Este artículo llega un poco tarde, pero más vale tarde que nunca. Cuentos de Halloween (Tales of Halloween, 2015) reúne once directores para un título que es una nueva muestra del buen momento que vive el cine antológico.
El gimmick de la película consiste en situar las diez historias que cuenta en la noche de Halloween que pasa una típica ciudad americana, aunque sin estar conectadas al estilo Truco o trato (Trick 'r Treat, Michael Dougherty, 2008). Como hilo conductor tenemos a la fantástica Adrienne Barbeau haciendo de locutora, un claro homenaje al personaje que interpretó en la clásica La niebla (The Fog, John Carpenter, 1980).
Concentrar 10 historias en 92 minutos de película significa que las historias son breves y directas, buscando el impacto al estilo de los cómics EC. Lo que significa también que dependen mucho de la ejecución para que funcionen, ya que de otro modo resultan no solo predecibles (todas las historias lo son, su fuerza no radica ahí), sino que no logran impactar o divertir al espectador. Todas ellas, además, juegan mezclando el terror y la comedia en un estilo que, de nuevo, recuerda mucho al de los cómics EC y a la clásica Creepshow (George A. Romero, 1982).
Por fortuna, son pocas las historias que no funcionan. Los directores que participan son: Darren Lynn Bousman, Axelle Carolyn, Adam Gierasch, Andrew Kasch y John Skipp, Neil Marshall, Lucky McKee, Mike Mendez, Dave Parker, Ryan Schifrin y Paul Solet. De entre todos ellos, únicamente el segmento de Bousman y el que dirigen juntos Kasch y Skipp no me hicieron gracia, ni me impactaron, ni nada, ya que trataban un tipo de historia que otros ya han tratado mejor antes sin aportar nada nuevo. De modo que resultan simplemente predecibles y aburridas, ya que además tampoco funciona la comedia en ellos. En cambio, el segmento de McKee, por ejemplo, destaca por la forma en que presenta su historia más que por la historia en sí. Otro ejemplo sería el segmento de Paul Solet, que me gustó por la manera en que mezcla terror y spaghetti western. O el segmento de Mike Mendez que me gustó por el homenaje que hace a mi querido slasher.
La película resulta lo suficientemente variada y divertida como para que paséis un buen rato, ya que los momentos flojos se pasan bastante rápido y los momentos fuertes abundan más y resultan bastante entretenidos.
A veces pasa, te pones a ver una película sin saber nada que inesperadamente te vuelve loco de placer. Hacía tiempo que había oído hablar de esta película, bajo uno de sus títulos más conocidos, pero nunca había tenido la oportunidad o el interés en verla. Sin embargo, cuando Arrow Video la editó recientemente en Blu-ray, sentí un irracional impulso por hacerme con ella. Un riesgo que valió la pena y espero que al terminar de leer esto sintáis las mismas ganas de verla.
Esta película ha tenido una complicada y azarosa historia, lo que explica los distintos títulos con que se conoce, incluso aquí. En IMDB se identifica como Pesadilla en Sherman Woods, traduciendo el título con el que se estrenó en cines en Estados Unidos, pero en FilmAffinity la identifican como Rostro del asesino. Fue dirigida por John M. Grissmer a finales de 1983 con el título Complex, pero luego se decidió cambiar el título por Slasher, tras lo cual se quedó en el limbo. No se estrenó en cines hasta 1987, con el título Nightmare at Shadow Woods, intentando aprovechar el éxito de la franquicia Pesadilla en Elm Street, aunque era una versión reeditada y bastante censurada. Finalmente se editó en vídeo el montaje original (con alguna censura) bajo el título Blood Rage, título con el que es más conocida.
A pesar de los cambios, la historia es siempre la misma. Todd y Terry (ambos interpretados por Mark Soper) son los hijos gemelos de Maddy (Louise Lasser). Cuando eran niños, Terry asesinó salvajemente a un hombre con un hacha y culpó a Todd de ello. Diez años más tarde, Todd está encerrado en una institución psiquiátrica mientras Terry disfruta de la vida con su novia y amigos. Cuando Todd escapa del manicomio para enfrentarse a Terry, este lo aprovecha para desencadenar una nueva masacre en el complejo de apartamentos en el que vive su madre y culpar de nuevo a su hermano.
La historia, aunque fue concebida durante el periodo de decadencia del slasher, resulta bastante diferente y original en el sentido de que no utiliza un asesino enmascarado para deshacerse de los personajes que pueblan la película, como era la norma entonces. Al dejar claro desde el principio la identidad del asesino se utiliza el suspense de una forma distinta a la habitual, jugando con el hecho de que todo el mundo cree que Todd es el asesino, mientras Terry se pasea tranquilamente descuartizando a cualquiera que se le ponga por delante. La interpretación de Mark Soper es bastante buena como Todd, que después de diez años en un manicomio no está del todo "equilibrado", pero resulta en particular divertido como Terry, especialmente durante la parte final.
Pero lo que hace de Blood Rage una película que para mí está a la altura de maravillas como Mil gritos tiene la noche (Juan Piquer Simón, 1982) es su tono y sus toques de locura. El film mezcla de forma perfecta la comedia y el terror, lo que añadido a los efectos gore de Ed French (ahora visibles en toda su gloria gracias al Blu-ray) da como resultado una inolvidable experiencia. La actriz Louise Lasser es la que aporta más carcajadas y locura gracias a su papel como Maddy, la madre de los gemelos. Es rara la escena en que su participación no aporte alguna risa. La fantástica banda sonora a base de sintetizadores le acaba de dar el toque de gracia al conjunto.
Arrow nos ofrece tres versiones del film. Blood Rage es la mejor de todas, la más directa y entretenida. Nightmare at Shadow Woods, es la versión estrenada en cines en la que se elimina prácticamente toda la sangre del film, mientras que la reedición que llevaron a cabo los distribuidores le aporta algún momento absurdo, pero resulta interesante ya que se añadieron varias escenas que no aparecen en Blood Rage. La versión "compuesta" es Blood Rage con algunas escenas añadidas de la versión cinematográfica; para mí es como la versión para los fans, una vez has visto la original tienes la extendida para disfrutar un poco más.
Espero que pronto muchos os animéis a dejaros llevar por la maravillosa locura que es Blood Rage (¿cuántos slashers habéis visto en que el asesino haga una pausa para mear mientras persigue a una de sus víctimas?), sobretodo ahora que la podéis disfrutar sin censurar y en alta definición.
Marjane Satrapi es una reconocida autora de novelas gráficas que el 2007 debutó como directora de cine, adaptando Persépolis, su obra más famosa, siguiendo luego con otra adaptación de uno de sus cómics: Pollo con ciruelas (Poulet aux prunes, 2011). The Voices (2014), su última película, sin embargo, no se trata de ninguna adaptación, sino de una interesante comedia negra sobre un psicópata que intenta no seguir sus impulsos.
Jerry (Ryan Reynolds) es un tranquilo y agradable hombre que intenta mantener siempre una actitud positiva y optimista. Con esa misma actitud intenta seducir a una compañera de trabajo: la atractiva Fiona (Gemma Aterton). Jerry se siente tan atraído por Fiona que no se da cuenta de que otra trabajadora de la empresa, Lisa (Anna Kendrick), se siente muy atraída por él. Lo que ninguna de las dos sabe es que Jerry tiene serios problemas: el señor Bigotes, su gato, le anima constantemente a seguir sus impulsos y matar a todas las mujeres que se le pongan por delante, mientras que Bosco, su perro, intenta convencerlo de que es una buena persona y que no debe matar. Y parece que Bosco está perdiendo la discusión.
Ryan Reynolds, que también interpreta todas las voces de los animales con los que habla Jerry, realiza una estupenda interpretación que logra que el espectador se ponga de parte de su asesino personaje. Se nos cuentan las motivaciones de Jerry de manera muy efectiva, como la escena en la que decide tomar de nuevo la medicación y vemos el aspecto que realmente tiene su casa y la soledad que lo ahoga, de modo que entendemos perfectamente por qué actúa de la manera que lo hace. La simpatía que genera el personaje hace que The Voices acabe teniendo un regusto agridulce sin dejar de ser en ningún momento una estupenda comedia negra sobre un asesino en serie.
El resto del reparto también sobresale, especialmente Gemma Aterton cuando es convertida en una cabeza parlante. Anna Kendrick borda el papel de la chica tímida enamorada de Jerry.
Satrapi mantiene un excelente tono a lo largo del film, combinando de forma efectiva la comedia con los momentos más oscuros. Visualmente la película también me gustó mucho, especialmente por la manera en que nos diferencia el mundo de Jerry del mundo real.
Como ya he comentado en diversos artículos, estoy bastante cansado y quemado de las "modernas" películas de zombis. Por eso, cuando me encuentro una medianamente entretenida y que logra mantener mi interés me parece todo un hallazgo, como este moderno ejemplo de ozploitation: Wyrmwood: La carretera de los muertos (Wyrmwood: Road of the Dead, Kiah Roache-Turner, 2014).
Un misterioso fenómeno ha infectado a una gran parte de la población y la ha convertido en zombis. Entre el caos, Barry (Jay Gallagher) ha perdido a su familia. Desesperado, se obsesiona en rescatar a su hermana, Brooke (Bianca Bradey), secuestrada por un extraño grupo militar.
Lo que hizo que para mí esta película funcionara fue, primero, un divertido guion que llena una historia ya muy familiar con toques personales que le otorgan una personalidad propia, con un grupo de personajes que resultan bastante simpáticos y, segundo, un estilo muy cinético, deudor del Peter Jackson de los primeros tiempos y de Sam Raimi, que logra darle un sentido épico a esta modesta producción.
Como ejemplo de lo dicho antes, me gustó bastante la manera en que se introducen los personajes. Después de que Benny (Leon Burchill), uno de los compañeros de Barry en su búsqueda de su hermana, cuente cómo murieron sus hermanos en forma de historia, se nos introduce a Barry diciendo: "Esta mañana tuve que matar a mi mujer y a mi hija. No sé cómo convertirlo en una historia". Es una manera muy directa y rápida de mostrarnos la naturaleza de cada personaje y su personalidad.
Las escenas de acción son muy efectivas y se ejecutan bastante bien, en particular las persecuciones por la carretera y la huida de Brooke. Lo cual, sumado al equilibrado tono de la película, con su mezcla de terror con toques de comedia, hace de Wyrmwood un film muy disfrutable y entretenido.
Entre la marabunta de mediocridad en que se ha convertido hoy día el cine de zombis, resulta satisfactorio encontrar todavía cintas con un poco de personalidad.
Es algo triste ver como un director que nos ha ofrecido títulos míticos se ve relegado a dirigir episodios de televisión de series como Hawai 5.0 o películas que están muy lejos de los medios y el nivel que lo hicieron famoso. Enterrando a la ex (Burying the Ex, Joe Dante, 2014) es una sencilla comedia de terror pero teniendo al director que tiene uno se esperaba más.
Max (Anton Yelchin) no es demasiado feliz con su novia Evelyn (Ashley Green). Evelyn es inteligente y atractiva, pero quiere controlar en exceso su vida, quiere que deje su sueño de tener su propio negocio y odia a su hermano Travis (Oliver Cooper). Cuando por fin reúne el valor para cortar con ella, Evelyn muere atropellada. Pasado un tiempo, Max conoce a Olivia (Alexandra Daddario), que parecer ser su chica ideal, pero antes de que nada suceda Evelyn regresa de la tumba para seguir junto a Max para siempre y hará cualquier cosa para que Max sea suyo.
Enterrando a la ex es una comedia bastante divertida a pesar de los limitados medios con que se filmó, pero teniendo en cuenta que la dirigía Dante, me esperaba algo más, como decía al principio. El trío protagonista resulta bastante efectivo, especialmente las actrices. Ashley Green resulta muy divertida como la psicótica Evelyn, brillando al mostrar la degeneración de la Evelyn zombi. Y Alexandra Daddario tiene un buen timing cómico aunque ya su sola presencia sirve para hipnotizar al espectador. La relación entre Max y Travis es muy deudora de la relación entre Shaun y Ed de la genial Shaun of the Dead (Edgar Wright, 2004), pero el Travis de Oliver Cooper nunca consigue ser tan divertido y carismático como el Ed de Nick Frost.
Aunque no esté a la altura de las anteriores películas de Dante, Enterrando a la ex tiene puntos divertidos, es una comedia que funciona si te va este tipo de humor negro. Desde luego, es mejor que otras comedias de argumento parecido como ¡Qué muerto de novio! (My Boyfriend's Back, Bob Balaban, 1993). La película está llena de referencias y guiños como es habitual con este director, aunque al acabar te sigue quedando la sensación de que podría haber dado más de sí.
Os ofrezco este interesante cortometraje dirigido por Alexander Crews que nos cuenta la habitual historia de terror cósmico deudora de H. P. Lovecraft. Lo que lo hace interesante es que se nos cuenta usando cámara subjetiva, con lo que resulta un corto tremendamente efectivo y adapta el estilo narrativo de Lovecraft, principalmente el uso del narrador en primera persona, a la perfección. Espero que también os guste.
Alan Parker debutó como director de largos cinematográficos con esta comedia musical para todos los públicos, lo cual ya resulta curioso teniendo en cuenta la filmografía posterior del director, que incluye títulos mucho más oscuros y adultos como las geniales Pink Floyd The Wall (1982) y El corazón del ángel (Angel Heart, 1987). Por supuesto, lo más curioso de esta película es que todos los personajes fueron interpretados por niños, algunos más tarde famosos como Jodie Foster y Scott Baio.
No hace falta decir que Bugsy Malone no es el nieto de Al Capone a pesar de lo que indica el absurdo titulo castellano. Bugsy Malone, nieto de Al Capone (Bugsy Malone, 1976) nos cuenta como el buscavidas Bugsy (Baio) se ve mezclado en la guerra entre dos bandas rivales de gánsteres. Una guerra que parece estar ganando Dandy Dan (Martin Lev), por lo que un desesperado Fat Sam (John Cassissi) intentará que Malone se ponga de su lado.
El hecho de que el film esté interpretado por niños hace que algunas partes de la película queden algo flojas, en particular el triángulo amoroso entre Bugsy Malone, la recién llegada a la ciudad Blousey (Florrie Dugger) y la novia de Fat Sam Tallulah (Foster). Al ser actores infantiles se ha de suavizar todo el romance y la nula química entre Dugger y Baio también afecta a la película (al parecer, Dugger no soportaba a Baio).
Pero este es realmente el único punto flojo de la película, ya que la peculiar mezcla de homenaje al cine de gánsteres de la Warner de los años 30 con el slapstick y la comedia del cine mudo hacen que este sea un film bastante divertido. Peculiar, pero divertido. Es también un musical y esta parte de la película corrió a cargo de nada menos que Paul Williams, al que muchos recordaréis como el autor de la banda sonora de la obra maestra El Fantasma del Paraíso (Phantom of the Paradise, Brian De Palma, 1974), en la cual también interpretaba al mefistofélico Swann. Williams se encargó de cantar la mayoría de las canciones, en particular las de Bugsy Malone. Todos los actores y actrices fueron doblados en las canciones por cantantes profesionales.
Vista hoy día, Bugsy Malone resulta una película peculiar y diferente, producto de una época en la que un film como este no resultaba extraño. Una vez ajustados al universo que nos presenta, Bugsy Malone resulta una experiencia divertida, una extraña máquina del tiempo que hoy día es casi una película clásica.
A la triste noticia de la muerte del actor de culto Angus Scrimm el sábado pasado se le suma hoy otra terrible noticia: la muerte del gran David Bowie. Bowie se encontraba en un momento creativo especialmente dulce, había completado el musical basado en El hombre que cayó a la Tierra, que él protagonizó en 1976, y hacía unos días que se publicaba su último disco Blackstar. Scrimm nos dejaba después de encarnar por última vez al Hombre Alto en la pendiente de estreno Phantasm: Ravager.
Bowie fue un artista fascinante e inquieto, que nunca se mantuvo en una fórmula segura, continuamente evolucionaba y experimentaba. Aunque personalmente sus trabajos de finales de los 80 y de los 90 no me acabaron de gustar, sus discos de los 70 y los editados ya en el siglo XXI me parecen realmente fantásticos, y su influencia en la música moderna es innegable. Imagino que ahora Bowie se encuentra vagando junto al Comandante Tom por el espacio cósmico.
Al igual que otros actores míticos del cine de terror como Boris Karloff o Robert Englund, la personalidad de Angus Scrimm, nombre real Lawrence Rory Guy, nada tenía que ver con la del personaje que le dio fama. El Hombre Alto era un misterioso e implacable ser de pesadilla que perseguía hasta en los sueños a los sufridos protagonistas de la saga Phantasm, nada más lejos del entrañable hombre que le daba vida. Como muchos ya sabréis, yo soy muy fan de esta saga, desde que vi con unos amigos la primera entrega cuando tenía unos 13 o 14 años, en una vapuleada cinta VHS. Esta saga ha sido una gran influencia y fuente de inspiración para mí, con sus tramas oníricas y su lógica de pesadilla.
Por suerte nos quedan los discos de Bowie y las películas de Scrimm. Su legado será eterno.
Pocos directores han sido tan influyentes y tan poco apreciados en su momento como Mario Bava. Mientras Dario Argento y Federico Fellini en su momento tomaban prestadas ideas e imágenes de las películas de Bava con gran éxito, las propias películas del maestro no corrían mucha suerte en taquilla. No fue hasta pasados unos años tras la muerte del director, en 1980, que su obra fue revaluada y apreciada, cuando su influencia en directores tan diversos como Martin Scorsese y Guillermo del Toro se hizo evidente. Terror en el espacio (Terrore nello spazio, Mario Bava, 1965) es un gran ejemplo del genio de este director, un film en algunos aspectos adelantado a su tiempo, que sigue funcionando hoy día, siendo más evidente la influencia que tuvo en títulos posteriores como Alien - El octavo pasajero (Alien, Ridley Scott, 1979).
Terror en el espacio resulta también un film interesante por la forma en que combina lo antiguo y lo moderno. Aún faltaban unos pocos años para que Stanley Kubrick revolucionara en el género de la ciencia ficción mostrando con increíble realismo naves navegando por el espacio, así que las técnicas utilizadas en el film de Bava son las mismas que se llevaban utilizando desde los años 50: maquetas filmadas frente fondos estrellados. Este es el único aspecto que hoy día puede que no acabe de convencer al espectador actual (especialmente si se ve la película en alta definición), pero, personalmente, creo que le añade cierto encanto retro al film.
Pero el film resulta moderno por la manera en que nos cuenta la pesadilla que sufre la tripulación del Argos, que intenta rescatar a la tripulación del Galliott, la cual se encontraba investigando la extraña señal proveniente de un planeta desconocido. No es este punto del argumento el único que tiene en común con Alien, hay una escena en la que los protagonistas encuentran una misteriosa nave extraterrestre que al parecer se estrelló allí hace mucho tiempo, tripulada por gigantescos extraterrestres de los que solo encuentran cadáveres, que más tarde apareció reproducida en el clásico de Scott.
La película mezcla terror y ciencia ficción al mostrar la pesadilla que sufre la tripulación del Argos, comandada por el capitán Mark Markary (Barry Sullivan). Poco después de estrellarse, la tripulación sufre una especie de locura que los lleva a atacarse unos a otros. Se suceden extraños fenómenos y misteriosas luces que inquietan a los tripulantes, algunos de los cuales puede que no sean quiénes dicen ser. Pero lo más inquietante y perturbador es que los astronautas muertos regresan a la vida para atacar a la tripulación del Argos. Desconozco cuántos de estos elementos se encontraban en el cuento original de Renato Pestriniero en que se basa el film, que al convertirse en guion pasó por las manos de Bava, Alberto Bevilacqua, Callisto Cosulich, Antonio Román y Rafael J. Salvia, pero destaca que a pesar de contar con tantos elementos propios del terror, en ningún momento se pierda el aspecto más propio de la ciencia ficción.
La manera en que se maneja el suspense y el diseño hacen de este un film que los fans del género disfrutarán enormemente, sin mencionar la memorable conclusión, pero, además, tiene otros toques que lo hacen destacable para mí, a modo más personal como, por ejemplo, las bellas actrices italianas que lo protagonizan o cuando se abren las chaquetas de los astronautas resucitados para descubrir un cuerpo podrido y consumido.
En definitiva, Terror en el espacio es una muestra del genio de un maestro y una entretenida mezcla de terror y ciencia ficción. Os dejo con el tráiler americano que tiene su propio encanto.
