Aquí tenéis mi crítica de la estupenda It Follows (David Robert Mitchell, 2014) que por algún extraño milagro se estrena en cines. Leedla entera clicando aquí:
He de decir que me resultó bastante gracioso ver cómo, al acabar el pase de prensa, había diversas personas con bastantes dudas sobre algunos puntos de la película, teniendo en cuenta su aparentemente sencilla historia. Creo que It Follows puede ser un film bastante transversal y atraer a aquellos que normalmente no se acercarían a una película de terror y un gran título para los fans del género.
Lo cierto es que hay bastantes límites para el terror en Absurd: Terror sin límite (Rosso sangue, Joe D'Amato como Peter Newton, 1981). Esta cinta que D'Amato firmó como Peter Newton y cuyo guion estuvo a cargo de George Eastman (bajo el nombre John Cart), el cual también interpreta al asesino del film, empezó como una secuela/precuela de Gomia, terror en el Mar Egeo (Anthropophagus, Joe D'Amato, 1980). Y, aunque guarda una pequeña conexión con ese film, lo cierto es que Rosso sangue acabó siendo un proyecto independiente.
El film gira en torno al reinado de terror que sufre una ciudad a manos de Mikos Stenopolis (George Eastman), un enloquecido asesino cuyo cuerpo tiene la habilidad de regenerarse y curarse cualquier herida. Tras él está un cura (Edmund Purdom), que lo persigue desde Grecia hasta Estados Unidos, obsesionado con acabar con Mikos.
Anthropophagus tiene hoy día fama de película gore, aunque no fue concebida como tal, sino como una película de terror, pero las escenas de asesinatos son tan sangrientas y pasadas de vueltas que es la imagen que se tiene de la película en la actualidad. En Rosso sangue (también conocida como Absurd y Horrible) nos encontramos que su estructura y estilotiene más en común con la de una película de monstruos que con la de una película de terror sobre un asesino en serie. La razón de ello posiblemente sea la peculiar naturaleza del asesino que encarna George Eastman, con un factor de curación semejante al de Lobezno.
Pero los toques de originalidad se acaban ahí, ya que Terror sin límite no es un film muy redondo. Aunque tiene un par de escenas destacables, carece de la atmósfera y estilo que hacían Anthropophagus tan efectivo. Y si bien puede resultar adecuado para matar 93 minutos (que es lo que dura la versión sin cortes) en los que no tengáis nada que hacer, tampoco es que sea particularmente destacable. Solo lo recomendaría a aquellos que sean muy, muy fans del terror italiano.
Los amantes del cine de los años 70 y del cine policíaco y criminal es posible que disfruten bastante con Lazos de sangre (Blood Ties, Guillaume Canet, 2013). Para más información, leed la crítica que he escrito en Underbrain Mgz:
Al contrario de lo que anuncia el póster, el remake de Poltergeist (Gil Kenan, 2015) ni presenta una nueva visión y para nada es terrorífico. Sabed por qué deberíais evitar esta película a toda costa leyendo la crítica que he hecho para Underbrain Mgz, clicando aquí:
Podéis leer todo al respecto del mediocre thrillerCaza al asesino (The Gunaman, Pierre Morel, 2015) en la crítica que he hecho para Underbrain Mgz, clicando aquí:
Se estrena la genial comedia Dando la nota. Aún más alto (Pitch Perfect 2, Elizabeth Banks, 2015). Si hace un tiempo me hubiérais dicho que una película sobre un grupo femenino de cantantes a capella me habría parecido una maravilla os habría dicho que estáis locos. Pero Dando la nota (Pitch Perfect, Jason Moore, 2012) me sorprendió y me hizo reír de principio a fin en versión original. Sabed por qué la segunda parte me ha hecho reír a carcajadas (en versión original) leyendo mi crítica en Underbrain Mgz clicando aquí:
Miedo azul (Silver Bullet, Daniel Attias, 1985) es un título al que le han hecho sombra otras adaptaciones de novelas de Stephen King más exitosas y populares y, también, otras películas de hombres lobo igualmente más exitosas y populares. Sin embargo, a pesar de sus limitaciones, Miedo azul es una película que se merece un poco más de atención y afección.
El propio Stephen King se encargó de adaptar su novela corta El ciclo del hombre lobo, dándole una estructura más cinematográfica. En la película, Jane Coslaw (Megan Follows) ejerce como narradora del reinado del terror que un hombre lobo implanta en el pueblo Tarker's Mills. El hermano pequeño inválido de Jane, Marty (Corey Haim), es el único que averigua la verdad e intentará reclutar la ayuda de Jane y del tío de ambos Red (Gary Busey) para acabar con la bestia.
Hay pocas películas de terror que cuenten con un desarrollo de los personajes tan sólido como el que nos encontramos en esta película. Esto se lo debemos al guion de King, que mezcla relato nostálgico y drama familiar con el terror que provoca el hombre lobo a medida que va acumulando víctimas. Esto también hace que el tono de la película sea bastante peculiar, oscilando continuamente entre el humor y el terror. A veces de forma brillante, otras, no tanto.
Esto hace que, curiosamente, el film quede más en la memoria por sus personajes que por los momentos de terror, aunque tiene unos cuantos bastante logrados. Sin embargo, los efectos de maquillaje de Carlo Rambaldi no destacan particularmente. Están bien, pero no son nada del otro mundo.
Como algunos habréis adivinado, mi gusto por esta película radica más en la nostalgia (la descubrí en un pase nocturno televisivo sin saber nada de ella) que en objetivos valores cinematográficos. De todos modos, os animo a darle una oportunidad si no la conocéis, ya que os puede proporcionar una entretenida hora y media de diversión lobuna.
Este parece ser el momento perfecto para recuperar El proceso (Le procès, Orson Welles, 1962). No solo por la celebración del centenario del nacimiento del genial Welles, también porque la pesadilla paranoide que se retrata en esta genial comedia negra sigue siendo tan vigente hoy día como la primera vez que se estrenó en cines (igual que la novela de Franz Kafka que adapta). Por desgracia para nosotros.
Josef K. (Anthony Perkins) es despertado en su casa por unos agentes que le comunican que acusado de un horrible crimen y será juzgado por ello. ¿De qué crimen? Nadie lo sabe. La odisea de Josef K. para descubrir de qué se le acusa y cómo puede defenderse le llevará a internarse en un laberinto burocrático que parece el infierno de Dante. Junto a K., el espectador se verá igualmente sumergido en las profundidades de una ciudad caótica y delirante.
Welles fue, junto a directores como Sam Fuller, uno de los primeros directores rebeldes, incapaz de encajar en la industria de Hollywood. Posiblemente hoy día Welles sería un director de cine independiente, pero en su momento no encajar en la industria de Hollywood significaba no encajar en la industria del cine. De ahí los continuos viajes para encontrar financiación para sus proyectos (muchos de los cuales pagaba con sus servicios como actor). Fue así que contactó con el productor Alexandre Salkind mientras Welles se encontraba en Francia, el cual le ofreció la oportunidad de llevar al cine la novela de Kafka El proceso.
Para que el espectador recién llegado tenga una cierta idea de cómo es esta película, se podría decir que es como un cruce entre Jo, ¡qué noche! (After Hours, Martin Scorsese, 1985), La conversación (The Conversation, Francis Ford Coppola, 1974) y los retratos de la burocracia de Terry Gilliam. Welles coge el humor negro presente ya en la obra de Kafka y le da un giro pesadillesco. Un aire onírico que le da pleno significado al término kafkiano. Otro ejemplo parecido de saber capturar la esencia de Kafka con gran fidelidad seria la escena que abre Sombras y niebla (Shadows and Fog, Woody Allen, 1991).
El film de Welles resulta muy moderno. No solo por su contenido y guion, también por la forma en que Welles dirige, usando un estilo lleno de fluidos movimientos y complejas secuencias como el plano secuencia que abre la película. Todo ello al servicio de esta sátira alegórica sobre un individuo aplastado por un estado opresor. Una obra maestra que sigue atrapando a un espectador que no sabe si reír o gritar horrorizado.
Para los dos o tres interesados en la última película de Atom Egoyan, podéis leer mi crítica de Cautivos (The Captive, 2014) en Underbrain Mgz, clicando aquí:
Si algo me ha quedado claro después de ver Digging Up the Marrow (Adam Green, 2014) es que los monstruos existen. Son reales y están ahí fuera.
El director de cine Adam Green recibe un extraño paquete en el que un tal William Dekker (Ray Wise) asegura que ha descubierto una ciudad subterránea habitada por monstruos. Green, acompañado de su cámara Will Barratt, decide hacerle una entrevista a Dekker para hacer un documental sobre monstruos. Adam y Will se verán rápidamente absorbidos por el extraño mundo de Dekker.
Mezcla de falso documental y película de terror "narrativa", este film es una colaboración entre Green y Alex Pardee, el artista cuya exposición Digging Up the Marrow inspiró el argumento de la película, así como las fantásticas creaciones que aparecen en ella. Precisamente, son estas creaciones monstruosas una de las razones por las que la película destaca y consigue ofrecer momentos memorables para el aficionado, ya que son criaturas muy originales y distintas de los monstruos más "típicos" que suelen aparecer en el cine.
Green, Barratt, Pardee y otros muchos, como el actor Kane Hodder o los directores Mick Garris y Tom Holland, aparecen en la película interpretándose a si mismos (o por lo menos una versión ficcionalizada), pero Ray Wise aparece interpretando a Dekker, el guía de Green y Barratt hacia la ciudad de los monstruos. El hecho de un actor tan conocido apareciera interpretando un personaje podría en un principio parecer que "estropea" el elemento documental (aunque falso) del film. Pero lo cierto es que tener a un actor como Wise en el papel de Dekker ayuda a hacerlo todo más creíble y sumergirse más en la historia.
Una historia, la posibilidad de que los monstruos fantásticos sean reales, que acaba siendo una carta de amor al género y el entusiasmo de los fans. Es difícil no sentirse contagiado por la ilusión de Green en la película de que lo que parecerían creaciones artísticas fueran auténticas criaturas. Además, como película de terror resulta bastante efectiva si uno se deja llevar por el mismo entusiasmo de los protagonistas.
Por todo ello recomiendo esta película a los fanáticos del cine de terror y los monstruos.
Lamento decir que es un film que al final acaba siendo decepcionante porque tiene momentos buenos y algunos momentos divertidos, pero tiene demasiado miedo a pasarse de la raya y acaba siendo normalita y mediocre. También he de decir que una de las cosas que la hace interesante es la mezcla de inglés y castellano en la versión original, mezcla que desaparece en el doblaje con lo que seguramente se crearán algunos diálogos absurdos ya que se supone que uno de los personajes no entiende lo que le dicen.
Thanatomorphose (Éric Falardeau, 2012) cuenta la historia de una joven y atractiva chica, interpretada por Kayden Rose, que un día empieza a descomponerse en vida. Un hecho que definitivamente afectará su vida cotidiana y su cordura, además de las vidas de los pobres que tengan la mala suerte de cruzarse con ella.
Al introducirnos a los personajes, se nos presenta a la protagonista como una persona que está "muerta por dentro", así que esa condición psicológica se expresa de forma terriblemente física (una tesis que vi confirmada más tarde en una entrevista a Kayden Rose, ¡bien por mí!). Con esto indico que la película va más allá de simplemente horrorizar al espectador con la descomposición en vida de un cuerpo (y las cosas que se pueden hacer a pesar de ello con ese cuerpo).
La película tiene algunos pequeños fallos, como los intentos de darle un aire más "artístico" por parte del director y guionista, cuando creo que había sido más efectiva e impactante adoptando un estilo más frío y observador. Pero en su mayor parte es un film que funciona y engancha gracias principalmente a los increíbles efectos de maquillaje para ilustrar el proceso de descomposición y a la interpretación de Rose, que hace reales los efectos.
Está claro que esta no es una película para todo el mundo, es por eso que soy algo cauto a la hora de recomendarla. A mí me gustó bastante, pero deberíais ser algo cautos a la hora de adentraros en Thanatomorphose.
Posiblemente la única película de Bigas Luna que aparecerá en este blog, Angustia (1987) juega con las fronteras de lo real y lo ficticio, es cine dentro de cine.
John (Michael Lerner) es un no muy estable hombre que vive con su igualmente desequilibrada madre (Zelda Rubinstein). Después de que lo despidan del trabajo por problemas de vista, John empezará a coleccionar los ojos de aquellos que se pongan a su alcance. Al menos, eso es lo que sucede en The Mother, la película de terror que están viendo Patty (Talia Paul) y Linda (Clara Pastor) en el cine. Un cine en el que los asesinatos de la ficción van a empezar a ser muy reales.
La mejor manera de ver esta película es no tomársela muy en serio y disfrutar del juego que nos propone Luna (algo que el propio director ya nos indica en el letrero que aparece al inicio del film). Porque lo cierto es que los elementos básicos de esta película, el juego de película dentro de película y el asesino en el cine, ya habían sido explotados con anterioridad en películas de terror como Sabe que estás sola (He Knows You're Alone, Armand Mastroianni, 1980) o Demons (Dèmoni, Lamberto Bava, 1985). Lo que hace que resalte la película de Luna es el estilo personal del director y los detalles surrealistas que dan color y hacen que resulte original en lugar de un refrito de conceptos ya usados.
En una nota personal, he de añadir que algo que me hace bastante gracia es que la película fue rodada en la ciudad en que vivo, disfrazada como si fuera una ciudad americana, y alguna vez fui al cine en que se rodó Angustia.
Angustia es también un título recomendable a los aficionados al género ya que como simple película de suspense y terror, dejando de lado filosofías cinematográficas, es bastante efectiva y entretenida. Pero ¿qué versión es la buena? Existen tres versiones distintas de Angustia: la versión doméstica que se estrenó y editó en vídeo/DVD en España de 81 minutos, la versión internacional de 85 minutos y una versión internacional que originalmente se editó solo en VHS de 88 minutos. La versión española de 81 ya la podéis olvidar, es la que se editó originalmente en DVD, pero la última edición que se hizo fue de la de 85 minutos, con el audio original en inglés (aunque en Francia se puede encontrar editada en DVD y Blu-ray) . Las otras dos versiones son las interesantes, la de 88 parece que fue la que editó Blue Underground en DVD en Estados Unidos, mientras que la de 85 es la que se ha editado en Blu-ray en Alemania.
Estuve esperando bastante tiempo que saliese una buena edición en DVD y luego Blu-ray, porque por desgracia las películas españolas rodadas en otros idiomas normalmente no incluyen el audio original al ser editadas en España, solo el audio castellano. La segunda edición de Angustia en DVD es una excepción. Pero finalmente opté por la edición en Blu-ray alemana, ya que incluye, como contenido extra oculto, la versión de 88 minutos. Aunque ya os digo que las dos versiones son prácticamente iguales, la de 88 solo incluye alguna breve extensión y algún editaje algo distinto pero básicamente son la misma película.
Escoged la versión que más os guste para disfrutar de este pequeño y juguetón clásico. Hacedlo en una sala oscura y sin distracciones, para que los poderes hipnóticos del film os afecten de forma más efectiva. Os dejo con el tráiler, no he podido encontrar un tráiler en VO y os dejo uno doblado. Por cierto, ¿no resulta extraño que el doblaje de las películas españolas rodadas en otros idiomas sea peor que el de las películas extranjeras?
