Noche de miedo (Fright Night)

Bueno, ya tenemos otro remake de un clásico ochentero encima. Aún intento digerir que van a hacer un remake de Una pandilla alucinante (The Monster Squad, Fred Dekker, 1987) que ya casi tenemos encima la nueva versión de la clásica Noche de Miedo (Fright Night, 1985) escrita y dirigida por Tom Holland que muchos recordaréis por su otro film de culto: Muñeco diabólico (Child's Play, 1988). Y que conste que no tengo nada en contra de los remakes. De hecho algunos de mis mejores amigos son remakes, pero es que dentro de nada se les van a acabar las pelis de los ochenta de las que hacer versiones. Y otra cosa, ¿dónde están los nuevos mitos? Freddy, Jason, Chucky, Pinhead... Todos surgieron en esa mágica década para el género que fueron los ochenta. Ahora tenemos a Jigsaw (de las pelis de Saw) y a nadie más. Y Jigsaw tampoco es que tenga el carisma de Jason Voorhees porque Jigsaw es un listo y a nadie le gustan los listos.

En fin, vayamos a la película. Por si hay alguien que no la ha visto: el joven Charley Brewster (William Ragsdale) se asoma a la ventana de su habitación una noche ya que le ha parecido ver una chica desnuda en la casa de su nuevo vecino. Entonces es testigo de como el vecino mata a la chica ya que resulta que es... ¡un vampiro! El atractivo Jerry Dandrige (Chris Sarandon) es un vampiro que ha decidido mudarse a un tranquilo barrio residencial. Cuando ni siquiera su novia Amy (Amanda Bearse) ni su mejor amigo Ed (Stephen Geoffreys) le crean, Charley recurrirá a la única persona que seguro le puede ayudar: Peter Vincent (Roddy McDowall), presentador del programa "Noche de miedo". Y hasta aquí puedo leer.

La gran interpretación de Roddy McDowall como el cobarde, egocéntrico y fracasado Peter Vincent es una de las principales razones por las que la película funciona, proporcionando algunos de los momentos más divertidos de la película. Chris Sarandon también ofrece una buena interpretación como el seductor vampiro Jerry. Uno tiene la sensación que ambos actores se lo están pasando bomba y esa sensación se contagia al espectador.

Tom Holland, que ya había conseguido subir una tremenda montaña con el guión de Psycho II (Richard Franklin, 1983), nos ofrece un guión muy inteligente en el que se hace homenaje a los clásicos del cine de vampiros al mismo tiempo que los moderniza. A pesar de los toques de comedia, el vampiro es una auténtica amenaza como nos muestra en escena de la seducción de Amy. Si bien era su primera película como director, Holland ya acumulaba a sus espaldas una larga experiencia como guionista y este contacto con diferentes directores supongo que es parte de la razón por la que su primera película como director no parece su primera película.

La película fue un gran éxito y por ello se hizo una segunda parte: Noche de miedo II (Fright Night Part 2, 1988). La película fue dirgida por Tommy Lee Wallace y escrita por Wallace, Miguel Tejada-Flores y Tim Metcalfe. Wallace había trabajado como editor con John Carpenter, pero no se le había pegado mucha cosa del maestro ya que si bien la película resulta simpática en algunos momentos (momentos McDowall) no resulta muy memorable.

Una cosa positiva del remake es que seguramente editarán una edición especial en DVD de la película porque la que existe en la actualidad no tiene ni-un-solo-extra.

Cole cole que te como* [*Corre corre que te como] (Di yu wu men aka We're Going to Eat You)

Cole cole que te como* [Corre corre que te como] es el divertido a la par que ofensivo título que decidieron ponerle en España a la comedia caníbal made in Hong Kong We're Going to Eat You (1980) del especialista en cine de acción Tsui Hark. La verdad que me hubiera gustado contaros como descubrí esta película en algún oscuro videoclub de barrio, pero por desgracia descubrí el título castellano buscando información sobre la película.

We're Going to Eat You es una comedia que basa sus principales bazas en el slapstick y el gore con tono humorístico a la Braindead de Peter Jackson (aunque teniendo en cuenta el año de producción de ambas películas seguramente es el caso contrario). La historia está protagonizada por el Agente 999 (Norman Tsui Sui-Keung) que está persiguiendo al elusivo ladrón Rolex (Kam-seng Wong). Es así como el Agente 999 va a parar a un pequeño pueblo en el que se han acostumbrado a comerse a la gente. Aunque el algo ingenuo agente no se da cuenta ni cuando es atacado por un grupo de enmascarados que intentan despedazarlo.

Las escenas de acción tienen el característico aire de ballet histérico habitual en el cine oriental; también están orientadas hacia el humor como una en la que Pickpocket (Kwok Choi Hon), un ladrón que se ve mezclado en la historia al robar al Agente 999, huye de un travesti de dos metros que se lo quiere comer (figurada y literalmente). Muchos de los gags son tremendamente tontos e ingenuos pero me hicieron reír y ése es el objetivo principal de la película. Es ideal para pasar el rato una tarde que tengáis también muy tonta. Uno de los detalles que me llamó la atención es que en la película usan fragmentos de la música que el grupo Goblin compuso para el clásico de Dario Argento Suspiria (1977).

La película ha sido editada en DVD por el estudio Tokyo Shock, por desgracia todavía no hay edición en España con el descacharrante título cañí. Éste que dejo aquí es el tráiler francés que la promociona como si fuera una película seria de terror.

Thriller: A Cruel Picture (Thriller - en grym film) aka They Call Her One Eye aka Hooker's Revenge

Días después de ver esta película aún tenía las desventuras de Frigga rondando por mi cabeza. Estrenada en 1974, Thriller es una película extraña y única en el sentido que tiene un argumento bastante sencillo pero la manera en que se presenta hace que ésta destaque por encima de otros ejemplos de su género.

Este género conocido como "películas de venganza", "películas de violación y venganza" o "vigilante justice" ha proporcionado grandes títulos: Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976), El expreso de Corea (Rolling Thunder, John Flynn, 1977) (éstas dos con guión de Paul Schrader), La última casa a la izquierda (Last House on the Left, Wes Craven, 1972) o Perros de paja (Straw Dogs, Sam Peckinpah, 1971). Es un género caracterizado por la ambigüedad moral y la violencia. Algunas películas exaltan el concepto, otras lo analizan como en La extraña que hay en ti (The Brave One, Neil Jordan, 2007). El género fue especialmente popular durante los setenta, especialmente dentro del circuito de la llamada exploitation.

Thriller tiene un argumento bastante común dentro del género: la joven Frigga (Christina Lindberg) sufre un ataque sexual cuando tiene apenas diez años que provoca que se quede muda por el trauma. Pasan los años y la joven Frigga es una muchacha feliz trabajando en la granja de sus padres. Una tarde que quiere ir a la ciudad es secuestrada por Tony (Heinz Hopf). Tony la engancha a la heroína y la obliga a prostituirse para conseguir más dosis. Cuando Frigga se rebela contra ello, Tony le saca un ojo con un bisturí. Además, provoca el suicidio de los padres de Frigga. Entonces ella empezará a fraguar su venganza contra el hombre que la ha obligado a prostituirse y contra todos los clientes que han abusado de ella.

El resultado final en pantalla es una extraña mezcla entre el cine de arte y ensayo y la más pura exploitation. Lindberg domina la película sin pronunciar palabra, haciendo que sientas compasión por la pobre Frigga incluso cuando se dedica a ir masacrando gente. El director y guionista de esta película fue Bo Arne Vibenius que la dirigió bajo el pseudónimo Alex Fridolinski. Y si bien confesó en una entrevista que su intención era hacer una película muy comercial para recuperarse del fracaso económico de su anterior película pero las decisiones que tomó para representar la historia en pantalla lo hacen difícil de creer. Es como si quisiese hacer algo muy comercial pero sin saber cómo hacerlo.

Tomemos por ejemplo la manera en que se representa la violencia. La escena en que a Frigga le sacan un ojo es muy gráfica (para conseguir el efecto se usó el cadáver de una chica que se había suicidado y se filmó el plano inserto en el hospital donde tenían el cuerpo) siguiendo el estilo del maestro sacaojos Lucio Fulci. Las escenas donde Frigga tirotea y acaba con sus explotadores son filmadas a cámara lenta. Esto provoca que los tiroteos no resulten excitantes como espectáculo violento pero, por otro lado, adquieren una gran belleza plástica y retratan también la agonía de aquellos que mueren de manera que seamos conscientes de las consecuencias que acarrean los actos violentos, influencia del estilo de Sam Peckinpah a la hora de retratar violencia.

Luego entramos en lo que ha provocado mayor controversia alrededor de la película: la inclusión de insertos pornográficos (rodados por dobles) en algunas escenas de Frigga con los clientes. Encuentro que dentro del contexto de la película los insertos están justificados ya que hacen sentir con mayor fuerza el dolor de la violación que experimenta Frigga. Los insertos no resultan excitantes o eróticos, provocan desasosiego y una mayor empatía hacia el personaje de Frigga, más cuando se alternan con la inocente cara de Christina Lindberg. Sin embargo, la inclusión de estos insertos pornográficos provocaron (y provocan) que mucha de la llamada "crítica seria" desestime el film. Recordad la reacción que hubo contra Crash de David Cronenberg en 1996. La inclusión de estos insertos provocó que la película fuera prohibida en Suecia y otros lugares, siendo sólo estrenada cuando hubo sido seriamente censurada. En Estados Unidos quitaron gran parte de metraje (la película pasó de los 107 minutos originales a 82), además de cambiarle el título de Thriller a They Call Her One Eye, convirtiendo el film en una vulgar película con algo de violencia.

Es por ello supongo que la compañía Synapse hizo dos ediciones de la película: una con los insertos y otra sin los insertos (pero el resto del metraje intacto). Según la carátula del DVD, Quentin Tarantino ha dicho que esta película es la película de venganza más dura jamás realizada. El personaje de Elle Driver (Daryl Hannah) en Kill Bill es un homenaje a la protagonista de Thriller, incluidos los parches de diferentes colores, al igual que la vestimenta que lleva Uma Thurman es un homenaje a Bruce Lee. En un artículo que acompaña al DVD, Robert Marcucci escribe que desde El manantial de la doncella (Jungfrukällan, Ingmar Bergman, 1960) Suecia no había producido un clásico moderno de venganza y justicia poética  semejante. Ciertamente, ni Suecia ni ningún otro país. Thriller: A Cruel Picture no es una película para todos los paladares pero la recomiendo fervientemente ya que se trata de una experiencia fílmica sin igual. Os recomiendo la versión completamente íntegra claro, la reconoceréis porque la portada es roja; es una edición limitada a 25.000 unidades, así que daos prisa en adquirirla.

Os dejo aquí los anuncios que se hicieron de la película con diferentes títulos. El segundo está subtitulado.

The Embryo Hunts in Secret (Taiji ga mitsuryô suru toki)

 

 

Si ya de por sí el cine japonés es peculiar, el cine de arte y ensayo japonés es ya para mear y no echar gota. The Embryo Hunts in Secret fue rodada en 1966 por Kôji Wakamatsu con guión de  Masao Adachi. Seguro que al oír estos nombres ya lo tenéis todo más claro.

La película es una elaborada metáfora sobre la lucha de sexos y la misoginia galopante que hay en Japón. Un poco como lo que hizo Takashi Miike en Audition (Ôdishon, 1999) con un toque de El coleccionista (The Collector, William Wyler, 1965). El film de Wakamatsu gira en torno a un ejecutivo japonés (Hatsuo Yamaya) que una noche que sale de juerga con una de las empleadas de su empresa (Miharu Shima) decide secuestrarla y someterla a toda una serie de torturas y humillaciones hasta que se convierta en una criatura a su entera merced. Cuanto más resiste la mujer mayor sadismo aplicará el hombre en someterla.

A medida que la película avanza vamos conociendo algunas de las motivaciones del hombre: su madre se suicidó, cosa que el considera como un abandono, y su mujer intentó dejarle porque quería tener un hijo, él la mató. Estas motivaciones son extrapolares a los cambios que a mediados de los sesenta se estaba produciendo en la sociedad por los movimientos de emancipación de la mujer. No sólo los hombres japoneses reaccionaban con confusión y violencia, los hombres europeos tampoco eran ajenos a esto. Tampoco es algo que pertenezca al pasado, pensad en las cifras de mujeres muertas a manos de maridos maltratadores.

Wakamatsu muestra el miedo y la confusión que esto provoca en la mente del hombre japonés a través de las contradictorias actitudes que mantiene el personaje masculino en la película. Arrebatos de arrepentimiento y de búsqueda de amor materno son seguidos de arrebatos de violencia. Durante la ordalía, la protagonista femenina procura mantener la entereza e intenta huir cada vez que tiene oportunidad a la vez que intenta mantener su orgullo intacto.

La conclusión de Wakamatsu sobre como se resolverá esta situación no es muy optimista ni para el hombre ni para la mujer.

En cuanto a los valores artísticos de la película, Wakamatsu usa una estructura de flashback para ir alternando entre la tensa situación presente en el apartamento en el que transcurre el film y el pasado del hombre, donde vemos el origen de sus diferentes traumas. Se combinan imágenes con fotografías creando unos collage que ilustran el clima psicológico de los personajes. Para ello, el director nos muestra secuencias abstractas que nos transportan a la mente de los personajes en un continuo vaivén entre la narrativa convencional y la experimental.

El director Gonzalo López hizo una versión española de esta película titulada Embrión, protagonizada su versión por Sergio Bernal y Mariona Tena. No la he visto pero dudo que llegue al nivel emocional de la original ya que está enfocada más hacia el thriller convencional al juzgar por el tráiler. Vamos, como lo que hizo Pedro Almodóvar con Átame.

A continuación un fragmento de una de las escenas más logradas de la película. Wakamatsu en lugar de mostrar directamente el ataque a la mujer hace una serie de insertos pertenecientes a diferentes obras de arte que muestran a personas siendo torturadas (no toquéis el volumen, medio fragmento es mudo):

Hatchet

En el póster queda bien claro: "No es un remake, no es una secuela y no está basada en una película japonesa. Hatchet. Horror americano a la antigua usanza." Estrenada el 2006, el director y guionista Adam Green pretendía devolver la gloria al género de terror, bastante maltratado en los últimos tiempos. ¿Lo consiguió? Pues sí y no.

Hatchet es un típico slasher: un grupo de gente asesinada sin piedad por un demente armado con machete y cuchillos. Cambia los bosques de Viernes 13 o The Burning por un pantano. El demente en cuestión es el deforme Victor Crawley, interpretado por Kane Hodder que alcanzó la fama interpretando a Jason Voorhees en cuatro ocasiones. Luego tenemos a los dos protagonistas: Ben (Joel Moore) y MaryBeth (Tamara Feldman), el resto de personajes es básicamente carne de cañón. En un guiño a los fans tenemos cameos de estrellas del terror como Robert Englund y Tony Todd.

La película no es la última palabra en cine de terror, pero es tremendamente divertida. En una muy ochentera mezcla de comedia y terror, Adam Green nos ofreció un entretenido slasher en una época en que eran más bien escasos. Aunque realmente es con la versión sin censura del DVD que disfrutamos de unos gloriosos asesinatos como hace tiempo que no se veían y sin el componente de mal rollo de películas como Hostel (Eli Roth, 2005) o Saw (James Wan, 2004).

La película se vio en el Festival de Sitges pero hasta ahora ni siquiera ha salido en DVD en nuestro país y eso que la segunda parte está a punto de estrenarse en Estados Unidos. De momento os recomiendo la edición americana que incluye el montaje del director sin censurar.

Splinter

Una joven pareja de vacaciones, Seth (Paulo Costanzo) y Polly (Jill Wagner), son secuestrados por un ladrón (Shea Wigham) y su inestable novia (Rachel Kerbs) que intentan huir del país. Una situación mala de por sí se agravará cuando paren en una gasolinera y se encuentren atrapados por algo desconocido.

Con esta sencilla historia que es la base del guión de Ian Shorr y Kai Barry, el director Toby Wilkins construye una efectiva película de terror con algún toque de humor. Si bien la película no cuenta con muchos elementos originales sí lo es en lo que importa: el extraño antagonista al que se enfrentan sus protagonistas. ¿Se trata de un virus? ¿Una extraña mutación creada por el gobierno y que se ha escapado a su control? La película, sabiamente, nunca lo aclara. Lo que sí queda claro son sus efectos: como un parásito se extiende por el cuerpo matando a su anfitrión y lo convierte en algo que bien podría estar en un museo de escultura moderna. La descoyuntada manera en que se mueven sus víctimas resulta inquietante, como si las moviera un tirititero demente, radicando ahí gran parte de su efectividad.

La película no pretende nada más que hacernos pasar un buen mal rato, cosa que consigue gracias a la habilidad de su director en manejar los recursos limitados con los que cuenta. Esta producción de bajo presupuesto se estrenó el 2008 pero, aparte de ser vista en el Festival de Sitges, no ha tenido fecha de estreno en España. Imagino que acabará siendo editada directamente en DVD. Si no tenéis problema con el inglés se puede conseguir en DVD de importación donde hace tiempo que se estrenó y es fácil de encontrar.

Police Squad!

Police Squad! fue una serie de televisión de efímera vida (sólo se hicieron seis episodios) que fue creada por el trío ZAZ (Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker), el mismo equipo de directores y guionistas tras la insuperable Aterriza como puedas (Airplane!, 1980). De hecho, la serie fue un intento de trasladar el estilo de humor que había funcionado tan bien en Airplane! a la televisión.

El intento fue un fracaso. La razón principal es posiblemente que es un tipo de humor que requiere mucha atención por si te pierdes algún gag que transcurre en segundo plano, algo difícil de llevar a la entonces pequeña pantalla. La serie tampoco tenía una pista de risas que puntuase los chistes, algo muy extraño en 1982 que es cuando se emitió la serie. Otro motivo es que si bien la serie tuvo buenos directores como Joe Dante, los ZAZ no se encargaron de todos los guiones y tuvieron algunos guionistas algo flojos. Hay que tener en cuenta que el humor que practican es muy difícil de hacer bien,  aunque al verlo parezca fácil, por el uso que hacen del absurdo, y a otros guionistas no acostumbrados es posible que les costase cogerle el tranquillo. Algo que también demuestra la cantidad de infumables comedias del estilo que se han hecho, con la coletilla "como puedas" al final en los títulos traducidos al castellano, coincidiendo todas en la poca gracia que tienen.

Los capítulos tienen todos la misma estructura y una serie de gags que iban teniendo continuidad de episodio en episodio. Una voz en off anunciaba la serie diciendo: "¡Patrulla policial! ¡En color!", luego se introducen a los protagonistas. En cada introducción se anunciaba una estrella invitada diferente que salía muriéndose de diferentes maneras. Una de las estrellas invitadas iba a ser John Belushi, que quería aparecer con un tubo de aspirar coca en la nariz, pero la serie se canceló antes. Otro gag de la intro es que el título del episodio que decía la voz en off nunca coincidía con el que salía escrito en pantalla.

Hubo algo positivo en la cancelación de la serie y fue que ésta se recicló en la descacharrante trilogía formada por Agárralo como puedas (The Naked Gun: From the Files of Police Squad!, David Zucker, 1988), Agárralo como puedas 2 1/2: el aroma del miedo (The Naked Gun 2 1/2: The Smell of Fear, David Zucker, 1991) y Agárralo como puedas 33 1/3: el insulto final (The Naked Gun 33 1/3: The Final Insult, Peter Segal, 1994), todas con sus creadores originales en el guión.

La serie se puede encontrar fácilmente en DVD de importación que incluye la serie completa con comentarios en todos los episodios y una entrevista con Leslie Nielsen. Aquí tenéis una muestra del primer episodio para que juzguéis vosotros mismos:

El enigma... de otro mundo (The Thing from Another World)

Este clásico lo vi de pequeño, cuando no tendría más de seis o siete años, y sin duda influyó en mi amor incondicional por los clásicos de ciencia-ficción de los 50. Estrenada en 1951, la película se anunció como una producción de Howard Hawks dirigida por Christian Nyby con un guión a cargo de Charles Lederer. En la actualidad se sabe que Hawks fue el director de la película, o al menos de parte de ella, y decidió darle el crédito a Nyby que había trabajado con Hawks en tareas de editor en sus películas. Esto se dedujo en un principio del puro estilo Hawks que destila el film, que también es cierto que siendo Nyby el editor de las películas de Hawks no le habría sido difícil de imitarlo. En cuanto al guión, también Hawks y Ben Hecht le metieron mano, lo que explica su rapidez y lo divertido que es en algunos momentos (no olvidemos que Hawks también fue el director de El sueño eterno [The Big Sleep, 1946], Tener y no tener [To Have and Have Not, 1944] y La fiera de mi niña [Bringing Up Baby, 1938], películas caracterizadas precisamente por lo rápido de sus diálogos y lo inventivos que son).

La historia, vagamente inspirada en el relato de John W. Campbell Who Goes There?, transcurre en una base científica en el Ártico. Allí se ha descubierto un platillo volante que se ha estrellado y del que se ha recuperado un tripulante, congelado en hielo. El tripulante extraterrestre se liberará del hielo, obviamente, y empezará a matar indiscriminadamente a los científicos y militares destinados en aquel puesto.

Con alguna escena de suspense aquí y allá y algunos momentos perturbadores, la razón por la que realmente se disfruta de la película son, como ya se ha mencionado antes, sus diálogos y la forma en que son dichos. Los personajes se interrumpen unos a otros, no se da un momento de respiro para soltar la siguiente broma o ladrar órdenes cargadas de tensión. Como suele ser habitual en las películas de Hawks, destaca dentro del reparto Margaret Mitchell interpretando a la inteligente, rápida, ingeniosa y atractiva Nikki Nicholson. Nikki es el interés romántico del capitán Patrick Hendry, interpretado por Kenneth Tobey. Por otro lado tenemos al doctor Arthur Carrington, el líder de los científicos interpretado por Robert Cornthwaite; que nos permite entrar en la política de la película.

El enigma... de otro mundo se estrenó en uno de los momentos más crudos de la Guerra Fría. De ahí que una de las líneas de diálogo más recordadas de la película sea: "vigilad los cielos, vigiladlos bien". En el film parece que el extraterrestre sea una metáfora del temido comunista. También destaca el acercamiento promilitarista del film. Mientras que los científicos insisten en intentar razonar y dialogar con el ente provocando muerte y destrucción, la actitud de los militares de acabar con la cosa lo más rápido posible resulta mucho más razonable en el contexto del film. Claro que uno es consciente de ello a posteriori y conociendo el periodo en que fue realizada. Sin embargo no dejéis que el factor político, completamente inconsciente, no os deje disfrutar de uno de los clásicos más disfrutables e influyentes de la ciencia ficción.

Influyente especialmente en la carrera de uno de los directores más importantes del género: John Carpenter. Carpenter es un declarado fan de Howard Hawks y especialmente de esta película cuyo esquema básico (personas atrapadas en un lugar confinado) el adoptaría con mucho éxito en sus películas. Parece evidente que Carpenter era el indicado para dirigir el remake que se estrenó en 1982: La Cosa (The Thing).

Lo cierto es que este otro clásico dirigido por Carpenter, una película tensa, claustrofóbica y cargada de suspense y terror (atención al homenaje que se hace a esta película en [Rec]2 de Paco Plaza y Jaume Balagueró) no es tanto un remake de la película de Hawks/Nyby como una adaptación fiel al relato original de John W. Campbell. El relato de Campbell cuenta como en una base científica en la Antártida descubre una forma de vida extraterrestre capaz de sustituir cualquier forma de vida. Si estáis interesados existe una edición en inglés de la novela breve de Campbell que está acompaña del tratamiento cinematográfico que hizo William F. Nolan y que por fortuna se desechó cuando el proyecto de hacer un remake surgió en la Universal. Pero como iba diciendo la trama original de Campbell fue desechada en la película de 1951, decidiéndose por un acercamiento más habitual de monster movie, pero es la trama que usaron en 1982. En realidad son dos películas distintas que tienen un origen común.

La película fue editada en DVD por Manga Films pero creo que era la terrible versión coloreada, aunque hablo de memoria así que puedo equivocarme. Mejor buscad una edición (americana o europea) que respete el blanco y negro y esté restaurada. La que tengo yo es la inglesa.

Alarma - catástrofe (The Medusa Touch)

Esta película contó con un gran reparto encabezado por Richard Burton, Lino Ventura y Lee Remick (recién salida de La Profecía [The Omen, 1973] de Richard Donner) y fue dirigida por Jack Gold en 1978. La película adapta una novela de Peter Van Greenaway, adaptación a cargo de John Briley, dejando de lado parte del contenido satírico de la novela. ¿Y de qué trata la película? La película trata sobre un hombre que puede provocar catástrofes.

Una tarde, cuando tendría unos ocho o nueve años, llegué a casa y mi madre me dijo que me había grabado una película que seguro que me gustaba. Si bien le faltaban algunos minutos del principio me quedé enganchado. Especialmente dos escenas se me quedaron grabadas. No sé que fue de aquella grabación, pero durante mucho tiempo estuve buscando esta película sin suerte: no sabía el título y no sabía el nombre de los actores que salían en ella, cuando la vi por vez primera me resultaban desconocidos.

El año pasado, mientras estaba oyendo el audiocomentario que acompañaba la película Thirst (Rod Hardy, 1979) escuché un comentario que me puso en búsqueda de nuevo de la película. Y esta vez sí, gracias a IMDb pude encontrar The Medusa Touch tras años de eludirme. Compré sin pensarlo la edición en DVD inglesa y cuando llegó la metí algo nervioso en el reproductor de DVD.

La película empieza con la policía llegando a casa del escritor John Morlar (Richard Burton) para investigar su asesinato... hasta que descubren que a pesar de sus heridas de alguna forma sigue vivo. El inspector Brunel (Lino Ventura), que está en Inglaterra debido a un intercambio entre Scotland Yard y la Sûreté, comenzará a investigar a Morlar para averiguar quién le ha atacado. Así entra en contacto con la psiquiatra de Morlar, la doctora Zonfeld (Lee Remick). Descubrirá así que Morlar parecía sufrir una particular demencia: estaba convencido que podía provocar catástrofes.

Beneficiada con el saber hacer de los actores británicos, capaces de hacerte creer lo increíble, la película avanza en forma de flashbacks que nos van descubriendo a Morlar, un escritor intelectual que va sembrando la desgracia allí donde va. Así, Brunel va llegando a la conclusión que Morlar tal vez sí puede provocar catástrofes, aumentando la tensión de la película que ya no es "¿quién atacó a Morlar?" sino "¿cómo podemos acabar con él?"

La trama se nos cuenta de forma sobria y directa dejando que la historia nos atrape por si misma. Si sois fans de Expediente X, seguro que la película os gusta ya que a mi me recordó bastante a un buen episodio de esta serie. Hay también alguna escena que resulta impactante después de haber visto los ataques del 11 de septiembre. En fin, espero que disfrutéis de esta pequeña maravilla.

La invasión de los ladrones de cuerpos (Invasion of the Body Snatchers)

Todo empezó con una novela de Jack Finney que apareció de forma serializada en 1954 para luego ser publicada bajo el título: The Body Snatchers (existe una traducción al castellano: Los ladrones de cuerpos o Invasión. Los ladrones de cuerpos; depende de la edición, en Bibliópolis fantástica nº2). La novela cuenta como el doctor Bennell descubre que algo está pasando en su pueblo, el tranquilo Mill Valley. Concretamente con algunos de sus habitantes que parecen tener la impresión de que aquellos familiares que han conocido toda la vida han cambiado. Ya no son los mismos. El doctor Bennell descubrirá que en realidad no son los mismos: han sido suplantados por una raza de vainas extraterrestres que se reproducen suplantando individuos: los ladrones de cuerpos.

La novela de Finney es el producto de una época especialmente paranoide en Estados Unidos. Por un lado, el senador Joseph McCarthy y el Comité de Actividades Anti-Americanas, cuya lista negra marcó Hollywood; por el otro la amenaza comunista y la Guerra Fría. Cualquiera podía ser un enemigo. La novela refleja este ambiente de paranoia total. Sus protagonistas se ven obligados a no dormir para no ser convertidos, con lo que el cansancio y la tensión agravan un estado de por sí malo. Previamente a la novela de Finney, Robert A. Heinlein publicó en 1951 Amos de títeres (The Puppet Masters); en ella unos entes parasitarios extraterrestres se adueñan de los humanos en un intento de invadir la Tierra. La novela de Heinlein está ambientada en el futuro (el pasado 2007) y el paralelismo entre los entes parasitarios y los comunistas se hace explícito. Unos detalles que otorgan a la novela de Finney  mayor fuerza ya que está ambientada en el presente (de 1954) y no hace indicaciones hacia uno u otro lado y refleja la paranoia general y el miedo a los otros que dominada la sociedad.

La primera adaptación de la novela tiene lugar en 1956. Dirigida por Don Siegel, con guión de Daniel Mainwaring. La película fue protagonizada por Kevin McCarthy, todo un clásico del género en sí mismo, como el doctor Bennell. Ésta es la adaptación más fiel a la novela de todas. Ambientada en un pueblo, sigue bastante de cerca el argumento de la novela incluida la voz del narrador en primera persona. Uno de los momentos más recordados es el que muestra al bueno de Kevin McCarthy corriendo enloquecido por una autopista gritando: ¡ya están aquí! ¡usted puede ser el siguiente! (momento que el joven Billy [Zach Galligan] ve en el televisor de su casa con el Mogwai recién llegado en Gremlins de Joe Dante).

Desde su estreno se han multiplicado las interpretaciones políticas de la película. Unos interpretan el film como una parábola del miedo a la invasión comunista y otros como el miedo a las cazas de brujas. Siegel negó de forma repetida ambas interpretaciones y declaró que su único interés era filmar una buena historia. Siegel, que más tarde dirigiría Harry, el Sucio (Dirty Harry, 1971), era un tipo más bien conservador por lo que las interpretaciones se han inclinado más a decir que la película retrata el miedo a la invasión comunista. Creo, sin embargo, que ya que en la novela no se hace explícito y el guión de Mainwaring se mantiene bastante fiel a la novela; la interpretación de la película refleja las creencias no tanto de Siegel sino del espectador. La película retrata el miedo y la paranoia de una sociedad, pero lo hace de forma general. Retrata el miedo del comunista temeroso de que lo descubran y lo conviertan en un marginado y el miedo del ciudadano temeroso de que una horda soviética destruya su país.

En 1978 se estrenó la segunda adaptación de la novela y, desde mi punto de vista, la mejor versión de las cuatro que existen en la actualidad. Fue dirigida por Philip Kaufman, que dirigió Elegidos para la gloria (The Right Stuff, 1983), y escrita por W.D. Richter, uno de los guionistas de la maravillosa Gran golpe en la pequeña China (Big Trouble in Little China, John Carpenter, 1986) y director de Las aventuras de Buckaroo Banzai a través de la 8ª dimensión (The Adventures of Buckaroo Banzai Across the 8th Dimension, 1984). La película tiene a su favor también un gran reparto: Donald Sutherland, Brooke Adams, Jeff Goldblum, Veronica Cartwright y Leonard Nimoy. Ellos serán los que descubrirán la invasión de los ladrones de cuerpos. Además, la película cuenta con los cameos de Don Siegel y de Kevin McCarthy (que parece que continúa el papel que hacía en la primera).

Ambientada en una gran ciudad, San Francisco, el foco de la película cambia. Los ladrones de cuerpos ya no son una metáfora de la paranoia que dominaba la sociedad en los 50. La película trata más bien sobre el desencanto y el egoísmo que dominaban una sociedad post-Vietnam y post-Watergate. Una sociedad que se encaminaba a una época recordada por su brutal capitalismo y hedonismo, los 80. Las vainas invasoras son ahora un reflejo de como nos desentendemos de aquellos que nos rodean, de la sociedad del "yo". Una sociedad pesimista como muestra un final inolvidable.

Además del final, en esta versión se presenta otra novedad: el grito con el que los invasores señalan a los que todavía siguen siendo humanos. Kaufman crea una opresora sensación de suspense y desasosiego durante toda la película usando ángulos holandeses para retratar objetos comunes  como si fueran extraños y llenando la película de detalles inquietantes. El suspense de la historia se dosifica muy bien, jugando con el conocimiento previo del espectador. En España se tituló La invasión de los ultracuerpos.

En 1993 llegó la tercera adaptación de la novela de Finney, recuperando el título original más corto: Body Snatchers, en España: Secuestradores de cuerpos. Fue dirigida por Abel Ferrara y cuenta con una lista de gente implicada en el guión que reúne algunos de los nombres más recordados del cine de terror: Larry Cohen, Stuart Gordon y Dennis Paoli, además del colaborador habitual de Abel Ferrara, Nicholas St. John y el desconocido Raymond Cistheri.

La película se aleja de la novela y los personajes de Finney para ambientar la acción en una base militar a la que llega su protagonista: Marti Malone, encarnada por Gabrielle Anwar. Marti llega a la base ya que a su padre (Terry Kinney) lo han destinado para investigar si se cumplen las leyes de desecho de residuos. La familia la completan la madrastra de Marti, una perturbadora Meg Tilly, y el hermanastro pequeño de Marti, Andy (Reilly Murphy).

De nuevo, el foco de la película cambia de aspecto social. Esta vez son las autoridades militares las que se ponen en cuestión. Tal vez fue esta crítica el aspecto que atrajo a Ferrara al film, ya que no es una película que encaje demasiado bien en la trayectoria del cineasta. De todas formas, Ferrara dirige muy bien el suspense, creando escenas inquietantes como la que protagoniza el pequeño Andy en la escuela donde todos los niños han sido suplantados por las vainas extraterrestres.

La película fue maltratada en Estados Unidos. Tras unas malas impresiones iniciales, la Warner decidió estrenar la película de forma limitada y sacarla rápidamente en vídeo, donde la película se convirtió en un gran éxito. Paralelamente, en Europa la película fue nominada a la Palma de Oro del Festival de Cannes.

Finalmente llegamos a la última adaptación hasta la fecha, estrenada en 2007: Invasión (The Invasion). El título se cambió esta vez ya que en un alarde de cinismo los ejecutivos de la Warner argumentaron que el concepto había cambiado tanto que no guardaba semejanza con la novela de Finney. No sé exactamente a que se refieren con "concepto", ya que el argumento es exactamente el mismo, sólo cambia la forma en que los ladrones de cuerpos se apoderan de uno: de vainas pasamos a una especie de esporas. La película tuvo un guión original de David Kajganich y fue dirigida, en un principio, por Oliver Hirschbiegel, el director de El experimento (Das Experiment, 2001) y El hundimiento (Der Untergang, 2004). Factor este último que podía hacer que esta versión fuese bastante interesante, aunque estaba protagonizada por Nicole Kidman, pero secundada por Daniel Craig. Sin embargo, después de ver la película, los ejecutivos de la Warner no quedaron contentos y mandaron a los hermanos Wachowski reescribirla y a James McTeigue que volviera a filmar parte de la película.

Con estos antecedentes ya os podéis imaginar que no podía salir nada bueno de ello. Y efectivamente la película es un fracaso a todos los niveles. Su argumento no aporta nada nuevo ni interesante, ni ninguna visión innovadora. Tal vez algún día podremos ver la versión de Hirschbiegel, pero teniendo en cuenta que el hombre ha renegado de Hollywood y no piensa volver a allí, es dudoso.

Las hijas de Drácula (Vampyres aka Vampyres: Daughters of Darkness)

Vampyres fue dirigida por el catalán José Ramón Larraz en 1974. Este director, guionista y dibujante de cómics barcelonés empezó su andadura como cineasta en Inglaterra con Whirlpool en 1970, siendo de esta etapa Vampyres uno de sus títulos más logrados y recordados.

En la película abunda el erotismo mezclado con el horror, especialmente servido por las vampiras del título: Fran (Marianne Morris) y Miriam (Anulka), que habían sido modelos antes de estrenarse como actrices en este film. Entre las vampiras está Ted (Murray Brown), una insospechada víctima que se convierte en testigo de los desmanes asesinos y carnales de las muertas vivientes. Mientras esto sucede dentro de las paredes de un gotico castillo, cerca han acampado una joven pareja de enamorados: John (Brian Deacon) y Harriet (Sally Faulkner). Harriet sospecha que algo sucede y John caerá, cómo no, bajo el hechizo de Fran.

                                                        Marianne Morris y Anulka listas para dejarte seco

El mayor atractivo de la película reside obviamente en los escarceos eróticos de las vampiresas vampiras. Sin embargo, el argumento es engañosamente simple, ya que gran parte de nuestro tiempo los pasamos hipnotizados por las chupadoras de sangre; pero la secuencia inicial en la que asistimos al asesinato de Fran y Miriam a manos de una misteriosa persona y la conclusión final del film nos dejan con ciertas dudas sobre lo que hemos visto.

El componente onírico y misterioso no es ajeno a la obra de Larraz. En la sexploitation satánica Los ritos sexuales del diablo (1982) también lo utiliza dando lugar a perturbadoras y freudianas dobles lecturas.

Otro componente interesante del film es el significado metafórico del vampirismo. Siempre se ha asociado el vampirismo con el sexo y las enfermedades venéreas. En el film se hace esta asociación de forma bastante explícita: las víctimas de Fran y Miriam las recogen por la carretera como si se tratasen de prostitutas. Aunque no creo que se hiciese de forma consciente, pero teniendo en cuenta que la película se estrenó en 1974, con las secuelas de la revolución sexual a la vuelta de la esquina, sin duda flotaban en el aire las metáforas venéreas.

Podéis disfrutar de Vampyres sin censurar en un estupendo DVD de Blue Underground que, como suele ser habitual en esta casa, nos ofrece una cuidada edición cargada de extras y con una gran calidad de imagen y sonido.

Abrazo mortal (The Children)

Esta modesta película de serie B fue dirigida por Max Kalmanowicz, que ha trabajado principalmente como técnico de sonido, y escrita por Carlton J. Albright y Edward Terry en 1980. La película cuenta como una mañana que los niños vuelven a casa en autobús son contaminados con unos residuos nucleares en un accidente. Esto provoca que los niños sean mortales al tacto. A partir de ese momento se dedicaran a abrazar a sus padres y a todo adulto que se encuentren para reducirlos a unos humeantes restos.

La película comienza muy bien, con unas buenas dosis de suspense. Sin embargo, a medida que avanza la película pierde algo de gas ya que se hace algo repetitiva pero de todas formas no deja de ser curiosa y divertida. El tema de los niños homicidas ha sido muy tratado en el género fantástico; algunos grandes ejemplos serían ¿Quién puede matar a un niño? (Narciso Ibáñez Serrador, 1976) o El otro (The Other, Robert Mulligan, 1972). The Children es una entrada menor en el subgénero pero la imagen de los niños tóxicos sonriendo como dementes mientras se acercan a matar a alguien es inquietante sin dudarlo.

¿Por qué resultan tan efectivos los niños en el cine de terror como villanos? Seguramente porque a nivel inconsciente los niños nos recuerdan nuestra propia mortalidad. Son la prueba de que envejeceremos y moriremos. También a medida que nos hacemos mayores nos es más difícil comprender la mente infantil aunque una vez fuimos niños; al crecer y dejar de ser niños estos se convierten en extraños cuando antes eran los adultos los extraños.

En fin, la película se puede encontrar en diversas ediciones en DVD ya que si no me equivoco es de Dominio Público.

Neil Marshall

Neil Marshall es un interesante director y guionista de cine británico que junto a Richard Kelly me parece de los directores más interesantes que ha surgido recientemente. De las películas comentadas abajo recomiendo las ediciones británicas en DVD de las dos primeras, de la tercera la edición en DVD doméstica es igual a la internacional y la cuarta todavía no se ha estrenado.

Marshall se dio a conocer en 2002 con Dog Soldiers. Ésta narra las peripecias de un grupo de soldados que se ven atrapados por una jauría de hombres lobo. Mezclando elementos de terror y acción, da muestras de lo que será uno de sus temas recurrentes: la supervivencia en ambientes hostiles. La película también tiene toques de comedia que indican que no se ha de tomar excesivamente en serio. Filmada con un bajo presupuesto, Dog Soldiers es una película simpática y entretenida que resulta en una buena carta de presentación. También es de agradecer la ausencia de efectos infográficos en lo que a los hombres lobo se refiere y se opte por un acercamiento más clásico y más efectivo. Además, Marshall vio que con los medios que tenían no podrían mejorar lo que ya se había mostrado en Un hombre lobo americano en Londres (An American Werewolf in London, John Landis, 1980) por lo que decidió no mostrar la típica escena de transformación. Otro elemento que se introduce en la película y que será habitual en el cine de Marshall es el de un personaje femenino fuerte, inteligente e independiente.

Después del divertimento que supuso Dog Soldiers llegó en 2005 la que es hasta ahora su mejor película: The Descent. Una claustrofóbica y tensa película de terror en la que realmente pasas momentos de mucha tensión. Aquí Marshall cuenta la historia de seis mujeres que se reúnen para explorar unas cuevas siguiendo una costumbre que recuperan tras un trágico accidente que tuvo lugar la última vez que se reunieron. La relación entre ellas se irá haciendo más tensa a medida que el descenso se vaya haciendo más complicado y difícil. Es este uno de los aciertos de Marshall, que sin necesidad de nada más la película va ganando tensión a medida que se desarrolla el drama entre las seis amigas cuyo origen se encuentra en la última vez que estuvieron juntas. Pero entonces entra en acción el elemento terrorífico y es que, sin saberlo, las mujeres se han introducido en el hábitat de unos terribles depredadores, una especie de topos humanos que empezaran a cazarlas para comérselas. Es aquí donde entra de nuevo el elemento de la supervivencia, explorando aquí cómo descubren de lo que son capaces de hacer para sobrevivir un grupo de personas normales.

En 2008 llegó la tercera película de Marshall: Doomsday - El día del juicio final (Doomsday). Tras haber generado mucha expectativa tras la excelente The Descent, Doomsday fue recibida con una incomprensible animosidad. Marshall explicó que la película era un homenaje a varios clásicos del cine de los ochenta, principalmente: 1997: Rescate en Nueva York (Escape from New York, John Carpenter, 1981), Los amos de la noche (The Warriors, Walter Hill, 1979) y Mad Max 2, el guerrero de la carretera (Mad Max 2: The Road Warrior, George Miller, 1981). Así, desde los títulos de crédito que imitan a los títulos de crédito de Escape from New York hasta el final de la película vamos siendo testigos de homenaje tras homenajes en medio de una apocalíptica película de acción. Y, sin embargo, este festival de referencias se criticó, cosa que se me hace difícil de entender porque se estrenó poco después de Grindhouse en la que Robert Rodriguez y Quentin Tarantino hacían exactamente lo mismo y nadie los atacó por ello. Yo por mi parte disfruté de Doomsday como disfruté las dos películas de Grindhouse, con el mismo espíritu de diversión. Y, de nuevo, la protagonista, una impresionante Rhona Mitra, deberá superar terribles adversidades para sobrevivir.

El próximo agosto se tendría que estrenar Centurión (Centurion, 2010), la cuarta película de Neil Marshall. En esta ocasión Marshall nos traslada al año 117 antes de Cristo para contar la historia de Quintos Dias, que se enfrentará al desafío de intentar mantener a su patrulla viva mientras se encuentra en terreno enemigo en un intento de acabar con el líder de los Pictos (antiguos escoceses). Yo ya he llegado al punto de ir a ver las películas de Marshall sin molestarme en ver de que van o quién sale en ellas ya que este director y guionista no me ha decepcionado ni una vez y espero que tampoco lo haga este verano.

Violencia en Manhattan (Street Trash)

Filmada durante 1986 y estrenada en 1987, Street Trash es un título de culto conocido especialmente por sus increíbles efectos especiales que muestran a seres humanos derritiéndose. Su director, J. Michael Muro, es un prestigioso operador de Steadycam que ha trabajado con directores como Oliver Stone, James Cameron o Bryan Singer; el propósito de Muro como director en esta película era "mostrar las cosas más horribles de la forma más bella posible".

La película convierte en largo un cortometraje que filmó Muro como estudiante. La película fue escrita por el también productor Roy Frumkes. En una entrevista retrospectiva para The National Board of Review Frumkes comenta como escribió la película de manera que "ofendiese democráticamente a todos los grupos del planeta y como resultado la juventud la abrazó como una película renegada y se proyectó en sesiones de medianoche". El argumento sigue las desventuras de dos hermanos que se han visto convertidos en vagabundos: Fred (Mike Lackey, que también aparece en el cortometraje que inspiró la película) y Kevin (Mike Sferrazza). Ambos se han visto obligados a vivir en un desguace donde conviven con otros vagabundos comandados por Bronson (Vic Noto), un demente veterano de Vietnam. En el desguace trabaja la joven Wendy (Jane Arakawa), que intentará ayudar a Kevin a salir de la vida en la calle. Paralelamente, el dueño de una licorería descubre unas cajas de Tenafly Viper, un vino barato de cuarenta años de antigüedad, que empezará a circular entre la comunidad de vagabundos. La ingesta de este vino barato provoca que la persona empiece a derretirse y que, ocasionalmente, explote.

La película es una agresiva comedia negra, la vida de sus protagonistas no es precisamente fantástica especialmente a medida que la locura de Bronson vaya en aumento. Resulta bastante interesante ese aspecto de la película que protagonizan la gente de la cual procuramos ignorar su existencia. Pero lo que realmente llama la atención son sus espectaculares secuencias en las que diferentes personas se derriten. El trabajo del equipo de efectos especiales es más propio de una gran superproducción y resulta difícil de creer que se consiguieran semejantes resultados en una modesta producción independiente de bajo presupuesto. Cada "derretimiento" se ve adornado de una particular paleta de colores que la haga destacar de las otras según los efectos que provoque el Viper. También destaca la dirección de Muro, un experto operador de cámara que realmente hace que la película destaque por la elegante manera en que está filmada, contrastando con lo sórdido de sus protagonistas y sus diálogos. De nuevo, un resultado increíble para una producción independiente de bajo presupuesto.

Esta no es una película para todos los públicos. Si lo que buscáis es una típica comedia terrorífica no recomiendo su visionado. Amantes de la serie B y el cine de culto, adelante. La película se puede encontrar editada por Synapse en una fabulosa edición en DVD de dos discos (Special Two-disc Meltdown Edition) que aparte de comentarios y otras muchas cosas incluye el cortometraje original que inspiró la película y el documental de dos horas The Meltdown Memoirs. Realizado por Roy Frumkes, responsable también del documental sobre George A. Romero Document of the Dead, nos ofrece una muestra de lo que significa rodar una producción independiente sin apenas dinero, además de recorrer la historia de Street Trash desde su concepción hasta su actual estatus de película de culto; todo ello realizado por el productor y guionista de Street Trash con lo que tiene una idea bastante aproximada de cómo fue todo.

La fuga de Logan (Logan's Run)

Estrenada en 1976, La fuga de Logan (Logan's Run, Michael Anderson) resulta en la actualidad un interesante retrato no del siglo XXIII en el que transcurre la acción sino de la década de los setenta en la que vio la luz.

La película adapta una novela escrita por William F. Nolan y George C. Clayton. Ambos dejan bien claras sus intenciones en la dedicatoria que hacen al empezar el libro: a los muchos personajes pintorescos que nos acompañaron en nuestra adolescencia y estuvieron presentes mientras escribía este libro. Y esta dedicatoria esta seguida de una larga lista de personajes que van desde el doctor Frankenstein a Fu Manchú, pasando por Superman y Dick Tracy. Los capítulos son una cuenta atrás, empezando por el 10 (Esto lo he sacado de mi edición de La fuga de Logan editada por Planeta en 1985, creo que actualmente no está editada y sólo se encuentra de segunda mano). En otras palabras, los autores tenían la intención de escribir una pura novela de aventuras de ciencia-ficción. 

Fue publicada en 1967, con lo cual fue escrita por lo menos uno o dos años antes, cuando la contracultura y los beatnicks estaban a punto de pasar su relevo a la Generación del Amor. Es durante este periodo que se acuñó entre la juventud la expresión: "no te fíes de nadie de más de 30 años". Por tanto, no deja de ser significativo que los autores crearan una distopia futurista en la que el límite de edad está en los 21 años, quiénes superan esa edad se autoinmolan en una celebración al final del Último Día. Para saber cuánto tiempo le queda a uno todos llevan implantada en la palma de la mano una especie de gema que cambia de color a medida que van cumpliendo años, cambiando intermitentemente del rojo al negro en el Último Día y al negro cuando llega el final del Último Día.

La versión cinematográfica fue protagonizada por Michael York como Logan y Jenny Agutter como Jessica, la chica que lo acompaña en su fuga. Además tenemos en papeles secundarios a Peter Ustinov y a Farrah Fawcett, muy popular en aquel momento pero no demasiado buena actriz. El guión cinematográfico de David Zelag Goodman hace varios cambios significativos respecto a la novela. Entre ellos, cambiar la edad límite de 21 a 30. También cambia la motivación de la fuga de Logan, mientras que en la novela viene motivada porque Logan llega a la edad límite, en la película es enviado con la misión de infiltrarse entre los que huyen y destruir el llamado Santuario.

Como decía al principio, la versión cinematográfica de Logan's Run resulta interesante como testimonio de una época. Los setenta fueron una época hedonista y egocéntrica. Después del "Verano del Amor", la gente se dedicó a explorar el "yo", dando origen a la llamada Revolución Sexual. ¿Hasta que punto fue una verdadera revolución sexual? No lo sé, vista en retrospectiva más bien fue una manera de satisfacer las necesidades de uno sin necesidad de esconderse. Si bien sí hubo un importante impulso en el movimiento feminista, las actitudes respecto al sexo no cambiaron, simplemente se hicieron públicas. En la película esto se ve reflejado en los diferentes centros dedicados al placer y a mejorar la apariencia de uno. Jessica y Logan se conocen en la película cuando, desde su casa, Logan busca alguien con quien mantener relaciones sexuales mirando en los diferentes "canales" que va cambiando con su mando a distancia. Cuando Jessica aparece, a Logan le gusta y apretando otro botón hace que se materialice en su casa. En ese momento Logan le dice:

-Eres muy bonita. Vamos a tener sexo.

Y lo hace de forma casual, dando a entender que es algo habitual. Sin embargo, Jessica se niega en ese momento. Y de hecho, sólo tendrán relaciones cuando ella esté enamorada de él. Al fin y al cabo, la moralidad hollywoodiense que todavía se aplica hoy día está destinada a mantener las apariencias.

En cuanto a otros aspectos cinematográficos, La fuga de Logan se mantiene bastante bien como entretenida película de aventuras futuristas gracias al retrato que hace de la distópica sociedad del siglo XXIII, aunque algunos de sus efectos especiales se vean ligeramente envejecidos. La película fue un gran éxito en su momento y generó una aburrida serie de televisión que sólo duró una temporada y que caía en los tópicos clichés televisivos de la época, como lo que pasó con la serie de televisión de El planeta de los simios. William F. Nolan continuó la novela con dos novelas más y una novela breve, Clayton Johnson lleva tiempo comentando la publicación de su propia novela/continuación pero de momento no ha sacado nada. También se han publicado varias series de cómics inspiradas en este universo, un videojuego y hasta una banda sonora para una imaginaria secuela llamada Logan's Sanctuary creada por Roger Joseph Manning Jr. y Brian Reitzell. Se lleva tiempo hablando de hacer un remake, impulsado por Joel Silver, pero hasta ahora no se tienen noticias de su rodaje o estreno.

La película está editada en DVD y Blu-ray por Warner y no debería de ser difícil de encontrar.