Kólobos: El último suspiro (Kolobos)

Finaliza el año con una estupenda noticia (para mí): Arrow Video ha anunciado que editará en Blu-ray Kólobos: El último suspiro (Kolobos, Daniel Liatowitsch, David Todd Ocvirk, 1999). Noticia que me llenó de súbita nostalgia y placer, ya que fue uno de mis últimos descubrimientos en vídeo.

Kolobos fue una película que me gustó mucho cuando la vi en su momento, sin embargo, nunca la tuve en DVD. Con el tiempo se me olvidaría debido a la novedad del formato y tener una larga lista de títulos que tenían prioridad. Tras el anuncio de su próxima edición en Blu-ray la repasé desempolvando la cinta VHS en que la tenía grabada, lo que ha sido todo un shock, ya que hacía un millón de años que no veía una película en vídeo, excepto cuando quise comentar Trans-Gen: Los genes de la muerte (The Kindred, Stephen Carpenter y Jeffrey Obrow, 1987), otro clásico que debería ser editado ya en Blu-ray/DVD. La calidad de la imagen, el sonido enlatado, el doblaje... Acostumbrado a las virtudes de los nuevos formatos, me ha asombrado lo que teníamos por gran calidad no hace tanto. A pesar de todo, volver a ver Kolobos, incluso en estas pésimas condiciones, ha sido todo un placer y aumenta mis ganas de que llegue el 11 marzo de 2019, que es cuando sale a la venta.

La historia arranca cuando se descubre a una misteriosa joven herida y es llevada a un hospital. La chica ve extrañas y breves imágenes, recuerdos de lo que le ha pasado, hasta que empieza a recordar claramente lo sucedido. Así descubrimos lo que les sucede a Kyra (Amy Weber), a Tom (Donny Terranova), a Erica (Nichole Pelerine), a Gary (John Fairlie) y a Tina (Promise LaMarco). Todos ellos participan en un experimento social: deben vivir encerrados en una casa llena de cámaras que les graban en todo momento. Una casa que, demasiado tarde, descubren que está llena de trampas y cuenta también con la presencia de un misterioso asesino sin cara.

Como veis, la película sigue la moda de la segunda oleada slasher, que se encontraba ya en las últimas, y le incorpora diversos elementos que chocan con el terror más "suave" de los 90, poniéndola a la cabeza de otras modas posteriores. La película se estrenó unos meses antes de que empezara a emitirse el primer Gran Hermano en Holanda, así que se adelanta al escenario de reality show que tendría no poca popularidad en el género, con títulos como la interesante La cámara secreta (My Little Eye, Marc Evans, 2002) o la secuela Km. 666 II: Camino Sangriento (Wrong Turn 2: Dead End, Joe Lynch, 2007). Las trampas que el asesino pone en la casa prefiguran uno de los elementos más populares de películas como Saw (James Wan, 2004) o The Collector (Marcus Dunstan, 2009).

La manera en que orquestra estos elementos y los mezcla con el slasher clásico ya convierten Kolobos en un film interesante. Pero, además, la película se narra desde el punto de vista de un narrador no fiable, siempre un extra a tener en cuenta. Por supuesto, el film también cuenta con sus toques muy noventeros propios de la época, como la música o algunos trucos visuales, que datan el film pero no son un inconveniente.

Tanto si ya conocíais la película como si la descubrís ahora, es un film muy recomendable para los amantes del género al que ya le toca recibir un poco de amor por parte de los fans.

Sister Street Fighter (Onna hissatsu-ken)

En los años 70 se pusieron de moda las películas de acción de artes marciales, gracias al éxito de Bruce Lee entre otros factores. Durante este periodo tuvieron mucho éxito las películas de Sonny Chiba de la serie Street Fighter. Un éxito lo suficientemente grande como para que se ideara una franquicia parecida en versión femenina, que se inició con Sister Street Fighter (Onna hissatsu-ken, Kazuhiko Yamaguchi, 1974).

Li Koryu (Etsuko Shiomi) es una experta luchadora cuyo hermano desaparece, se cree que muerto de sobredosis. En realidad, el hermano de Koryu, Mansei (Hiroshi Miyauchi), es un agente de policía infiltrado en una organización que se dedica al narcotráfico, organización que lo ha secuestrado cuando descubre que es policía. Koryu parte hacia Japón para rescatar a su hermano y acabar con los narcotraficantes.

El argumento de Sister Street Fighter no es nada del otro mundo, como suele ser habitual en estas películas. Lo que sí es de otro mundo es el delirante universo en que se nos introduce. Las escenas de acción son adecuadamente exageradas y violentas, pero llama la atención la colección de personajes estrafalarios que conforman la peculiar galería de villanos a la que se enfrenta Etsuko Shiomi como Koryu. Todo el film tiene un aire de manga que hace que estos personajes y los momentos más pasados de vueltas parezcan perfectamente razonables dentro del mundo de Sister Street Fighter.

Shiomi se ve rodeada de diversos actores con los que comparte protagonismo, siendo el más llamativo Sonny Chiba, responsable de provocar una de las muertes más exageradas de la película. Posiblemente porque se trataba de un experimento y tal vez no confiaban en que Shiomi pudiera sostener toda la película ella sola. Sin embargo, el film fue un éxito y no tardaron en generarse diversas secuelas, que ya exploraremos en el futuro.

Como ya he explicado, el film está repleto de momentos demenciales y ultraviolentos, que convierten Sister Street Fighter en algo más que una simple cinta de acción de artes marciales. Es esta locura la que hizo que me interesara la película, con escenas como estómagos reventados de un golpe y cuerpos que caminan con la cabeza completamente girada. Diría que no es un film para los amantes del realismo. Pero si buscáis un film cargado de momentos ojipláticos, Sister Street Fighter es lo que necesitáis.

Adiós a Jordi Grau

 

Este 26 de diciembre ha muerto a los 88 años Jordi Grau, director de cine conocido popularmente por dirigir La trastienda (1975), famosa por contener el primer desnudo integral del cine español. Sin embargo, aquí lo recordaremos siempre por dos clásicos del fantaterror: Ceremonia sangrienta (1973) y, sobretodo, la genial No profanar el sueño de los muertos (Non si deve profanare il sonno dei morti, 1974).

No he tenido oportunidad muchas oportunidades de conocer a los creadores de películas de las que soy fan, pero, en un pase que hizo la sala Phenomena de No profanar el sueño de los muertos, muchos fans tuvimos la oportunidad de intercambiar algunas palabras con Jordi Grau (y que nos firmara pósteres, películas y demás). A pesar de haber creado todo un clásico, Grau contaba anécdotas y detalles del film como si no fuera nada del otro mundo. Es una satisfacción saber que, tras años de olvido por una industria algo snob, tuvo la oportunidad de saber que su obra sería recordada y querida. Ya que, como los zombis de su clásico del terror, su obra no morirá nunca.

Tiempo después

 

Publicada mi crítica de Tiempo después (José Luis Cuerda, 2018) en Underbrain Mgz. Clicando aquí descubrid más sobre esta comedia surrealista:

https://underbrain.com/cine/tiempo-despues/

Yo me estuve riendo todo el rato, pero fui el único que lo hizo en el pase en el que la vi. Confio que no suceda lo mismo cuando se estrene y que disfrutéis con esta delirante comedia.

Aquaman

A pesar de ir en contra de la corriente mayoritaria, aquí os presento mi crítica de Aquaman (James Wan, 2018), publicada en Underbrain Mgz:

https://underbrain.com/cine/aquaman/

Creo que disfruté mucho con esta película porque James Wan no tiene miedo de abrazar el absurdo y la fantasía, pasando de crear burbujas de aire como hacía Zack Snyder para justificar que hablen bajo el mar los atlantes, simplemente haciendo que hablen con normalidad bajo el agua. Y un pulpo tocando una batería. Y la banda sonora de regusto ochenter synth. Y referencias a Julio Verne y H. P. Lovecraft. Una flipada, vaya.

Spider-Man 3: El montaje del editor

Tras la fantástica Spider-Man 2 (Sam Raimi, 2004), no hay duda de que Spider-Man 3 (Sam Raimi, 2007) fue una decepción. La insistencia de los productores en añadir a Veneno en lo que ya era una muy poblada película dio como resultado un film pesado y sobrecargado. No es ningún secreto que a Sam Raimi no le gustaba Veneno, lo que se nota en la forma en que fue presentado, sin duda frustando a los fans del personaje.

Con motivo del estreno de Spider-Man: Homecoming (Jon Watts, 2017), se editaron nuevas colecciones con las anteriores películas de Spider-Man. Se hicieron tres versiones: trilogía de Sam Raimi, las dos de Marc Webb y una con las cinco películas. La de la trilogía y la de las cinco películas llevaba entre el nuevo material una versión alternativa de Spider-Man 3. Yo me hice con la versión de 7 discos editada en Reino Unido, ya que no tenía las de Marc Webb (no me gustaron pero soy un completista) y el cuarto disco en la trilogía de Sam Raimi con esta versión alternativa de Spider-Man 3. En España se editó una versión sin los discos de extras, a pesar de que está todo el material extra (menos algunas promos y tráileres) subtitulado en castellano. Incluso el disco que incluye el montaje del editor está subtitulado en castellano, aunque no incluye una pista de audio en castellano sino de español latino, lo que me hizo pensar que también se editaría en España, pero no ha sido así.

Esta versión alternativa no es una versión radicalmente diferente, que quede claro. Si no os gustó Spider-Man 3 es probable que esta versión tampoco os convenza. Pero si, como a mí, había partes que os gustaban junto a otras que no tanto, sin odiarla pero tampoco abrazándola del todo, esta versión es para vosotros.

Para empezar, es un par de minutos más corta. Se recortan y eliminan algunas escenas, sustituyéndolas en algunos casos por otras alternativas, añadiendo también escenas nuevas, reeditando y alargando otras. Contiene la banda sonora completa Christopher Young, con escenas que ahora sí tienen música. Por último, se ha cambiado el orden de algunos sucesos en la trama.

El resultado de todos estos cambios, algunos pequeños pero significativos, es un film más ligero, que transcurre de forma más ágil y eficiente.  Sobretodo porque la trama del traje simbiótico, la parte más floja de la versión cinematográfica, en esta versión es más efectiva. Aquí se ve realmente el traje como una amenaza y la evolución hacia la oscuridad de Peter Parker está mejor construida. Sigue sin ser la gran conclusión que muchos esperábamos ver, pero tampoco es tan pesada como la versión cinematográfica.

Como ya he dicho, si desde un principio no os gustaba nada de la tercera entrega dirigida por Sam Raimi, no creo que esta versión os haga cambiar de idea. Para mí fue una experiencia mucho más llevadera y entretenida, por ello la recomiendo a los fans de Spidey y a los muy completistas.

Cómo ver una película en un televisor de alta definición correctamente

 

No soy un experto en tecnología, pero este artículo tiene como objetivo mejorar la calidad de visionado de Blu-rays y VOD en alta definición. Básicamente, trata sobre lo que en inglés se conoce como "soap opera effect", es decir, que todo se ve como si fuese un culebrón grabado en vídeo.

El término "soap opera effect" hace referencia a lo que se conoce como "motion interpolation". En los televisores 2K y 4K modernos, es una herramienta instalada por los fabricantes con la idea de ofrecer la mayor calidad de imagen posible, añadiendo información donde no la hay. El resultado es que las películas y series tienen un aspecto extremadamente falso: los peinados parecen pelucas, los decorados parecen hechos de cartón, etc. Sin embargo, solucionarlo es muy fácil. Así es cómo lo hice en mi recién comprado televisor LG 4K:

Entrar en Toda la configuración. Entrar en Imagen. Entrar en Configuración del modo imagen. Entrar en Opciones de imagen, dentro de opciones apagar Trumotion. Como medida adicional también apagué la reducción de ruido.

Trumotion es la denominación que tiene la "motion interpolation" o "motion smoothing" es los televisores LG; cada marca lo denomina de forma distinta. Os recomiendo encarecidamente llevar a cabo esta simple operación, ya que significó un gran cambio en el visionado de películas, disfrutando ahora muchísimo más el visionado de cualquier contenido en alta defición. Desde gialli de los 70 a blockbusters recientes, la diferencia de calidad entre el antes y el después de hacerlo es notable.

En Google encontraréis mucha más información al respecto, elaborada por auténticos expertos, así como instrucciones para hacer lo mismo según la marca de vuestro televisor. Yo desconocía la existencia de este proceso, ya que tenía un televisor HDready algo anticuado, y lo descubrí gracias a Tom Cruise, por el vídeo que hizo al respecto y podéis ver aquí abajo. Espero que os sea útil.

La corta noche de las muñecas de cristal (La corta notte delle bambole di vetro)

Aunque el giallo es un género con unas muy marcadas características, eso no significa que no hubiera sitio para la experimentación y la mezcla de géneros. Un perfecto ejemplo de ello es La corta noche de las muñecas de cristal (La corta notte delle bambole di vetro, Aldo Lado, 1971), una intensa mezcla de suspense y terror.

Se descubre el cadáver del periodista George Moore (Jean Sorel) entre unos arbustos y es llevado a la morgue, donde se quedará hasta que le hagan una autopsia. Pero lo que los forenses no saben es que George no está muerto, sino paralizado. Sin modo de comunicarse, George frenéticamente intenta desentrañar el misterio que ha hecho que acabe así, un misterio que empieza con la desaparción de su novia Mira Svodoba (Barbara Bach).

Aldo Lado mezcla distintos elementos de distintos géneros. La idea de la persona que sigue viva pero es tomada por un muerto procede de la literatura, convertido en un tema retomado muchas veces desde El enterramiento prematuro de Edgar Allan Poe. Este recurso que enmarca la trama de suspense sirve para que desde el principio la película tenga una atmosfera angustiante. La investigación de la desparición de Mira entra dentro del thriller clásico, pero va evolucionando hacia el terror según George avanza en su investigación.

Y todo ello al servicio del mensaje del director. Aldo Lado denuncia las dictaduras y los gobiernos totalitarios, ambientando la película en la Praga comunista, lo que le añade un toque kafkiano al suspense y el terror. Este mensaje se hace más explícito en la escena final, recortada en algunas versiones de La corta noche de las muñecas de cristal.

La manera en que se mezclan géneros, la atmosfera asguntiante y el subtexto hacen de este uno de los títulos más notables del género. También por su final, muy inusual e inesperado para la época. Estéticamente barroco como cualquier título de Dario Argento o Sergio Martino, pero algo más profundo en conjunto, en su film que con el tiempo va siendo más y más apreciado. Por desgracia, la edición en DVD española es muy pobre, así que, por sus extras y su calidad de imagen y sonido, yo recomendaría la edición en Blu-ray alemana de Camera Obscura, para los que no tengan problema con el inglés.

Spider-Man: Un nuevo universo (Spider-Man: Into the Spider-Verse)

Con mucha alegría y más alborozo os comunico la publicación de mi crítica de Spider-Man: Un nuevo universo (Spider-Man: Into the Spider-Verse, Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman, 2018) en Underbrain Mgz. Leedla clicando en:

https://underbrain.com/cine/spider-man-un-nuevo-universo/

Un auténtico festival para los amantes del lanzarredes, Spider-Man: Un nuevo universo es una fantástica cinta de animación y una gran entrada en el cine de superhéroes.

Historia macabra (Ghost Story)

Hace poco leí por tercera vez la novela de Peter Straub Fantasmas, la primera que lo hacía en inglés. Esta lectura a su vez propició repasar la adaptación cinematográfica estrenada a principios de los 80. Historia macabra (Ghost Story, John Irvin, 1981) reunió a varios veteranos del Hollywood clásico para trasladar la novela de Straub a la pantalla con irregulares resultados.

Fred Astaire, Melvyn Douglas, Douglas Fairbaks, Jr. y John Houseman son los veteranos acosados por la venganza de ultratumba que lleva a cabo Alice Krige, que interpreta el doble papel Alma Mobley y Eva Galli. Craig Wasson es Don Wanderley, quien, tras la misteriosa muerte de su hermano, se ve involucrado en esta hitoria de "retornados". El film se presenta como una historia de fantasmas moderna, aunque ese es uno de los muchos cambios que experimentó la novela de Peter Straub en su traslación a la pantalla.

En muchos aspectos, esta película es víctima del momento en que fue ideada. Hoy día, películas que duran 150 o, incluso, 180 minutos no son nada raro. Pero, en el momento en que fue producida, se consideraba que el máximo que podía durar una película de género era dos horas, las excepciones eran "películas de prestigio" o "dramas serios". Aunque la apuesta más segura en la actualidad habría sido convertir la novela en una miniserie de Netflix o la HBO. Pero el film se produjo a principios de los 80, así que para condensar la novela de forma coherente se eliminó mucho, mucho material. Eso se tradujo en que se convirtió en una historia de fantasmas cuando la novela no lo es, a pesar de su título.

Que conste que no lo digo como algo negativo. Simplemente es la realidad.

Querer condensar mucha información en poco tiempo provoca que el inicio del film tenga una cualidad febril, alucinatoria, muy notable. Lanzando impactos al espectador sin que apenas tenga tiempo de digerirlos. Es la parte más interesante, cayendo luego en un desarrollo más típico. La suma de ambos factores se traduce en un film irregular, con grandes momentos y otros más tópicos. Sin embargo, el conjunto es bastante notable, Historia macabra acaba siendo un film de terror entretenido y atmosférico, a pesar de algunas carencias. En el reparto, más que los veteranos, destacaría Alice Krige, que parece experta en interpretar personajes inquietantes, sobrenaturales y, al mismo tiempo, seductores.

También resulta una película interesante por estar a medio camino entre el género tomado de forma más realista de los 70 y el espectáculo de efectos especiales de los 80. Navega entre dos aguas, entre lo explícito y lo sugerido. Por eso es posible que funcione mejor hoy día que cuando se estrenó, en plena fiebre slasher.

Suspiria (2018)

 

Ya se ha publicado mi crítica de la nueva Suspiria (Luca Guadangino, 2018) en Underbrain Mgz:

https://underbrain.com/cine/suspiria/

Suspiria (1977) de Dario Argento no es solo un clásico del cine de terror, sino una de mis películas favoritas, sobre la que he escrito en diversas ocasiones (aquí, aquí, aquí y aquí). Así que fui con cierta precaución a ver la versión de Luca Guadagnino pero me ganó completamente y podréis saber, leyendo mi crítica, hasta que punto me sedujo su propuesta. Muy recomendada.

Las lágrimas de Jennifer (Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer?)

 

Tras el éxito de La perversa señora Ward (Lo strano vizio della Signora Wardh, Sergio Martino, 1971), Edwige Fenech, la reina del giallo, y George Hilton repitieron como pareja protagonista en Las lágrimas de Jennifer (Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer?, Giuliano Carnimeo, 1972). Un giallo cargado de suspense y sazonado con unas pocas gotas de erotismo.

La inquilina de un gran edificio de apartamentos es asesinada en el ascensor. Su piso queda vacío, pasando a ser ocupado por las modelos Jennifer Lansbury (Edwige Fenech) y Marylin Ricci (Paola Quattrini). Los asesinatos no tardan en reanudarse, centrándose en Jennifer, que se ha convertido en una obsesión para el asesino. El arquitecto Andrea Antinori (George Hilton) investiga los asesinatos tras iniciar un romance con Jennifer y ser acusado de ser el asesino.

No es de esperar un giallo tan interesante y visualmente atractivo del director de El hombre rata (Quella villa in fondo al parco, 1988), pero Las lágrimas de Jennifer, recientemente editada en Blu-ray con el título inglés The Case of the Bloody Iris, es uno de los títulos más logrados de la primera oleada de directores que quisieron apuntarse al éxito de Dario Argento. Detrás del film de Carnimeo tenemos al productor Luciano Martino y al guionista Ernesto Gastaldi, así que no es de extrañar que tenga muchos puntos en común con los gialli de Sergio Martino La perversa señora Ward y Todos los colores de la oscuridad (Tutti i colori del buio, Sergio Martino, 1972).

Como sucedía en las películas de Sergio Martino, aquí Edwige Fenech se ve de nuevo acosada por una anterior relación, que la había involucrado en un culto hippie sexual, y convertida en el centro de la obsesión de un asesino que va eliminando a los que la rodean. Por suerte, no se hace repetitivo, ya que la historia también se centra en el personaje de George Hilton investigando los asesinatos.

El espectador actual puede encontrarse con una esquizofrénica mezcla de elementos progresivos y retrógados. Por ejemplo, se enfatiza la liberación femenina pero una broma de mal gusto por parte del personaje interpretado por Paola Quattrini es respondida con un sonoro tortazo por parte de George Hilton. Hay un subtexto contra la homofobia y al mismo tiempo nos encontramos un personaje gay representado como la típica "mariquita mala". Es un film que tiene ya 46 años, así que no ha de ser juzgado en este sentido, como se haría con un film contemporáneo, sino que se ha tener en cuenta el contexto y la época en que fue realizado.

En su aspecto puramente giallo, ya hemos mencionado que es un film visualmente atractivo, con interesantes hallazgos y planos cuidados. Destaca seguramente la escena en el ascensor que abre el film, por su influencia en la película de Brian De Palma Vestida para matar (Dressed to Kill, 1980). Es también bastante entretenido, dando vueltas y giros hasta su improbable conclusión. Un título recomendado a los fans del género.

Lo que esconde Silver Lake (Under the Silver Lake)

 

Publicada mi crítica de Lo que esconde Silver Lake (Under the Silver Lake, David Robert Mitchell, 2018) en Underbrain Mgz:

https://underbrain.com/cine/lo-que-esconde-silver-lake/

Una gran decepción.

Viudas (Widows)

 

Ya publicada mi crítica de Viudas (Widows, Steve McQueen, 2018) en Underbrain Mgz. Leedla clicando aquí:

https://underbrain.com/cine/viudas/

Es un film simplemente fantástico. Un argumento que podría parecer trillado elevado gracias a un estupendo guion, gran dirección y un reparto en estado de gracia.

Horrors of Malformed Men (Kyôfu kikei ningen: Edogawa Rampo zenshû)

 

Grotesca, extraña, alucinante... Horrors of Malformed Men (Kyôfu kikei ningen: Edogawa Ranpo zenshû, Teruo Ishii, 1969) es una película de culto japonesa que ofrece una experiencia inolvidable al espectador.

Hirosuke Hitomi (Teruo Yoshida) es un estudiante de medicina que despierta encerrado en un manicomio. Sin tener idea de cómo ha llegado allí ni por qué, no tarda en escapar con la intención de averiguar quién es y cómo ha llegado a encontrarse en esa situación. A partir de aquí se suceden una serie de peripecias que llevarán a Hitomi a una isla en la que un científico loco (Tatsumi Hijikata) se dedica a experimentar con seres humanos.

El director Teruo Ishii, cineasta de culto japonés popular por sus películas con torturas eróticas, se inspira en la obra del escritor Edogawa Rampo o Ranpo, como sería la traducción más correcta, para crear un film delirante en el que el absurdo existencial domina la narración. Ranpo fue un escritor muy influenciado por Edgar Allan Poe y H. G. Wells, una influencia evidente en los distintos relatos que fueron la base para la película pero que, a través del filtro japonés, resultan completamente distintos de obras occidentales con las mismas influencias. Este autor es famoso sobretodo por crear al detective Kogorô Akechi, que ya había conocido distintas adaptaciones al cine. Es tal vez por tratarse de un personaje muy popular en Japón que su aparición por sorpresa en Horrors of Malformed Men no resultara extraña para el público japonés, pero puede resultar descorcentante para el espectador occidental.

"Extraño" y "desconcertante" son adjetivos que, sin lugar a dudas, encajan perfectamente con el film de Teruo Ishii. Desde el principio, con la escena en el manicomio, se hace obvio que nos encontramos ante un film en el que el realismo es algo exótico y lejano. Para cuando se produce el delirante clímax, el espectador ya no puede más que aceptar las demenciales imágenes que se despliegan ante sus ojos. Porque esta es una de esas películas que hace que uno se pregunte "¿realmente estoy viendo esto?"

El film tuvo una corta vida comercial, retirado de las pantallas al poco de estrenarse y prohibido en Japón, al ser consideradas palabras de su título demasiado ofensivas, no por el contenido. Esto provocó que el film cayera en la oscuridad, hasta que en 2007 fuera editada en DVD en Estados Unidos. A partir de aquí fue siendo más conocido y reivindicado, proceso culminado con una reciente edición en Blu-ray editada por Arrow, gracias a la cual conocí esta peculiar película de la que no había oído hablar y por eso os lo presento a vosotros. Un título que recomiendo a los aficionados al cine extraño.

Entrevista a Bruce Kimmel, creador de The First Nudie Musical

Hace poco tuve la ocasión de ponerme en contacto con Bruce Kimmel, codirector, guionista y uno de los protagonistas de The First Nudie Musical (Mark Haggard, Bruce Kimmel, 1976). Podéis leer la entrevista y descubrir cómo se creó este film de culto clicando aquí:

https://underbrain.com/cine/the-first-nudie-musical-bruce-kimmel/

Espero que os resulte interesante y que haga que más gente descubra esta película.

Mandy

 

Ironías de la vida, la misma semana que me llegó en Blu-ray Mandy (Panos Cosmatos, 2018) fue la misma que se estrenaba en salas de cine en España. Lo que ha hecho que considere ir a verla al cine a pesar de tenerla ya en casa, debido a que es toda una experiencia que la pantalla de cine no puede hacer más que ensalzar.

Esta es una de esas películas en que el argumento no da idea de qué es exactamente lo que se va a encontrar el espectador, incluso puede sugerir una idea completamente equivocada. El argumento es simple: ambientada en 1983, Mandy cuenta la historia de Red Miller (Nicolas Cage), un leñador que se embarca en una sangrienta venganza contra la secta que ha asesinado a su novia Mandy (Andrea Riseborough). Un planteamiento que, teniendo en cuenta que está ambientada en los 80, puede hacer creer que se trata de una nostálgica cinta de acción, pero nada más lejos de la realidad.

Panos Cosmatos, hijo del director George P. Cosmatos, deliberadamente crea una trama sencilla porque lo que le interesa es crear una experiencia visceral en el espectador. Sumergirlo en un universo surrealista y delirante a traves de imágenes hipnóticas que cuentan con el apoyo de una de las últimas bandas sonoras que compuso Jóhann Jóhannsson. Mandy nos ofrece un paisaje visual y sonoro en el que se mezclan referencias al cine de acción, terror y ciencia ficción, pero recodificadas para formar una visión artística alejada del cine comercial (contra el que no tengo nada en contra, todo lo contrario). Algo parecido a lo que hacen Hélène Cattet y Bruno Forzani cuando utilizan los códigos estilíscos del giallo para crear cine experimental. Aunque Cosmatos no llega a los extremos de Cattet y Forzani, en el sentido que no deja de ser cine narrativo y no experimental, aún así, cuando llegan los títulos de crédito, uno tiene la sensación de que ha experimentado Mandy más que simplemente verla. Sin embargo, el film de Cosmatos también hace gala de cierto perverso sentido del humor. Es un film sangriento y brutal, sí, pero al mismo tiempo con momentos tremendamente divertidos.

Por supuesto, uno de los puntos fuertes de la película, más allá de lo visual, es la fantástica interpretación de un inmenso Nicolas Cage. Cage es un actor que me encanta porque no importa la calidad de la película en que esté trabajando, él siempre resulta interesante. Por suerte, en este caso su genial trabajo enriquece una película ya de por sí fascinante, con lo que todos salimos ganando.

Me pregunto qué tal encajaría una doble sesión de Mandy y Furia ciega (Drive Angry, Patrick Lussier, 2011): ambas tienen argumentos parecidos y están protagonizadas por Nicolas Cage. Pero mientras Panos Cosmatos, como ya he mencionado, lleva sus influencias de la exploitation hacia el cine de autor, Patrick Lussier las utiliza para intentar recrear una pieza de entretenida exploitation. Un interesante contraste.

Si no la habéis visto ya, es definitivamente una película que recomiendo. Reventar cabezas puede también ser arte.

Malos tiempos en El Royale (Bad Times at the El Royale)

 

Publicada mi crítica de Malos tiempos en El Royale (Bad Times at the El Royale, Drew Goddard, 2018) en Underbrain Mgz:

https://underbrain.com/cine/malos-tiempos-en-el-royale/

Potente y entretenida película, disfruté mucho con ella y la recomiendo sin reservas.

Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte (The Girl in the Spider's Web)

 

Publicada mi crítica de Millennium: Lo que no te mata te hace más fuerte (The Girl in the Spider’s Web, Fede Alvarez, 2018) en Underbrain Mgz, clicando en:

https://underbrain.com/cine/millennium-lo-que-no-te-mata-te-hace-mas-fuerte/

La película en conjunto me dejó algo frío, pero resulta entretenida. La serie ahora carece del contenido social que tenían los libros de Stieg Larsson en favor del thriller más directo.

Overlord

Ya disponible mi critica de Overlord (Julius Avery, 2018), como siempre, en Underbrain Mgz, clicando aquí:

https://underbrain.com/cine/overlord/

No soy muy fan de la manera que tiene J. J. Abrams de orquestrar la promoción de sus producciones, deberían haber presentado desde el principio esta película como una entretenida serie B sin muchas complicaciones. El hype solo funciona uno o dos días.

Segunda oportunidad: La liga de los hombres extraordinarios

 

Hace poco lei un artículo destacando un punto positivo de La liga de los hombres extraordinarios (The League of Extraordinary Gentlemen, Stephen Norrington, 2003): fue la primera película en la que el capitán Nemo, interpretado por Naseeruddin Shah, estaba representado como un hombre indio tal y como Julio Verne lo había imaginado, en lugar de los típicos caucásicos que hasta entonces lo habían hecho. Este artículo me dio la idea para volver a ver una película que no había visto desde que se estrenó y salí asqueado de verla hace 15 años. Sin embargo, la tenia ya que estaba incluida en un pack que compré por los otros títulos que lo conformaban, así que me armé de valor y me puse a verla por segunda vez en mi vida.

 

Esta adaptación de una fantástica serie creada por Alan Moore, con arte de Kevin O'Neill, entró en producción antes de que el primer número se publicara. También fue responsable de que Alan Moore dejara de aparecer en los créditos de las películas basadas en sus obras y se desentendiera completamente de las adaptaciones al cine posteriores, de que Sean Connery decidiera no rodar más películas y de que Stephen Norrington dejara de dirigir películas. No está mal para una mediocre película de acción.

El film resulta interesante desde un punto de vista histórico: fue producido en plena efervescencia del cine de superhéroes pero cuando todavía se aplicaba una visión muy Hollywood de cómo se supone que era una película de acción de este estilo, cuando Marvel todavía no había mostrado cómo se hace bien y la Warner con DC cómo se hace mal. En sentido, la que más salió perdiendo en el traslado de las páginas a la pantalla fue Mina Murray, que pasó de lider del grupo a secundaria vampira sexy con innecesarios poderes (y con nombre de casada). Pero sus puntos interesantes se acaban ahí en lo que a mí respecta.

He de remarcar que esta película me ha hecho darme cuenta de que ya no me ofendo como antes. En su momento, la pésima adaptación que convertía una gran historia en una típica película de acción a lo James Bond, me pareció una afrenta personal. Salí dispuesto a quemar Hollywood y ahorcar a los responsables de semejante despropósito. Por suerte, he madurado. Sí, es una adaptación pésima y una película mediocre, pero puedo seguir disfrutando de la verdadera League of Extraordinary Gentlemen simplemente cogiendo el volumen de la estantería. Me he dado cuenta de que no vale la pena desperdiciar energía en odiar una película, es mejor reservar la pasión para las películas que me gustan.

A lo mejor también influye que, desde entonces, he visto cosas mucho peores, como La Torre Oscura (The Dark Tower, Nicolaj Arcel, 2017). Al fin y al cabo, como ya he repetido diversas veces a lo largo de este artículo, es un film mediocre pero no terrible o abominable. Tiene algún instante que me hace gracia, no me aburrí y aprecié los maquillajes prácticos y las prótesis mezclados con la CGI, al contrario que con Van Helsing (Stephen Sommers, 2004) que era puro ruido sin más. Tampoco creo que la vuelva a ver nunca más, claro.

Hunter Killer: Caza en las profunidades (Hunter Killer)

Publicada mi crítica de Hunter Killer: Caza en las profundidades (Hunter Killer, Donovan Marsh, 2018) en Underbrain Mgz:

https://underbrain.com/cine/hunter-killer-caza-en-las-profundidades/

Otra de esas pelis que se quiere disfrazar de gran producción pero con un presupuesto ajustado. Cosa que se nota simplemente contando las escenas en las que aparece Gary Oldman.

Pesadillas 2: Noche de Halloween (Goosebumps 2: Haunted Halloween)

Publicada mi crítica de Pesadillas 2: Noche de Halloween (Goosebumps 2: Haunted Halloween, Ari Sandel, 2018) en Underbrain Mgz:

https://underbrain.com/cine/pesadillas-2-noche-de-halloween/

Para todos aquellos que queréis introducir pronto a vuestros sobrinos/hijos/hermanos pequeños en el mundo del terror, es una buena puerta de entrada en el género para los más pequeños.

Spookies

Viendo el resultado final, uno tiene que preguntarse, ante la cantidad de directores y guionistas que trabajaron en esta película, si los cineastas eran gente con cero talento increíblemente torpe o un grupo de cineastas peleados entre sí. Resulta que es un poco de ambas.

Según pude entender, Spookies (Eugenie Joseph, Thomas Doran, Brendan Faulkner, 1986) cuenta la historia de Kreon (Felix Ward), un hechicero que atrapa un grupo de personas dentro de su casa llena de monstruos con la intención de matarlos y usar su energía para resucitar a su esposa, Isabelle (Maria Pechukas).

Contada así parece una historia bastante simple y sencilla. Sin embargo, en el film está contada de la manera más confusa, torpe y delirante posible. Por ejemplo, Kreon dice al poco de empezar que necesita matar a los visitantes para robar su energía y resucitar a su esposa, pero diez minutos más tarde, con los visitantes aún vivitos y coleando, Isabelle vuelve a la vida y se pasa gran parte del metraje lamentándose ante su marido.

Hablando de intervalos de diez minutos. Hay un momento que vemos a una especie de vampiro azul, que sirve de criado de Kreon, empezar a subir unas escaleras. Se corta a otra escena y cuando regresamos al vampiro este sigue subiendo las mismas escaleras.

Al parecer el film empezó su existencia como Twisted Souls (nótese el nombre de la productora en el póster). Un film dirigido por Thomas Doran y Brendan Faulkner que contaba con guion de Doran, Faulkner y Frank M. Farel. El argumento de Twisted Souls giraba en torno a un grupo de personajes atrapados en una mansión llena de monstruos. Cuando se encontraban en proceso de editar el film, empezaron a darse momentos de tensión entre un financiero y Doran y Faulkner. Momentos que fueron empeorando hasta que finalmente este financiero se deshizo de Doran y Faulkner y contrató a Eugenie Joseph. Joseph fue quien ideó la historia del hechicero Kreon, filmando nuevas escenas con otros actores, como Alec Nemser que interpreta un niño que aparece al principio y cuya historia no va a ninguna parte. Finalmente, Spookies se creó mezclando el material de dos historias que no tenían nada que ver.

Esto explica la naturaleza descoordinada de la narrativa, con personajes que en teoría comparten historia nunca interactuando entre ellos. Las escenas de Kreon en su sótano son un poco como las escenas de Bela Lugosi recicladas para Glen or Glenda (Edward D. Wood Jr., 1953), para que os hagáis una idea.

También he de decir que no estoy seguro de que el resultado de Twisted Souls hubiese sido mucho mejor, ya que los personajes no tienen nada que ver entre sí (hay uno que parece el padre del resto) y la razón por la que acaban en la casa es de lo más forzada y estúpida. Así que a lo mejor hemos salido ganando, ya que al menos en esta forma, Spookies es una mala película pero lo es de forma interesante y curiosa.

Lo que no está nada mal son los efectos especiales, los maquillajes y las criaturas. Un festival de monstruos que en una película mejor habrían contribuido a hacerla memorable. Aunque ni siquiera los efectos especiales se libraron del drama de posproducción: se decidió que a unas criaturas se les añadieran pedos en la banda sonora, convirtiéndolas así en criaturas de mierda, literalmente (ver tráiler).

Spookies es confusa, torpe y ridícula. Una mala película, sí. Pero una mala película que es toda una fiesta.

Segunda oportunidad: The Haunting (La guarida)

 

Tras disfrutar con la serie y escribir el artículo La maldición de Hill House, pensé que sería un buen momento para repasar The Haunting (La guarida) (The Haunting, Jan de Bont, 1999), película que no había vuelto a ver desde que se estrenó en cines.

Algo que sí recordaba sobre este film de finales de los 90 es que por una vez mi opinión coincidía con la de la mayoría, considerando La guarida un fracaso artístico. Hasta la protagonista Lili Taylor, conocida por su trabajo en el cine independiente, juró no hacer otra película en Hollywood tras ver el resultado final del proyecto. Volviendo a verla hoy día mi opinión original se ve reafirmada, aunque ahora tengo más recursos para explicar por qué es una mala película de terror.

Sobre el papel todo apuntaba al éxito según la mentalidad hollywoodiense: basada en un clásico de la literatura que ya había servido de base para una de las mejores películas de terror de la historia del género, La casa encantada (The Haunting, Robert Wise, 1963); un reparto de estrellas encabezado por Liam Neeson, Catherine Zeta-Jones, Lili Taylor, Owen Wilson y una breve aparición de Bruce Dern; el director Jan de Bont había dirigido dos títulos muy taquilleros previamente. ¿Qué fue mal?

Los problemas principales tienen su raíz en el guion. Al parecer, a mediados de los 90 Stephen King propuso a Steven Spielberg una nueva adaptación de la novela de Shirley Jackson, de la que King es muy fan. El guion de King fue rechazado, el genio de Maine lo convirtió en la entretenida miniserie Rose Red (Craig R. Baxley, 2002), para empezar la inevitable retahíla de guiones y reescrituras, siendo acreditado en pantalla David Self, en el que fue su primer guion producido. Repito: Stephen King - guion rechazado, principiante que no había hecho nada - guion aceptado.

El guion se toma muchas libertades con la novela, es bastante infiel e inventa muchos detalles argumentales para la película. Lo cual no sería un problema si los cambios sirvieran para mejorar la traslación a la pantalla de la historia, me remito de nuevo a la serie La maldición de Hill House. Pero no es el caso. Los cambios hacen que todo resulte muy forzado y excesivamente conveniente. La razón por la que los personajes acaban en la casa (un estudio sobre los efectos del miedo) no tiene mucho sentido ni utilidad científica. Eso sí: se hacen muchas referencias contemporáneas, para que sea una película moderna y actual. Pero el máximo problema es que se cambió el tono y el estilo de la historia para una idea muy hollywoodiense de lo que da miedo: cero atmósfera y muchos, muchos ruidosos y aparatosos efectos visuales.

Los efectos visuales por ordenador son una herramienta. Y como todas las herramientas se ha de saber cómo usarla, cuándo usarla y dónde usarla. La mejor manera actualmente de usarlos es mezclar efectos prácticos con efectos visuales, de modo que se puedan tapar las carencias de uno con los elementos fuertes del otro. Sobretodo si, como sucedía a finales de los 90, la tecnología estaba en pleno desarrollo y todavía no tenía la capacidad de verosimilitud que tiene actualmente. Por ejemplo, tres años antes de La guarida Peter Jackson estrenó Agárrame esos fantasmas (The Frighteners, 1996), una película que utiliza un gran número de fantasmas. Para crear estos fantasmas, Jackson filmó actores maquillados frente a una pantalla verde y luego los añadió a la imagen principal, creando personajes etéreos y creíbles dentro de la acción. En el film de De Bont, los fantasmas se crearon usando solo animación digital, así que tienen un aspecto muy falso de dibujos animados que no encaja con la acción real. Además, hay momentos muy ridículos que pretenden ser inquietantes por culpa de la excesiva utilización de efectos visuales.

Esta manera de entender el cine y el género provoca que, a pesar de su gran diseño de producción, La guarida es un film que deja frío, indiferente. No provoca ni miedo ni suspense, todo es demasiado falso y grandilocuente desde el primer minuto como para crear una atmósfera envolvente.

Un ejemplo más claro de a lo que me refiero. Una de las escenas más memorables del film de Robert Wise, sacada de la novela de Jackson, es cuando Theo y Nell escuchan aterradas unos extraños ruidos y Nell se queja de que Theo le apreta la mano con demasiada fuerza, a lo que Theo responde que no le está cogiendo la mano. Una escena imitada y copiada centenares de veces. En el film de Jan de Bont esto se traduce en: explosión de cristales que tira a Nell de la cama, sola en la habitación, que dice "¿quién me cogía la mano?" levantándose del suelo, con la frase casi tapada por el sonido del cristal y sin que en ningún momento se viera o se aludiera a que Nell le estaban cogiendo de la mano. Es como si hubieran añadido la frase en el último minuto pensando que era algo que la gente recordaba pero sin considerar si tenía sentido en la escena.

En definitiva, La guarida es un perfecto ejemplo de personas trabajando en un género sin conocerlo bien. El resultado, un film mediocre sin interés.

La maldición de Hill House (The Haunting of Hill House)

 

He escrito un artículo sobre la nueva serie de Netflix La maldición de Hill House (The Haunting of Hill House, Mike Flanagan, 2018) para Underbrain Mgz que podéis leer clicando aquí:

https://underbrain.com/tv/la-maldicion-de-hill-house/

Como ya dicho en el artículo y repito ahora: si queréis disfrutar con esta serie, no la veáis toda de golpe. Os perderéis muchas cosas.

Slender Man

 

Publicada mi crítica de Slender Man (Sylvain White, 2018), que también explica un poco la razón del no muy satisfactorio resultado final por razones extracinematográficas:

https://underbrain.com/cine/slender-man/

Sería interesante ver un montaje del director de este film o, al menos, un documental explicando el drama tras las cámaras, pero imagino que no será así.

Matar o morir (Peppermint) (Peppermint)

 

Publicada mi crítica de Matar o morir (Peppermint) (Peppermint, Pierre Morel, 2018) en Underbrain Mgz, clicad aquí:

https://underbrain.com/cine/matar-o-morir-peppermint/

Interesados en el cine de venganza justiciera o en ver a Jennifer Garner matar a un montón de gente pasarán un rato entretenido.

El apóstol (Apostle)

Por fin una nueva película de Gareth Evans, después de que hayan pasado casi cuatro años desde The Raid 2 (Serbuan maut 2: Berandal, 2014). Lo hace de la mano de Netflix con El apóstol (Apostle, 2018), una fantástica película de terror disponible desde el 12 de octubre.

Thomas (Dan Stevens) se infiltra en una secta que habita en una isla. Lo hace con el objetivo de rescatar a su hermana, Jennifer (Elen Rhys), secuestrada por los líderes de la secta con la esperanza de obtener un jugoso rescate. La búsqueda de su hermana provocará que Thomas descubra los horrores que se ocultan detrás de las buenas palabras del líder de la secta, Malcom Howe (Michael Sheen).

Esta no es la primera incursión de Gareth Evans en el terror. Fue uno de los directores de V/H/S/2 (2013), junto a Simon Barrett, Jason Eisener, Gregg Hale, Eduardo Sánchez, Timo Tjahjanto y Adam Wingard. El segmento de Evans, Safe Haven, es una de las pocas razones por las que vale la pena ver V/H/S/2. Tenía mucha curiosidad por ver cómo Evans desarrollaba en un largo la habilidad para crear grandes cantidades locura y terror demostrada en un corto. Y no me ha decepcionado.

Con una premisa que evidencia la influencia de El hombre de mimbre (The Wicker Man, Robin Hardy, 1973), El apóstol se inicia como un film de terror con sus raíces en el folk horror británico, para mostrar, a medida que avanza, los horrores que son capaces de cometer las personas en nombre de la religión. Su protagonista se embarca en dos viajes, uno provocado por otro: la búsqueda de su hermana lo llevará a replantearse su propia pérdida de fe ante los horrores de los que es testigo. No será un viaje fácil, como les pasa a los protagonistas de sus anteriores películas, Thomas es sujeto a grandes dosis de violencia, a la par con la que inflige él en respuesta.

Ambientada a principios del siglo XX, el argumento se narra utilizando un estilo sobrio y contenido, consagrando la primera mitad del metraje a crear atmósfera y desarrollar la trama. Esto contribuye a resaltar aún más la brutalidad y la violencia de la segunda mitad. Una manera de exponer la historia que he disfrutado enormemente después de una temporada de películas de terror basadas en sustos y clichés. Muy recomendada.

La fuerza de la venganza (Avenging Force)

 

Cuando estás bajo de moral, pocas cosas pueden alegrarte el día como una saludable dosis de violencia gratuita ochentera como solo la Cannon podía perpretar. Un ejemplo perfecto es el brillante despropósito La fuerza de la venganza (Avenging Force, Sam Firstenberg, 1986).

El senador Larry Richards (Steve James) es amenazado por el grupo Pentángulo, que no acepta que pueda ser elegido un senador negro. El ex agente de la CIA y maestro de las artes marciales Matt Hunter (Michael Dudikoff) es amigo de Richards, así que se encargará de protegerlo, pero es traicionado y la misión de protección se convierte en una misión de venganza.

Avenging Force se planteó como una secuela de la genial Invasión USA (Invasion U.S.A., Joseph Zito, 1985). Sin embargo, Chuck Norris no estaba disponible, ya que estaba comprometido en otras producciones, así que se decidió pasarle el personaje Matt Hunter a Michael Dudikoff. En aquel entonces, Dudikoff estaba trabajando en El guerrero americano (American Ninja, Sam Firstenberg, 1985) con el director Sam Firstenberg y el actor Steve James. En cuanto terminó el rodaje de El guerrero americano, los tres empezaron a trabajar en La fuerza de la venganza.

Si habéis visto Invasión USA, sabéis ya que es una delirante fantasía de derechas. Sin embargo, en esta secuela se pasan al otro lado, siendo los villanos un grupo de extrema derecha comandados por el profesor Elliott Glastenbury, al que da vida John P. Ryan en una actuación que proporciona las mayores carcajadas de todo el film. La mejor escena en este sentido es cuando vemos la celebración de un acto del Pentángulo. Justo cuando su personaje está siendo introducido, Ryan pone ojos de loco y parece a punto de saltar y matar a alguien, lo que indica perfectamente la calidad de su interpretación. Empieza su discurso y da miedo ver lo mucho que se parece a los discursos que berrea Donald Trump en la actualidad. Por cierto, fijaros que cuando Ryan describe como Estados Unidos se encuentra en peligro de ser atacada por mejicanos y negros drogatas, hay un inserto de uno de los espectadores del discurso realmente acojonado, como un niño aterrado por un monstruo bajo su cama, que me pareció descojonante.

Otro aspecto que me llamó la atención de La fuerza de la venganza es que tiene una historia de cazadores de hombres mezclada con su historia de acción. Los mandameses del Pentángulo tienen un club con el que se dedican a cazar hombres que consideran dignos de ser exterminados por ellos. Obviamente, Matt Hunter es uno de estos hombres y la segunda mitad de la película se dedica a este aspecto de la trama.

En la parte final se dejan algunas puertas abiertas de cara a una posible continuación que nunca se produjo. Es una lástima que no se rodaran más aventuras de Matt Hunter, ya que, aunque Michael Dudikoff siempre me pareció algo soso comparado con otras estrellas de acción de la época, son muy entretenidas. Si bien es un film pasado de vueltas y ridículo en algunos momentos, las escenas de acción están muy bien rodadas y no aburre en ningún momento. Sam Firstenberg también dirigió La venganza del ninja (Revenge of the Ninja, 1983), ojo, así que es un experto en rodar películas con generosas dosis de acción y locura.

En definitiva, si ver en la misma frase Cannon y acción ochentera os hace brillar los ojos, ya tendréis claro si este desfase cinematográfico será de vuestro agrado o no. Imagino que muchos ya la conocéis, pero aquellos que empiecen ahora a descubrir el mundo Cannon lejos de los tiempos de videoclub, apuntadla en vuestra lista para ver.

La casa del reloj en la pared (The House with a Clock in Its Walls)

 

Ya publicada mi crítica de La casa del reloj en la pared (The House with a Clock in Its Walls, 2018), la sorprendente nueva película de Eli Roth. La podéis leer en Underbrain Mgz clicando en:

https://underbrain.com/cine/la-casa-del-reloj-en-la-pared/

No tengo nada en contra de las películas de Eli Roth, incluso me gustó bastante El infierno verde (The Green Inferno, Eli Roth, 2013). Pero creo sin duda que esta es su mejor película hasta la fecha.

Venom

 

Publicada mi crítica de Venom (Ruben Fleischer, 2018) en Underbrain Mgz, leedla clicando en:

https://underbrain.com/cine/venom/

No lo que llamaría una buena película, pero tremendamente entretenida y divertida.

Ha nacido una estrella (A Star Is Born)

 

Ya podéis leer mi crítica de Ha nacido una estrella (A Star Is Born, Bradley Cooper, 2018) en Underbrain Mgz:

https://underbrain.com/cine/ha-nacido-una-estrella/

Nada nuevo bajo el sol, pero tiene grandes momentos y disfruté con las interpretaciones.

The First Nudie Musical

 

¡Solo en los 70! Solo en la década mágica de la revolución sexual y los pantalones de campana se podía estrenar una película como The First Nudie Musical (Mark Haggard, Bruce Kimmel, 1976). No solo se estrenaba en cines, además lo hacía distribuida por un gran estudio como la Paramount.

Harry Schechter (Stephen Nathan) se encuentra con el agua al cuello: puede que pierda su estudio independiente si no logra producir un gran éxito. Hasta ahora, gracias al cine porno se había mantenido a flote, pero el género ya no es una novedad y sus últimas producciones no han funcionado. Pero entonces tiene una brillante idea: producir el primer musical porno. Sin embargo, realizar un musical porno no es tan fácil como simplemente rodar una porno, Harry se enfrentará a un montón de problemas para poder estrenar el film, desde directores ineptos a egocéntricas estrellas, con la continua amenaza de perder el estudio.

Como se puede leer en el póster, The First Nudie Musical es una comedia musical que parodia el cine porno y los clásicos musicales de los años 30. A pesar de lo que indica su título, no fue la primera película en mezclar comedia musical y erotismo, datando las primeras en mezclar ambos de mediados de los 60. Saliendo del erotismo y entrando en el porno, aquel mismo 1976 se estrenaba la película porno musical Alicia en el país de las pornomaravillas (Alice in Wonderland: An X-Rated Musical Fantasy, Bud Townsend). Y también en 1976 se estrenaba Let My Puppets Come (Gerard Damiano), que, además de ser un porno musical, tenía el añadido de estar protagonizada por muñecos a lo Muppets.

Hemos de recordar que nos encontramos en la época del porno chic, en que el género tuvo un breve romance con el mainstream. No es de extrañar que surgiese la idea de hacer una parodia del género, el problema era que con un género tan autoparódico y, en aquella época, absurdo, ¿cómo puedes hacer una parodia que no parezca tímida al lado de lo auténtico? Y aquí es donde entran los musicales de los años 30. The First Nudie Musical coge la estructura y los personajes de un musical de los años 30, cambiando el entorno. Tenemos a los despiadados financieros, la ingenua recién llegada con sueños de ser una estrella, la actriz egocéntrica... Personajes inicialmente creados en películas que trataban lo que sucede entre bambalinas en la producción de una obra teatral y luego fueron trasladados a lo que sucede entre bambalinas en la producción de una obra cinematográfica. Básicamente, lo que esta película hace es trasladar títulos del estilo de La calle 42 (42nd Street, Lloyd Bacon, 1933) al mundo del porno de los 70.

Una mezcla que funciona bastante bien. A pesar de una dirección algo torpe al principio, el film consigue arrancarte carcajadas, en especial si te gusta el humor de chorrada amplia al estilo Muchachada Nui. Los números musicales también están bastante logrados, como el número de los consoladores bailarines, que me hizo reír bastante. Es por este estilo de humor que creo que el film se mantiene en forma, ya que es, en cierta forma, atemporal.

Para que os hagáis una idea, os dejo con un fan-trailer realizado con motivo de la edición de la película en formato doméstico.