielberg puso a Dante al frente del clásico Gremlins (1984). Piraña generó una secuela dirigida en un principio por James Cameron: Piraña II: los vampiros del mar (Piranha Part Two: The Spawning, 1981). Sin embargo, Cameron fue despedido por el productor Ovidio G. Assonitis que dirigió gran parte de la película. En 1995 se hizo una nueva versión directamente para la televisión que vuelve a reciclar las secuencias de pirañas de la película de Dante en lugar de hacerlas de nuevo. Y no podemos olvidar la nueva versión en 3D y pendiente de estreno que ha dirigido recientemente Alexandre Aja.
En todas las críticas y comentarios sobre La Galaxia del Terror (Galaxy of Terror aka Mindwarp: An Infinity of Terror, Bruce D. Clark, 1981) se menciona que la película es una copia de Alien. Es cierto que Roger Corman, ante el éxito que tuvo Alien, decidió hacer una copia barata para aprovechar el momentum creado por el clásico de Ridley Scott pero, por un lado, el argumento de La Galaxia del Terror poco tiene que ver con el de Alien, aparte de la premisa de una nave que responde una señal de socorro proveniente de un planeta extraño, y sí con el argumento del clásico de la ciencia-ficción Planeta Prohibido; el guionista de Galaxy of Terror, Marc Siegler quería hacer una película que recordase a las películas de ciencia-ficción de los cincuenta. Y, por otro lado, el argumento de Alien no es que sea precisamente original, era un argumento común en las películas de monstruos y de ciencia ficción de los cincuenta y sesenta. El guionista de Alien, Dan O'Bannon reconoció no sólo la influencia del relato de A. E. van Vogt El destructor negro sino que dijo, en sus propias palabras, "robé de todo el mundo" (esta declaración la podéis encontrar en la introducción que escribió O'Bannon para el guión original de Alien incluido en el pack Alien Quadrilogy y en la edición especial de dos discos de Alien). Ése "todo el mundo" incluye títulos como El terror del más allá (It! The Terror from Beyond Space, Edward L. Cahn, 1958) y Terror en el espacio (Terrore nello spazio, Mario Bava, 1965).
Donde sí se nota la influencia de Alien es en el diseño de producción, muy influencia por el estilo de H. R. Giger. Curiosamente, el encargado del diseño en Galaxy of Terror fue James Cameron. Cameron fue luego el director de Aliens y se llevó consigo el equipo de efectos especiales de Galaxy of Terror, así como algunas escenas de Galaxy se repiten luego en Aliens.
Galaxy of Terror mezcla elementos de fantasía, ciencia-ficción y terror. La película empieza con El Maestro, un ser que gobierna el Planeta Maestro, jugando un extraño juego con una especie de consejera/hechicera. El Maestro recibe noticia de que una nave se ha estrellado en el lejano planeta Morganthus y ordena inmediatamente que se organice una expedición de rescate. Así, la nave Quest llega a Morganthus para rescatar a cualquier superviviente que encuentren. Pero lo que los tripulantes de la Quest no encuentran supervivientes y sí una serie de horrores que surgidos de su propio inconsciente. Un argumento similar al de Horizonte Final, como ya mencioné en el correspondiente post.
Este film, además, resulta curioso en que su reparto de secundarios es mucho más interesante que los protagonistas: Zalman King, Grace Zabriskie, Robert Englund, Sid Haig. Son personajes que realmente resaltan mientras que los héroes Edward Albert y Erin Moran resultan algo sosos. Sin embargo, si esta película es famosa es por una escena en la que la encantadora Taaffe O'Connell es violada por un gusano gigante. Es realmente el punto álgido de una película llena de muertes memorables.
La película también resalta por la cantidad de cosas que consigue con un presupuesto muy bajo. El talento de la gente implicada consigue que aún hoy día la película resulte entretenida y divertida de ver. Además, el argumento resulta curioso e interesante, e incluso novedoso en aquel momento, influenciado por las teorías freudianas y la idea de que cada uno crea su propia realidad, propia de la New Age y que en aquel momento llegaba al gran público. El director Bruce D. Clark mantiene el suspense, a pesar de que ya sabemos que cuando un expedicionario se quede solo la palmará, y el ritmo constante en los 80 minutos de película.
En 2006 se estrenaba Ellos (Ils, David Moreau y Xavier Palud), una escalofriante, aterradora y angustiante película francesa que cuenta como una pareja es acosada en su casa por unos desconocidos. La película, descaradamente plagiada por Bryan Bertino en la mediocre Los extraños (The Strangers, 2008), es tan efectiva porque representa como una amenaza acecha a sus protagonistas no en un desierto perdido o en una estación espacial sino en su propio hogar. Fue ésta una de las característica más importantes introducidas en el género de terror en los setenta. Recordad, por ejemplo, en La noche de Halloween (Halloween, John Carpenter, 1978) cuando Jamie Lee Curtis grita pidiendo ayuda en la calle para ver como el vecino apaga la luz fingiendo que no oye nada y dejando a la pobre Jamie Lee que se las arregle como pueda. La razón por la que resulta tan efectiva esa escena, y también la película Ellos, es que nos sentimos seguros en nuestro hogar y nuestro entorno.
Es posible que nunca viajemos en una nave espacial y aterricemos en un planeta extraño, que nunca nos veamos atrapados en un castillo gótico sobre el que pesa una extraña maldición pero sí es posible que una noche oigamos a alguien intentar abrir la puerta de nuestra casa. Es posible que te despiertes en mitad de la noche preguntándote si has oído un ruido extraño o sólo lo has imaginado y entonces empieces a oír una respiración pesada que no es la tuya, porque estás solo. O lo estabas.
Neighbor (2009) es una tremendamente sangrienta y brutal película de terror que resulta muy efectiva, no sólo por la sangre que salpica la pantalla sino por la inteligente manera en que está escrita y realizada. Roberto Angelo Masciantonio escribe y dirige este film que cuenta como el destino hace que se crucen los caminos de Don Carpenter (Christan Campbell) y La Chica (America Olivo). La Chica es una peligrosa psicópata que se dedica a ir matando gente indiscriminadamente yendo de casa en casa.
Hay varias cosas que esta película hace bien. Primero, consigue crear unos personajes con los que sentirse identificado. Son personajes de carne y hueso con preocupaciones cotidianas. Segundo, mantiene a La Chica rodeada de misterio. No sabemos su nombre ni por qué hace lo que hace ni de dónde viene ni adónde va. Y ese misterio hace que resulte aterradora como amenaza, al igual que hicieron John Carpenter con Michael Myers en Halloween y Robert Harmon en Carretera al infierno (The Hitcher, 1986), ya que no hay nada que de tanto miedo como lo desconocido. Eso sin mencionar que America Olivo parece muchas cosas pero no un monstruo precisamente.
Neighbor, además, está repleta de homenajes al cine de terror, sólo hay que ver los nombres de los personajes, al mismo tiempo que hace un comentario sobre el género en si mismo. La inversión de roles que hace, convirtiendo al personaje masculino en la víctima y al personaje femenino en el perpetrador del mal, funciona también como comentario sobre los clichés que afectan en ocasiones al género. Asi, La Chica domina a Don y lo que era su espacio vital, ejemplificado esto en la manera como La Chica coge las ropas de Don y las feminiza. El director Masciantonio introduce también un elemento interesante cuando representa como afecta psicológicamente a Don la situación y que hace su mente para intentar soportarlo todo.
En pocas palabras, Neighbor es una interesante y angustiante película de terror salvaje, especialmente recomendable si os gustó Martyrs (Pascal Laugier, 2008).
Harto del mangoneo de estudios y ejecutivos, Rick Jacobson se decidió a hacer un proyecto personal, financiado de forma independiente. Más tarde se puso en contacto con Eric Gruendemann, productor y amigo, y ambos escribieron el guión de lo que sería Bitch Slap.
Filmada con un sano espíritu de pura serie B y de la exploitation más divertida, Bitch Slap está protagonizada por Trixie (Julia Voth), una stripper algo cabeza hueca; Hel (Erin Cummings), fría y calculadora y Camero (America Olivo), una violenta psicópata. Las tres llegan a un remoto punto del desierto llevando en el maletero a un criminal al que han secuestrado para que les diga dónde está un valioso "material". ¿Cómo han llegado allí? Mientras intentan encontrar el material en el desierto, una serie de flashbacks nos van desvelando quiénes son y cómo han llegado allí.
Las intenciones de la película quedan ya plenamente ejemplificadas en la estupenda secuencia de títulos de crédito, en la cual podemos ver, entre otras, a Pam Grier como Coffy, a la protagonista de Thriller y a Betty Page. De hecho, ésta es una de esas películas en las que a los cinco minutos ya sabes si la odias o la adoras.
Mi caso es de los segundos.
Para empezar, el trío protagonista es de los que te deja clavado a la pantalla, pero no son sólo "eye candy", también saben actuar. La película es pura exploitation setentera, concepto que las protagonistas abrazan completamente, siendo las tres tremendamente divertidas soltando unos diálogos absurdos y delirantes, propios de una auténtica serie B. En el reparto también destaca Michael Hurst como el criminal de poca monta Gage que resulta también bastante divertido no repitiendo ningún insulto en sus diálogos, algo difícil de hacer. También destacar los cameos de Lucy Lawless y Renée O'Connor (Xena y Gabrielle respectivamente) que resultan significativos teniendo en cuenta el lesbianismo presente en el film y la verdadera naturaleza de la relación que sus personajes ficticios mantenían en la serie (o eso se rumoreaba siempre).
Dejando de lado el reparto, la película cuenta una historia absolutamente demencial pero de forma interesante. Los flashbacks están filmados usando una pantalla verde a la que luego se han añadido los fondos. La ventaja es que pueden darle amplitud a una historia que de otra manera transcurriría en una misma localización en el desierto. El inconveniente es que la película se ve en ocasiones un pelín artificial, pero como sólo se usa en los flashbacks no resulta un recurso cansino.
Como ya he mencionado la película utiliza flashbacks para contar su historia. Es decir, utiliza la misma estructura que Memento (2000) de Christopher Nolan: mientras la historia A avanza en el desierto, con la tensión subiendo entre las protagonistas, la historia B va retrocediendo en el tiempo, revelando elementos clave que afectan a la historia A.
La película me conquistó con su desvergonzado amor por la exploitation y la serie B. Sus responsables suplen la falta de dinero por una pasión incondicional. Es obvio que se lo pasaron pipa haciéndola, cosa que se nota en los comentarios que hacen por un lado los cineastas y por otro las actrices, ambos incluidos en el DVD. Un título muy disfrutable para los cinéfagos.
Después del festival cárnico de Videodrome, la siguiente película de David Cronenberg fue la sobria adaptación de la novela de Stephen King La Zona Muerta. Fue la primera película en la que Cronenberg sufrió una mayor intervención por parte del estudio y los productores: quería que la música fuera compuesta por Howard Shore pero el estudio le impuso que escogiera un compositor que ya hubiera trabajado con ellos, en este caso Michael Kamen y la primera opción de Cronenberg para interpretar al Sheriff Bannerman, Hal Holbrook, fue desechada por Dino De Laurentiis y se acabó escogiendo a Tom Skerritt.
Como muchos ya sabréis, el film cuenta la historia de Johnny Smith (Cristopher Walken) que tras un accidente descubre que tiene poderes que le permiten predecir el futuro y saber la vida y milagros de toda aquella persona que toca.
La intención original de la novela de King era explicar la historia del asesino de un presidente de modo que uno se pusiera de parte del asesino. Para ello se presenta al futuro presidente Greg Stillson (Martin Sheen) como un peligroso demente y delincuente. El problema con la película es que no crea un fuerte paralelismo entre Johnny y Stillson, además de que Stillson no tiene suficiente fuerza como demente peligroso. Le falta desarrollar más el personaje de Stillson.
Pero la película también tiene cosas buenas. La relación entre Johnny y Sarah (Brooke Adams) está bien construida y es el corazón de un film por lo demás bastante frío; la investigación sobre los asesinatos en Castle Rock también está bien narrada.
Tal vez el problema principal sea que la novela se habría trasladado mejor a la televisión como miniserie, donde se habría podido desarrollar con más tiempo a los personajes. Aunque ahora que lo pienso, sí que hicieron una serie de televisión basada en la novela, serie que duró seis temporadas, pero estaba pensada como serie regular, por tanto se eliminó todo lo relacionado con Stillson y se quedaron con los poderes que Johnny adquiere tras el accidente.
Finalmente, La Zona Muerta queda como un film menor dentro de la filmografía de Cronenberg. Como un descanso entre dos de sus títulos más conocidos: Videodrome (1983) yLa Mosca (The Fly, 1986).
Érase una vez que el insigne Roger Corman se encontraba paseando por los sets de una de sus producciones de bajo presupuesto, cuando se fijó en un decorado que representaba el interior de una nave espacial. Cuando preguntó que iban a hacer con él, le dijeron que iban a destruirlo. Corman, que odiaba desperdiciar, se apresuró a hablar con el entonces editor Allan Holzman y le dijo que si quería convertirse en director escribiese una secuencia y la filmase en el set que iban a destruir el lunes. Tenía que ser una secuencia que pudiese ser usada luego como el inicio de una película de ciencia ficción que luego pudiese tomar cualquier dirección. Holzman lo consiguió y se ganó su derecho a dirigir una película. Esta secuencia es, claro, la secuencia con la que empieza Forbidden World (1982).
Holzman trabajaba en un guión que fuese, en palabras de Corman, "como Lawrence de Arabia en el espacio". David Lean era uno de los directores favoritos de Holzman, así que empezó a construir una historia que se adecuase a esa premisa. Sin embargo, cuando se la presentó a Corman éste dijo que sería demasiado caro y que le hiciese "una copia de Alien." Finalmente se terminó de escribir el guión (atribuido a Tim Curnen, Jim Wynorski y R.J. Robertson, así que no sé quién fue responsable de qué). La producción se titulaba Mutant (título que conservó en su distribución fuera de Estados Unidos, la razón del cambio fue que la mayoría de la gente no sabía que era un mutante, cosa que cambió en unos meses gracias a La Patrulla X pero ya era tarde para la película) y era una producción de muy bajo presupuesto (que ya es decir hablando de una producción de Roger Corman), aprovechando sets de La Galaxia del Terror, el pasillo de las oficinas de la productora New World de Corman redecorados con envases del McDonald's y cajas de huevos y algunas localizaciones en el desierto cercano.
Después de unos demenciales días, la película se terminó de rodar. Holzman la editó y su entonces pareja Susan Justin compuso una pegadiza banda sonora electrónica para la película. Empezaron los pases de prueba.
En un primer pase la gente gritaba de sustos en ocasiones y se reía carcajadas en otras. "Perfecto" pensó Holzman. El director hacía poco que había visto Un hombre lobo americano en Londres (An American Werewolf in London, John Landis, 1981) y le había gustado la combinación de comedia y terror. Así que durante el rodaje fue incorporando muchos elementos de comedia con el apoyo del equipo de rodaje y los actores, que consistían principalmente en la exageración de situaciones absurdas, un robot que no funcionaba demasiado bien o líneas de diálogo hilarantes tras alguna escena sangrienta además de ciertos elementos de sátira. Muy satisfecho por como había reaccionado el público fue a hablar con Corman. Éste estaba furioso. No quería una comedia, quería una película de ciencia-ficción y terror seria. Así que Corman ordenó a Holzman que quitase todos los elementos de comedia, especialmente los que habían obtenido mayores carcajadas. Cosa que Holzman hizo. La película pasó de 82 minutos a 77 minutos. Algunos de los cambios fueron volver a doblar el robot para que se entendiera lo que dice, quitar el Danubio Azul de Strauss usado como contrapunto irónico y eliminar líneas de diálogo que resultasen divertidas.
Pero los intentos de Corman de convertir Forbidden World en una película seria estaban destinados al fracaso. Forbidden World es una película demencial y divertidísima, gracias a las exageraciones que incluyó Holzman. Todo el reparto está bastante divertido. June Chadwick, a la que much@s recordaréis por la serie de culto V, está que se sale como científica devora hombres. Holzman imprime al film de un ritmo acelerado, la película sólo dura 77, y muestra gran habilidad en transmitir mucha información al espectador de forma rápida. Además dota a la película de un gran estilo a la hora de dirigir que hace que destaque por encima de lo que estaba destinado a ser una copia más de Alien. A todo esto se le ha de añadir cantidades ingentes de gore y desnudos gratuitos.
El conjunto es una delicia para cualquier aficionado a la serie B, e imagino que la mayoría debe de haberla visto ya. Si no es vuestro caso, aprovechad para descubrir una auténtica joya. Además, la edición de dos discos en DVD de Shout! Factory incluye el montaje del director titulado Mutant con comentario de Holzman. Eso sí, la cualidad de imagen y audio del montaje del director no es muy buena, básicamente la misma que la de una cinta de vídeo.
Este clásico de la carretera de 1971, dirigido por Richard C. Sarafian, va ganando con el tiempo un estatus de leyenda. Escrita por Malcolm Hart, Barry Hall y Guillermo Cabrera Infante (con el pseudónimo Guillermo Cain), la película ha visto como su protagonista, el conductor Kowalski (Barry Newman), se ha convertido en un símbolo de la rebelión contra las autoridades, de la libertad, aunque su viaje es más existencial que político. Vanishing Point ha penetrado en la cultura popular ya sea a través de las referencias directas como en Death Proof (2007) de Quentin Tarantino o la cita incluida en la canción Breakdown de Guns 'N' Roses. La película formó parte del breve periodo, tras el estreno de Easy Rider, en que los estudios de Hollywood estrenaron películas que se arriesgaban formalmente y dieron libertad a los directores para expresarse artísticamente en un intento de ganar dinero, como lo había hecho Easy Rider a espuertas, atrayendo al público joven que hasta entonces había sido despreciado, al ser considerado poco rentable. De ahí el uso de la palabra "trip" no sólo en el póster sino también en el tráiler.
En realidad, Vanishing Point es la historia de un hombre que se dirige a su muerte. Kowalski empieza su viaje a través de la carretera para entregar un coche y se apuesta que puede llevar el coche de Denver a San Francisco en menos de 15 horas. Empezará así una carrera para cumplir su objetivo que provocará que se enfrente a la policía de carretera, un enfrentamiento que degenerará en una masiva persecución a través del desierto.
A medida que Kowalski avanza por la carretera vamos retrocediendo por su pasado, descubriendo quién es a través de flashbacks que nos llevan a entender sus motivaciones y por qué empieza esta guerra contra las autoridades. Su viaje se llena, además, de los extraños personajes que conoce en la carretera. De estos encuentros destaca el que tiene con una misteriosa autoestopista (Charlotte Rampling) que adquiere un fascinante tono onírico. Por otro lado tenemos a Super Soul (Cleavon Little), un locutor de radio ciego que a medida que va narrando los avances de Kowalski por la carretera va adquiriendo una especie de conexión mística con él.
La película sigue la estela de clásicos como Easy Rider. Buscando mi destino (Easy Rider, Dennis Hopper, 1969) y Carretera asfaltada en dos direcciones (Two-Lane Blacktop, Monte Hellman, 1971) en el sentido que progresivamente va adquiriendo un tono pesimista y melancólico. Kowalski sabe que no podrá huir siempre de la policía pero sigue adelante porque no tiene otro lugar al que ir. Por eso, parece casi como si Kowalski quisiera provocar todo el accidente para que lo atrapen y acaben con su miseria, aunque la película adquiere entonces un tono casi religioso.
El viaje de Kowaslki se convierte en una metáfora de la búsqueda de la libertad, recordad el clima de finales de los sesenta y primeros setenta, mientras se enfrenta a la policía de carretera que pasa a representar La Autoridad y como tal la vemos actuar de forma violenta y brutal para detener al luchador de la libertad Kowaslki que, irónicamente, fue una pieza del sistema como soldado en Vietnam y policía. Fue expulsado de las fuerzas del orden después de que tuviera una revelación sobre lo que estaba haciendo. Y si bien el director escogió un coche blanco para que de esa forma resaltase mejor contra el paisaje desértico y se viese bien, es evidente que el hecho de que sea blanco el transporte de Kowalski hace que se interprete como un símbolo de la pureza y la libertad.
En definitiva, éste film es un clásico que si todavía no habéis visto no perdáis la oportunidad de disfrutarlo. No sólo es una película de contenido existencialista y filosófico, también hay coches que chocan y motoristas desnudas.
Fue una mañana de domingo. Volvía del Mercado de San Antonio con un amigo y al llegar a casa nos pusimos a ver una de las películas que había comprado. Cogí la cinta de VHS y delicadamente la introduje en el vídeo. La película era Videodrome (1983) de David Cronenberg, el film que Andy Warhol calificó como "La Naranja Mecánica de los ochenta". Nos dejó alucinados. Al poco la volví a ver porque no había acabado de entender algunas cosas y desde entonces la he visto docenas de veces. Es una obra maestra de principio a fin que prácticamente dio origen al cyberpunk (movimiento literario dentro de la ciencia-ficción que trata sobre la fusión del ser humano con la tecnología, principal autor William Gibson) y todavía se mantiene vigente. Hay rumores de que se quiere hacer un remake, una empresa completamente suicida: ¿cómo haces una nueva versión de una película adelantada a su tiempo?
Cronenberg mezcla varios temas y conceptos en su película. Protagonizada por James Woods y Deborah Harry, cuenta la historia de Max Renn (Woods), un ejecutivo de un pequeño canal de televisión dedicado a emitir softcore y programas violentos para atraer a la audiencia. Todo va bien para Max hasta que descubre Videodromo: un programa que muestra simplemente la tortura y asesinato de una persona. A medida que Max investiga sobre este programa empezará a experimentar alucinaciones que le harán descubrir una realidad desconocida.
El guión original de Cronenberg era mucho más fuerte en contenido que la película que se acabó filmando. Cronenberg no tenía intención de filmar todo lo que había escrito y teniendo en cuenta las imágenes que pueblan la película uno no tiene más remedio que preguntarse ¿qué demonios se quedó en la página escrita?
LA PANTALLA DE TELEVISIÓN ES LA RETINA DEL OJO DE LA MENTE
Gran parte de la temática de Videodrome gira en torno a la televisión como medio y de qué manera había afectado (y afecta) a la sociedad. La sombra de Marshall McLuhan es alargada en la película, Cronenberg le tuvo de profesor en la universidad y el personaje de la película Brian O'Blivion (Jack Creley en el film, oblivion quiere decir "olvido" pero también se utiliza como término para "la nada después de la muerte") desarrolla teorías basadas en el trabajo de McLuhan. La televisión como medio es vista casi como el siguiente paso evolutivo del ser humano. En un adelanto de lo que serían los actuales reality shows y programas de testimonios, se plantea la idea de que en un futuro todos tendremos una identidad televisiva que sustituirá la real. Es decir, salir en televisión es una manera de asegurarse la existencia. Para ser famoso el único requisito necesario es conseguir salir en televisión, siendo el hecho en si de aparecer en televisión el valedor de una trascendencia y no es necesario ningún mérito especial. De hecho, carecer especialmente de méritos y regodearse en la propia ignorancia o someterse a humillaciones públicas de forma voluntaria, casi exigiendo ser tratado así, puede facilitar la popularidad.
La televisión también se muestra en el film casi como una necesidad social. Se crean centros de ayuda para vagabundos donde se les facilita acceso a un televisor como manera de que puedan seguir formando parte de la sociedad. Es algo parecido a las redes sociales actuales que forman una sociedad aparte de la real. La televisión, además, empieza a adquirir cada vez una mayor importancia en la sociedad. Un juicio televisivo tiene más valor, en ocasiones, que un juicio en los tribunales. Si la televisión te acusa, ya estás condenado.
MUERTE A VIDEODROMO
Otro aspecto interesante del film es la censura y la fascinación por ver "lo prohibido". El canal en el que trabaja Max se llama Civic Tv y se basa en un pequeño canal canadiense llamado CityTV que fue polémico en su momento por emitir películas softcore. Aquellos que vivan en Barcelona recordarán que durante un tiempo disfrutamos de este canal que actualmente se llama 8tv. Igual que su canal de origen, el CityTv barcelonés también emitía películas eróticas softcore pero teniendo en cuenta que otros canales locales emitían películas pornográficas, no es algo que llamase mucho la atención.
Cronenberg se había enfrentado a la censura de forma amarga en sus anteriores películas, así su creación de un grupo de fanáticos para acabar con toda la escoria que ve cosas como Civic Tv parece una pequeña venganza sobre aquellos que intentaron cortar sus películas o lo acusaron de pornógrafo. Este grupo de fanáticos crea Videodromo con el objetivo de hacer limpieza. Como sólo un degenerado podría tener interés en ver un programa como ése, crean un sistema para acabar con todos los degenerados. Por otro lado, en el film aparece una escena en la que Max se defiende por emitir el tipo de programas que emite argumentando que son una manera de que la gente de rienda suelta a sus fantasías de forma inofensiva.
Desde mi punto de vista, ver cierto tipo de películas o escuchar cierto tipo de canciones o leer ciertos libros no tiene porque llevar al asesinato o la locura. Las películas no pervierten a la gente. Sí son estimulantes o catalizadores. Es decir, una persona desequilibrada es posible que acabe cometiendo un asesinato tras ver una película pero la película no es la causante sino la activadora. Si la persona sufre un trastorno grave acabará matando igualmente si no se la trata, independientemente de las películas que vea o la música que escuche. La televisión y las películas son estimulantes en la mayoría de estos casos porque son cosas a las que tiene acceso todo el mundo. Si no existiesen, la gente encontraría otro motivo por el que matar, nunca ha habido escasez de ésos, por desgracia.
LA TELEVISIÓN ES REALIDAD, Y LA REALIDAD ES MENOS QUE LA TELEVISIÓN
La parte más interesante, para mí al menos, de Videodrome es intentar distinguir lo que sucede en realidad de lo que no. La película está contada desde el punto de vista de una persona que se vuelve loca y tiene alucinaciones de forma continua. Por lo tanto, intentar discernir que es cierto desde un punto de vista físico forma parte de la diversión. Mi tesis personal, después de muchos visionados y de darle vueltas, es la siguiente y es sólo mi interpretación, no la verdad absoluta: creo que todo lo que le sucede a Max es real. Tal vez no desde un punto de vista físico, pero sí que las alucinaciones son representaciones exageradas de lo que le sucede en la realidad. Para unos puede que todo sea alucinación y nada sea real; para otros, todo lo contrario. Tendréis que decidir vosotros mismos.
Normalmente no comento películas recién estrenadas pero voy a hacer una excepción con The Runaways ya que, como fan de la banda, hacía tiempo que la esperaba. De hecho incluí un tráiler de la película en el post que hice sobre The Pithace ya un tiempo. Sin embargo, antes de entrar en detalles sobre The Runaways, aclarar una cosa: una película es ficción. Aunque esté basada en hechos reales, aunque cuente la vida de personas que vivieron realmente. Una película es ficción. Puede que este recordatorio os parezca innecesario, pero recuerdo como gente me contaba escenas de The Doors (1991) de Oliver Stone como si hubiesen sucedido realmente. Una película es ficción.
Las auténticas The Runaways
De camino al cine me puse en sintonía con la película escuchando a las Runaways. Personalmente mis álbumes favoritos son los tres primeros: The Runaways (1976), Queens of Noise (1977) y Live in Japan (1977). Por un momento pensé que quizá estaba poniendo las expectativas demasiado altas y que me estaba entusiasmando demasiado provocando que la película me decepcionase. Por fortuna, no fue así. La película dirigida por Floria Sigismondi es un efectivo drama musical sobre unas adolescentes que formaron una banda de rock e hicieron historia.
La película puede que se llame The Runaways pero en realidad cuenta la historia de Cherie Currie y Joan Jett de la misma manera que la película previamente mencionada The Doors no trata sobre el grupo sino sobre la leyenda de Jim Morrison. Al fin y al cabo, la directora Sigismondi basa su guión en el libro que escribió Cherie Currie Neon Angels y Joan Jett es una de las productoras ejecutivas. Y ése es uno de los aciertos de la película, la historia de las Runaways fue corta pero tremendamente intensa y compleja y ya ha sido cubierta en documentales donde se analiza con más calma con aquellos implicados. Así, la película gira en torno a Cherie y Joan, el resto de la banda es secundario y apenas tienen presencia en la película (de hecho, ni siquiera se las menciona en los títulos explicativos finales habituales en éste tipo de películas). A la única que destacan es a Lita Ford (Scout Taylor-Compton en la película) para retratarla como una persona borde y algo envidiosa.
Dakota Fanning y Kristen Stewart son Cherie Currie y Joan Jett, respectivamente. Fanning hace un buen trabajo retratando las partes más angustiosas y deprimentes de las experiencias de Cherie, pero es realmente Stewart la que destaca como Joan Jett, captando a la perfección sus andares y gestos. Ambas también hacen un buen trabajo en el aspecto vocal.
La película retrata al productor musical Kim Fowley (Michael Shannon en el film) como un excéntrico egocéntrico que intenta dar forma y dominar a las Runaways. Fowley forma uno de los vértices de la historia de amor de la película, aunque no es una historia de amor habitual. Joan Jett está enamorada de la música, Cherie está enamorada de la vida de estrella de rock quizá un poco demasiado y Kim Fowley está enamorado de si mismo y quiere ser parte de la historia del rock. Estas son las tres personalidades que entrarán en conflicto mientras van subiendo en las listas de éxitos. Es especialmente interesante la relación entre Joan y Cherie que oscila entre la amistad y el amor aunque nunca se menciona de forma explícita. Sí se retratan sus escarceos sexuales, pero hay ocasiones en que Joan mira a Cherie como si estuviera enamorada realmente de ella más allá de la simple experimentación, casi como hipnotizada por su presencia ya antes de conocerla.
Hay un tema interesante que sólo se toca brevemente pero creo bastante importante. Después de que Cherie se haga unas fotos subidas de tono (rondaba los 16 años), Joan la acusa de que después de eso, nadie las tomará en serio musicalmente. Y no le falta parte de razón: en un principio fueron famosas por ser la primera banda de rock de sólo chicas y por su agresiva actitud sexual, pero tuvo que pasar un tiempo para que fueran reconocidas musicalmente y con el tiempo se convirtieron en una de las bandas más influyentes de los 70. Y he de reconocer que como fan, a pesar de lo que he dicho al principio, me emocioné al ver como se creaba uno de sus mayores éxitos, el gran temazo Cherry Bomb.
Otro aspecto que me pareció interesante fue la representación del tiempo que se hace en la película. Aparece un cartel al principio para situar al espectador en el año que se encuentra y otro casi al final pero los años que forman el cuerpo del film están concentrados y no se da una idea exacta de los años que pasan. Es una manera inteligente de representar como lo viven las protagonistas. Ellas lo viven todo como un continuo acelerado, les pasan muchas cosas que no se paran a analizar como "esto fue este año y esto este otro", es todo un continuo. Así, el indicativo temporal marca el inicio de lo que sería la carrera en solitario de Joan Jett, su camino divergente que la llevaría hacia la gloria.
¿Me gustó la película? Sí, es un film interesante más allá de que cuente de manera más o menos fiel la vida de uno de mis grupos favoritos (aunque soy más fan de la carrera de Joan Jett en solitario). La banda sonora es de orgasmo, claro. Es el tipo de película que se ha de disfrutar loud as f*ck. Eso sin tener en cuenta mi fetichismo personal por las mujeres de mediados de los setenta y aquí pude disfrutar de casi dos horas de extasiantes peinados y vestimentas y zapatos, sin mencionar a las agradables muchachas que los llevan. No sé como será la recepción de esta película en España, ya que tengo la impresión que las Runaways no son demasiado conocidas. Recuerdo que, mientras colaboraba en un programa de radio, llevé un disco de las Runaways para poner al final de mi intervención y los responsables del programa se lo quedaron mirando como si fuera un extraño aparato alienígena y eran los mismos que hacían un programa de música. Mientras hablaba de música con una chica y aprovechaba para mirarle el escote me dijo que era una entusiasta del rock y cuando le mencioné a las Runaways puso la misma cara de ignorancia. Pero, claro, mi experiencia personal es reducida e imagino que debe haber mucha gente ahí fuera que las conoce y, por ejemplo, otra de mis bandas favoritas, Lula, las cita como influencia (y también citan a otro más de mis favoritos: The Cramps (¿que cuántos favoritos tengo? Pues: The Runaways, Joan Jett and the Blackhearts, The Cramps, The Doors, The Shangri-Las y Lula. Ya está)(Oh, y Alice Cooper)). El caso es que creo que es una película interesante aunque no conozcáis a las Runaways.
Dios, ¿no es genial?
Por cierto, después de ver The Runaways fui a ver Resident Evil: Ultratumba (Resident Evil: Afterlife) de Paul W.S. Anderson aprovechando que la daban en el mismo cine en 3D y versión original. Puede que por el tráiler os parezca la típica y tópica película de acción pero en realidad lo es. Mentiría si dijera que no me divertí con la película y me fue bien después de la inversión emocional que había hecho con The Runaways para despejarme un poco pero, con la excepción de Milla Jovovich, las interpretaciones son bastante mediocres y los diálogos ridículos. La película tiene la estructura de un videojuego: te da un punto de partida y un objetivo al que llegar tras pasar una serie de retos y ya está, no hay un argumento realmente del que hablar. Especialmente deplorable es la triste imitación de Matrix que hay (en serio, ¿es que Anderson pensó que no nos acordaríamos después de diez años que incluye una flagrante copia (nada de homenaje) de una de las películas más imitadas y parodiadas de la historia?) cortesía de Shawn Roberts que ofrece sin duda la peor interpretación de la película, de calle, como Albert Wesker. Lo mejor fue el tráiler en 3d que dieron antes de Tron Legacy (mira mi post sobre Tronpara más información). Finalmente, si bebéis un chupito de licor cada vez que uno de los personajes se gira y apunta hacia el espectador con sus pistolas a cámara lenta es posible que acabéis agradablemente borrachos al cabo de media hora.
Esto es mejor que el tráiler de Residente Evil: Ultratumba (y que la película, de hecho)
La entrada de David Cronenberg en los ochenta no podría haber sido más afortunada. Scanners (1981) fue un monumental éxito de taquilla que generó dos continuaciones, un spin-off con sus secuelas (Scanner Cop, Pierre David, 1994) y hay rumores de un futuro remake.
La película cuenta como Cameron Vale (Stephen Lack) es sacado de la calle y reclutado por el doctor Paul Ruth (Patrick McGoohan) para que forme parte de su organización secreta. Allí Cameron descubre que él es un scanner: individuos con poderes telepáticos y telequinéticos. La organización del doctor Ruth lucha contra una organización de scanners malvados que planean dominar el mundo y que son liderados por Darryl Revok (Michael Ironside).
Si bien en ocasiones la película recuerda a un cómic de la Patrulla X, una de las inspiraciones para la película la hayamos en la novela de William S. Burroughs El almuerzo desnudo, en la cual hay un capítulo en el que se habla de una asociación de telépatas malvados que pretenden dominar el mundo. Es posible que otra fuente de inspiración se encontrase en el desastre de la Talidomida en los sesenta. Una de las primeras encarnaciones del guión, titulado Telepathy 2000, data de 1976 y está ambientado en el futuro, siendo más una historia de espías que la aventura de ciencia-ficción que terminó siendo la película. Es posible, y esto es sólo una hipótesis personal, que el estreno de La furia (The Fury, Brian De Palma, 1978) le decidiese a ambientar la película en el presente.
Éste es uno de los films más accesibles de Cronenberg, pero con eso no quiero decir que carezca de interés. Hay diversos de los elementos habituales en el cine de Cronenberg y el hecho de que la película sea accesible (y bastante entretenida) no ha de ser considerado como una búsqueda de éxito comercial, sino que simplemente era el tipo de historia que le interesó contar en ése momento. Uno de los principales motivos por los que me interesa la obra de Cronenberg es que es un director que se mueve por intereses personales, sus películas cuentan las historias que le interesan en un momento particular; motivo por el que su filmografía es de las más sólidas que existen, en la cual son presentes de forma continuada toda una serie de intereses y temáticas.
Desde mi humilde punto de vista, Cromosoma 3 (The Brood, 1979) forma junto a Videodrome (1983) y El almuerzo desnudo (The Naked Lunch, 1991) lo mejor de la filmografía de David Cronenberg hasta ahora. Surgida de unas difíciles circunstancias personales, The Brood es también un film tremendamente angustiante, factor enfatizado por una excelente banda sonora de Howard Shore que marcaría el inicio de una serie de fantásticas colaboraciones.
Parte de la inspiración para la película surge del clásico Planeta Prohibido(Forbidden Planet, Fred M. Wilcox, 1956) pero la fuerza motriz principal radica en el traumático divorcio por el que acababa de pasar Cronenberg y el juicio por custodia subsiguiente. Los factores autobiográficos son fáciles de detectar en esta historia que cuenta como Frank Carveth (Art Hindle) intenta conseguir la custodia de su hija (Cindy Hinds) ya que sospecha que su madre y ex esposa Nola (Samantha Eggar) la maltrata. En realidad no es su madre la que la maltrata sino unas extrañas criaturas de las cuales el doctor Raglan (Oliver Reed, inusitadamente comedido en una excelente interpretación) sabe más de lo que dice.
Nos encontramos con esta película ante una de las características que hace únicas muchas de las películas de terror de Cronenberg: no hay un villano. Es decir, tal y como se entiende el personaje del villano: un personaje que lleva a cabo actos de maldad por el gusto de hacerlo o para obtener un beneficio. Los únicos que podrían etiquetarse de esta forma son el doctor Raglan (que intenta detener lo que sucede convirtiéndose en héroe) y Nora (que no es del todo responsable). En realidad, los únicos personajes que podrían ser considerados negativos son los padres de Nola, causantes de sus traumas.
Cronenberg crea unas efectivas escenas de suspense en aquellos momentos en que muestra el ataque de las criaturas. El film muestra una tremenda habilidad del director para crear angustia en el espectador. Especialmente en la secuencia final. Es también un momento que fue severamente atacado por la censura, ya que muestra el nacimiento de una de las criaturas. Sin embargo, hay un misterio alrededor de la película que se mantiene inexplicado: ¿de dónde surge el absurdo título que recibe la película en España y Francia?
Otro factor que ya es habitual en el cine de Cronenberg es el retrato que hace de una técnica relacionada con la medicina, tratando esta vez una radical terapia psicológica. La película fue creada a finales de los setenta, una década en que empezaron a aplicarse nuevas terapias y se realizaron experimentos psicológicos origen de lo hoy en día se conoce como New Age. Estas técnicas y experiencias tienen su origen en el inédito interés por la exploración interior y uno mismo que surge en los setenta como resultado de las experiencias psicotrópicas de finales de los sesenta.
Cromosoma 3 tiene unas buenas interpretaciones, una gran banda sonora cortesía de Howard Shore y un guión y dirección excelentes por parte de Cronenberg. Ingredientes que hacen de esta película indispensable aunque no seáis fans del genio canadiense.
Nada como una buena y sórdida exploitation setentera para el fin de semana. Pets (1974) fue dirigida por Raphael Nussbaum, el guión corrió a cargo de Nussbaum y Richard Reich adaptando una obra teatral de Reich. Fue protagonizada por una auténtica reina de la exploitation de los setenta: Candice Rialson en el que fue su debut como actriz.
Rialson interpreta a Bonnie, una ingenua y sensual chica que huye de su abusivo hermano, el cual tiene la costumbre de darle una paliza de vez en cuando. En su huida Bonnie conoce a una serie de curiosos personajes. Sus correrías culminarán en cuanto se encuentre con la pintora Geraldine Mills (Joan Blackman) que según el tráiler es una mujer de "extraños deseos y prohibidas pasiones". A través de ella conocerá al marchante de arte Victor Stackman (Ed Bishop), que gusta coleccionar hembras de todas clases y especies.
Irresistiblemente divertida, erótica y psicotrónica, sórdida en un buen sentido, la película oscila continuamente entre la típica fantasía masculina y una manifestación feminista. Aquí radica la inteligencia de la película. Desde el principio se nos representa a Bonnie como una chica de la que se han aprovechado toda la vida y cuando empieza su huida la engañan por su ingenuidad. Es poco después que se ve atrapada entre una feminista y un misógino extremado, ambos se pelean por ella como un objeto al que han de poseer. Ninguno la trata como a una persona. La película muestra aquí un reflejo sobre los cambios que habían experimentado los roles sociales de los hombres y las mujeres durante la década de la revolución sexual y el egocentrismo, punto sobre el cual el film parece concluir que las personas se han de liberar (literal y figuradamente) de los roles que les son impuestos y liberarse para saborear su propia libertad e individualismo. Todo ello aderezado con asesinatos y Candice Rialson paseando su estéticamente agradable anatomía.
En fin, una joya de los "drive-in" de los setenta imprescindible para los fans de esta década. Para los que no estén familiarizados con los placeres que ofrecen estas peculiares películas que no pierdan la oportunidad de abrir sus paladares a toda una nueva gama de sensaciones.
Prácticamente todos los textos críticos sobre David Cronenberg, especialmente aquellos que consideraban Cronenberg un cineasta de segunda por hacer películas de terror y después deInseparables (Dead Ringers, 1988) le consideraron un genio y dijeron que siempre lo habían considerado un genio, califican Fast Company (1979) como una producción que se sale de la filmografía de Cronenberg, una película que no encaja y que fue simplemente un producto alimenticio.
A primera vista puede parecer que este drama con toques de comedia y acción, sobre un conductor de coches de competición, Lonnie Johnson (William Smith), a punto de retirarse que se enfrenta a otro malvado conductor y al traidor agente Phil Adamson que encarna a la perfección habitual John Saxon, es efectivamente una película que no encaja del todo dentro del trabajo de Cronenberg como director. Pero eso no es del todo cierto. Aparte de ser un fanático de los coches y la conducción, Cronenberg también siente fascinación en retratar sociedades subterráneas que se mueven de forma paralela a la sociedad que todos conocemos. Es un tema que ha tratado en Scanners (1981), Crash (1996), eXistenZ (1999) y Promesas del Este (Eastern Promises, 2007). Cronenberg retrata a la gente que se mueve en este mundo de coches veloces de competición como una sociedad aparte con sus propias normas y sus propios códigos.
Ciertamente el tono sí que se diferencia radicalmente del resto de su filmografía. Esto tiene su origen en que después de filmar dos exitosas películas de terror, le apetecía hacer un cambio, salir del género para no sentirse encasillado. Aunque el humor, especialmente la ironía y un humor negro muy seco, siempre han estado presentes en todas sus películas, algo que muchos de los estudiosos de Cronenberg pasan por alto, más centrados en los misterios de la Nueva Carne.
Esta película interesará a los fans de Cronenberg, ya que aquí pueden ver una cara diferente del director canadiense. Para el resto es una curiosa y entretenida película que sirve para pasar un buen rato con un mítico enfrentamiento entre buenos y malos. La edición en DVD a cargo de Blue Underground está bastante bien. Incluye un comentario muy interesante del propio David Cronenberg que tiene un momento tremendamente divertido en el cual Cronenberg empieza hablar de una escena que fue eliminada para que la película fuera apta para todos los públicos, una escena en la cual unas chicas desnudas son cubiertas de aceite de motor por un piloto como previo paso a hacer un trío (momento que también encaja bastante en la filmografía de Cronenberg), y de repente ve extasiado que la escena ha sido de nuevo incluida, y mientras la pantalla la ocupan los pechos cubiertos de aceite de una de las actrices dice: "sin duda, éste es un momento histórico en la historia del cine" y sigue hablando de lo contento que está de que hayan vuelta a incluir la escena. Hay una edición de dos discos de esta película que incluye los primeros mediometrajes que hizo Cronenberg, pero si no fuisteis rápidos en su momento no sé si todavía se puede encontrar (a un precio razonable).
Aparte de su condición de curiosidad dentro del corpus fílmico de Cronenberg, Fast Company fue también la última película que protagonizó Claudia Jennings antes de su prematura muerte en un accidente de coche. Jennings fue de las pocas Playmates, sería mejor decir la única, que tuvo una carrera continuada en cine y televisión principalmente no sólo porque era una atípica belleza sino también porque tenía talento para actuar. En camino de convertirse en una reina del género en el cine, murió justo cuando había vuelto a encarrilar su vida. Había superado sus problemas con el alcohol y dado fin a su tumultuosa relación con el empresario inmobiliario Stan Herman mientras éste seguía casado con Linda Evans. También resulta curioso que después de protagonizar una película con abundantes accidentes de coche muriera precisamente en un accidente de coche. Personalmente, mi fascinación por Claudia Jennings radica como he dicho antes en su atípica belleza, no era la rubiaza vixen habitual en la factoría Playboy, que tenía un toque de tristeza y melancolía. Como si ya supiese lo que le aguardaba el futuro.
Las aventuras de Herbert West se expanden, hasta el momento, a lo largo de tres películas. Encarnado de forma genial por Jeffrey Combs, West es uno de los mad doctors más reconocidos del cine de terror después del doctor Frankenstein. Ambos comparten origen literario, Frankenstein fue creado en la novela homónima de Mary Shelley y Herbert West fue una creación de H. P. Lovecraft en un relato publicado originalmente en seis entregas de febrero a julio de 1922 en una revista humorística y reimpresos posteriormente en la clásica Weird Tales. El relato Herbert West, reanimador es atípico dentro de la producción de Lovecraft por su macabro humor negro. A lo largo de seis capítulos el ayudante y amigo de West relata las diferentes peripecias de ambos jugando con la vida y la muerte. Es curioso que fuera esta narración humorística la primera que se le pagó de forma profesional a Lovecraft y no alguno de sus más famosos e interesantes relatos de horror cósmico y metafísico.
En 1985 se estrenó la ya clásica Re-Animator producida por un trío que daría a los fans diversas alegrías. Hablo, claro, de Brian Yuzna en la producción, Stuart Gordon en la dirección y Dennis Paoli en el guión. Gordon, obviamente, y William Norris también trabajaron en el guión de la que es para mí la película quintaesencial del género en los ochenta. Agrupa todo aquello que hizo de los ochenta una gran década para el terror: humor negro, sangre y gore y una generosa dosis de desnudos proporcionados para la ocasión por la encantadora Barbara Crampton.
Después de un prólogo en Suiza en el cual conocemos al doctor West (Jeffrey Combs), pasamos a la ciudad de Arkham en Massachussetts. En el hospital de la Universidad de Miskatonic, el joven Daniel Cain (Bruce Abbott) está camino de convertirse en un gran doctor y tiene, además, una novia preciosa: Megan Halsey (Barbara Crampton), hija del decano Alan Halsey (Robert Sampson). Todo parece sonreír al joven doctor Cain hasta que decide alquilar una habitación al recién llegado doctor West. West ha inventado un suero capaz de reanimar a los muertos e implicará en sus experimentos a Cain. Sin embargo, ambos cuentan con un poderoso enemigo: el doctor Hill (David Gale). Hill está enfermizamente enamorado de Megan y pretende robar el trabajo del doctor West. Y, por supuesto, los experimentos muy pronto se descontrolarán, especialmente a partir de que el doctor Hill pierda la cabeza.
Para crear el guión de Re-Animator, Paoli, Gordon y Norris cogieron elementos de las diferentes peripecias que Lovecraft ideó y los aglutinaron en una sola trama. Una trama que mezcla elementos grotescos y demenciales con un humor negro soterrado, es decir, que los actores no lo interpretan como una comedia: es lo grotesco de las situaciones lo que te lleva a reír. Para transmitir la comedia también se usa la música. Escrita por Richard Band que para el tema principal cogió un tema tan famoso como el que Bernard Herrmann escribiera para Psicosis (Psycho, Alfred Hitchcock, 1960) y le dio un aire juguetón para indicar al público que no se tomara demasiado en serio lo que iban a ver.
La película se estrenó sin censurar, con lo que fue un gran éxito para su reducido presupuesto pero no se estrenó de forma masiva como las películas que pasan por la MPAA y llevan su sello de calificación. Para su edición en vídeo sí que se hizo una versión censurada que fue calificada para mayores de 18 años por la MPAA y que incluye algunas escenas eliminadas para que su metraje no quedase demasiado reducido. La película por suerte no se censuró para el mercado europeo y nosotros pudimos disfrutar de Re-Animator en toda su sangrienta gloria. Por cierto, debido a su reducido presupuesto se filmó toda la película en estudios pero el excelente diseño de producción de Robert A. Burns te hace creer que fueron a filmar a un hospital real, nada parece un decorado.
La película es merecedora de su fama. Los muertos reanimados con su violenta furia anticipan los zombis veloces actuales. La locura poco a poco va infectando la historia y culmina con un sangriento clímax que incluye uno de los cunnilingus más famosos de la historia del cine. Además es una película que se conserva completamente atemporal gracias a la mezcla de elementos clásicos y modernos. La edición en DVD editada en España está bien, pero por alguna extraña razón colocan todos los comentarios de la edición americana en un disco aparte creando así una falsa edición de tres discos. Yo por eso me quedo con la americana de dos discos que es de zona libre.
En 1990 se estrenó La novia de Re-Animator (Bride of Re-Animator) dirigida por el propio Brian Yuzna y con guión de Yuzna, Rick Fry y Woody Keith.
Después de ocho meses tras la masacre que tuvo lugar en el hospital Miskatonic, los doctores West y Cain regresan para continuar sus experimentos. Esta vez intentaran crear vida construyendo un cuerpo con partes de cadáveres para luego reanimarlo. El policía Leslie Chapman (Claude Earl Jones) les investiga de cerca ya que su mujer formó parte de los muertos reanimados por West. Además, el doctor Hill planea su venganza sobre West.
Yuzna recopiló los elementos de los relatos de Lovecraft que no habían sido utilizados en la primera película por falta de sitio y le añadió un homenaje al clásico de James Whale La novia de Frankenstein (Bride of Frankenstein, 1935). Se conserva el tono establecido en la primera película y se va aún más lejos en lo que a elementos grotescos se refiere. De hecho, la película comienza con la cabeza del doctor Hill flotando en la oscuridad clamando venganza. La relación entre West y Cain avanza y vemos como a pesar de sus intentos por volver a una vida más o menos normal, el doctor Cain se ve continuamente arrastrado y manipulado por West que ahora se dedica a experimentar con partes de cuerpos humanos. La película cuenta con unos fantásticos efectos especiales cortesía de Screaming Mad George y la K.N.B. El primero encargado de los experimentos de West y los segundos de la "novia".
Hoy en día se me hace difícil de creer que pudiese ver esta película en el cine. Actualmente la mayoría de las películas de bajo presupuesto van directamente al DVD, eso si llegan a estrenarse en nuestro país. Pero el verano (creo) de 1990 tuve la suerte de ver esta película en pantalla grande. Y digo suerte porque es realmente una digna continuación de Re-Animator. Conservando el tono de comedia negra y los elementos grotescos, así como a sus protagonistas West y Cain, La novia de Re-Animator no es un refrito de la primera película y hace avanzar a sus personajes y a la historia con elementos del primer film pero añadiendo nuevos. La edición especial que sacó Pioneer en DVD con comentarios, documentales, escenas eliminadas y una versión sin censurar de la película es imposible de encontrar hoy en día a un precio razonable. Aún se encuentran copias que rondan los 100 euros o algo menos pero igualmente caro. Si no encontráis esta edición por internet os podéis comprar la que editó Manga Films en España que no es diferente de las que hay editadas actualmente en otros países.
Dentro del proyecto de la Fantastic Factory se estrenó en el 2003 Beyond Re-Animator de nuevo con Yuzna en la dirección. El guión de Yuzna, Xavier Berraondo, José Manuel Gómez y Miguel Tejada-Flores nos cuenta como el doctor West es encerrado en prisión después de los eventos que tuvieron lugar en La novia de Re-Animator. Una vez en la cárcel continuará con sus experimentos con los muertos y sus intentos de reanimar un muerto que conserve intacta sus funciones cerebrales.
Esta tercera entrega es más floja que las anteriores. Si bien es de agradecer que Yuzna llenase la película de gore como si todavía estuviéramos en los ochenta, la trama resulta algo repetitiva a pesar de la adición de nuevos elementos como una manera de conservar el "alma" de las personas y transferir de una a otra persona su personalidad o incluso entre humanos y animales. Uno de los motivos por los que para mí la película no funciona tan bien es que el tono de comedia resulta más evidente que en las anteriores películas. Jeffrey Combs está fantástico como West, claro, y Simón Andreu se lo pasa teta haciendo de malvado alcaide. Elsa Pataky, normalmente bastante sosa y poco interesante, hace un buen papel en la parte final pero al principio de la película su interpretación es bastante plana. Jason Barry como el doctor Howard Phillips es bastante flojo como el nuevo ayudante de West y te hace echar de menos al doctor Cain de Bruce Abbott. Y la presencia de Santiago Segura molesta más que divierte. Todo esto no quiere decir que la película sea mala, cuando las cosas se descontrolan resulta bastante entretenida pero nunca llega a alcanzar el nivel de calidad de las dos primeras.
Producida por Filmax, no es difícil de encontrar en DVD en España.
Hace un tiempo que se habla de la producción de una cuarta película: House of Re-Animator (de nuevo referencia a un título de la Universal: La zíngara y los monstruos (House of Frankenstein, Erle C. Kenton, 1944). La verdad que tanto el argumento, que sitúa las correrías del doctor West en la Casa Blanca; el reparto, con Jeffrey Combs, Bruce Abbott y Barbara Crampton de nuevo juntos además de incorporar a William H. Macy como el presidente de los Estados Unidos; como el equipo, reuniendo de nuevo a Brian Yuzna, Stuart Gordon y Dennis Paoli; promete bastante. Esperemos que finalmente se ruede y podamos ver otra gran película de Re-Animator en nuestras pantallas.
