Esta película fue dirigida en 1973 por Antonio Margheriti con el pseudónimo Anthony M. Dawson para facilitar las ventas internacionales. Protagonizada por Jane Birkin y Hiram Keller, cuenta además con la participación de Serge Gainsbourg con quien Birkin había protagonizado una fuerte polémica levantada por la canción que cantaban a duo Je t'aime... moi non plus.
Estamos ante un interesante giallo, producido durante la fiebre de títulos zoológicos tras el éxito de El pájaro de las plumas de cristal (L'uccello dalle piume di cristallo, 1970) de Dario Argento. El guión fue escrito por Margheriti y Giovanni Simonelli basándose en una novela de Peter Bryan. El argumento está repleto de tópicos de la novela gótica y de intriga victoriana: secretos de familia, un castillo con pasadizos secretos, un galán lunático a lo Cumbres Borrascosas y, claro, una serie de misteriosos asesinatos. Sin embargo, Margheriti consigue elevarse por encima de los elementos tópicos del argumento gracias a ciertos toques psicotrónicos, unas dosis de malvado humor y grandes dosis de estilo para filmar hasta los más mínimos detalles. Además de añadir elementos propios del cine de terror y unas gotas de sano erotismo. Así, la típica intriga se convierte en un lujurioso y alucinante espectáculo. Margheriti nos transporta a un lugar muy lejos de la realidad cotidiana, donde las leyendas familiares todavía pesan, donde se confabula y manipula para mantener el estatus en un universo lleno de matices morbosos dignos de Poe y de El perro de los Baskerville.
Birkin tal vez no fuera una gran actriz pero desde luego atrapa con su mezcla de ingenuidad y sensualidad. Keller hace un adecuado papel como el lunático lord James McGrieff. Doris Kunstman es Suzanne, "la profesora de francés" de lord McGrieff, añadiéndole un toque morboso a la trama. Gainsbourg interpreta un inspector de policía que parece un antecesor de Colombo. El resto del reparto hace un adecuado papel interpretando una serie de personajes propios de las intrigas a lo Agatha Christie.
Estrenada en 1984, Calles salvajes (Savage Streets) fue dirigida por Danny Steinmann y escrita por Steinmann y Norman Yonemoto. En el audiocomentario que incluye el DVD, Steinmann comenta que fue esta película la que llevó a los productores de Viernes 13 Vª parte a contratarlo para dirigirla. La película entra dentro del subgénero de la venganza, habitual en el western: al protagonista le hacen una serie de maldades (matarle a la mujer/mejor amigo/perro) o lo traicionan y lo dejan por muerto, maldades a las que el protagonista responde masacrando a los perpetradores.
Lo curioso de este caso es que tenemos una protagonista femenina: Linda Blair, la niña de El Exorcista, aquí tremendamente crecida y desarrollada. También aparece en la película la scream queen Linnea Quigley. Blair es Brenda, una joven rebelde que suele meterse en problemas en el instituto pero nada demasiado grave. Como dirían The Shangri-Las, es buena-mala pero no malvada. Es muy protectora con su hermana Heather (Quigley), que es sorda. Cuando descubra que los responsables de violar y darle una paliza a su hermana son los mismos que han matado a su mejor amiga que estaba a punto de casarse, Blair se armará y se pondrá un traje negro de cuero para ir despachando uno a uno a los responsables.
La película está mejor dirigida de lo que uno se espera en estos casos, cosa que es de agradecer. Se alternan escenas de pura exploitation como una pelea en las duchas del vestuario de las chicas con un montón de mujeres desnudas jaleando, con escenas más duras como la de la violación de Heather en la que no hay ningún morbo. La escena también impacta mucho ya que Quigley, que tenía unos 24 o 25 años, realmente tiene el aspecto de una niña. Después de rodar esta escena Quigley decidió operarse los pechos (cosa que uno no sabría viéndola en El regreso de los muertos vivientes u otras a no ser que la hubiese visto aquí antes) para tener un aspecto más adulto. En el aspecto vengativo, destaca el uso que hace Blair de una ballesta para despachar a los matones, aunque el final será un mano a mano como suele ser habitual en estas películas.
Es un gran título para los aficionados a la exploitation que se puede encontrar en edición especial uncut en DVD de importación, aunque la edición no tiene subtítulos en castellano así que mejor que no tengáis problemas con el inglés. La edición doméstica es bastante mala, fullscreen y sin ningún extra. La banda sonora de la película también destaca para los fans del rock ochentero.
Escrita y dirigida por Michael Dougherty en 2008, esta película fue además producida por Bryan Singer con quien había colaborado en el guión de X2 y Superman Returns. La película es una mezcla entre Pulp Fiction y Creepshow, y como estas dos películas tiene un buen reparto que incluye gente como Brian Cox, Dylan Baker, Anna Paquin y Tahmoh Penikett.
La película consiste en cuatro historias de terror intercaladas entre sí, todas ellas centradas en leyendas y tradiciones propias de Halloween. El elemento común entre todas ellas es Sam, un inquietante personaje que aparece en todas las historias de una u otra forma. Todas las historias tienen un regusto al estilo de las historias habituales de la E.C., plagadas de humor negro y con giros inesperados o sorprendentes. Si bien planea cierto tono de humor en algunos pasajes, también consigue crear secuencias cargadas de tensión y suspense. Un logro a tener en cuenta de Dougherty es que en la película hay algunos momentos de "¡susto, bu!" que no resultan cansinos ya que están bien repartidos a lo largo de la película.
Otra de las razones por las que la película funciona es que al estar los relatos intercalados va pasando de mejor momento a mejor momento con lo que el conjunto resulta bastante redondo. En pocas palabras, es una entretenida película de terror ideal para ver en grupo y pasar un buen rato o solo por la noche y "recargolarte" en el sofá.
Estamos en 1998 y cinco fans de La Guerra de las Galaxias harán un viaje en carretera con el objetivo de colarse en el rancho Skywalker y robar una copia del montaje provisional de Episodio I. Con este sencillo argumento la película Fanboys se presenta como una carta de amor al universo creado por George Lucas y a sus fans. La película fue dirigida por Kyle Newman y contó con un guión de Ernest Cline, Dan Pulick y Adam F. Goldberg. Fue protagonizada por Sam Huntington, Chris Marquette, Dan Fogler, Jay Baruchel y la fantabulosa Kristen Bell. Sin embargo, lo que realmente destaca de este film es su traumática posproducción que degeneró en una guerra de correos electrónicos.
Kyle Newman intentó conseguir financiación para la película enseñando el guión a Harry Knowles para que creará anticipación a través de su famosa web Ain't It Cool News. Funcionó. La película contó como productor con Kevin Spacey, que fue fundamental cuando las cosas se pusieron turbias, entre otros. El estudio que lo financió era la compañía de los infames hermanos Weinstein.
Tras un primer montaje, la película contó con la aprobación de George Lucas y fans renombrados como Kevin Smith pidieron tener un cameo en ella. Además, como se trataba de una humilde producción filmada por menos de cuatro millones de dólares (una miseria realmente para hacer una película), contó con el apoyo de clubs de fans de Star Wars que proporcionaron material para la película. En pocas palabras, era una película hecha por fans para los fans.
Cuando terminó el rodaje fue cuando las cosas se complicaron. Los primeros retrasos fueron a causa de los reshoots (periodo en el cual se vuelven a filmar escenas, se completan, se filman nuevas escenas o se filman insertos y que normalmente tiene lugar un par de semanas o unos días después de terminar el rodaje principal). Debido a conflictos con los horarios de los actores se tuvo que ir retrasando meses el estreno de la película. Por ello también se aprecian varios errores de continuidad en el film debido al largo periodo que transcurrió.
Luego la película fue sometida a tests de audiencia. Y ahí empezó a torcerse todo de veras. Los índices no eran muy altos, cosa que tampoco sorprende ya que es una película de espíritu minoritario, y los Weinstein decidieron que se tenía que eliminar la subtrama sobre el cáncer. ¿Y qué es la subtrama sobre el cáncer? Para empezar no es una subtrama, es el corazón de la película, pero llamarlo así era una manera que tenían los Weinstein de quitarle importancia. Y la trama en sí consiste en que la razón por la que estos fanboys se embarcan en el robo de Episodio I es que Linus (Chris Marquette), uno de ellos, tiene cáncer y estará muerto para cuando se estrene la película. Su director se negó a eliminar esta parte, porque entonces la película perdía todo sentido. Es entonces cuando entra en escena Steven Brill, el director de Little Nicky, contratado por los Weinstein para eliminar toda referencia al cáncer y añadir mujeres desnudas y lenguaje soez a la película para hacerla para mayores de 18 años.
Uno de los principales problemas que tenía esta decisión es que George Lucas dio permiso para que se usasen sus personajes y películas porque la película era originalmente para mayores de 13 años. Es decir, que la podrían ver los fans más jóvenes de la saga. Otro problema ya se ha mencionado: si se elimina la trama del cáncer, se pierde toda la motivación de los personajes que quedan reducidos a unos descerebrados a los que les parece divertido robar una película. Y, por último, Steven Brill no sentía el mismo amor por la saga que sus realizadores y, de hecho, corría el rumor por internet de que ni siquiera había visto la trilogía original. Los fans que habían hecho posible la película sintieron que se les estaba robando, así que empezaron por enviar correos elestrónicos a Brill pidiendo no con muy buenas maneras que se retirase de la película. Brill contestó esos correos con insultos y desprecio.
Es comprensible que si recibes un correo electrónico en el cual te dicen de todo menos bonito respondas de la misma manera. Pero cuando eres un director de cine y la gente que te escribe representa a tu futura audiencia, no es lo más adecuado responder con insultos. Se puede ignorar el correo electrónico en cuestión o responder más educadamente. El caso es que esto llevó a los fans a amenazar con boicotear los estrenos que los Weinstein tenían preparados para aquel momento (2008/2009). Los Weinstein ofrecieron entonces estrenar la versión de Brill en cines y en DVD mostrar las dos. Los fans respondieron que ya daban por supuesto que estrenarían en DVD el montaje original y que ellos querían verlo en cines. Los Weinstein se rindieron y le dieron un plazo de 36 horas al director original, Kyle Newman, para montar su película. Cosa que hizo y finalmente pudo estrenar la que él dice es la mejor versión de Fanboys.
Tras toda esta odisea... ¿la película vale la pena? Desde mi humilde punto de vista, sí. Se trata de una comedia donde se equilibran muy bien los elementos dramáticos gracias a unos actores que pueden manejar ambos aspectos. Los personajes son muy reales y no caen en la típica caricatura de los friqui que ya hemos visto mil veces en series y películas. Pero lo importante es que me reí a carcajadas cuando tocaba y me emocioné cuando tocaba. La película incluye muchas referencias a escenas y momentos de la saga Star Wars, obviamente, pero también a Regreso al Futuro, Willow, Star Trek, Indiana Jones, THX-1138 y otras tantas obras de culto. La película cuenta además con los cameos de actores de la trilogía galáctica original y fans suyos como Seth Rogen, que interpreta tres papeles, además de Carrie Fisher, Billy Dee Williams, Jason Mewes, el ya mencionado Kevin Smith, Jaime King, Danny R. McBride, Ray Park, Craig Robinson, Ethan Suplee, Lou Taylor Pucci, Will Forte, Danny Trejo y William Shatner.
La película gustará a todo aquel que sea un fan apasionado de los cómics, el cine o lo que sea, ya que recrea muy bien las típicas discusiones sobre tonterías que para uno son terriblemente importantes. Como las que tienen lugar ahora mismo sobre el final de Perdidos. Además de contar con la fantástica Kristen Bell en su reparto, de la que estoy completamente enamorado.
Uno de las muchas obras maestras que dirigió Mario Bava, Bahía de sangre (1971) pasará a la historia como una de las películas fundamentales en lo que luego se conocería como slasher y por la habilidad de Bava de mostrar los más horribles crímenes de la manera más bella posible.
La condesa Federica Donati (Isa Miranda) es asesinada por su marido el conde Filippo Donati (Giovanni Nuvoletti). Justo después el conde es asesinado por una mano misteriosa. Empieza así la reacción en cadena a la que hace referencia el título original, una reacción que consiste en una serie de asesinatos a cada cual más sangriento y en la que se verán implicados la hija del conde y su marido (Claudine Augier y Luigi Pistilli), el hijo de la condesa (Clauido Camaso) y todo aquél que muestre interés en adquirir la disputada bahía.
La compleja e intrincada historia que idearon Mario Bava, Dardano Sachetti, Franco Barberi, Filippo Ottoni y Giuseppe Zaccariello obliga al espectador a estar muy atento a todos los detalles para poder entender qué es lo que sucede. La historia tiene una fuerte base moral en la cual se condena la avaricia que domina a los personajes por poseer la bahía. Es esta avaricia la que los lleva a tener una horrible muerte. Es curioso como este motivo sería cambiado en el slasher americano por el sexo. Algo indicativo de ambas sociedades: en una se condena la avaricia, en la otra el sexo. Aunque siendo honestos, también la última maravilla de Sam Raimi Arrátrame al Infierno (Drag Me To Hell, 2009) es un cuento moral sobre la avaricia.
Los trece diferentes asesinatos que nos muestra la película resaltan por su increíble realismo, cortesía de Carlo Rambaldi (creador de E.T.). Algunos asesinatos serían copiados directamente en Viernes 13. 2ª Parte, y toda la estructura del film sería imitada por casi todos los slashers y bodycounts que se estrenaron a partir de finales de los setenta. Ninguno de ellos, claro, contó con la habilidad y el talento de Bava, que también ejerció de director de fotografía, a la hora de retratar los crímenes con estilo.
Bahía de sangre es un gran clásico imprescindible para los aficionados al giallo, al slasher y al cine en general.
Esta excelente comedia trata el inagotable tema de las relaciones amorosas. Y lo hace sin caer en ninguno de los habituales clichés o tópicos presentes en las comedias románticas, sino que hace un retrato de una relación no muy diferente a la que podríamos tener cualquiera de nosotros. O al menos yo.
Su director Marc Webb (que posiblemente sea el director de la nueva Spiderman) y los guionistas Scott Neustadter y Michael H. Weber van escogiendo para nosotros los diferentes días y momentos que marcaron la relación entre Tom Hansen (Joseph Gordon-Levitt) y Summer Finn (Zooey Deschanel), la chica de la que comprensiblemente se enamora. Así, este cruce entre Annie Hall de Woody Allen y Torpe de Jeffrey Brown nos va mostrando los altibajos de la relación entre sus protagonistas yendo adelante y atrás en el tiempo. Aunque Tom es bastante llorón, no llega a los extremos de egocentrismo llorica de Allen y Brown, con lo cual resulta bastante más simpático que ellos.
En la película abundan las referencias a los ochenta y a la música independiente, con lo que espectadores en cierta franja de edad (la de los protagonistas) es posible que disfruten bastante con ello. Aunque yo no comparto el mismo gusto por los Smith. Más allá de los guiños, la película es un refrescante cambio en lo que el género había dado hasta ahora. Es decir, que puede gustar e interesar más allá del mismo. Acaba de salir en DVD, así que aprovechad.
Toys Are Not for Children es un curioso drama que se estrenó en 1972, dirigido por Stanley H. Brassloff y escrito por Brasloff y Macs McAree. Posiblemente al tratarse de una producción procedente de Harry H. Novak en el momento de su estreno fue considerada poco más que la habitual exploitation de la factoría Novak y no se le dio la importancia que merece. Y, ya que estamos, el resto de la llamada exploitation de Novak tampoco está mal.
La película gira en torno a Jamie Godard (Marcia Forbes), una joven que tiene algunos traumas infantiles con los que lidiar. Esto afectará a su relación con Charlie Belmond (Harlan Cary Poe), un pobre muchacho que está enamorado de ella y no tiene ni idea del lío en el que se está metiendo.
El personaje de Jamie tiene una enfermiza obsesión con los juguetes y, en ciertos aspectos, actúa con la misma inocencia e ingenuidad que tenía de niña. Lo que se traduce también en una tremenda frigidez en su relación con Charlie. Sin embargo, Jamie caerá en manos de ciertas personas que harán que se prostituya aprovechando su obsesión con los juguetes, obsesión que tiene su origen en una enfermiza idealización de su padre ausente, momento en el cual Jamie dará rienda suelta a su lado salvaje.
La película de Brassloff nos va desvelando paso a paso el origen de la inestabilidad de Jamie hasta arrastrarnos a un desenlace de los que te deja clavado en el sofá. Para ello también es fundamental la interpretación que hace Forbes de Jamie, con lo que me extraña que aparentemente esta fue la única película en que participó. Me pregunto que le pasaría, porque actuar sabía. En cuanto al resto de la película, si bien se ve que fue hecha con poco dinero, eso es un factor a su favor cuando se trata de representar los aspectos más sórdidos de la trama.
La película fue editada en DVD por Something Weird Video junto a The Toy Box, una tremenda película softcore con una gran escena de Uschi Digart. No he encontrado el tráiler de la película para colgarlo aquí, pero lo podéis ver en la página de Something Weird Video. Yo os dejo aquí el vídeo de Welcome To My Nightmare, que no tiene nada que ver con la película pero soy un gran fan de Alice Cooper.
Clásica cinta de terror estrenada en 1986, Carretera al Infierno (The Hitcher, Robert Harmon) es un gran ejemplo de como convertir una historia poco original en una poderosa y única pesadilla.
Todo empezó con un guión escrito por Eric Red (también guionista junto a Kathryn Bigelow de sus films Los viajeros de la noche y Acero azul, guionista y director de Cuerpo maldito (Body Parts, 1991)). En el comentario incluido en el DVD, Red explica que se inspiró en el clásico de los Doors Raiders on the Storm para crear la historia, concretamente en la siguiente estrofa:
There's a killer on the road
Hay un asesino en la carretera
His brain is squirmin like a toad
Su cerebro se retuerce como un sapo
Take a long holiday
Tómate unas largas vacaciones
Let your children play
Deja a tus hijos jugar
If you give this man a ride
Si llevas a este hombre
Sweet family will die
La dulce familia morirá
Killer on the road
Asesino en la carretera
Sin embargo, recuerdo leer una entrevista en Fangoria, en la época que estaba rodando Cuerpo maldito, en que Red aseguraba que la película se basaba en una mala experiencia que había sufrido mientras trabajaba como taxista. Sea como sea, escribió un guión donde explicaba la terrible pesadilla en la que se ve envuelto un joven que viaja solo en coche cuando recoge a un desconocido una noche de tormenta. Después de que el desconocido intente matarlo, el joven lo echa del coche, pero a partir de ese momento sufrirá un implacable acoso que posiblemente le cueste la vida.
C. Thomas Howell fue contratado como el joven Jim Halsey, que imprudentemente recoge al extraño. Y Rutger Hauer fue contratado como el misterioso John Ryder (un nombre falso, Ryder = rider = jinete). Contratar a Hauer representó un gran cambio en el tono de la película, ya que en el guión el personaje del autoestopista tiene un aspecto irreal, casi un esqueleto con patas. Hauer es también conocido por las grandes contribuciones que hace en los guiones en lo que respecta a los personajes que interpreta. El monólogo que tiene al final de Blade Runner es tanto creación suya como de los guionistas.
Hauer contribuyó definitivamente a dar cuerpo a la atmósfera que estaba creando su director Robert Harmon para la película. Harmon le dio un tono onírico que contribuye a la ambigüedad que planea por todo el film. Tono onírico que se ve reforzado con la música de Mark Isham.
Robert Harmon va eliminando características humanas del personaje de Hauer, de modo que uno llega a dudar de si es humano o no. A eso se le añade un tono homoerótico que impregna las escenas entre John Ryder y el pobre Jim Halsey, que te llena de preguntas sobre cuáles son las intenciones de Ryder. Esta ambigüedad sobre Ryder queda establecida plenamente en una escena en un motel en la que también participa Jennifer Jason Leigh, que aquí hace un pequeño papel.
La mezcla entre los elementos presentes en el guión de Red y los elementos que aportó Harmon hicieron que lo que podría haber sido una típica película de acción se convirtiese en algo muy diferente. Pero la película fue promocionada como una típica película de acción, lo que provocó que no funcionase bien en Estados Unidos, donde no se acabó de entender. Tal vez por ello sea una de las pocas ocasiones en que la edición en DVD europea es mejor que la americana. Mientras que la edición americana en DVD sólo contenía la película y algún tráiler, la europea es una gran edición de 2 discos con comentarios, un documental, fragmentos de guión, secuencias eliminadas y un par de interesantes cortometrajes.
Como muchos sabréis, la película fue víctima de un terrible remake. No tengo nada en contra de los remakes per se (tal vez sólo últimamente al exceso de los mismos) pero no entiendo que sentido tiene hacer el remake de una película para eliminar todo aquello que la hace interesante: en la versión del 2007 se elimina la ambigüedad del personaje, es claramente un psicópata muy humano; se convierte en protagonista a una pareja y no un personaje solo, eliminando gran parte de la angustia y el suspense (en el original Halsey es acusado de los asesinatos de Ryder y tiene que huir también de la policía solo); se elimina el tono onírico, el homoerotismo y el impacto emocional de una de sus más famosas escenas para cambiarlo por un breve shock. En otras palabras, el remake es la típica película de psicópata que uno ya ha visto mil veces. También se hizo una secuela estrenada directamente en DVD en la que ya se cometían algunos de los errores que más tarde hicieron en el remake.
En fin, no os dejéis engañar y disfrutad de la auténtica Carretera al infierno.
Las películas de Spike Lee nunca me habían llamado la atención, sinceramente. Eso cambió en 1999, cuando Lee estrenó Nadie está a salvo de Sam (Summer of Sam). La película está ambientada en el Bronx Sur, un barrio con una presencia mayoritaria de italoamericanos, durante uno de los más calurosos veranos de la historia de Nueva York, el verano de 1977 durante el cual el reinado del terror del asesino en serie David Berkowitz alcanzó su clímax.
La película está protagonizada por un gran reparto coral: John Leguizamo, Adrien Brody, Mira Sorvino, Jennifer Esposito, Ben Gazzara, Bebe Neuwirth, Anthony LaPaglia... además de los guionistas de la película Michael Imperioli y Victor Colicchio. La razón de este reparto coral es que la película no se centra tanto en el caso Berkowitz y su investigación sino en como afectaba el tener un asesino en serie acechando a la gente que vivía en el barrio. De los diferentes dramas e historias personales que pueblan la película, la que personalmente más me llamó la atención fue la relación entre Vinny (Leguizamo) y Dionna (Sorvino). Tras estar muy cerca de uno de los asesinatos del luego conocido como "Hijo de Sam", Vinny iniciará una espiral de decadencia en la cual poco a poco va perdiendo control de su vida. Brody, por otro lado, interpreta a Richie, uno de los primeros en caer bajo la influencia del punk. Esto no será bien visto por el resto de la comunidad. Richie, además, tiene también algunos conflictos personales relacionados con su propia sexualidad. Por cierto, en el film Richie tiene una banda punk y hay un momento en la película en que tocan una canción titulada Hello Goodbye cuya letra está sacada de una de las cartas que el Hijo de Sam envió a los periódicos. Os podéis descargar la canción de forma gratuita en la página web de su autor Curious George.
La película recrea fielmente los diferentes asesinatos de Berkowitz, así como intenta crear un retrato certero del infame psicópata. También reproduce palabra por palabra las diferentes cartas que Berkowitz envió a la policía y hechos que parecen actualmente difíciles de creer pero que realmente sucedieron como la policía pidiendo ayuda a la mafia para detener al asesino. Pero, como ya he mencionado antes, el film no se centra, o no se centra exclusivamente, en los crímenes de Berkowitz. La película se toma su tiempo en representar momentos clave de aquel verano como un gran apagón que dejó a la ciudad de Nueva York sin luz. Otros temas que también se tocan son la llegada del punk y la decadencia de la música disco, con sendas apariciones de lugares míticos como el CBGB, Studio 54 o el símbolo definitivo del sexo setentero: Plato's Retreat.
Son todos estos elementos los que hacen que la película destaque más allá de la simple recreación de los crímenes reales de un asesino en serie. La banda sonora está plagada de grandes temas setenteros, obviamente, pero muy bien utilizados. Por ejemplo, está muy bien colocado el Dancing Queen de Abba como fondo de una monumental bronca entre Vinny y Dionna. Es una de mis películas favoritas, así que espero que la disfrutéis.
Cuando se estrenó originalmente en 1982, muchos pensaron que la nueva obra maestra de Dario Argento Tenebre iba a ser la conclusión de la Trilogía de las Tres Madres. Bueno, la conclusión de la trilogía no llegaría hasta el 2007 y Tenebre era el regreso del maestro al género que domina: el giallo. También es mucho más que eso, como veremos a continuación.
La historia gira en torno al escritor Peter Neal (Anthony Franciosa) que viaja a Roma para promocionar su última novela: Tenebre. Coincidiendo con la llegada de Neal se empiezan a cometer una serie de asesinatos en los cuales el asesino deja páginas de Tenebre en la boca de sus víctimas. Neal se verá involucrado en la investigación cuando el asesino empiece a enviarle notas y llamarle por teléfono.
Uno de los aspectos más interesantes temáticamente de Tenebre es como Dario Argento se refleja en el escritor Neal. Las novelas de Neal son muy parecidas a las películas de Argento y parte de los ataques y comentarios que se hacen de las novelas sirven como paralelo a las reacciones que había vivido el propio Argento. Parte de la trama es más directamente autobiográfica, ya que Argento se vio acosado por un fanático cuando se encontraba en Nueva York, suceso que forma parte de la trama de la película.
El otro aspecto que hace destacar a Tenebre tanto en la producción del propio Argento como en otras obras del género, es como Argento pervierte y deconstruye los aspectos típicos del giallo y el thriller. Todos los asesinatos que vemos en la película, aparte de brutales, tienen lugar siempre en amplios espacios, algunos muy iluminados, con gente alrededor. Es decir, todos los elementos que se consideran necesarios para crear suspense aquí son desechados, pero sin que la película pierda un ápice de tensión. Por supuesto, aquí también nos encontremos los habituales tour de force visuales de Argento. En el caso de Tenebre, un doble asesinato precedido de un largo plano secuencia amenizado por Goblin, que como siempre proporciona una fantástica banda sonora a la película. Además, en esta película nos encontramos también un momento al final que ha sido plagiado hasta la saciedad desde entonces.
Imagino que cualquier fan de Argento o del género conoce de sobras esta obra maestra, pero si te acabas de iniciar en el género o desconoces este film hazte un favor y échale un vistazo.
Gran parte de la mala fama de Maniac (1980) de William Lustig se debe a su póster publicitario. Si juntamos el tagline, "te advertí que no salieras de casa esta noche", con la imagen del hombre sosteniendo una cabellera ensangrentada de mujer en una mano y un enorme cuchillo en la otra, que además apunta hacia el paquete, se nos crea la imagen de un tipo de película que realmente no casa con la película que anuncia. Y el primero al que no le gustó el póster fue Joe Spinell, protagonista del film y guionista del mismo junto a C. A. Rosenberg.
La película retrata el día a día de Frank Zito (Spinell), un psicópata que se dedica a matar parejas y mujeres atractivas para luego llevarse algún pedazo de recuerdo a casa. Zito vive en su propio universo paranoide y está seriamente perturbado, pero a pesar de eso se las arregla para seducir a la bella Anna D'Antoni (Caroline Munro), una fotógrafa de moda que no tiene ni idea del peligro que le acecha.
Para construir el personaje y el guión, Spinell leyó libros sobre asesinos en serie y se documentó a fondo sobre los casos más notorios. Por ello uno de los asesinatos que aparecen en la película es muy parecido a uno de los asesinatos que perpretó David "el hijo de Sam" Berkowitz, que mantuvo un reinado del terror en Nueva York entre 1976 y 1977. La película, por tanto, transmite un gran realismo en la manera que retrata al psicópata Zito, mérito de lo cual también recae en la fantástica actuación de Spinell. Por otro lado, Lustig crea muy bien momentos de suspense y juega con el espectador, sabiendo apretar las teclas justas para provocar angustia. La guinda sobre el pastel la pone el maestro Tom Savini, creando para la película unos increíbles y muy creíbles efectos de maquillaje; el más infame de ellos protagonizado por él mismo.
La película no es una entretenida cinta de terror en la que se glorifique al psicópata, como las películas de Hannibal Lecter, Jason Voorhes o Freddy Krueger. Se trata de pasar un tiempo con una persona muy enferma y ser testimonios de su infierno personal. Es un claro antecedente de Henry, retrato de un asesino en serie (Henry, Portrait of a Serial Killer, 1986) de John McNaughton. Y tanto Maniac como Henry fueron víctimas de un furioso ataque llevado a cabo por los críticos de cine y los grupos de decencia moral en el momento de su estreno. Maniac fue clasificada de producto morboso que explotaba la violencia contra las mujeres. En fin, ¿qué os voy a decir? Sólo tenéis que ver la película para descubrir lo falso de esa afirmación. Maniac también tuvo sus defensores, como el director de cine William Friedkin.
Con el tiempo la película ha ganado el reconocimiento que merece y se ha convertido en un clásico de culto. Creo recordar una edición de Manga Films, pero no de si fue en DVD o vídeo. En todo caso, la edición en DVD de Blue Underground es sin censura y con un montón de extras.
Escrita y dirigida en 1990 por William Peter Blatty, El exorcista III es un film cargado de tensión y suspense pero que tiene un gran elemento en contra: su título. Blatty adaptó su novela Legión para esta tercera entrega de la saga de El exorcista y creo que más gente vería esta película si sólo llevase el título de la novela. El argumento de esta secuela gira en torno a la investigación que el inspector Kinderman (George C. Scott) lleva a cabo sobre unos asesinatos en serie que, aparentemente, es posible que guarden relación con otros asesinatos acontecidos cuando la pequeña Regan MacNeil fue poseída por el diablo.
El exorcista (The Exorcist, 1973) de William Friedkin es un clásico del cine y una obra maestra del cine de terror. Ante su monumental éxito, los ejecutivos de la Warner empezaron inmediatamente a cocinar una secuela con la sacar más dinero sin tener que esforzarse mucho. Así que nos ofrecieron El exorcista II: el hereje (The Exorcist II: The Heretic, 1977). Un desastre dirigido por John Boorman que simplemente repite el argumento de la primera sólo que intenta hacerlo más espectacular (el cine americano está convencido de que si hace más ruido y es más grande es mejor), pero la película carece de la pericia de William Friedkin para hacer creíble lo increíble. William Peter Blatty fue el autor de la novela original en que se basó El exorcista y también fue el encargado de convertirla en guión, por el cual ganó un Óscar. Blatty escribió El Exorcista en 1971, inspirándose en un caso "real" de posesión diabólica que tuvo lugar en los años 50. En 1983 escribió Legión, una novela que continua en cierta forma El exorcista ya que contiene algunos de los mismos personajes, el inspector Kinderman por ejemplo, pero que sigue otros derroteros muy interesantes.
Blatty no había tenido nada que ver con la primera secuela, otra de las razones por las que fue un fracaso crítico y de taquilla, y la ignora completamente. También quiso titular su película igual que la novela, pero los ejecutivos insistieron en que se titulase El exorcista III, con la intención de ganar más dinero que fuese más patente la relación entre ambas películas. No fue el único problema que hubo entre Blatty y los ejecutivos del estudio. La discusión principal giró en torno a su final. Al igual que sucedió más tarde con la precuela que dirigió Paul Schrader, que fue apartada de circulación para ser vuelta a filmar por Renny Harlin y ambas versiones se pueden encontrar ahora en DVD, los ejecutivos tenían un serio problema con el final que dirigió Blatty: no había exorcismo. Por tanto, impusieron a Blatty un nuevo final.
A pesar de estos rifirrafes con el final, El exorcista III es un film redondo tremendamente inquietante. Como hace Paul Schrader en su excelente versión de la precuela deEl exorcista Dominion, Blatty no intenta asustarnos cada cinco minutos gritando ¡buuu!, sino que metódicamente va desarrollando su inquietante historia que plantea la posibilidad de un asesino en serie poseído por el diablo. Como aficionado al cine de terror, agradezco el esfuerzo de Blatty de no intentar epatar al espectador con los mismos tópicos de siempre y que deje que sea la propia fuerza de la historia y los personajes la que nos impacte.
En resumen, El exorcista III es una excelente película de terror que merecía mejor suerte que la que tuvo.
Después de producir maravillas como Re-Animator (ídem, dir. Stuart Gordon, 1985) y Re-Sonator (From Beyond, dir. Stuart Gordon, 1986), Brian Yuzna debutó en 1989 como director con el clásico de culto Society.
Society es una sátira que homenajea las películas paranoides de los 50 y transmite un claro mensaje social que no tuvo mucho impacto en Estados Unidos, ya que no se tiene la idea de vivir en una sociedad de clases como en Europa, donde la película sí impactó.
La película cuenta la historia del joven Billy (Billy Warlock) que es un estudiante popular, tiene una guapa novia y su familia es una de las más ricas de Beverly Hills. A pesar de todo, el joven Billy no es feliz. Tiene continuas pesadillas y se siente alienado. Como si no perteneciera a su familia. Por ello hace terapia con el doctor Cleveland (Ben Slack) que intenta ayudarlo en lo que puede. Sin embargo, Billy muy pronto descubrirá que hay algo peor que tener fantasías paranoides: que estas se hagan realidad.
El guión de la película fue escrito por Rick Fry y Woody Keith (que también escribieron La novia de Re-Animator (Bride of Re-Animator, dir. Brian Yuzna, 1990)), un guión con el que Yuzna se sintió inmediatamente identificado al haber convivido de joven con los prejuicios habituales en la clase alta. Es por ello, tal vez, que Yuzna consigue crear un sólido suspense en la primera mitad de la película en la cual acompañamos a Billy en sus intentos descubrir la verdad. Una verdad que se oculta tras la capa superficial que nos dejan ver. Algo que habría hecho las delicias de Phillip K. Dick. Pero, claro, si hay algo que todo el mundo recuerda es la surrealista segunda mitad de la película en la cual descubrimos la auténtica naturaleza de la sociedad. Un festival de cárnicas mutaciones cortesía del maestro en efectos especiales Screaming Mad George, que a partir de entonces pasarán a se acreditados como "efectos surrealistas de Screaming Mad George". Pero no es gratuito, de esta manera se muestra de forma visual la decadencia moral de esta sociedad, a través de su carne metamórfica. Incesto y canibalismo se nos muestran en una orgía de carne, literalmente.
Un título brillante que no debería se difícil de encontrar en DVD. La edición de importación con extras, la doméstica, no.
Voyage of the Rock Aliens fue dirigida en 1987 por James Fargo. Lo creas o no, el mismo que dirigió Harry, el ejecutor (The Enforcer, 1976). La película es una comedia musical, cuyo título más acertado sería Voyage of the New Wave Aliens o Voyage of the Pop Aliens, las virtudes de la cual residen en su monumental colección de errores: malas actuaciones, números musicales horteras y un nada divertido sentido del humor.
Por increíble que parezca, tres guionistas fueron necesarios para crear esta joya del mal cine: Edward Gold, S. James Guidotti y Charles Hairston. ¿Sabéis que otros guiones escribieron? Pues ninguno más. Es posible que la mezcla de estas tres sensibilidades produjera la disparidad en el tipo de comedia de la película: comedia infantil, comedia gruesa (la que involucra chicas desnudas y bostas de vaca) y comedia idiota, todo mezclado con abundantes toques homoeróticos. Entre los tres cocinaron un argumento en el cual unos extraterrestres de paseo por el universo en su nave con forma de guitarra, que son poco más que unos malos imitadores de Devo, se dirigen hacia la Tierra gracias intrigados por las emisiones que han captado procedentes de allí. El caso es que lo que captan es a Jermaine Jackson y Pia Zadora (más sobre ella luego) cantando When The Rain Begins To Fall en una secuencia musical que no tiene ningún tipo de relación con la película que sigue.
Cuando los extraterrestres llegan a la Tierra van a la parar a la ciudad de Speelburgh (como Spielberg, porque es una peli con extraterrestres, ¡ja, ja, ja! ¡qué ingenioso! Ironía). Allí se encuentran con Dee Dee (Pia Zadora, de nuevo) y a su amiga Diane (Alison La Placa, os ahorraré horas de sufrimiento: os suena de haberla visto en Friends haciendo de jefa de Rachel cuando ésta trabajaba en Bloomingdale's). Dee Dee sale con Frankie (un joven Craig Sheffer), un tipo duro que parece salido de una revista porno gay. Frankie tiene una banda de "rock", pero no deja a Dee Dee cantar en ella. El comandante de los marcianos, ABCD (Tom Nolan), se enamorará de Dee Dee. Esto provocará hilarantes consecuencias. ¡Oh! También sale Michael Berryman haciendo de asesino loco con sierra mecánica.
Si habéis leído Majareta de John Waters, una colección de artículos publicada por Anagrama, posiblemente no necesitéis que os la presente. Si no habéis leído el artículo y entrevista cargado de venenosa admiración de Waters, os diré que Pia Zadora fue una actriz que ganó varios premios y participó en varias películas que básicamente pagó su multimillonario marido (tanto los premios como las películas). Canta bien, eso no os lo negaré, pero básicamente ahí termina su talento. Pero, seamos honestos, no es lo peor de esta película. Ese honor lo tiene el irritante grupo de marcianos, la banda Rhema, que une su nulo talento actoral a su mediocre música techno-pop. Craig Sheffer se dedica a pasearse marcando culo y haciendo morritos. ¿A lo mejor por ello lo cogió Clive Barker para protagonizar Razas de Noche (Nightbreed, 1990)?
Voyage of the Rock Aliens reúne lo mejor de lo peor que nos dieron los ochenta. Si bien la manera de disfrutarla no es la que tenían pensada sus creadores, uno se ríe viéndola. Mucho. Está editada en DVD en Inglaterra.
Escrita y dirigida en 1997 por Paul Thomas Anderson, Boogie Nights es una disimulada biografía del actor porno John Holmes y del negocio del porno de finales de los setenta a mediados de los ochenta. Es un film coral que cuenta en su reparto con: Mark Wahlberg, Heather Graham, Julianne Moore, Burt Reynolds, John C. Reilly, William H. Macy, Melora Walters y un largo etcétera.
La película se inicia en los días despreocupados de los setenta. Eddie Adams (Wahlberg) se gana la vida de fregaplatos en una disco y se saca un sobresueldo enseñando el enorme pene que tiene a todo aquel que le pague suficiente. Allí será descubierto por Jack Horner (Reynolds) que lo convertirá en la estrella del porno Dirk Diggler (juego de palabras, suena parecido a dick digger, algo así como "polla excavadora"). Se inicia así la primera parte de la película, más optimista, representando los setenta con colores saturados muy cálidos. Luego, para la segunda parte que muestra la decadencia de los ochenta, los colores se van desaturando, marcando también el paso del cine porno al vídeo porno. Los personajes se verán plagados de problemas con las drogas, con la familia y con el desprecio que provoca en una sociedad puritana dedicarse al porno.
A día de hoy, Boogie Nights sigue siendo la película de Paul Thomas Anderson que más me gusta por encima de otros títulos como Magnolia y There Will Be Blood. La razón principal es que en Boogie Nights hay un mayor equilibrio en el drama y no entra en los terrenos melodramáticos posteriores. Igualmente hay su dosis de violencia y desgracias personales, pero no tan devastadoras como en sus posteriores films. También tiene unos toques de humor que desaparecen en sus posteriores películas.
Boogie Nights retrata de forma certera el ascenso y caída del porno. En los setenta, cuando se estrenaron por primera vez de forma legal en los cines, el porno era una moda. Las películas X recaudaban millones en taquilla. La decadencia llega en los ochenta con el vídeo. Cuando las películas empiezan a rodarse directamente en vídeo pierden (más) calidad. Momento representado en el film con la inicial negativa del personaje de Reynolds, Jack Horner, de rodar en vídeo, porque él es un director de cine. Naturalmente se verá obligado a rodar en vídeo, entonces le vemos sentado en su silla de director con cara de asco/aburrimiento. También retrata como los actores y actrices porno sobreviven cuando no están ante las cámaras. Significativo es el retrato que se hace de Rollergirl (Heather Graham) que representa a las actrices que empiezan muy jóvenes en el mundo del porno y como les afecta, lo muestren o no.
En una película ambientada en los setenta y ochenta hay que destacar la banda sonora. Como suele ser habitual en las películas ambientadas en este periodo hay una buena selección de clásicos que son típicos de la época. Tal vez demasiado, por mi parte habría agradecido la inclusión de temas un poco más desconocidos.
Si no la visteis en su momento en el cine o no la habéis pillado en vídeo, es un gran título a descubrir.
Simplemente adoro esta película desde que la vi de pequeño por televisión. Pocas películas consiguen transmitirme con tanta facilidad el llamado sentido de la maravilla como Planeta Prohibido (Forbidden Planet, 1956) de Fred M. Wilcox. Una de las películas fundamentales de la ciencia-ficción, fue la primera en acercar el espacio a los espectadores de una manera nunca experimentada antes.
Curiosamente, una película muy influyente en la ciencia-ficción futura cogía elementos con siglos de antigüedad. La trama de la película se basa en la obra de William Shakespeare La tempestad. En la película se sustituye la magia que emplea Próspero en la obra de Shakespeare por la ciencia avanzada de los Krell que estudia el doctor Edward Morbius. Otro detalle que puede llamar la atención a nuestros ojos es que la tripulación de la nave de los Planetas Unidos C-57D se basa en la tripulación de un barco, por eso muchos personajes son parecidos a los personajes clásicos de las películas bélicas de aventuras ambientadas en buques.
Allen Adler, Irving Block y Cyril Hume son los artífices del guión de Planeta Prohibido. En él se explica como la tripulación del C-57D acude al planeta Altair IV para investigar que ha sucedido con la colonia terrestre allí instalada. Una vez allí descubren que sólo quedan dos supervivientes de la colonia: el doctor Edward Morbius (Walter Pidgeon) y su hija Altaira Morbius (Anne Francis). El comandante J. J. Adams (Leslie Nielsen) se pondrá a investigar inmediatamente que sucedió con los demás colonos, especialmente cuando miembros de su tripulación empiecen a morir en las garras de una misteriosa criatura invisible.
Resulta difícil de creer actualmente, pero Leslie Nielsen basó su carrera en personajes serios y duros. No fue hasta Aterriza como puedas (Airplane!, dir. Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, 1980) que interpretó papeles cómicos. Aquí hace un buen papel como el comandante Adams, práctico y de decisiones rápidas, tremendamente respetado por su tripulación, es un antecedente del capitán Kirk de la serie Star Trek. Como interés romántico tenemos a Anne Francis, el sueño de cualquier cosmonauta, la deliciosa Francis es Altaira Morbius, extremadamente inteligente pero a la vez muy ingenua como resultado de haberse criado con la única compañía de su padre y de la otra estrella de la película Robby el Robot. Francis consigue transformar esta ingenuidad en una casual sensualidad. El doctor Morbius de Walter Pidgeon camina muy bien una línea ambigua entre el bien y el mal. Morbius no es un villano malvado, tampoco es un héroe, sino que es una víctima de su fragilidad humana. Llegamos finalmente a una de las estrellas de la película, que si bien tuvo una corta filmografía todas sus interpretaciones son memorables. Estoy hablando de Robby el Robot. El androide que hace funciones de vigilante, cocinero, niñera y lo que haga falta. Creado para esta película, Robby aparecería otras películas como The invisible boy (dir. Herman Hoffman, 1957) (película incluida en la edición especial en DVD de dos discos), saliendo también en series de televisión como The Thin Man y Project U.F.O. e incluso hace un cameo en Gremlins (1984) de Joe Dante.
El diseño de la película es memorable. El ahora retro diseño era el sumum del futurismo. Desde el platillo volante a la ciudadela de los Krell, todo tiene un toque distintivo que lo hace inmediatamente reconocible como perteneciente a este film. Contribuye a ello el Cinemascope en vibrantes colores que da mucha viveza a la película. Como estaba ambientada en el futuro se decidió darle una banda sonora acorde, una banda sonora compuesta de tonos electrónicos responsabilidad de Bebe y Louis Barron. El resultado es la primera banda sonora compuesta de música electrónica, aunque sin sintetizadores ya que todavía no existían.
Stephen King, Colin Wilson, J.G. Ballard... muchos escritores y cineastas han reconocido la influencia ejercida por Planeta Prohibido en su obra, la cual han reconocido temáticamente o a través de homenajes. David Cronenberg se inspiró en parte en Planeta Prohibido para el argumento de su film Cromosoma 3 (The Brood, 1979). También obras tan dispares como Babylon 5, Serenity o The Rocky Horror Show hacen referencia a este film. No es de extrañar por eso que los proyectos para hacer remakes, secuelas y precuelas hayan sido constantes. El último de estos proyectos, que de momento no sé si finalmente se hará realidad, fue iniciado por J. Michael Straczynski, que ha declarado que Planeta Prohibido es su película favorita. El proyecto consiste en una película que exploraría la civilización Krell de la cual sólo vemos las ruinas en el film.
Planeta Prohibido es una maravilla de principio a fin cuya visión recomiendo encarecidamente al menos una vez al mes.
Descubrí el segundo film de Fred Dekker antes que el primero. Justo cuando salió en vídeo hacia 1988 o 1989. La película se estrenó en EUA en 1987 y fue escrita por Dekker y Shane Black (guionista de Arma Letal y la genial Kiss Kiss Bang Bang, que también dirigió). Y de verdad, ya no las hacen como antes. ¿Qué película infantil se atrevería a presentar a uno de sus héroes adolescentes llevándose un cigarrillo a la boca como un James Dean de trece años?
Una de las claves del éxito de The Monster Squad a lo largo de veinte años (aunque no en el momento que se estrenó) es que es realmente una película para todos los públicos. Un adulto la puede disfrutar y un niño la puede disfrutar ya que en ningún momento la película baja el nivel intelectual o resulta infantil o ñoña.
La historia nos cuenta como Drácula reúne un grupo de monstruos (un hombre lobo, una momia, algo parecido a la Criatura de la Laguna Negra pero sin infringir el copyright y la criatura de Frankenstein) para llevar a cabo un plan que le proporcionará poder suficiente para dominar el mundo. Lo único que se interpone en su camino es la Monster Squad: un grupo de amigos aficionados a los monstruos que descubrirán el malvado plan y harán lo que sea por impedirlo.
Tras un excelente desarrollo, la película da paso a un último tramo de acción non-stop. Entre medio, obviamente, los homenajes a las películas de terror que hizo la Universal entre los años 30-40 y los 50 (la Criatura de la Laguna Negra). Todo ello explicando una historia, no explicando una historia para niños. Puede que ahí radique la razón por la que no funcionó en su momento: la película parecía demasiado oscura para niños y demasiado ligera para adultos. Sin embargo, creo que eso se debería más a una mala campaña de marketing que a un fallo de la película.
Confesaré que compré el DVD en un principio por razones nostálgicas, ya que guardaba un buen recuerdo de la película. Pero en cuanto empecé a verla me quedé absolutamente atrapado, dejando de lado cualquier ejercicio proustiano. Es de esas películas que si no te gustan, es que tienes un problema. Por desgracia, se prepara un remake.
Descubierta en los despreocupados días en que el videoclub era mi segunda casa, El terror llama a su puerta (Night of the Creeps, 1986) fue escrita y dirigida por Fred Dekker. Fue su primera película y no podría haber deseado mejor carta de presentación. Night of the Creeps mezcla extraterrestes, zombis y asesinos psicópatas aliñando el conjunto con diversos toques de humor. Por desgracia, hubo ciertas tensiones con la productora y la película no funcionó en taquilla como se esperaba. Su siguiente película, la fantástica Una pandilla alucinante (The Monster Squad, 1987), incomprensiblemente tampoco funcionó en taquilla. Después de dirigir un episodio para la serie Cuentos de la Cripta, el episodio titulado The Thing from the Grave (1990), llegaría el desastre total: Robocop 3 (1993). El intento de la productora de convertir una serie de películas para adultos en algo para niños creó el bodrio que es Robocop 3. Después de esta mala experiencia, Dekker abandonó la dirección y se dedicó a tareas de guionista y productor. Dejando de lado Robocop 3, el resto de su breve filmografía lo ha convertido en un director de culto ya que con el tiempo sus dos primeras películas han ido ganando seguidores y fans, consiguiendo el aprecio y reconocimiento que no tuvo en su momento. De hecho, corren terribles y aterradores rumores de que van a hacer un remake de la maravillosa The Monster Squad.
Night of the Creeps podría haber sido un desastre. La mezcla de tantos elementos de género en un mismo film podría haber resultado en un guión confuso o degenerar en una retahíla de referencias sin gracia. Por fortuna, Dekker maneja todos los elementos con habilidad, teniendo parte del mérito no sólo el estupendo guión sino también el reparto que reúne Dekker capaz de transmitir perfectamente el humor inherente a la historia. El humor se mezcla con el drama, haciendo que con la comedia nos encariñemos con los personajes y suframos por ellos cuando las cosas empiezan a ir mal.
Encabezando el reparto tenemos a Jason Lively y Steve Marshall que interpretan a Chris y J.C., respectivamente. Chris y J.C. son una pareja de amigos que intentan entrar en una fraternidad para que Chris pueda conquistar a una chica. Para ello han de pasar por una novatada, que consiste en robar un cuerpo de la morgue. Allí se encontrarán un cuerpo congelado y, cuando intentan moverlo, este abre los ojos. Esto provoca que ambos salgan corriendo de allí. Este cuerpo vuelto a la vida, como podéis suponer, no traerá nada bueno. Jill Whitlow es Cynthia, el interés romántico de Chris, guapa e inteligente es la novia de un imbécil, como suele ser habitual. Cuando llegue el momento, Cynthia se convertirá en una versión más joven de la tte. Ellen Ripley. Por cierto, a lo mejor os resulta familiar la pareja Lively y Whitlow porque ambos protagonizaron también la película alemana El secreto del fantasma (Hollywood-Monster, dir. Roland Emmerich, 1987), una película de fantasmas para todos los públicos. Por último, pero no menos importante, tenemos al gran Tom Atkins interpretando al inspector Ray Cameron. Cameron verá como los fantasmas de juventud vuelven para atormentarlo cuando un psicópata que mató hace tiempo vuelve de entre los muertos.
Dekker llena la película de referencias y homenajes para los fans del género, pero en ningún momento interfieren con la historia de la película. La mayor parte de las referencias son a través de los nombres de los personajes: Cronenberg, Romero, Raimi, etc. Además, los protagonistas van a la Universidad Corman. En fin, ya os hacéis a la idea. Personalmente, disfruté mucho con la película la primera vez que la vi. Sin embargo, había algo que no acababa de cuajar para mí y era el final de la película. Gracias al DVD, me enteré que ese final había sido impuesto por la productora que quería un último susto y ahora se puede disfrutar del final original de Dekker en el Director's Cut editado en DVD. De hecho, la única diferencia entre el montaje estrenado en cines y el montaje del director es el final, siendo mucho mejor el final original que tenía pensado Dekker.
Resumiendo, un gran título originado en ese gran momento del cine de género que fueron los ochenta.
La compañía Troma fundada en 1974 por Michael Herz y Lloyd Kaufman es, posiblemente, la última compañía de cine realmente independiente que queda en Estados Unidos. Financian, producen y distribuyen sus películas sin la intervención de ningún estudio ni ningún gran conglomerado, además de distribuir títulos europeos. Es por ello que, aunque no me gusten todas las películas que hacen, siempre tendrán mi humilde apoyo y el de todos mis seguidores. El de los dos.
Esto viene a colación porque voy a comentar un título Troma: El día de la madre (Mother's Day), dirigida en 1980 por Charles Kaufman y escrita por Kaufman y Warren Leight. Las películas Troma se caracterizan por la mezcla de comedia y terror, escenas gore, la violencia y cierta mezcla ideológica. Cuando digo mezcla ideológica quiero decir que en ocasiones nos encontramos mensajes de ecologismo y no a las drogas pero, en otra, se denota cierta misoginia como en el caso de la aburrida, torpe y cutre Sardú (Bloodsucking Freaks aka The Incredible Torture Show, dir. Joel M. Reed, 1976).
En el caso de El día de la madre tenemos tres amigas que deciden pasar juntas unos días de acampada en la montaña. Allí serán secuestradas por dos hermanos pirados que siguen las órdenes de su no menos chalada madre. Las chicas serán humilladas, torturadas y finalmente asesinadas. Entonces, llega el momento de la venganza.
Como decía, nos encontramos una mezcla de intenciones. Por un lado, hay una denuncia contra la telebasura: la familia de pirados tiene televisores por toda la casa, en todas las habitaciones, continuamente encendidos; sugiere así que la base de la locura familiar tiene su origen en la televisión. Por otro lado, a través de flahsbacks se nos explica que las tres amigas tienen un historial de pesadas bromas destinadas a humillar a diversos hombres del pasado de cada una. Juntando los flahsbacks con lo que les sucede más tarde a las chicas a uno le queda la impresión de que todo ello forma parte de un castigo por haberse burlado en el pasado de los hombres.
En fin, ¿hasta que punto son todo elucubraciones personales o intención de los cineastas? Juzgad vosotros mismos. De lo que no hay duda es que El día de la madre es una película incorrectamente divertida y que marcará el tono de las posteriores producciones Troma como El vengador tóxico. Parece ser que Darren Lynn Bousman (Saw II, Repo! The Genetic Opera) prepara un remake de esta película.
Entre el 14 de junio de 1962 y el 4 de enero de 1964 trece mujeres solteras del área de Boston fueron asesinadas. El método siempre el mismo: estranguladas usando un tipo particular de nudo. Durante esos dos años, la ciudad de Boston, especialmente las mujeres, vivió aterrada bajo la amenaza de un misterioso asesino que, a pesar de la publicidad que se hizo de los crímenes y las advertencias de la policía, siempre conseguía que sus víctimas le dejasen entrar en casa. Todas ellas fueron conocidas como las víctimas del estrangulador de Boston.
En 1968 Richard Fleischer, director de clásicos como Viaje Alucinante (Fantastic Voyage, 1966) y Cuando el destino nos alcance (Soylent Green, 1973), llevó al cine el caso del estrangulador de Boston en una película que no es sólo una de las mejores que se ha hecho jamás sobre un asesino en serie sino que es todo un clásico del cine.
La película cuenta de forma metódica toda la historia, desde el primer asesinato, de forma seca y con un ritmo acelerado, sin entrar en falsos efectismos ya que la historia es suficientemente potente de por sí. Esta forma de narrar cuasi documental, enfatizada por el hecho de que la película no tiene música, contrasta con el uso que hace Fleischer de las pantallas partidas. Considerado hoy día un recurso pasado de moda, como el zoom, seguramente debido a su abuso y poca habilidad en el uso, como el zoom, el uso que hace Fleischer de este recurso realmente contribuye crear suspense y tensión, algo que años más tarde Brian De Palma usaría hasta la extenuación. Para mí sólo hay dos casos más en los que se haya usado de manera efectiva: La amenaza de Andrómeda (The Andromeda Strain, dir. Robert Wise, 1971) y Hulk (idem, dir. Ang Lee, 2003). Luego tenemos el caso de películas como Perversidad (Wicked, Wicked, dir. Richard L. Bare, 1973), un film rodado completamente usando pantalla partida pero el uso que hace de este recurso no aporta nada a la narración y la película tampoco tiene nada interesante que contar, ya que se trata de una típica historia de asesino psicópata. Además, en un ejercicio de sumo cinismo, bautiza el uso de la pantalla partida como Duo-vision, como si fuera algo nuevo que se hubieran inventado.
Volviendo a El estrangulador de Boston, aparte del estilo de Fleischer, la película cuenta también con un gran reparto. Tenemos a Henry Fonda interpretando a John S. Bottomly, que fue puesto frente al equipo encargado de capturar al estrangulador y a George Kennedy como el inspector Phil DiNatale, uno de los policías que investigó el caso del estrangulador. Pero sin duda quién destaca en esta película es Tony Curtis como Albert DeSalvo, el estrangulador de Boston. Curtis ofrece una soberbia interpretación, prácticamente se convierte en el estrangulador. Tiene momentos en los que realmente da miedo, superando de calle cualquier otro piscópata de cine.
Si os gustó Zodiac de David Fincher, no os perdáis El estrangulador de Boston. Es fascinante visualmente e interiormente y está plagada de buenos actores.
