No os voy a engañar, Independence Day: Contraataque (Independence Day: Resurgence, Roland Emmerich, 2016) es muy tonta y palomitera, pero me gustó precisamente por eso. Es tan mala como entretenida.
Mezclar terror y comedia de manera que funcione es siempre complicado. Pero cuando una película lo consigue, logra crear una doble fuente de diversión para el espectador. Un perfecto ejemplo de ello es Love in the Time of Monsters (Matt Jackson, 2014).
Las hermanas Marla (Gena Shaw) y Carla (Marissa Skell) deciden visitar una cutre atracción familiar, después de años de un horrible trauma que las alejó de este tipo de lugares, para visitar al novio de Carla, Johnny (Jade Carter). Por desgracia, su visita coincide con un terrible incidente: los empleados encargados de hacer de Big Foot se convierten en feroces asesinos caníbales debido a unos residuos tóxicos, llevando todavía sus trajes de monstruo. ¿Podrán las hermanas sobrevivir el ataque de los dementes asesinos caníbales? ¿Logrará triunfar el amor sobre el canibalismo?
El film de Matt Jackson cuenta con la presencia de nombres familiares para el aficionado como Kane Hodder y Doug Jones, este último en un poco habitual papel sin prótesis ni kilos de maquillaje. Además, está llena de guiños al cine de serie B, como el hecho de que sus monstruos son, literalmente, tíos en disfraces cutres. Detalles que evidencian las intenciones de los cineastas de realizar un divertido homenaje al cutrecine de monstruos.
Pero si algo hace destacar a esta película de otras parecidas son sus personajes. La hortera y absurda atracción familiar está poblada de personajes curiosos, como el propio Tío Slavko (Michael McShane) o el Dr. Lincoln al que da vida Jones. Personajes que resultan un poco más interesantes que los típicos adolescentes cachondos que normalmente encontramos en películas así. Pero es la relación entre las dos hermanas protagonistas la que permite al espectador invertir emocionalmente en el film. De modo que, además de reír con las muertes sangrientas y pasadas de vueltas, también te preocupa la supervivencia de las protagonistas haciendo que funcione así la parte terrorífica.
Love in the Time of Monsters no es que sea un film revolucionario ni una gran joya del género. Pero resulta muy divertido, entretenido y logra mantener al espectador interesado durante todo su metraje. En definitiva, una buena elección para aquellos que quieran pasar un buen rato con una peli con asesinos dementes caníbales que no renuncia al romanticismo.
Chicos y chicas, en este documental, Frank Henenlotter y David F. Friedman nos guían a través de 40 años de demencial cine erótico, exótico, lúbrico, ingenuo, perverso, surrealista, estúpido... Agarraos que vienen curvas: esto es That's Sexploitation (2013).
El documental se nutre principalmente de una extensa entrevista realizada a David F. Friedman poco antes de que muriese. Friedman, el monarca de la exploitation, tocó todos los palos de cada género en orden de hacer mucho dinero gastando muy poco y estaba lleno de increíbles anécdotas e historias. Su testimonio resulta interesante ya que estuvo allí, lo vivió en primera persona, y nos ofrece una visión única de aquel mundo hoy ya extinto.
Por otro lado, el director Frank Henenlotter, además de dirigir, nos sirve como narrador ofreciendo una perspectiva histórica y aclarando los distintos tipos de sexploitation que había. No solo eso, los comentarios que hace en algunos de los clips, con anotaciones en pantalla, resultan divertidísimos, añadiendo comicidad a unas escenas que ya de por sí resultan hilarantes desde una perspectiva moderna.
El principal atractivo del documental, obviamente, son los cientos de clips y fragmentos que ilustran la historia de este cine ignorado y despreciado. Fragmentos que hacen de este un documental capaz de provocar carcajadas y asombro a partes iguales cuando nos presenta los bizarros y surrealistas momentos que Henenlotter selecciona para el espectador. El documental se cierra con la llegada a mediados de los 70 de los espectáculos de sexo en vivo y del cine porno a las salas de cine. Un hecho que provocó la desaparición/transformación de la sexploitation.
Aunque eché en falta un mayor análisis social, lo cierto es que me lo pasé bastante bien con este documental, principalmente por la gran cantidad de momentos ojipláticos que provoca. Ved el tráiler y podréis saber rápidamente si a vosotros también os resultará tan divertido como a mí.
Ya podéis leer lo que sufrí viendo Ninja Turtles: Fuera de las sombras (Teenage Mutant Ninja Turtles, Dave Green, 2016) en Underbrain Mgz, clicando aquí:
El guionista del clásico de Martin Scorsese Jo, ¡qué noche! (After Hours, 1985), Joseph Minion, nos ofrece una nueva incursión en el humor negro con la aún hoy incomprendida Besos de vampiro (Vampire's Kiss, Robert Bierman, 1988), en la que somos testigos de un fascinante descenso a la locura interpretado de forma magistral por Nicolas Cage.
En su momento la película fue un fracaso, ya que fue vendida como si fuera una típica comedia con vampiros y la gente que fue a verla se encontró algo completamente diferente. Hoy día, la película sigue siendo maltratada ya que circulan por Internet clips de diversas escenas sacadas de contexto que dan a entender una mala película con interpretaciones excesivas y pasadas de rosca. Creo que ya es hora de defender como se merece este film.
Besos de vampiro nos presenta la historia de Peter Loew (Cage), un ejecutivo típico de los 80, algo depresivo, que, tras un accidente con un murciélago, empieza a tener fantasías y sufrir alucinaciones en las que una vampira (Jennifer Beals) le chupa la sangre y le convierte en un vampiro. Convencido de ser una criatura de la noche, la conducta de Loew se hace cada vez más errática y extravagante a medida que se desconecta más y más de la realidad. Quien la principal víctima de la locura de Loew es Alva (Maria Conchita Alonso), que será objeto de un terrible acoso.
Supongo que si viéramos la película desde el punto de vista del personaje que interpreta Maria Conchita Alonso, Vampire's Kiss sería una angustiante película de terror. Pero nos encontramos dentro de la cabeza de Peter Loew, así que lo que tenemos es una comedia muy negra que gira en torno a una persona que se está volviendo completamente loca. Peligrosamente loca. Cage construye de forma fascinante la locura de su personaje. Por ejemplo, lo único que sabe Loew de vampiros es lo que ha visto en las películas, así que empieza a imitar los gestos y miradas de actores como Bela Lugosi, Christopher Lee o Max Schrek a medida que la desconexión con la realidad de su personaje aumenta. Fuera de contexto puede resultar ridículo, pero dentro de la película consigue oscilar entre lo divertidamente macabro y lo puramente inquietante.
De hecho, el tono del film es una extraña mezcla que busca el humor a través del horror de la situación de los personajes. Algo que especialmente destaca cuando se nos muestra el contraste entre las alucinaciones de Loew y lo que está sucediendo en la realidad o la ordalía que sufre Alva. La banda sonora del film, propia de una película de terror gótico, parece ser la música que escucha Loew en su cabeza y contribuye así al peculiar tono del film.
Si os gustaron películas como American Psycho (Mary Harron, 2000) o la mencionada After Hours, definitivamente os recomiendo que veáis esta película. No os dejéis engañar por el tráiler o por imágenes sacadas de contexto, Besos de vampiro es una soberbia comedia negra.
Para mí fue un film decepcionante. Espero que pronto abandonen los directores esta manía de sacudir la cámara para transmitir tensión y angustia. Por cierto, es una de esas pelis en las que se juega con el desconocimiento del idioma, rodada originalmente en castellano e inglés. Si hay una versión doblada completamente en castellano, estará llena de diálogos de besugos.
Ya podéis leer la gran crítica que he escrito de la genial Dos buenos tipos (The Nice Guys, Shane Black, 2016) en Underbrain Mgz. No tenéis más que clicar aquí:
Id a ver esta película, es fantástica. Además, también os recomiendo que, después de verla (os imploro, vedla en VOSE, por favor), hagáis lo mismo que hice yo al salir del pase de prensa: meterme en Book Depository y comprar la novelización escrita por Charles Ardai.
Siempre recuerdo Alien nación (Alien Nation, Graham Baker, 1988) con una sonrisa, aunque no sé si es por la película o por la estupenda serie de televisión que seguí con gran placer cuando la emitían en TVE1 por la tarde. Seguramente por ambas, ya que tanto el film como la serie son un perfecto ejemplo de cómo transmitir un mensaje de forma entretenida.
La acción de la película se sitúa unos años después de la llegada de unos extraterrestres a la Tierra. Creados como una raza esclava, los Recién Llegados buscan refugio en nuestro planeta. Después de pasar un tiempo en cuarentena, los extraterrestres pasan a integrarse en la sociedad terrestre. Sin embargo, una serie de crímenes amenaza la relación entre ambas especies, y el detective Matthew Sykes (James Caan) y el primer detective Recién Llegado, Sam Francisco (Mandy Patinkin), deberán averiguar quién es el culpable.
El género de la buddy cop fue bastante popular en los 80, iniciando hacia finales de la década una tendencia que mezclaba la buddy cop con otros géneros. Siguiendo la estela de Hidden (Lo oculto) (The Hidden, Jack Sholder, 1987), Alien nación mezclaba buddy cop y ciencia ficción para crear un relato con una fuerte alegoría social unos cuantos años antes que lo hiciera Distrito 9 (District 9, Neill Blomkamp, 2009).
El mensaje antirracista del film, creación del guionista Rocke S. O'Bannon (en el guion colaboró de forma anónima James Cameron para darle más cuerpo a las escenas de acción), no entorpece en ningún momento la narrativa y nos da momentos que hacen que este film sea algo más que una simple película de acción con marcianos. La relación entre el racista policía que encarna Caan (que acepta trabajar con un Recién Llegado para poder investigar la muerte de su anterior compañero) son el corazón de la película. Al mismo tiempo, Alien nación cuenta con una sólida trama de intriga con tráfico de drogas que hacen que el film resulte tremendamente entretenido.
No resulta extraño que la serie de TV fuera desarrollada por Kenneth Johnson, el creador de V (1983), ya que también practicaba el mismo estilo de ciencia ficción. La serie de TV se realizó a partir del éxito de la película y fue, también, bastante exitosa. Lamentablemente, debido a dificultades económicas en la Fox, la serie se canceló tras solo una temporada a pesar de ser un éxito tanto de audiencia como de crítica. Más tarde, se completó la historia a través de una serie de telefilmes.
La película se puede encontrar fácilmente en DVD. En Australia no hace mucho fue editada en Blu-ray (sin los extras del DVD), así que es posible que pronto aparezca una edición en Europa. Si no la habéis visto, os la recomiendo.
Las películas que Michael Mann estrenó en cines en la década de los 80 fueron todas ellas fracasos de taquilla. Tanto Ladrón (Thief, 1981) como The Keep: El torreón (The Keep, 1983) y Hunter (Manhunter, 1986) pasaron en su momento desapercibidas, pero hoy día resulta evidente que han sido films tremendamente influyentes. Auténticos clásicos que han dejado su marca en muchos directores actuales, como David Fincher y Nicolas Winding Refn.
Ladrón es un gran ejemplo de neo-noir. Michael Mann nos introduce en la vida de Frank (James Caan), un ladrón de joyas determinado a no ser el frío e implacable hombre que fue en prisión. Cuando Frank conoce a Jessie (Tuesday Weld), ve la oportunidad de crear una familia y dejar la vida criminal. Por ello, en contra de sus instintos, decide trabajar para el mafioso Leo (Robert Prosky). Entonces, Frank comete el mayor error de todos al decir en voz alta "este es mi último trabajo y luego lo dejo" (el equivalente criminal de la sentencia de muerte del policía que dice "en un par de días me jubilo y a vivir feliz pescando" en una película de acción). Por supuesto, todo sale mal y se le complica la vida a Frank, que debe enfrentarse a policías corruptos y mafiosos.
Mann, al igual que William Friedkin, es muy meticuloso en la investigación para sus películas. Se introduce en los ambientes que retratará, y, como es el caso de esta película, llega a contratar ladrones y policías para que actúen en su film (aunque en Ladrón los policías interpretan a criminales y los criminales a policías). Con gran precisión y realismo, Mann nos muestra cómo Frank trabaja con su equipo, cómo planea y cómo ejecuta cada robo.
Esta autenticidad y realismo contrasta con el cuidado esteticismo con que se realiza cada plano. La forma en que retrata la ciudad de noche iluminada por las omnipresentes luces de neón, sin olvidar la electrónica banda sonora de Tangerine Dream, nos introduce en el mundo cinematográfico del nuevo cine negro, pero mezclado con un acercamiento más propio del documental.
Por supuesto, no podemos olvidarnos del fantástico reparto que da vida a los personajes creados por Mann. Destacan Caan y Prosky, los protagonistas de la historia. Caan ofrece la que es probablemente su mejor interpretación, pero Prosky destaca por la habilidad que muestra en pasar de ser simpático y afable a brutal y sádico.
En definitiva, un gran clásico moderno no solo dentro de su género, cuya importancia se hace evidente simplemente viendo la cartelera actual.
Resulta sorprendente que Mario Bava dijera que esta es una de sus peores películas, según cuenta su biógrafo Tim Lucas, ya es uno de los títulos más trepidantes, innovadores y delirantes de su filmografía. Un giallo narrado con ritmo enfebrecido que nos ofrece una misantrópica visión del ser humano.
Cinco muñecas para la luna de agosto (5 bambole per la luna d'agosto, Mario Bava, 1970) tiene un argumento que resulta bastante familiar: un grupo de personas reunidas en una isla que son asesinadas una a una. La paranoia y la desconfianza se apodera de todos a medida que cada vez quedan menos personajes vivos. Es, obviamente, un plagio descarado de Los diez negritos de Agatha Christie.
Los diez negritos es una novela seminal tanto para el giallo como para el slasher. Rompiendo el molde de la típica novela detectivesca, aquí no tenemos un sofisticado detective investigando el caso de un aristocrático asesinato, sino que son las propias víctimas las que intentan encontrar el culpable antes de ser presa del misterioso asesino que los está eliminando uno a uno. Aunque a mi juicio tiene una resolución algo anticlimática, es indudable el papel que ha tenido en el desarrollo de dos de mis géneros favoritos.
La novela se publicó originalmente en 1939 y desde 1945 ha sido adaptada numerosas veces, la más reciente en 2015 en formato miniserie con el más políticamente correcto título And Then There Were None. De forma no oficial, la novela también ha servido de base o inspiración a un incontable número de películas, como el caso de la interesante Nove ospiti per un delitto (Ferdinando Baldi, 1977), que tiene como novedad que los personajes forman todos parte de la misma familia.
Bava reconoció enseguida que el guion que tenía que dirigir era un plagio de la novela de Christie, pero no le dieron tiempo para trabajar en él. Ya le habían pagado y el rodaje empezaba inmediatamente, de modo que el maestro se puso a dirigir un guion que no le gustaba.
Tal vez ahí se encuentre la clave de lo que hace esta película tan fascinante y fantástica. Sin ningún interés en el guion, Bava se lanzó a crear un espectáculo visual lleno de trucos, ironía y subversión. Editada por el propio Bava, Cinco muñecas no pierde un momento en nada que no sea ofrecer un plano brillante tras otro. El reparto del film, en el que nos encontramos una hermosa selección de bellas actrices como Edwige Fenech (para aquellos que no estén en absoluto interesados en los piratas), está al servicio de la cámara, formando parte de la escenografía más que siendo personajes reales.
Cinco muñecas nos presenta un mundo lleno de culpables en el que nadie es inocente. En este sentido, encaja perfectamente dentro de la obra de Bava, especialmente al lado de la clásica Bahía de sangre (Reazione a catena, Mario Bava, 1971). Ambas nos ofrecen una visión tremendamente misantrópica del ser humano y su trama tiene como centro la avaricia. Esto hace aún más sorprendente la afirmación de Bava de que esta es una de sus peores películas.
A pesar de lo que diga su director, Cinco muñecas para la luna de agosto es un fantástico y trepidante giallo. Todo un clásico que nos muestra que, con muy poco (el presupuesto era tan bajo que los actores se traían el vestuario de casa), Bava era capaz de hacer mucho.
