Superman II - El montaje de Richard Donner (Superman II - The Richard Donner Cut)

Considerada perdida durante años, el 2006 vio la luz la versión de Richard Donner de la secuela al gran éxito que fue Superman. Todo empezó a mediados de los años setenta, cuando los productores Ilya Salkind y Pierre Spengler decidieron hacer una película que adaptase las aventuras de Superman.

Acostumbrados a las grandes producciones, decidieron contratar a guionistas de primera línea y grandes actores: Mario Puzo, David Newman y Leslie Newman al guión; Gene Hackman, Marlon Brando, Ned Beatty y unos desconocidos Christopher Reeve y Margot Kidder delante de las cámaras. Como habían hecho antes con Los tres mosqueteros, Salkind y Spengler decidieron hacer dos películas que se estrenarían por separado. Al frente del proyecto pusieron a Richard Donner que acababa de triunfar con La Profecía.

Las dificultades y complejidades que representaron los efectos especiales hicieron que el rodaje sufriera continuos retrasos, cosa que provocó no pocas tensiones entre los productores y Donner. Finalmente, se decidió centrarse en la primera película y terminar la segunda más tarde. Otra razón, aparte de los retrasos, era que faltaba un final para la primera y se cogió el de la segunda.

Una vez se estrena la primera y es un gran éxito se empezó a discutir que hacer con la secuela. Los productores decidieron prescindir de Richard Donner y contrataron a un director amigo suyo, Richard Lester, con el que ya habían trabajado antes. Y con esta decisión llegó todo lo malo que tiene Superman II.

Lester era un director especializado en comedias, así que empezó a añadir gags y splastick por doquier, haciendo a los villanos menos amenazadores. Además se hicieron algunos cambios como una nueva secuencia de inicio en París y unos absurdos toques al final, que resultan algo ridículos.

Sin embargo, gracias al DVD, se pudo rescatar el material filmado por Donner: el principio y final original, secuencias eliminadas, además de eliminar la innecesaria comedia que añadió Lester y devolver la dignidad a los villanos. De todas formas, para algunas escenas se tuvo que recurrir a los materiales de ensayos, ya que no se llegaron a filmar en su momento.

De todas las películas sobre Superman que se han hecho hasta ahora, Superman II de Richard Donner es fácilmente la mejor. Principalmente porque presenta una auténtica amenaza para Superman en la forma de los tres criminales huidos de Krypton: el general Zod, Non y Ursa (Terence Stamp, Jack O'Halloran y la bella Sarah Douglas, respectivamente). Es decir, Superman se enfrenta a tres supercriminales que tienen los mismos poderes que él. Algo que no sucede en las otras películas, además de que en ninguna se representa a Lex Luthor como la amenaza que realmente es sino como un villano de chiste.

Tanto si no la habéis visto como si sólo habéis visto la infantil versión de Lester, Superman II de Richard Donner prueba que algunas segundas partes sí pueden ser mejores que las primeras. Este tráiler es de la versión de Lester.

La senda tenebrosa (Dark Passage)

Escrita y dirigida por Delmer Daves en 1947, La senda tenebrosa adapta una novela de David Goodis. La película cuenta como Vincent Parry (Humphrey Bogart) se fuga de la cárcel de San Quintín para demostrar su inocencia y descubrir quién mató a su mujer, con la cual no se llevaba muy bien. Para ello contará con la ayuda de Irene Jansen (Lauren Bacall), cuyo padre murió en la cárcel acusado injustamente del mismo crimen. Parry también recibirá la ayuda de un médico (Houseley Stevenson) que le hará una nueva cara.

La senda tenebrosa fue la tercera película que hicieron juntos Humphrey Bogart y Lauren Bacall. Mi favorita de las películas que hicieron juntos es El sueño eterno (The Big Sleep, dir. Howard Hawks, 1946), con su trama imposible de desentrañar (ni siquiera sus autores fueron capaces de aclararse) y sus antológicos diálogos: 

Bogart: Su hija ha intentado sentarse en mis rodillas mientras yo estaba de pie.

O el famoso:

Bacall: Te has olvidado de una cosa: de mí.

Bogart: ¿De ti? Y tú, ¿qué problema tienes?

Bacall: Ninguno que tú no puedas arreglar.

Además, Lauren Bacall está tremenda en El sueño eterno. Igualmente, también está tremendamente sexy en Tener o no tener (To Have and Have Not, dir. Howard Hawks, 1944). De hecho, suscribo lo que el autor de este vídeo, un tal rameyerguam, dice: cualquier mujer que me hable como habla Bacall en esta película me puede convertir fácilmente en su esclavo:

Entonces, ¿qué motivo me lleva a comentar La senda tenebrosa en lugar de alguna de esas dos? Primero, que no es tan conocida como esas dos. Segundo, la curiosa manera en que fue realizada. En la trama hay un importante giro argumental según el cual Parry se opera la cara, cuando se quita los vendajes nos encontramos a Humphrey Bogart, pero hasta que llega ese momento, en lugar de contratar a otro actor, el director decidió usar la voz de Bogart y filmar a su personaje en una perspectiva de primera persona. Es decir, casi media película la vemos literalmente a través de los ojos de Parry, con la excepción de algún plano general o de situación. El efecto resulta muy curioso, especialmente como resuelven los cortes necesarios disimulándolos con panorámicas y elaborados movimientos de cámara. Hemos de pensar que entonces no tenían ni las cámaras relativamente ligeras de ahora ni la posibilidad de editar con ordenador, se hizo todo a mano, como quien dice. La película tiene además una curiosa escena onírica mientras Parry está anestesiado. Otro detalle interesante es el cuidado que se pone en los actores secundarios. Me llama principalmente la atención una escena en la que Parry está esperando a que llegue un autobús. Mientras espera somos testigos de la minihistoria de amor entre otros dos pasajeros que también esperan para irse e inician una conversación casual.

En resumen, tal vez no sea uno de los grandes clásicos que hicieron Bacall y Bogart juntos pero desde luego es una película interesante cuya manera de contar su historia resulta interesante aún hoy.

El manuscrito encontrado en Zaragoza (Rekopis znaleziony w Saragossie aka The Saragossa Manuscript)

El conde Jan Potocki pasó deprimido la última parte de su vida. Se convenció de que se estaba convirtiendo en un hombre lobo y por ello se encerraba por las noches para no hacer daño a nadie. Finalmente, se suicidó usando una bala de plata en 1815. La única novela que escribió se tituló El manuscrito encontrado en Zaragoza, texto que cargó de elementos místicos y cabalísticos. La novela es la transcripción que hace un soldado napoleónico de un texto que ha encontrado en Zaragoza (el título es una pista). Este texto dentro del texto narra las peripecias del noble caballero Alphonse Van Worden en su camino hacia Madrid atravesando Sierra Morena.

El libro fue adaptado por el director polaco Wojciech J. Has en 1965. Has crea un paisaje místico y fantasmagórico, una España mágica por la que deambulan extraños personajes. El noble protagonista parece encarar tales encuentros con miedo y sorpresa, en ocasiones, otras con simple curiosidad, pero nunca con incredulidad. Es decir, se muestra todo con la misma naturalidad que deberían sentir los españoles de la España profunda del siglo XVIII hacia lo mágico y lo sobrenatural. O al menos ésa es la impresión que me dio. Las macabras experiencias de Van Worden son alternadas con unas peripecias de amor cortesano, que parecen actuar como contrapeso.

Por su exotismo y peculiares imágenes, la película se pasa bastante rápido a pesar de sus casi tres horas de duración. De hecho, en ocasiones tuve la tentación de parar y volver a ver alguna escena o escenario en particular para poder estudiarlo mejor, como si estuviera en un museo mirando cuadros. La película fue restaurada y reestrenada por Martin Scorsese y Francis Ford Coppola, con lo que se puede encontrar en DVD con relativa facilidad.

Doble patada voladora de Chuck Norris

Como muchos nacidos a finales de los setenta y primeros ochenta, conocí a Chuck Norris en las estanterías del videoclub. Al contrario que otros "artistes" del cine de acción como Steven Seagal o Jean Claude Van Damme, no recuerdo que se estrenase ninguna de sus películas en el cine. Tampoco alquilé nunca ninguna película suya, pero sí recuerdo ver un par por televisión. Lo que sí recuerdo perfectamente es verlo en una de las películas clásicas de Bruce Lee: El furor del dragón (Meng long guo jiang, dir. Bruce Lee, 1972). Fue el debut de Chuck Norris en el cine y sale sin barba, con lo que descubrí que Chuck Norris sin barba es clavado a Homer Simpson. Entonces, sólo era otro tipo al que el grandioso Bruce Lee patea los morros.

En cualquier caso, vista la irónica admiración que ha adquirido Chuck Norris a través de internet, pensé que estaría bien echarle un vistazo a un par de películas suyas. Ambas surgieron de la factoría Cannon, una empresa que durante su breve existencia llenó nuestras pantallas y videoclubs de grandes joyas y de grandes mierdas  películas no tan brillantes.

Invasión USA (Invasion U.S.A., 1985): Es películas como esta de donde surgen todos los chistes de Chuck Norris, ya que en ella parece realmente sobrehumano. Dirigida por el experto en exploitation Joseph Zito, que dirigió El asesino de Rosemary (The Prowler, 1981) y Viernes 13: Capítulo Final (Friday The 13th: The Final Chapter, 1984), Norris en persona le metió mano al guión. Eso puede que explique el hecho de que se represente como todopoderoso.

La película resulta bastante divertida por lo tremendamente ridículo de la premisa. Un ruso malvado (Richard Lynch) encabeza un ejército de enemigos de Estados Unidos: rusos comunistas, cubanos comunistas, chinos comunistas y árabes que no son comunistas pero se juntan con comunistas. En total, unas decenas de terroristas que pretenden conquistar todo un país enorme como Estados Unidos. No sé si os habéis fijado pero Estados Unidos es muy, muy grande. No sólo en el mapa, en la realidad también. La idea, por tanto, que un ejército tan insignificante se apodere una potencia de semejante tamaño es ridícula. Pero a mi no me interesa el realismo o lo que es posible o no, en el universo de la película parece que funciona. Los malos lanzan toda una serie de ataques terroristas por todo el país que provocan el pánico en la población que empieza a armarse mientras el gobierno impone la ley marcial. Por fortuna, aquí está Chuck para encargarse del asunto. Chuck Norris sabe dónde estarán los terroristas antes que ellos mismos lo sepan. No es de extrañar que Rostov, el malo principal, tenga pesadillas protagonizadas por el señor Norris. Éste fue uno de los detalles que me divirtió más: el malo tiene pesadillas recurrentes en que Chuck Norris lo persigue y cuando parece que le va a pegar un tiro, le da una patada que es cuando Rostov despierta. En el sueño, Norris dice siempre la misma frase: "es hora de morir". Rostov está tan desquiciado por esas pesadillas que manda un equipo a matarlo al principio de la película que será lo que provocará su perdición al final, ya que es eso lo que hace que Norris empiece a ir tras él. Lo que se diría una auténtica tragedia griega. Aparte de eso, la película tiene otros detalles divertidos como la relación entre Chuck y una periodista continuamente cabreada o como Norris dice frases del estilo: "te voy a dar tantos izquierdazos que vas a suplicar un derechazo". Hay un momento de casualidad cósmica en que Chuck está descansando en un motel viendo La Tierra contra los platillos volantes  echándose unas risas que es justo lo que yo estaba haciendo en ese momento mientras veía su película. Me pregunto si Satán estaba echándose unas risas viéndome ver la peli de Norris echándome unas risas mientras Norris veía otra peli y se echaba unas risas. En cualquier caso, si podéis dejar de lado la política, la película puede ser bastante divertida.


El héroe y el terror (Hero and the Terror, 1988): Esta película dirigida por William Tannen representó un cambio en Norris. Aquí interpreta a un policía que sufre pesadillas (al revés que en la anterior) en las cuales revive la detención que hizo de Simon Moon, un psicópata apodado el Terror. Ese arresto le valió el sobrenombre de Héroe, cosa que a Norris no le gusta porque sabe que la detención fue pura suerte. Cuando Simon Moon escape de la cárcel y empiece a matar de nuevo, el personaje de Norris se enfrentará a sus propios miedos para acabar con Moon. Aquí Norris no es un superhombre invencible, se apoya en un personaje femenino que interpreta a su pareja y fue la terapeuta del personaje de Norris. Con lo cual, la película resulta bastante rutinaria y aburrida. El Norris "normal" no resulta muy interesante y el malo es más aburrido aún, así que sin el incentivo de absurdas hazañas no le acabo de ver el interés a esta película, ya que el argumento no presenta nada nuevo ni ningún giro interesante que no hayamos visto antes. No la recomiendo ver ni para reírse un rato. Tampoco hay violencia ni sangre ni sexo como para mantener las cosas interesantes.

La jauría humana (The Chase)

Dirigida en 1966 por Arthur Penn, La jauría humana (The Chase) es un potente y violento drama coral ambientado en un típico pueblo tejano. Protagonizada por Marlon Brando, Jane Fonda, Robert Redford, Robert Duvall, E.G. Marshall y Angie Dickinson, la película ofrece una pesimista visión del ser humano. El guión corrió a cargo de Lillian Hellman, adaptando la obra teatral de Horton Foote.

Charlie 'Bubber' Reeves (Robert Redford) se ha escapado de la cárcel. Cuando la noticia llega a su pueblo natal, toda una serie de eventos se pondrán en movimiento que culminarán esa misma noche cuando todo el pueblo se vea envuelto en una ola de violencia. Los intentos del sheriff Calder (Marlon Brando) de mantener el control y evitar que las cosas se salgan de madre serán en vano. Con esta trama se crea un fresco que refleja diversos aspectos que conformaban la sociedad de entonces, algunos de los cuales no nos han abandonado.

La película fue realizada en mitad de los sesenta, cuando el cambio del viejo al nuevo Hollywood estaba teniendo lugar. Por primera vez, los grandes estudios empezaban a mostrar la realidad social del momento, algo que los cineastas independientes dedicados a la exploitation llevaban haciendo desde los cincuenta. Es por ello que en el film se hace énfasis en los aspectos sociales que cubre la trama: racismo, la violencia vigilante, la hipocresía y los abusos de poder, principalmente. Otro aspecto que llama la atención es que se empieza a reflejar la revolución sexual de entonces, en el film se muestran adulterios y diferentes relaciones que mantienen los personajes. Si bien no sé si eso está relacionado con la revolución sexual como con el hecho de reconocer que estas cosas han pasado siempre y dejar de disimular en las películas.

Dejando de lado los aspectos sociales, La jauría humana destaca por las potentes interpretaciones de su reparto, que nos sumergen de lleno en una trama que llevada por otras manos corría el peligro de convertirse fácilmente en un melodrama. De entre los muchos e interesantes personajes, para mí uno de los que destaca es el perdedor Edwin Stewart, encarnado por Robert Duvall. Cobarde e hipócrita, intimidado por una mujer que le es abiertamente infiel, su egocentrismo se alimenta de su cobardía al creer que Bubber irá tras él por algo que pasó cuando eran niños. Es uno de los elementos que pone en movimiento situaciones que desencadenarán en la sed de sangre que posee al pueblo. Marlon Brando destaca por interpretar el único personaje sensato de la película, el único que realmente actúa por el bien común. Un personaje diferente de la imagen de rebelde salvaje que parece que se recuerda más. Jane Fonda se encontraba al inicio de su carrera y ofrece una buena interpretación, pero creo que se supera en Danzad, danzad malditos (They Shoot Horses, Don't They?, dir. Sydney Pollack, 1969). 

Intenso y absorbente, éste es un gran clásico sobre lo peor de la naturaleza humana. Está editada en DVD, pero sin ningún extra en ninguna edición.

La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos (A Matanza caníbal dos garrulos lisérxicos)

Hubo un tiempo en que la palabra "freak" no estaba de moda, Eran tiempos en los cuales la única información disponible estaba en los fanzines y las revistas de cine y la única manera de encontrar películas interesantes era ir a lso festivales del género, patearse todos los videoclubs de la ciudad y controlar la programación de madrugada. Hacia mediados de los noventa las cosas cambiaron para bien en su mayor parte. También es durante los noventa que empiezan a producirse en España cortometrajes gore casposos de errática distribución.  Como superviviente de esta época tenemos La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos (1993) dirigida por Antonio Blanco y Ricardo Llovo y escrita por Antonio Blanco.

Influenciada especialmente por la histérica, demencial y gore La matanza de Texas 2 (The Texas Chainsaw Massacre 2, 1986) de Tobe Hooper y otras obras esenciales del gore como 2000 maníacos (Two Thousand Maniacs!, 1964) de Herschell Gordon Lewis, la razón principal por la que esta película se mantiene por encima de la marabunta de cortometrajes gore del momento y las producciones gore realizadas directamente en vídeo de entonces es que es mucho mejor. Yo diría que es incluso superior a la tan cacareada La casa de los 1000 cadáveres de Rob Zombie. En palabras de Antonio Blanco la película es "puro realismo social gallego" y narra como un grupo de adolescentes va a parar a la casa de la familia Machado, a la cual la entrada en el Mercado Común y un exceso de drogas a llevado a la locura. Allí los adolescentes serán víctimas de torturas y asesinados para ser comidos por la familia de matarifes gallega. En el reparto destaca un Manuel Manquiña pre-Airbag, así como la aparición estelar diversas figuras de la movida musical gallega como Def con Dos y Siniestro Total, así como la deseable Silvia Superstar. En la película hay sitio para el humor más cafre y el comentario social, sin aburrir en ningún momento ni resultar cansina en sus momentos gore. Cosa de la que no pueden presumir producciones semejantes del cine alemán.

Antonio Blanco estaba destinado a convertirse en una figura central del friquismo y la serie B española, por desgracia su prematuro fallecimiento truncó una prometedora carrera. La segunda parte, que iba a titularse: La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos 2 - La ciudad no es para mí, se quedó en promesa. Antes del frenesí por las series actual, Blanco escribió Televisión de culto: una guía televisiva que ha sido muy imitada desde entonces. Como murió antes de completarla en su totalidad, diversos colaboradores la terminaron siguiendo la pauta que había hecho Blanco. Los colaboradores fueron: Isabel Andrade, Pedro Calleja, Jordi Costa, Pedro Duque, Daniel Monzón, Jesús Palacios y Manuel Valencia. El libro fue publicado por Glénat.

No se conoce edición en DVD, si la tenéis en vídeo guardadla como un tesoro.

Canción de Siniestro Total para la película.

Curso 1984 (Class of 1984)

Esta película de culto de 1982, dirigida por Mark L. Lester, cuenta las tribulaciones de Andrew Norris (Perry King), un profesor de música que empieza a enseñar en un conflictivo instituto. Allí se enfrentará a la banda de Peter Stegman (Timothy Van Patten), camello y chulo. El enfrentamiento entre ambos irá subiendo de intensidad a medida que Stegman le vaya destrozando la vida a Norris.

Si bien la primera mitad de la película encaja en el género de películas enmarcadas en una escuela con problemas en la que un profesor marca la diferencia, que pasa por títulos muy conocidos como Semilla de maldad (Blackboard Jungle, dir. Richard Brooks, 1955), Rebelión en las aulas (To Sir, with Love, dir. James Clavell, 1967) o Mentes peligrosas (Dangerous Minds, dir. John N. Smith, 1995); la violenta segunda mitad de Curso 1984 (y la razón principal por la que se la recuerda) encaja dentro del género de las películas de venganza.

Lester hace un gran trabajo con los personajes. Norris es un profesor idealista pero no ingenuo, acostumbrado a colegios más normales, cuyo único problema real es Stegman. El cual, por otro lado, no es el típico pandillero: es un niño rico que se disfraza de pobre, dotado de gran inteligencia y un gran talento para tocar el piano. Otro de los personajes interesantes del film es el profesor Terry Corrigan que interpreta el grandioso Roddy McDowall. El profesor Corrigan es un alcoholizado y quemado profesor que en una de las escenas más memorables de la película llega al extremo de dar clase armado con una pistola y aquel que no contesta bien... Mencionar también que Michael J. Fox hace una de sus primeras apariciones cinematográficas, interpretando a uno de los buenos estudiantes.

Lester consiguió un gran éxito con esta película. Para mí, la causa principal de que funcione la película es como Lester empieza de forma completamente realista y poco a poco se va encaminando hacia la hipérbole desmadrada, de forma que no es una brusca transición. En 1990, el propio Lester dirigió una pseudosecuela titulada Clase del 99 (Class of 1999). Ambientada en el futuro 1999, la película muestra el conflicto entre unos estudiantes rebeldes y sus profesores cyborg. Los cyborg se acabarán estropeando y volviéndose locos empezando a atacar a los estudiantes. Esta película fue a su vez seguida de una secuela propia en 1994, titulada Clase del 99: El sustituto (Class of 1999 II: The Sustitute) y dirigida por Spiro Razatos. Ninguna de estas dos versiones futuristas es muy interesante, son bastante rutinarias y aburridas.

En su momento se editó en vídeo, y diría que la han dado por la tele en alguna ocasión hace mucho, mucho tiempo. De importación, Anchor Bay editó una estupenda edición especial.

Debbie Does Dallas Uncovered

Después de pasada la adolescencia, el cine porno fue perdiendo interés gradualmente para mí. Ver una película porno, y quiero decir simplemente ver una película porno, puede ser una experiencia tremendamente tediosa y aburrida, especialmente con las películas producidas después de los setenta y ochenta. Sin embargo, lo que encuentro tremendamente fascinante es el mundo que hay detrás de las cámaras. ¿Qué lleva a una persona a actuar en una película porno? ¿Cómo les afecta psicológicamente? Es por eso que encuentro muy interesantes los documentales sobre cine porno como Debbie Does Dallas Uncovered, dirigido por Francis Hanly.

Perteneciente a las serie The Dark Side of Porn emitida en la televisión británica, Uncovered hace un recorrido por la creación e impacto que tuvo Debbie Does Dallas y qué fue de la gente que participó en ella. Precisamente, uno de los misterios que intenta descubrir el documental es qué le sucedió a su protagonista, Bambi Woods. Después de protagonizar esta película y hacer un par más de apariciones en algún otro título, Bambi desapareció. Mientras que corren insistentes rumores que dicen que la actriz falleció de una sobredosis, otros aseguran que simplemente volvió a su casa para vivir en el anonimato. Lo único que se sabe seguro es que Bambi no volvió a aparecer ante una cámara. Por otro lado, también se analiza el primer motivo por el cual la película saltó a la fama: su productor, un mafioso, fue presa de una espectacular operación del FBI contra la mafia.

La película va analizando diversos puntos interesantes, sin hacer ningún juicio moral lo que le da mayor validez desde mi punto de vista, como la ordalía psicológica que pasó un agente del FBI infiltrado en la mafia; el alto número de sobredosis y suicidios entre los actores y, especialmente, las actrices porno o las dificultades para encontrar trabajo como actor "serio" después de hacer películas porno. Curiosamente, la única actriz ligada a Debbie Does Dallas que acepta hacer una breve entrevista para el documental todavía sigue ligada en cierta forma a la industria del sexo.

Debbie Does Dallas Uncovered es un documental tremendamente interesante, aunque no os interese el mundo del cine porno, por las historias personales que se cuentan en él, así por como intenta desvelar el misterio tras una película que tenía todos los números para ser olvidada y se acabó convirtiendo en leyenda.

Como no he encontrado ningún tráiler, os dejo el vídeo musical que hicieron Rilo Kiley de la canción The Moneymaker, ya que es un tema que también gira en torno al porno. Es como una versión de 12 minutos de Debbie Does Dallas Uncovered.

The Moneymaker Documentary from Miky Wolf on Vimeo.

Ya que estoy, me gusta mucho Rilo Kiley, pero aún me gusta más la carrera en solitario de su cantante, Jenny Lewis. Os dejo una muestra de Jenny Lewis & The Watson Twins.

Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (Paura nella città dei morti viventi aka City of the Living Dead)

Estrenada en 1980, Miedo en la ciudad de los muertos vivientes es otra maravilla que encontré en la estantería de un videoclub, el cual por desgracia cerró hace ya unos años. Ésta fue la primera película que vi entera de Lucio Fulci. Nueva York bajo el terror de los zombis fue mi primer contacto con Fulci, pero hasta años más tarde no la vi en su totalidad.

La película está protagonizada por Christopher George haciendo de Christopher George, en este caso un periodista no muy diferente del policía que interpreta en Mil gritos tiene la noche (creo que hasta fuma el mismo puro); y Catriona MacColl, veterana de las epopeyas zombis de Fulci El más allá y Aquella casa al lado del cementerio. Los tres films comparten no sólo la presencia de la estupenda MacColl, sino que los tres se inspiran en los relatos y el universo de H. P. Lovecraft. Por ejemplo, la ciudad del título se llama Dunwich, sacada del relato del maestro de Providence El horror de Dunwich.

MacColl es una médium que durante una sesión le da un yuyu y se queda  catatónica. Cuando despierta en su tumba, Christopher George la oye gritar y la saca. Entonces ambos irán a Dunwich, para averiguar que hay de cierto en las visiones de MacColl. Paralelamente, en Dunwich se han producido toda una serie de extrañas muertes, asesinatos y fenómenos sin explicación que tienen a la gente con "el ai al cor".

Yo no sé si, antes de ponerse a rodar, el guión de Fulci y Dardano Sacchetti tenía sentido y durante el rodaje fue cambiando, pero lo cierto es que la primera vez que vi la película hubo cosas que se me escaparon. Luego, tras muchos visionados me he dado cuenta de que no, que lo que pasa es que son cosas que no se explican y se dejan en el aire. Lo cual es fantástico, porque así puedes crear tus teorías sobre por qué pasa lo que pasa. Lo que sí que queda muy claro son las muertes hipergore marca de la casa. La que más me impresionó la primera vez que la vi es una en que a la víctima en cuestión se le empiezan a salir las entrañas por la boca.

Imprescindible para los fans de Fulci, es una maravilla de principio a fin. Recomiendo ver ésta, El más allá y Aquella casa al lado del cementerio seguidas. Ya no veréis el mundo de la misma manera.

Apocalipsis Caníbal (aka Virus aka Hell of the Living Dead)

Desde el rincón más polvoriento del videoclub llega... ¡Apocalipsis Caníbal! Dirigida en 1980 por Bruno Mattei, con el pseudónimo Vincent Dawn, esta casposa coproducción hispano-italiana de zombis nos presenta el habitual argumento de un producto químico que se escapa y convierte a la gente en muertos vivientes devoradores de carne. 

Los exteriores del film fueron filmados en Barcelona pero la película se supone que transcurre en Papua Nueva Guinea. He vivido toda la vida en Barcelona y creedme si os digo que no se parece en nada a Papua Nueva Guinea, de verdad. Para conseguir tal efecto se aprovechó un documental del cual se insertaron pedazos; el efecto resulta poco creíble como os podéis imaginar. Y, por cierto, si hay alguien que sea habitual de la playa nudista Mar Bella, puede que ciertas zonas le resulten familiares. No fue el único reciclaje que se llevó a cabo, también se utilizó la música que Goblin compuso para la versión europea de Dawn of the Dead de George Romero que produjo Dario Argento y que se estrenó como Zombi.

El nivel de ineptitud de los actores es bastante destacable, con dos excepciones: Franco Garofalo, actor italiano de carácter, y la deliciosa actriz italiana Margit Evelyn Newton, que parece francesa porque todo el rato habla poniendo boquita de piñón. Si bien el guión es algo torpe, tiene la suficiente inteligencia para conseguir que de manera justificada la Newton se pase un buen rato en topless.

Bruno Mattei declaró que el guión que tuvo que acabar filmando fue el que menos le gustaba, tal vez por ello no se esforzó en darle coherencia, pero sí que se centró en la parte que se recuerda más de la película: el gore. La película contiene diversas escenas sangrientas que ponen a prueba el estómago del espectador; también hay algunas escenas de vómitos, para darle color. Por cierto, en una escena, Gabriel Renom (Max en la película) vomita de la forma más extraña que he visto nunca en una película. ¿Es posible que Renom no hubiese vomitado nunca en su vida y no supiese cómo fingirlo?

En resumen, Apocalipsis caníbal es una divertida y casposa película de zombis que puede haceros pasar un buen rato con sus absurdidades y sus torpezas. Os dejo aquí el tráiler, que también tiene su gracia. Me encanta cuando dice: "el sangriento suceso ocurrió... mañana mismo"

La última cena (The Last Supper)

En esta comedia negra escrita por Dan Rosen y dirigida por Stacy Title en 1995, cinco universitarios de izquierdas celebran  unas cenas los domingos en las cuales traen a un invitado para discutir sobre la vida, el universo y todo lo demás. Una noche, uno de ellos trae a cenar a la persona que lo ha recogida después de que su coche se estropeara. Esta persona resulta ser un facha y, durante una pelea, acaba muerto. Después de procesar el trauma, deciden convertirlo en una costumbre: traerán a una persona de derechas e intentarán convencerla de que sus opiniones son erróneas y si la persona se mantiene en sus trece, la matan usando veneno.

Los estudiantes están interpretados por Cameron Díaz (antes de que la convirtieran en Cameron Díaz), Ron Eldard, Annabeth Gish, Jonathan Penner y Courtney B. Vance. Para los invitados a cenar la película cuenta con cameos de actores como Charles Durning, Mark Harmon, Bill Paxton y un mefistotélico Ron Perlman.

La película resulta interesante no sólo por la trama principal de suspense, sino especialmente por el desarrollo dramático de los personajes. Como cada uno de los cinco se va viendo afectado por cada muerte de forma diferente y como exteriorizan el proceso. Especialmente como racionalizan lo que están haciendo, al fin y al cabo, son los buenos, ¿no? Nietzsche escribió: "cuidado aquel que lucha contra monstruos, no se acabe convirtiendo el mismo en un monstruo". Es básicamente lo que les sucede a algunos de ellos. Otros lo expresan a través de su arte o de sus aficiones.

Por otro lado tenemos el aspecto político del film. Vivimos en una época de tertulias televisivas y de debate político que ya no es una discusión entre diferentes ideologías sino una simple pelea para imponer la opinión de uno sobre la de otro que no piensa como tú. Las ideologías han perdido peso en la política, parece ser que se trata de mantenerse en el poder más que realizar verdaderos cambios. En la película se analizan no tanto los diferentes argumentos como la forma en que se representan o que se hace en su nombre.

Esta es una pequeña joya que descubrí hace tiempo gracias al Canal + puede gustar a aquellos que simplemente quieran ver una comedia negra con toques de suspense, a los que les interese el drama psicológico y a los interesados en el cine político. Por suerte para mí, me interesan los tres aspectos.

Mil gritos tiene la noche (aka Pieces)

¿Cómo resumir en pocas palabras la exquisita locura que es Mil gritos tiene la noche (1982)? ¿Cómo hacer justicia a lo totalmente demente y absurda que es esta obra de arte? Mil gritos tiene la noche es todo eso y mucho más. Eli Roth dijo de ella que era todo lo que deseabas ver en una película de terror. Sin olvidar que posiblemente tenga uno de los mejores finales de la historia del cine.

El año de Naranjito, Juan Piquer Simón, el pope de la serie B y la exploitation patria, dirigió esta joya indiscutible. Simón transformó un típico argumento slasher cortesía de Dick Randall y Joe D'Amato, otro al que hay que darle de comer aparte, y con su particular genio la convirtió en una bizarría sangrienta sin igual. No contento con ello, cuando Piquer vio que no tenía bastante material para un largometraje le añadió escenas sin ninguna relación para, en sus palabras, "contribuir a la locura que es la película".

La película está ambientada en una universidad en la que todos los alumnos están ya talluditos. Es como la universidad donde fueron todos Al salir de clase. Pero si hay alguien que es dolorosamente mayor para interpretar su papel es Linda Day George que interpreta a una inspectora de policía campeona de tenis que se infiltra en la universidad como estudiante. Parece ser que era la esposa de Christopher George que en la película interpreta a otro policía. La actriz, que tenía 38 años en el momento de hacer la película pero parece mayor, protagoniza uno de los momentos interpretativos más sublimemente ridículos del film. Otro del reparto que destaca es Paul L. Smith. A lo mejor cuando lo veáis os decís: "este tío se parece mucho a Bud Spencer". Y eso hacía, protagonizaba imitaciones (más) baratas de las películas de Bud Spencer y Terence Hill; también hizo un papel secundario en El expreso de medianoche de Alan Parker. Finalmente destacar del reparto a Leticia Marfil que interpreta a una de las víctimas. Parece ser que fue recomendada para el papel por su madre, Mercedes Marfil, encargada del vestuario. Si bien su papel es muy breve, resulta en una de las escenas más memorables de la película y el aftermath de la misma es de las imágenes más reproducidas de la película.

Cuando se estrenó en Estados Unidos, la película arrasó colocándose por encima de El retorno del Jedi. Se cambió el título por el contundente Pieces y se estrenó sin censurar, lo que contribuyó seguramente a su éxito. Realmente, Mil gritos es uno de esos fenómenos irrepetibles propio de una época pasada. Es también por ello que su popularidad se ha mantenido, especialmente en el extranjero. Curiosamente, encontré una crítica americana en la que el redactor aseguraba que ver la película en inglés enfatizaba el factor hilarante y que en castellano la película se podía tomar un poco más en serio. A mí me pasó justo al contrario, ver la película en su versión castellana aumenta el facto hilaridad gracias a unos diálogos ridículos ejecutados por actores de doblaje no muy talentosos. También es interesante comparar las dos pistas ya que la música es diferente: en castellano podemos oír la música de Librado Pastor; como a los distribuidores americanos no les gustó se decidieron por la música de Cam para la versión americana. Ésta es una compañía que ofrecía música gratuita procedente de una amplia librería a cambio de conservar todos los derechos sobre la comercialización de la banda sonora.

En resumen, Mil gritos es un delirio total que hay que ver para creer. Lo mejor para ello es simplemente dejarse llevar y olvidarse de la lógica. Como mirar un cuadro abstracto.

Phantasma - Apocalipsis (Phantasm IV: Oblivion)

En 1998 Don Coscarelli escribió y dirigió la que, hasta ahora, es la última entrega de la serie: Phantasma - Apocalipsis (Phantasm IV: Oblivion). Para esta última entrega Coscarelli se vio ante dos posibilidades: contar con un buen presupuesto y hacer una película que fuese más accesible o autofinanciarse y hacer una película para los seguidores de la serie. Por fortuna, Coscarelli optó por la segunda opción; Phantasm IV es una película que está hecha exclusivamente por y para los fans. Y digo "por", porque, como ya he dicho, la película fue producida por Coscarelli y A. Michael Baldwin y no tenían mucho dinero para efectos especiales, la prestigiosa KNB, en concreto Greg Nicotero, ofreció sus servicios sólo por trabajar con Coscarelli en otra película de la serie Phantasm.

La película es un retorno a los orígenes en más de un sentido, ya que Coscarelli utilizó metraje filmado en 1978 en esta entrega. Y cuando digo metraje de 1978 no estoy diciendo que utilizase parte de la primera película como flashbacks, sino material totalmente inédito. Debido a la peculiar naturaleza del primer film, hubo mucho material que Coscarelli no utilizó para enfatizar la atmósfera onírica y pesadillesca, así como un final alternativo. Todo este material inédito fue perfectamente integrado en la historia de esta cuarta entrega ya que Coscarelli trabajó con él en mente, así A. Michael Baldwin es el primer actor en la historia del cine que interpreta un mismo personaje en edades diferentes en la misma película sin trucos de maquillaje. Es él de joven y es él de adulto. Esto le añade mucho realismo, un término extraño hablando de Phantasm, y hace que no te salgas de la historia. Es la ventaja de ser fiel a los actores.

Como es tradición, la película empieza en el mismo momento que terminó la anterior, por eso no entro en mucho detalle. Para contar con un bajo presupuesto la historia es bastante ambiciosa: mientras Mike (A. Michael Baldwin) se enfrenta a El Hombre Alto (Angus Scrimm) en una batalla mental a través del tiempo y las dimensiones; Reggie (Reggie Bannister) y Jody (Bill Thornbury) lidiarán con las consecuencias de la presencia de El Hombre Alto en nuestra realidad.

Como fan absoluto de la serie disfruté mucho de la película y me dejó deseando que Coscarelli haga otra entrega más. Por en medio se quedó el proyecto de hacer una entrega épica con Roger Avary (otro fan de la serie). Supongo que como Coscarelli anda ocupado ahora con su nuevo éxito Bubba Ho-tep, aún tendrá que pasar bastante tiempo antes de volver a ver a las esferas plateadas de nuevo en acción, pero no pierdo la esperanza.

Si no conocíais esta serie de películas espero que también os hagáis fans.

Phantasma - El Pasaje del Terror (Phantasm III: Lord of the Dead)

Phantasma - El Pasaje del Terror fue la última entrega que se estrenó en cines. Concretamente en 1994. Recuerdo perfectamente la anticipación que me entró cuando empecé a ver los carteles por el metro anunciando la película, porque la segunda entrega dejó el listón bien alto. De nuevo, la película empieza en el momento exacto en que terminó la anterior, con la novedad de que tenemos a A. Michael Baldwin de nuevo en la piel de Mike y también vuelve Bill Thornbury como Jody. El resto del reparto permanece: Reggie Bannister como Reggie y Angus Scrimm como El Hombre Alto.

Coscarelli quiso reintroducir un elemento infantil como en la primera entrega con el personaje de Tim (Kevin Connors), un niño que sobrevive solo después de que El Hombre Alto haya diezmado la ciudad en que vivía. Creo que en su momento no me llamó la atención, pero revisionando la película he de decir lo chocante que me ha resultado ahora ver a un niño despachar alegremente a varias personas. No sé exactamente a que se deberá, tal vez a los casos de violencia juvenil que hemos tenido durante el último par de años o así. Pero no deja de ser curioso. A lo mejor sí que es cierto que me estoy haciendo mayor.

Volviendo a la película, en esta entrega sí que se hace necesario haber visto las anteriores porque la película no tiene mucho sentido de otro modo. Para poder comprender las motivaciones de los personajes o entender porque resulta interesante el estudio que se hace de las esferas voladoras. Comparada con las anteriores, la película resulta algo floja, particularmente porque se hace más énfasis en la acción que en el suspense y el terror. A pesar de ello, resulta bastante digna y no deja de ser entretenida. Es como un capítulo flojo de Perdidos, que resulta flojo comparado con lo anterior pero no deja de ser mejor que grandes capítulos en otras series.

Phantasma II - El regreso (Phantasm II)

Casi diez años después del estreno de la primera entrega de la serie llegó Phantasm II, esta vez con el apoyo de una major detrás. El éxito de Phantasma debió de ser tremendo para interesar a un gran estudio después de tanto tiempo para hacer una continuación. Por lo menos en España debió de serlo porque cuando se estrenó una versión más corta de la adaptación televisiva que dirigió Tobe Hooper de Salem's Lot en cine, lo hizo con el título de Phantasma II; de ahí que se añadiese el regreso en el título en castellano cuando se estrenó la verdadera secuela. Con dos grandes nombres del terror como son Tobe Hooper y Stephen King, alguien decidió que era mejor promocionarla como la continuación de una película con la que no tenía ninguna relación. Spain is different, desde luego.

Volviendo a la película de Coscarelli, el hecho de encontrarse de pronto en las garras de un gran estudio provocó no pocos problemas a Coscarelli, acostumbrado a la libertad de las producciones de bajo presupuesto. Para empezar impusieron al actor Jamer LeGros como protagonista sustituyendo a A. Michael Baldwin. Aparentemente, LeGros iba a convertirse en el próximo Tom Cruise y el estudio lo quería como protagonista. El estudio se equivocó. Además, habían llevado a cabo unos estudios de mercado según los cuales a los espectadores no les gustaban las escenas oníricas y no entender lo que pasaba en una película. Básicamente, las claves del gran éxito de Phantasma.

A pesar de la presión para hacer una película que fuera más digerible para un público mayoritario, Coscarelli logró crear una gran continuación para su película. Arrancando justo donde termina la primera entrega, se nos cuenta como continua la lucha de Mike (James LeGros) y Reggie (Reggie Bannister) contra El Hombre Alto (Angus Scrimm). A nuestra pareja de anti-héroes se le añadirán nuevos personajes y vuelven las temibles esferas voladoras con nuevas habilidades.

Phantasma II, aunque más orientada hacia la acción no abandona el terror y el suspense. Es un viaje en montaña rusa que, al igual que la primera, no da un momento de respiro. En algunas críticas he leído que Phantasma II es a Phantasma lo que Aliens fue para Alien. Es bastante acertado, en el sentido que la segunda parte expande el mundo y la mitología que se presentaba en la primera.

Una gran continuación.

Phantasma (Phantasm)

Escrita y dirigida por Don Coscarelli, Phantasma es un clásico de culto con una atmósfera cautivadora y un villano memorable conocido simplemente como El Hombre Alto, cuyas armas, unas esferas de apariencia plateada que dentro contienen cuchillas y otras armas, son casi tan recordadas como él mismo.

Filmada entre 1976 y 1977, la película no se estrenó hasta 1979, en plena fiebre post-Halloween. Algo que seguramente jugó a su favor, ya que no hay nada más alejado del slasher que esta pesadilla que no da un respiro al espectador. Coscarelli llena su película de sustos y escenas oníricas, de modo que uno no sabe que es real y que no o si hay algo que lo sea. Y el mérito de la dirección de Coscarelli es que el espectador no se cansa en ningún momento a pesar de los continuos sustos porque tanto la historia como los personajes te implican en la trama. Además, Coscarelli filmó la película con un presupuesto muy bajo y a pesar de ello consigue conjurar fantásticas imágenes.

La historia empieza con el pequeño Mike (A. Michael Baldwin), que teme que su hermano mayor le abandone y le deje viviendo con su tía, ya que sus padres murieron hace tiempo. Jody (Bill Thornbury), el hermano de Mike, sólo ha regresado a la ciudad para asistir al funeral de un amigo suyo. Es durante este funeral que Mike observa algo extraño mientras espía a su hermano: el misterioso encargado de la funeraria levanta él solo el ataúd sin ayuda de nadie. Mike se lo cuenta a su hermano pero este no le cree. Sin embargo, a medida que los sucesos extraños se van acumulando no le quedará otra que aceptar el hecho de que algo extraño sucede en la funeraria Morningside. Con la ayuda de Reggie (Reggie Bannister), heladero y amigo de Mike y Jody, se enfrentarán al misterioso Hombre Alto (Angus Scrimm).

Phantasm, un caso de amor a primera vista

Vi por primera vez Phantasma a la tierna edad de doce años con unos amigos. Nada más ver la carátula de la cinta de vídeo supe que tenía que ver esa película. El impacto fue mayúsculo, ni yo ni mis amigos estábamos preparados para semejante asalto a los sentidos. Empezando por la evocadora y misteriosa música de Fred Myrow y Malcolm Seagrave, la primera y tremendamente desconcertante primera escena o la inolvidable aparición de las esferas asesinas; Phantasma permanece como una de mis favoritas, sin perder nada de fuerza a pesar de los años que tiene.

Don Coscarelli creó una película que aún hoy destaca por su colorido y derroche imaginativo, la primera de lo que sería una serie de cuatro películas escritas y dirigidas por él, que conforman una única y gigantesca historia. Esperemos que el éxito de Bubba Ho-tep le permita dirigir otra película más de la serie.

Un último detalle. Si habéis visto Arrebato de Iván Zulueta recordaréis que, al principio de la película, el personaje de Eusebio Poncela va en coche a casa. Pues en un momento se puede ver como el coche pasa por una marquesina de cine donde se proyectaba en aquel momento Phantasma. Que diréis que es pura casualidad, pero teniendo en cuenta la naturaleza de ambas películas no me parece tanta casualidad.

Torso: violencia carnal (I corpi presentano tracce di violenza carnale aka Torso)

El giallo, como muchos ya sabéis, es donde se halla la semilla del subgénero que hoy conocemos como slasher. Bob Clark dirigió la seminal Black Christmas (1974) inspirado por estas películas puramente italianas, Black Christmas y los giallos fueron también la base sobre la cual John Carpenter creó La noche de Halloween (Halloween, 1978).

Un gran ejemplo de giallo, y que ejemplifica muy bien su influencia en el slasher, es la película de 1973 Torso (I corpi presentano tracce di violenza carnale) de Sergio Martino. La película está protagonizada por Suzy Kendall (con la que comparto cumpleaños), que también aparece en la película que inició el giallo moderno: El pájaro de las plumas de cristal (L'uccello dalle piume di cristallo, 1970) la primera película y primera (de muchas) obra maestra de Dario Argento. En esta ocasión, Suzy Kendall es Jane, estudiante de arte. Una de sus compañeras de clase es asesinada junto a su novio cuando estaban discutiendo de filosofía en un coche. La policía advierte a la clase que todos han de estar atentos a cualquier cosa extraña que detecten. Para alejarse del peligro, Jane y unas amigas deciden pasar unos días en la casa que tiene una de ellas en el campo, sin saber, claro, que el asesino las está siguiendo.

Como es habitual en el giallo, Martino llena la película de sospechosos y de pistas falsas para que el espectador no entienda nada hasta la resolución final. Y es por ello que la película, como todo buen giallo, se llena de historias y personajes que tal vez no lleven a nada, pero que la enriquecen llenándola de detalles curiosos, morbosos y lujuriosos. Los asesinatos son brutales y sangrientos como era habitual en la época, llevados a cabo por un asesino enmascarado que sustituye la habitual cámara subjetiva. La película alcanza grandes dosis de tensión y suspense en la parte final que transcurre en la casa de campo, por lo que la primera mitad más detectivesca vale la pena.

La película ha sido editada por Filmax, aunque desconozco si es una versión íntegra o censurada. Yo me compré la edición que sacó el sello británico Shameless a un buen precio, pero he de advertir que tanto la cubierta como la manera que tienen de presentar el argumento es sorprendentemente misógina. Su tagline es: When whores meet saws (Cuando las putas conocen sierras, literalmente). En la sinopsis indica que las chicas protagonistas son estudiantes "pero no se sabe de qué, a no ser que estudien como quitarse la ropa", cuando queda claro en el film que son estudiantes de Arte y sólo dos protagonizan una breve escena de amor. Me sorprendió también porque me pareció que de esa manera iban a alejar clientes más que atraerlos. Si no hubiese sabido de que película se trataba, no la habría comprado sólo por la información que ponen en la carátula. No soy ningún experto en marketing, pero creo que es mejor hacer un producto atractivo por sus virtudes que no intentar engañarlo con un supuesto festival de sexo y sangre. No negaré que la película contiene alguna gota de erotismo aquí y allá, pero dentro de lo normal en las películas de la época.

Actualización: El 2011 salió una estupenda edición de la película en Blu-ray cortesía de Blue Underground, de zona libre y con subtítulos en castellano. Incluye también la versión original del director pero sólo en italiano subtitulada en inglés, tenedlo en cuenta. Es la edición que recomiendo comprar.

En cualquier caso, es un gran giallo si hay algún aficionado que no la ha visto. Si no conocéis el género, es una buena manera de empezar.

Un cubo de sangre (A Bucket of Blood)

Recientemente he mantenido una interesante discusión que giraba en torno de si dependiendo de la personalidad  de un artista se ha de juzgar su obra de cierta manera. Yo siempre he creído que lo importante es la obra, no el artista. Nunca dejo que los prejuicios personales sobre una persona me influyan a la hora de juzgar su obra. Conocer al artista y su vida puede ser útil para conocer el origen de la misma o aclarar de dónde procede alguna idea, pero no me influye a la hora de juzgar su calidad o validez. Especialmente en el cine, donde personas despreciables han llevado a cabo auténticas maravillas. Tomemos por ejemplo a David W. Griffith, era un racista pero prácticamente inventó el lenguaje cinematográfico tal y como lo entendemos. Otro ejemplo sería Elia Kazan, que delató a muchos compañeros de profesión durante la caza de brujas del senador McCarthy pero también dirigió obras maestras como Un tranvía llamado deseo o Esplendor en la hierba.

En resumen, como ya he dicho, creo que se ha de juzgar a las obras por si mismas y no por quien las produce, ya que ello solo hace que nos carguemos de prejuicios. Y para que reflexionéis sobre ello os presento: Un cubo de sangre. Dirigida por Roger Corman en 1959, esta película nos cuenta la historia de Walter Paisley (el icónico Dick Miller), camarero en un bar donde se reúnen artistas beatnicks. Walter desea desesperadamente convertirse en artista, pero sus intentos son continuamente despreciados por los artistas serios. Esto es, claro, hasta que Walter presenta una obra maestra: la estatua de una chica. Lo que los artistas que empiezan a valorar su obra no saben es que Walter mató por accidente a la chica y la cubrió de arcilla para esconder el cadáver obteniendo así su obra maestra. Al ver la reacción tan positiva que ha obtenido, empezará a cometer asesinatos y a convertirlos en arte.

Con esta tremenda comedia negra Roger Corman se resarció en cierta manera de la actitud con la que había sido tratado por los grandes estudios y los cinéfilos. Asociado siempre con la serie B, sus películas eran despreciadas ya que se consideraba que eran meros intentos de sacar dinero a los espectadores aprovechando cualquier éxito de Hollywood o alguna moda. La creencia general era que como era un director de serie B y todas las películas hechas con poco dinero son malas, Roger Corman no podía ser un buen director. Sin embargo, a medida que su obra como director se iba consolidando, esas voces fueron callándose. Y cuando Corman dirigió el conocido como hoy Ciclo Poe, durante el cual creó una serie de fantásticas adaptaciones de relatos de Edgar Allan Poe, se hizo el silencio en la sala.

Podemos identificar fácilmente a los cinéfilos que despreciaban a Corman con los esnobs artistas que acuden al bar de Walter. Y a Walter, obviamente, con Corman. Lo curioso es que si veis cualquier entrevista hecha a Roger Corman se quita cualquier mérito diciendo que su única intención era hacer que películas que funcionasen en taquilla y no pretendió nunca que tuviesen otras lecturas. Y os he de decir que si dirigió maravillas como El hundimiento de la casa Usher, La máscara de la Muerte Roja o El palacio encantado sólo para hacer dinero, me da igual. Espero que se hiciese rico, porque más de cuarenta años después siguen siendo grandes películas que me han proporcionado horas de placer. No sólo eso, sino que también Corman es el responsable de iniciar las carreras de Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Peter Bogdanovich, Joe Dante, James Cameron y Jack Nicholson entre muchos otros.

¿Qué más da quién hace la obra mientras podamos disfrutar de ella?

Cat in the Brain (Un gatto nel cervello aka Nighmare Concert)

Cat in the Brain (1990), el último gran clásico que dirigió Lucio Fulci antes de morir, es, por un lado, una reivindicación de su carrera y, por otro lado, una autoparodia. Lucio Fulci es Lucio Fulci, un director de cine de terror que empezará a mostrar ciertos signos de cansancio y estrés. Cuando vaya a ver al psiquiatra Egon Schwarz (David L. Thompson) para que le ayude a centrarse de nuevo, éste, por el contrario, lo que hará será introducir mediante hipnosis horribles escenas de asesinatos en el cerebro del director para volverlo loco y que cargue con las culpas de los asesinatos que el psiquiatra comete por gusto.

Cat in the Brain es un ejercicio metalingüístico en el que Fulci desmonta la imagen que el público tenía de él, interpretando una versión exagerada de si mismo. También aprovecha para ironizar sobre las teorías psiquiátricas que aseguraban que una larga exposición a la violencia y al cine de terror podía provocar demencia o que el sujeto intente reproducir aquello que ha visto. Pero sobretodo la película es una celebración de Fulci, ya que utilizó metraje de otras películas suyas como parte de la trama. De ahí la sorpresa de Brett Halsey de saber que había protagonizado dos películas de Fulci cuando sólo había trabajado con él en una: Touch of Death (Quando Alice ruppe lo specchio, 1988). Y otro ejemplo también sería la reutilización de asesinatos que rodó para Sodoma's Ghost (Il fantasma di Sodoma, 1988). De este modo Fulci no sólo no se avergüenza de sus películas más gore ni de sus creaciones más terribles (no por nada le llamaban el Padrino del Gore), las celebra en lo que se convierte en un Fulci's Greatest Hits que parece pensado para sus muchos fans.

Lo bueno, o la genialidad de la película, es que toda esta operación la hace a través de una interesante trama, con lo cual aunque una persona no sea fan de Fulci puede disfrutar igualmente del film y sus tremebundas escenas. Muy posiblemente a algunos os recuerde la posterior La nueva pesadilla de Wes Craven (Wes Craven's New Nightmare, 1994), en la que el director de Las colinas tienen ojos se interpreta a si mismo en una película que analiza el impacto sociológico de Freddy Krueger, aunque como suele ser habitual en este director no acaba de profundizar en las interesantes ideas que plantea.

¿Qué es lo que hace que el género de terror sea tan autorreferencial y metalingüístico? Desde la trilogía Scream (de la que muy pronto se estrenarán 4ª, 5ª y 6ª parte), pasando por clásicos ochenteros como Return to Horror High (idem, Bill Froehlich, 1987) o Aullidos (The Howling, Joe Dante, 1981), o series B como Esas locas del cine (Hollywood Boulevard, Joe Dante, 1976); el género parece generar una gran cantidad de autoanálisis que no se ve en la misma cantidad y abundancia fuera de él. Incluso si analizamos su fotografía y guión, El crepúsculo de los dioses (Sunset Blvd., 1950) de Billy Wilder es una gótica historia de terror con toques de comedia negra. Creo que parte de ello se debe a que muchos directores de cine de terror empezaron siendo fans del mismo.

Mientras reflexionáis sobre ello disfrutad de Cat in the Brain de Lucio Fulci.

Saló o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma)

La última película de Pier Paolo Pasolini fue la adaptación de la primera novela del Marqués de Sade Los 120 días de Sodoma o la escuela de libertinaje. Polémica, prohibida, perseguida, Salò (1975) es una película que no deja indiferente a nadie. Metáfora del fascismo que asoló Italia, Pasolini no dotó de personalidad a las víctimas humilladas y torturadas para evitar que el espectador sintiera ningún tipo de empatía hacia ellas y de ese modo evitar que el mensaje, el subtexto, pasara desapercibido y se captaran las distintas metáforas que pueblan el film. A pesar de ello, la acumulación de humillaciones y torturas hace que la película se haga en ocasiones difícil de ver.

Si hay alguien que no conozca la historia, trata de como cuatro representes de los estamentos sociales dominantes, uno de la aristocracia, otro del gobierno, otro de la iglesia y otro del ejército; se encierran, durante el periodo fascista en Italia, en una gran mansión en la provincia de Salò. Con ellos tienen un grupo de chicos y chicas secuestrados a los que procederán a torturar y humillar.

Pasolini de joven pasó una temporada en Saló, donde fue testigo de brutalidades por parte del ejército italiano, de ahí la inspiración de situar la película en esa localización. Si bien Sade en su novela divide la historia en cuatro partes según una clasificación que hace de los distintos tipo de pasión, Pasolini lo hace siguiendo la estructura que hace Dante del Infierno en La Divina Comedia: anteinfierno, círculo de las manías, círculo de la mierda y círculo de la sangre.

Perturbadora y perversa, no hay duda que Saló es una de las obras de arte más impresionantes del siglo XX. Si bien sus detractores no saben ver más allá de los desnudos cuerpos torturados, es un impresionante retrato no sólo del fascismo, sino de muchos de los males que asolan la sociedad, dándole la cualidad atemporal que poseen todos los clásicos.

Pero por muy difícil que se pueda hacer ver, la película es bastante suave si la comparamos con la obra original de Sade. Publicada en castellano por editorial Valdemar, Los 120 días de Sodoma es un catálogo de perversidades cuyos horrores no dejan de aumentar a medida que se va avanzando en su lectura. Personalmente, todo lo que tiene que ver con la pederastia, la tortura de niños y la coprofilia se me hizo bastante duro de leer.

Quiero la cabeza de Alfredo García (Bring Me the Head of Alfredo Garcia)

Otra obra maestra de Sam Peckinpah, Quiero la cabeza de Alfredo García fue su última gran película y también de las más despreciadas en el momento de su estreno en 1974, igual que le pasó con Perros de paja (Straw Dogs, 1971, la edición en DVD de esta película en España contiene sólo la versión censurada). Quiero la cabeza de Alfredo Garcia narra el descenso a los infiernos de un pianista americano encarnado por Warren Oates, que ya había trabajado con Peckinpah en Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969) y Mayor Dundee (Major Dundee, 1965), el cual intentará ganar algo de dinero localizando a Alfredo García, a quien ha puesto precio a su cabeza un cacique (Emilio Fernández) por dejar embarazada a su hija.

Como en varias de sus mejores películas, Peckinpah mezcla una historia que contiene grandes dosis de violencia nihilista con un romanticismo desesperado. Bennie, el personaje de Oates, se apoya en su amor por Elita (Isela Vargas) para seguir adelante. Y, como pasaba con los ladrones fugitivos de Grupo Salvaje, eso significará su perdición. Tachado en ocasiones de misógino, la verdad es que los personajes femeninos de Peckinpah suelen ser los únicos realmente positivos, víctimas de la violencia masculina. En Perros de paja, Amy, interpretada por Susan George, es víctima de la incomprensión y el desprecio de su marido, interpretado por Dustin Hoffman, y de la lujuria de los pueblerinos. En Quiero la cabeza de Alfredo García, Elita es otra víctima que se ve atrapada en un violento mundo cargado de machismo como es el que nos muestra Peckinpah.

Realmente, no es una película ligera para pasar un buen rato. Es un clásico cargado de violencia polvorienta, enmarcado en un paisaje formado por pequeños pueblos de mala muerte por el cual acompañaremos a un hombre que buscaba libertad y redención para encontrar solo locura y muerte en su camino.