Se ha publicado mi crítica de Anora (Sean Baker, 2024) en Underbrain Mgz, podéis leerla clicando aquí:
https://underbrain.com/cine/anora/
Esta es una de esas películas que gusta a todo el mundo menos a mí. Ha entusiasmado a la crítica pero yo no acabo de entender qué tiene para entusiasmar tanto, aunque le veo algo de valor. Juzgad por vosotros mismos, pero no me fio de directores cuyo nombre aparece en el tráiler al mismo tamaño que el título.
Cada vez que me topo con alguna pobre alma desgraciada a la que no le gustan los slashers, se justifican de la misma manera: son todas iguales, se repite siempre lo mismo. Aunque están completamente equivocados, puedo entender de dónde vienen estos comentarios, ya que yo mismo los he hecho sobre películas deportivas o sobre las películas de cárceles de mujeres. Por eso me recuerdo a mí mismo que no debo caer en prejuicios y darle una oportunidad a todos los géneros. Y si bien las películas deportivas me siguen aburriendo mortalmente, sí que he encontrado algunas películas de cárceles de mujeres que me han parecido interesantes y lo bastante diferentes como para seguir dándole oportunidades al género. Una de estas películas es Motín en el reformatorio de mujeres (Reform School Girls, Tom DeSimone, 1986), una parodia del género.
El director Tom DeSimone también compartía la opinión de que este género, las WIP (Women in prison), era todo bastante igual desde que se iniciara a principios de la década de los 40 del siglo XX. La opinión de DeSimone estaba justificada en el hecho de que había trabajado en el género dirigiendo La jungla de cemento (The Concrete Jungle, 1982). Esto le dio la idea de hacer una parodia del género, pero sin llegar a los extremos de Aterriza como puedas (Airplane!, Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker, 1980), más bien haciendo una versión exagerada de una WIP, estilo camp (lo que probablemente contribuyó que fuera la comunidad LGTBI+ americana la que convirtió esta película en una cinta de culto).
El reparto incluye una larga lista de atractivas actrices, pero destacan en especial Pat Ast como la malvada Edna, la reina Stirba en persona Sybil Danning y la líder de los Plasmatics Wendy O. Williams. Williams interpreta a la líder de las banda de chicas malas, a pesar de que se supone que las prisioneras del reformatorio juvenil tienen como máximo 17 años y Williams tenía 35 años cuando interpretó el papel, que básicamente consiste en interpretarse a sí misma, incluso el vestuario que utiliza es el que habitualmente llevaba en los conciertos. La presencia de Wendy O. Williams sirvió para que contribuyera a la banda sonora que está formada principalmente por grupos femeninos. Estos son los ejemplos principales:
Y si os gusta lo que habéis escuchado, la edición en Blu-ray de Wicked Vision tiene un contenido de Pascua que os puede interesar y molestar a los vecinos.
Volviendo a Reform School Girls, DeSimone utilizó como modelo para su parodia películas como Women's Prison (Lewis Sadler, 1955), Reformatorio femenino (Reform School Girl, Edward Berns, 1957) y otros ejemplos del género de la década de los 50, lo que informa también el look de la película. Un estilo que el genial tráiler capta a la perfección. El argumento es el habitual en el género, para parodiar el máximo de tópicos: la chica buena/mala Jenny (Linda Carol) es enviada al reformatorio tras ser detenida como cómplice de un atraco que sale mal. Allí, Jenny hará amistad con algunas de las compañeras de internamiento, se enfrentará a la banda de Charlie (Williams) y tratará de exponer al público las torturas y muertes provocadas por la terrible Edna y la malvada directora del reformatorio Sutter (Danning), con la ayuda de la trabajadora social la doctora Norton (Charlotte McGinnis).
La historia se desarrolla de manera constantemente entretenida y divertida. Las actrices manejan bien interpretar de manera extremadamente seria las situaciones extremadamente ridículas para que resulten más divertidas, con algunos diálogos igualmente memorables (se me quedó grabado: "os recomiendo dormir con los dedos sobre las sábanas, señoritas, solo cambiamos las sábanas una vez a la semana"). Por supuesto, el disfrute de la película varía según el sentido del humor, pero también incluye la acción y los diálogos en las duchas habituales del género para satisfacer a los fans de las WIP. Para mí, sin embargo, es la comedia lo que la hace destacar, el camp, y la diferencia de otras películas semejantes. Además de hacerla accesible a personas a las que jamás se les ocurriría ver una película del género.
No sé hasta que punto Reform School Girls es una película para recomendar indiscriminadamente, pero si has llegado hasta aquí es posible que sea tu tipo de perversión.
Durante mucho tiempo, La quinta jornada (Le cinque giornate, Dario Argento, 1973) fue el título más desconocido de la filmografía de Dario Argento. En su día fue un fracaso de taquilla y, al no tratarse de un giallo sino de una comedia histórica, fue ignorado tanto por la crítica como por los fans de Argento. Hasta hace poco, además, no era una película fácil de ver. De modo que, siendo sincero, me compré la reciente edición en 4K principalmente para completar la filmografía de mi admirado Dario Argento en la estantería y me puse a verla por cumplir el expediente. Para mi sorpresa, me encontré disfrutando enormemente de esta película y disfrutando con ella hasta el final.
Nos encontramos en 1848, cuando se produce la primera revolución italiana para expulsar a los austríacos de Italia, el primer paso para que el país se acabara convirtiendo en una república en 1861. Pero nada de esto le interesa a Cainazzo (Adriano Celentano), un ladrón que aprovecha un atentado para liberar a revolucionarios para escapar de la cárcel. Una vez fuera, tiene como objetivo reclamar su parte del botín obtenido en el golpe por el que fue preso. Cainazzo descubre que su cómplice, Zampino (Glauco Onorato), es ahora un líder de la revolución que se hace llamar Libertad. Cainazzo empieza entonces su odisea para dar con Zampino, viéndose involucrado de forma involuntario en diversos eventos históricos acompañado de Romolo (Enzo Cerusico), un panadero cuya panadería desaparece debido a los bombardeos austríacos.
A finales de los 60 y principios de los 70 del siglo XX en Italia se pusieron de moda las comedias históricas, en particular tras el éxito de El decamerón (Il Decameron, Pier Paolo Pasolini, 1971). Una de las comedias que más éxito tuvo fue una producida por Salvatore Argento protagonizada por Adriano Celentano: El guapo (Er più: storia d'amore e di coltello, Sergio Corbucci, 1971). De modo que Argento padre le pidió a su hijo Dario que le escribiera otra comedia histórica que sería de nuevo protagonizada por Celentano. Dario recuperó entonces un guión que puso en marcha tras el exitoso estreno de Los cuatro días de Nápoles (Le quattro giornate di Napoli, Nanni Loy, 1962). Originalmente, Nanni Loy iba a ser el director de La quinta jornada, con un guion en el que trabajaron Dario Argento y Luigi Cozzi. Este guion era una comedia sin toques políticos y homenajes a artistas de la comedia del cine mudo como Buster Keaton y Charles Chaplin. Luego, se pusieron a trabajar en el guion Argento y Nanni Balestrini. Balestrini sí que fue un escritor más político y animó a Argento a añadirle alegoría política a la comedia. Argento lo vio como una oportunidad de dar rienda suelta a sus tendencias comunistas, que no explotaba en sus gialli.
Era un momento también en el que Argento no estaba seguro de hacia que dirección tomar con su carrera. La serie que había creado para la televisión, La puerta en la oscuridad (La porta sul buio, 1973), le había dado una tremenda popularidad y su "trilogía animal" había sido un tremendo éxito de taquilla, pero ese mismo éxito había provocado que se estrenaran en los cines muchas imitaciones y que el mercado se llenara de gialli. Este momento de duda sobre el futuro se juntó con que el director original de La quinta jornada abandonara el proyecto y el reparto pidiera que Argento se pusiera al frente. Y así acabó Argento dirigiendo una comedia histórica que, a primera vista, no podía ser más distinta de las películas que había dirigido entonces.
La película, que tuvo un rodaje complicado, estaba pensada para el mercado italiano, pero fue un fracaso de taquilla. Fuera de Italia tampoco funcionó demasiado. Argento había ideado la película como una alegoría de lo sucedido tras el Mayo del 68, con una gran carga crítica entre la comedia, que no funcionó y no se entendió en su momento. Su reputación no mejoró con el tiempo, pasando décadas desaparecido y solo accesible mediante ediciones piratas o italianas de pobre calidad. Sin embargo, gran parte de las críticas negativas que he visto sobre la película eran de críticos y expertos ingleses y americanos, que creo no podían conectar con el mensaje de Argento, procedentes de un bagaje cultural muy distinto, al contrario de lo que sucede entre españoles e italianos, más próximos. Por mi parte, creo que a varios momentos históricos de la historia de España pueden ser perfectamente representados por la alegoría de Argento. También comparto bastante de las ideas que expone Argento. Y, sobre todo, me pareció una película muy divertida. Exceptuando alguna escena de homenaje al cine cómico mudo, las situaciones en que se ven envueltos los personajes me hicieron reír mucho con su mezcla de humor negro y cinismo. Lo que, al fin y al cabo, es lo más importante cuando hablamos de una comedia.
El fracaso de esta película hizo que Argento decidiera, de forma definitiva, volver al giallo, lo que hizo con la obra maestra Rojo oscuro (Profondo rosso, 1975). Estar alejado del género temporalmente contribuyó a un regreso verdaderamente genial, pero no se ha de desmerecer La quinta jornada, que nos ofrece una parte desconocida de Argento. La apreciación hacia ella parece que por fin cambia y es el momento de celebrar este redescubrimiento por parte de los fans no italianos de Argento.
Estaba familiarizado con el nombre de Gabe Bartalos, pero desconocía que también había dirigido un par de películas y varios cortos. Aprovechando las rebajas de Severin, decidí probar con su primera película como director: Skinned Deep (2004). Y lo que me encontré fue una auténtica locura que sobrepasó mis expectativas.
La película arranca con una trama bastante tópica: la típica familia americana de vacaciones por una carretera apartada. Un pinchazo de misterioso origen y la familia va en busca de ayuda topando con un clan de asesinos que los elimina uno a uno. Hasta aquí nada del otro mundo. Sin embargo, tras este comienzo, la película empieza a desarrollar su historia, sumergiendo al espectador en un viaje hacia la locura en la que vive este peculiar clan, con grandes dosis de humor negro y toques de surrealismo. Por supuesto, el primer detalle que llama la atención es el peculiar clan formado por las mutantes creaciones de un misterioso mad doctor. Surgeon General (Aaron Sims/Kurt Carley) es una mole asesina con una mandíbula de acero que es un cruce entre Terminator y Jason Voorhees, Plates (Warwick Davis) es un nervioso psicópata obsesionado con su arma homicida favorita: los platos, Brain (Jason Dugre) es un bienintencionado caníbal con un sobredesarrollado cerebro y, finalmente, Granny (Liz Little) tiene la apariencia de una encantadora abuelita pero es tan asesina como el resto de estos mutantes. La historia de Skinned Deep se aparta de lo típico cuando Brain se enamora de Tina (Karoline Brandt), la superviviente de la familia Rockwell. Brain convence al resto de asesinos que la dejen vivir, que él se encargará de convertir a Tina en uno de los suyos. En este punto la pesadilla de Tina entra en el terreno demencial, especialmente en la parte final cuando conoce al creador responsable de estos mutantes, intentando encontrar la manera de escapar y mantener a Brain a una prudente distancia sin que este decida que está mejor muerta. Además, otras atípicas víctimas entrarán en conflicto con los asesinos, como un grupo de carpinteros y una banda de motoristas de la tercera edad (lo que permite un cameo de Forrest J. Ackerman).
Gabe Bartalos ha trabajado en muchas ocasiones con Frank Henenlotter, así que se nota la influencia del director de Brain Damage (1988) en la manera en que Bartalos mezcla terror con humor grotesco. Una mezcla que ayuda a aceptar los momentos más surrealistas, así como hace que encaje el gore pasado de vueltas. Esto también depende del sentido del humor de cada uno, claro, la cuestión es que a mí me hizo reír con momentos extraños y absurdos. No hay sitio para el realismo o el sentido común en esta película que Bartalos realizó de forma completamente independiente, con total libertad.
Mientras veía Skinned Deep no pude evitar pensar que esta película era lo que podría haber sido La casa de los 1000 cadáveres (House of 1000 Corpses, Rob Zombie, 2003) si Rob Zombie hubiese sido un cineasta más original y con más talento del que ha acabado demostrando tener. La película de Bartalos coge una trama familiar y la convierte en algo con personalidad, en toda una experiencia que resulta tan divertida como distinta a lo habitual. El tráiler hace que parezca una película de terror típica, pero que no os engañe. Es una película para aquellos que disfruten con las películas como las del mencionado Frank Henenlotter, una mezcla de demente serie B, gore, surrealismo y diversión.
El último viaje del Demeter (The Last Voyage of the Demeter, André Øvredal, 2023) es una atmosférica y entretenida película de terror, una fantástica revisitación del Drácula de Bram Stoker, que en el momento de escribir estas líneas permanece inédita en nuestro país. Después de anunciarse su estreno en cines, este quedó suspendido y finalmente se verá en streaming. Por un momento parecía que Lisa Frankenstein (Zelda Williams, 2024) iba a correr la misma suerte, pero se ha acabado estrenando... en DVD. No en cines o en Blu-ray o en 4K. En DVD. En fin, aparte de recomendar comprar en Blu-ray El último viaje del Demeter, hay ediciones buenas baratas, os recomiendo también comprar en 4K, de importación (barata cuando la reservé), Lisa Frankenstein. Espero que al acabar de leer este artículo por lo menos lo consideréis.
Lisa (Kathryn Newton) intenta adaptarse a una nueva vida en una nueva ciudad, después de la muerte de su madre y que su padre (Joe Chrest) se haya casado de nuevo con la irritante Janet (Carla Gugino), obteniendo así una hermanastra, Taffy (Liza Soberano). Gótica ochentera, a Lisa le cuesta encajar, así que descarga sus penas en la tumba de un joven en un cementerio no consagrado. Una noche, su confidente de ultratumba vuelve a la vida, pero la criatura (Cole Sprouse) regresa con algunas carencias. Lisa decide reconstruir al cadáver revivido eliminando las personas que le hacen la vida imposible.
Parece que Diablo Cody está destinada a escribir películas de terror de culto. Lisa Frankenstein seguramente seguirá el mismo camino que Jennifer's Body (Karyn Kusama, 2009): fracasar en taquilla para, al cabo de unos años, ser reivindicada por sus fans. Creo que en Estados Unidos no funcionó porque se decidió ir de una calificación R a una PG-13, irónicamente en un intento de ampliar su audiencia. Pero dudo que el público adolescente estuviera muy interesado en una película ochentera repleta de guiños a la época y los amantes del terror perdieron su interés al pensar que no sería lo bastante potente. Y es cierto que la película no es todo lo sangrienta que era en un principio, demandando ciertos cambios en algunas escenas para adaptarla a la clasificación deseada, pero la historia y los personajes lograron que no echara en falta algo de sangre para darle alegría al film. De hecho, creo que hay un gag que funciona mejor en la versión PG-13 que como fue originalmente concebido.
La trama parece indicar que la película dirigida por Zelda Williams será una actualización de "adolescente que se venga de sus atormentadores de modo sobrenatural", que durante los 80 fue una trama popular con títulos como El legado del diablo (Evilspeak, Eric Weston, 1981) o 976 - El teléfono del infierno (976-Evil, Robert Englund, 1988). En realidad, Lisa Frankenstein es más una versión subversiva con asesinatos y zombis de Dieciséis velas (Sixteen Candles, John Hughes, 1984) o, especialmente, La chica de rosa (Pretty in Pink, Howard Deutch, 1986), si los ejecutivos hubiesen aceptado el casting de Robert Downey, Jr. en lugar de Jon Cryer. Lisa arranca el film emocionalmente dañada, pero el viaje a través de toda la locura en la que se ve sumergida será el catalizador para superar sus traumas. Tal vez no de la manera más sana, pero desde luego de la manera más entretenida para nosotros. Es algo que me apasiona del género, se puede tratar en él temas serios, como superar el duelo por la muerte de un ser querido que es el caso de esta película, pero hacerlo usando una historia fantástica o de terror que logra hacer llegar al espectador a una catarsis, mucho mejor que un simple drama deprimente, que es solo eso: un drama. Mezcla elementos de un trama clásica dentro del cine de terror, lo deja claro en el título, con elementos de la comedia romántica adolescente. Esta mezcla de elementos clásicos da lugar a algo moderno, con un toque ligeramente subversivo y tremendamente divertido.
Es cierto que los problemas de distribución no son exclusiva nuestra, The Empty Man: El mensajero del último día (The Empty Man, David Prior, 2020) sigue sin tener edición física y Hellraiser (David Bruckner, 2022) cuenta solo con una triste edición en DVD, pero es una lástima que Lisa Frankenstein no pueda ser disfrutada ampliamente en nuestro país. Pero supongo que eso es lo que hace de ella una película de culto. Aunque sea un culto de uno.
Publicada mi crítica de Gru 4. Mi villano favorito (Despicable Me 4, Chris Renaud, Patrick Delage, 2024) en Underbrain Mgz, que podéis leer aquí:
https://underbrain.com/cine/gru-4-mi-villano-favorito/
Se nota que están exprimiendo todo lo que pueden y ya solo quedan unas gotitas, pero tiene gags divertidos.
Una de las cualidades que más aprecio del cine de género de Hong Kong de los 80 y 90 del siglo XX es la habilidad de coger o copiar tramas o elementos del cine taquillero occidental, pasarlos por su mezcladora personal y convertir el resultado en una película original y distinta. El cristal mágico (Mo fei cui, Jing Wong, 1986) es el ejemplo perfecto: coge elementos de películas de Steven Spielberg que habían tenido mucho éxito en Hong Kong como E.T. El extraterrestre (E.T. the Extra-Terrestrial, 1982), las dos primeras entregas de las aventuras de Indiana Jones y Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977), y los mezcla con la comedia y la acción propia del cine hongkonés. El resultado es una locura tremendamente entretenida que os dejará ojipláticos.
Andy Lo (Andy Lau) y su ayudante Snooker (Jing Wong) trabajan por libre colaborando con la policía cuando esta necesita ayuda "paralegal". Andy recibe una llamada de Shen (Phillip Ko), un amigo arqueólogo que le pide ayuda ya que está siendo perseguido debido a un gran descubrimiento que ha hecho. Andy, Snooker y Ban-Ban (Siu Ban-Ban), el sobrino de Andy, se dirigen a Grecia para ayudar a Shen. Una vez allí descubren que Shen está siendo perseguido por agentes del KGB, dirigidos por el malvado Karov (Richard Norton). Andy recibe la ayuda de los agentes de Interpol Cindy Morgan (Cynthia Rothrock) y Billy (Siu Chan Mok). Los tres no pueden evitar que los rusos secuestren a Shen, que ha escondido un extraño cristal en el equipaje de Ban-Ban. Cuando Ban-Ban lo abre de vuelta en Hong Kong, descubre que el cristal es una extraña criatura con poderes que le pide ayuda para que no se lo lleve el malvado Karov.
El cristal mágico es una película que busca entretener a toda la familia. Por lo menos, a toda la familia hongkonesa. De ahí que a ratos parezca una película infantil, a ratos una brutal película de acción y a ratos una comedia absurda. El tono de la película salta y cambia constantemente, mezclando la comedia y la acción sin descanso. Y el caso es que funciona, gracias al talento del reparto, que incluye a tres grandes del cine de acción como son Andy Lau, Cynthia Rothrock y Richard Norton. Wei-Wei Huang, que interpreta a la hermana de Andy/madre de Ban-Ban, tiene una fantástica escena de acción, que resulta sorprendente por lo inesperado, pero ejemplifica como esta película hace que funcionen los disparatados ingredientes que la forman. También hay momentos para el humor absurdo, como la escena en la que a un pesado, interpretado por Pak-Cheung Chan, el cristal lo castiga intercambiando sus manos por sus pies.
En otras palabras, esta película es una fiesta. Es divertida, trepidante y llena de impresionantes coreografías de acción. Una de esas películas que te alegran el día y que hacen que tus conocidos se preocupen por tu cordura. Por mi parte, muy recomendada.
Cuando Ellas también se deprimen (Even Cowgirls Get the Blues, Gus Van Sant, 1993) se estrenó en España en 1995, fui a verla al cine sin saber bien qué iba a ver. Por entonces yo no era más que un adolescente más interesado en el cine gore que en el cine indie, que consideraba que el summum del humor eran las comedias adolescentes con desnudos gratuitos a punta pala (aunque me encantaba el cine de los hermanos Marx y ya conocía las comedias de Billy Wilder). Tampoco sabía quién era Gus Van Sant, aunque resulta que ya había visto una película suya en televisión, cuando pasaban cine en versión original de madrugada, Drugstore Cowboy (1989). Era la época en que empezaba a refinar mi paladar, ampliando también mis horizontes literarios y musicales, pero no estaba listo para apreciar esta película. Y así fue que me dejó completamente indiferente y la olvidé en poco tiempo. Esto es hasta que hace poco leí un artículo sobre la película que me dio ganas de volver a verla, en especial después de leer sobre lo virulentamente que fue rechazada en el momento de estrenarse.
Uma Thurman es Sissy Hankshaw, una mujer que nació con unos pulgares enormes que la han convertido en una experta autoestopista. No hay vehículo que se le resista, lo que le facilita una vida nómada, en movimiento perpetuo. La Condesa (John Hurt), para quien Sissy trabajó en su día como modelo, le pide que acuda a su rancho para rodar un anuncio. Allí Sissy conoce a las vaqueras que se han hecho con el lugar y se queda prendada de su líder Bonanza Jellybean (Rain Phoenix). Sissy se verá envuelta con Bonanza y las vaqueras en su lucha contra las figuras autoritarias que se les pongan por delante.
La película de Van Sant es una adaptación de la novela de Tom Robbins También las vaqueras sienten melancolía, publicada originalmente en 1976. Van Sant decide mantener el periodo histórico en que se publicó la novela y ambienta la historia a mediados de los 70. Y se nota, la película está llena de motivos culturales de los 70 del siglo XX, empezando por la afición a hacer autoestopismo, aunque ya entonces se había convertido en una práctica muy peligrosa. La fidelidad del director hacia la novela explica para mí el rechazo con el que fue recibida la película. Si se hubiese estrenado en el momento de publicarse la novela o incluso ahora, creo que no habría sido recibida de forma tan negativa pero los 90 no eran la década para estrenar una película llena de motivos cómicos psicodélicos que también satirizaba el estilo de vida hedonista de la época. Demasiado extraña para los 90, una década más bien sosa tras los excesos ochenteros.
Pero los motivos por los que fue rechazada en 1993, obligando a Van Sant a reeditarla y volverla a estrenar al año siguiente, son los mismos motivos por los que ahora la película me encantó. Tiene un sentido del humor extraño y peculiar, con diálogos llenos de la jerga psicotrópica y de exploración mental de los 70, cuyos temas de liberación femenina encajan a la perfección con las inquietudes actuales. Por supuesto, personalmente me siento muy identificado con su reivindicación de lo extraño, de la belleza de todo aquello que se aparta de la norma. Además, cuando la he vuelto a ver, con unos horizontes intelectuales mucho más amplios que cuando no era más que un mequetrefe adolescente, me ha divertido mucho y me ha hecho reír con sus rarezas. He sintonizado muy bien con su peculiar sentido del humor, lo bastante como para buscar la novela en que se basa para leerla. Tras verla también me ha hecho preguntarme cómo era la versión original que fue presentada por Van Sant y luego retirada. Más aún tras ver el tráiler, en el que se ven varias escenas que no aparecen en la película; me ha hecho desear que en el futuro se edite una edición coleccionista de esta película que incluya una versión extendida. De momento, os invito a uniros al rancho Rosa de Goma y a la revolución de las vaqueras.
Publicada mi crítica de El especialista (The Fall Guy, David Leitch, 2024) en Underbrain Mgz. Para leerla clicad en:
https://underbrain.com/cine/el-especialista/
David Leitch de momento no falla, película que dirige película que funciona. Talento para la acción y la comedia, esta película explota ambas cosas de manera efectiva en una película tan entretenida como divertida.
Ir a ver una película de Tim Burton se ha convertido en una lotería: te tocará el Tim Burton que todavía mantiene el genio de sus primeras películas o te tocará el Tim Burton que se dedica a repetir de forma estéril la misma estética de siempre en películas sin alma. Con Rob Zombie ha pasado lo mismo, salvo que Zombie se ha quemado con una filmografía significativamente más corta que la de Burton. Con Los renegados del diablo (The Devil's Rejects, 2005) pareció tocar techo en cuanto a estilo visual y solo era su segunda película. Tras dar bandazos, solo ofreció algo potable con The Lords of Salem (2012), la última película que dirigió que realmente vale la pena. Y han pasado doce años desde entonces.
El anuncio de que se encargaría de dirigir una nueva versión de la familia Monster daba lugar a un cauto optimismo. Tal vez un cambio de género y estilo es lo que necesitaba para crear una película que, de nuevo, diera la oportunidad a Zombie de ofrecer algo mejor que los dos últimos desastres que había dirigido. Spoiler: no ha sido así.
Imagino que las personas de cierta edad no tienen necesidad de que les diga quiénes son los Monster, pero para los más jóvenes que no tuvieron oportunidad de conocerlos La familia Monster (The Munsters, 1964-1966) fue una serie de televisión de corta durada que era básicamente una versión más suave de La familia Addams (The Addams Family, 1964-1966), por no decir que era una imitación. La familia Monster mantuvo suficiente popularidad tras su corta vida televisiva para que se produjeran varios telefilmes y nuevas versiones de la serie para nuevas generaciones (en España se emitió la serie original veinte años después de que se emitiera en Estados Unidos dentro del programa La bola de cristal donde fue descubierta por muchos niños como un servidor).
La película de Rob Zombie La familia Monster (The Munsters, 2022) funciona como una precuela de la serie, contándonos el origen de los personajes y cómo se conocieron Lily (Sheri Moon Zombie) y Herman (Jeff Daniel Phillips) en Transilvania. El argumento ya resume mucho de lo que no funciona en esta película. Lo divertido de los Monster es que ellos se veían a si mismos como la típica familia americana, aunque para el resto del mundo no lo era, pero sus intentos de actuar con "normalidad" siempre eran vistos como algo chocante. En cambio, durante gran parte del metraje, Zombie los coloca en un entorno en el que no destacan, ya que todo el mundo es "monstruoso". Es solo durante la última parte de la película que se recupera la esencia de la serie, aunque ya es demasiado tarde para salvarla.
La ambientación, el maquillaje y el reparto es realmente fantástico, más teniendo en cuenta el bajo presupuesto. El principal problema de esta película, la razón por la que se hace pesada y muy larga, es el guion de Rob Zombie. La serie es original de mediados de los sesenta y el guion de Zombie también. Está lleno de chistes y juegos de palabras anticuados, gastados y no muy graciosos. Zombie hace guiños a las películas de Abbott y Costello como la genial Abbott y Costello contra los fantasmas (Bud Abbott and Lou Costello Meet Frankenstein, Charles Barton y Walter Lantz, 1948) y a los clásicos de la Universal pero no salva el hecho de que su repetitiva sucesión de chistes malos es de todo menos divertida. También es evidente la influencia de El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein, Mel Brooks, 1974), aunque más que un homenaje parece el típico plagio de toda la vida que sirve para recordarte lo poco divertida que es The Munsters.
Por supuesto, para mí resulta anticuada y pasada de moda porque conozco los referentes, veo que es una película de 2022 con un guion de 1962, para alguien que desconozca los referentes, tanto la serie original como las películas a las que hace homenaje, es posible que solo le parezca una copia mala de la familia Addams. Tal vez el problema sea que Zombie ha querido ser tan fiel a la serie que ha conseguido hacer lo que básicamente podría haber sido un episodio largo de la misma, sin darse cuenta de que ya no estamos en los 60. Hasta Abajo el amor (Down with Love, Peyton Reed, 2003) conseguía homenajear las comedias románticas de Rock Hudson y Doris Day de los 60 pero trasladándolas al público actual.
No hay nada peor que una comedia que no hace reír. La familia Monster es eso, una comedia sin gracia que se hace muy larga y, de alguna manera, dura casi dos horas sin contar una historia sólida.
Fuera de Estados Unidos, esta no es una película demasiado conocida, pero en su país de origen es una auténtica cinta de culto. Y merecidamente, El último dragón (The Last Dragon, Michael Schultz, 1985) es una locura más ochentera que unos calentadores. El tipo de delirio que solo se podía producir en esa década mágica.
Una de las primeras escenas de El último dragón nos sitúa en un cine de barrio en el que un público entusiasta, de distintas edades, condiciones y razas, asiste a un pase de reestreno de Operación dragón (Enter the Dragon, Robert Clouse, 1973). El público aplaude los movimientos de Bruce Lee, repite los diálogos y, en general, convierte el pase en una fiesta hasta que es interrumpido por el villano de la película. Esta escena se inspira en un momento real, cuando el guionista Louis Venosta acudió a un pase que celebraba el décimo aniversario del estreno de Operación dragón. Fue entonces que se le ocurrió la idea que se acabaría convirtiendo en el argumento de El último dragón: un joven fanático de Bruce Lee que se ve obligado a convertirse en un héroe en la vida real. En el film, "Bruce" Leroy Green (Taimak) es un joven experto en artes marciales, devoto de Bruce Lee, que busca ser capaz de obtener "el brillo" (algo así como convertirse en un súperguerrero en Dragon Ball). Mientras busca un maestro que le ayude a lograr este nivel superior de artes marciales, se convierte sin quererlo en el protector de Laura Charles (Vanity), una presentadora de vídeos musicales que puede convertir en estrella a un artista, amenazada por el sórdido empresario musical Eddie Arkadian (Christopher Murney). Por su parte, Leroy también es amenazado por Sho'nuff (Julius Carry), que quiere probar su superioridad como guerrero sobre Leroy, que lo evita ya que sus creencias le impiden utilizar sus habilidades para ejercer violencia gratuita.
Esta película fue producida por Berry Gordy, presidente de la Motown. La implicación de una discográfica en la creación de esta película explica la mezcla imposible que hace de esta película algo único: números musicales y peleas de artes marciales. Vanity había firmado por Motown entonces y Gordy decidió que fuera la protagonista (sabia decisión), así como incluir en la banda sonora diversos artistas de su sello, algunos de los cuáles también aparecen en el film. Las coreografías de artes marciales son tan buenas como las musicales, si bien buscar que la película no fuera calificada para mayores de 18 años hace que no haya ni una gota de sangre. Además de "el brillo", la película tiene otros toques que le dan un aspecto fantástico de cómic, como la banda criminal de Sho'nuff que parece escapada de Los amos de la noche (The Warriors, Walter Hill, 1979), lo que junto a su tono cómico convierte El último dragón en un cómic "en vivo".
El estilo ochentero y la mezcla de música y artes marciales, con varios homenajes a Bruce Lee, reconozco que no es para todo el mundo. En su mayor parte la comedia funciona, si bien el típico niño descarado de la época se puede hacer algo cansino hoy día, lo que puede hacer que la naturaleza única de la película más digerible. Desde luego, yo es una película que disfruté desde el primer momento y la escena en el cine mencionada antes me convenció que esta película es una pequeña obra maestra. Es entretenida, divertida y un gran ejemplo de lo mejor que podía ofrecer el cine de los 80 sin lo malo.
Esta comedia terrorífica es casi una parodia de las películas de terror con monstruo suelto. Durante mucho tiempo se mantuvo escondida en las estanterías de los videoclubes, hasta que fue adquirida por la Troma que la distribuyó en DVD a principios del siglo XXI. Con el tiempo, No hay nada fuera (There's Nothing Out There, Rolfe Kanefsky, 1991) ha conseguida que la apoyen un gran número de seguidores, lo que la convierte oficialmente en una película de culto.
Un grupo de amigos decide pasar el fin de semana en una casa al lado de un lago. Por desgracia, coincide con el fin de semana en el que una criatura del espacio exterior ha llegado para alimentarse. Aunque uno de ellos, Mike (Craig Peck), está obsesionado con el cine de terror e intenta avisar a sus amigos señalando lo parecida que es su situación a la de una película de terror, el grupo no tardará en caer presa de la criatura.
Esta película de Rolfe Kanefsky se ríe de los tópicos del género, al mismo tiempo que los explota en su argumento, con generosas dosis de desnudos gratuitos y algunos efectos gore. Pero esta película ha ido ganando prestigio con el tiempo debido a la presencia de Mike, el personaje que comenta continuamente lo que les sucede en relación a una película de terror, destacando todo el mundo que "lo hizo antes que Scream". Y es cierto que la carta metalingüística la jugó el film de Kanefsky antes que el clásico de Wes Craven. Pero es que antes de There's Nothing Out There, esa misma carta ya la habían jugado películas como Terror en el instituto (Return to Horror High, Bill Froehlich, 1987) y El retorno de Martin (Evil Laugh, Dominick Brascia, 1986), por nombrar un par. Y lo hicieron mejor, ya que Mike se acaba convirtiendo en un personaje bastante irritante, por no decir pesado, que tampoco logra nada con su conocimiento del género.
Por tanto, felicidades por el esfuerzo, aunque la ejecución no acabe de funcionar. Algo que se aplica a toda la película, no solo a su aspecto "meta". Es decir, es una película bastante divertida, con varios momentos que me hicieron reír, pero se nota que es una película "primeriza". La dirección es muy rígida, muy de "storyboard", le falta frescura y algo de ritmo. Las interpretaciones no destacan, pero por lo menos no son terribles, algo que también se puede decir de los efectos especiales.
Por suerte, el hecho de que, en su mayor parte, la comedia funcione ayuda a que sus defectos no impidan el disfrute de la película. El resultado final es un film interesante, aunque lo que claman sus fans que era original no lo sea.
Entre Tetsuo, el hombre de hierro (Tetsuo, 1989) y Tetsuo II: El cuerpo de martillo (Tetsuo II: The Body Hammer, 1992), sus dos títulos más conocidos, el director Shin'ya Tsukamoto estrenó Demonios asesinos (Yôkai hantâ: Hiruko aka Hiruko the Goblin, 1991), menos conocida pero igualmente interesante. La película adapta el manga de Daijirô Morohoshi Yokai Hunter, bastante popular en Japón, pero hasta ahora inédito en nuestro país.
Hieda Reijirou (Kenji Sawada) es un profesor de arqueología desacreditado por sus teorías sobre la existencia real de criaturas y monstruos que se creen mitológicos. Hieda recibe una carta de su cuñado Takashi Yabe (Naoto Takenata), donde le comenta el descubrimiento de una tumba ancestral cerca de un colegio, ahora cerrado por las vacaciones de verano. Cuando Hieda llega se encuentra que Hieda ha desaparecido misteriosamente junto a la estudiante Tsukishima Reiko (Megumi Ueno). Masao (Masaki Kudou), el hijo de Takashi y enamorado de Tsukishima, también se encuentra en el colegio intentando averiguar qué ha sido de los desaparecidos. Hieda y Masao se enfrentarán juntos a los demonios que han salido de la tumba hasta entonces oculta.
El título castellano Demonios asesinos puede dar la impresión de que nos encontramos ante una película de terror, ya sea al estilo J-Horror o con más sangre y gore. Pero, aunque hay elementos de terror y alguna escena inquietante, la película de Tsukamoto tiene muchos elementos de comedia y del cine de aventuras. Un cóctel de géneros al que hay que añadir la influencia del cine fantástico americano a la hora de presentar criaturas propias de la mitología japonesa. La comedia la proporcionan principalmente los dos protagonistas, en especial el torpe Hieda. Equipado con una serie de armas de creación casera, como una versión japonesa del cazafantasmas Tristanbraker, la primera reacción de Hieda ante la presencia del demonio que caza en el colegio cerrado es la misma que tendría yo: salir corriendo. A pesar de todo, sus conocimientos serán muy útiles y se acabará convirtiendo en un héroe. Mientras, Masao se enfrenta a un importante destino tras descubrir diversos secretos familiares. El terror y las aventuras se dan de la mano en la exploración del colegio cerrado y la aparición de Hiruko, que cuando posee a una persona ésta se convierte en una cabeza con patas de insecto, como una araña infernal.
El resultado es una película que mezcla terror japonés con Gremlins (Joe Dante, 1984) y Posesión infernal (The Evil Dead, Sam Raimi, 1981). Inquietante y muy divertida al mismo tiempo, entretenida de principio a fin, Demonios asesinos es también coherente y sólida, a pesar de la dispar mezcla de géneros, gracias al tono consistente y la energética dirección de Tsukamoto. Es el extraño caso de una película que gustará tanto al aficionado a la cultura pop japonesa, al aficionado al terror o a alguien que no está demasiado interesado en ninguna de las dos cosas. Un título fantástico en más de un sentido.
Cada vez tengo más claro que Tobe Hooper fue uno de los directores más menospreciados, incomprendidos e infravalorados dentro del cine de terror. La mayoría de sus películas, en el momento en que se estrenaron, fueron destrozadas por la crítica y por los aficionados, pero con el tiempo se ha demostrado que simplemente fueron malentendidas por la mayoría y se han revalorizado, aunque es una lástima que Hooper no llegara a verlo. Como Alianza macabra (The Mangler, Tobe Hooper, 1995), una película que con el tiempo cada vez me gusta más, en su día Cocodrilo (Crocodrile, Tobe Hooper, 2000) fue recibida como una muestra más de la decadencia de Hooper. Pero al volverla ver con un ojo más atento, se descubre que es mucho más de lo que parece a simple vista.
El argumento de Cocodrilo es bastante simple. Un grupo de típicos jóvenes de vacaciones provocan inadvertidamente la ira de un gran cocodrilo, que procede a perseguirlos y devorarlos uno a uno. Y si eso es todo lo que uno busca en una película, esta se lo ofrece de forma bastante entretenida teniendo en cuenta el presupuesto. Sin embargo, Hooper, con la colaboración de la pareja de guionistas Jace Anderson y Adam Gierasch, aprovechando la simple estructura de la película, introdujo toda una serie de detalles y elementos que, con no poco humor negro, reflejan elementos de sus películas pasadas.
El rodaje de Cocodrilo coincidió con el 25º aniversario del estreno de La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974), el clásico de Hooper que marcó toda su carrera. Esto no le pasó desapercibido al director, que le puso en un modo no nostálgico, pero sí reflexivo. En diversas escenas esconde elementos que remiten al clásico título. Tenemos, por ejemplo, la decoración de calaveras en la tienda de un cazador de caimanes o la escena en la que los protagonistas llegan a una tienda en busca de refugio y armas, encontrando una sierra mecánica... que no funciona. La referencia más clara, que me hizo darme cuenta de lo que Hooper estaba haciendo, es cuando quedan tres supervivientes, uno de ellos debe ser llevado en un carrito debido a una herida, quejándose y lloriqueando continuamente de modo parecido a como lo hacía Franklin en La matanza de Texas. Este fue el momento que me hizo abrir los ojos y empezar a ver todos los detalles a los que antes no les había dado la importancia que se merecían.
El tono oscila entre la seriedad y la comedia negra, los protagonistas se pelean entre ellos casi más que con el cocodrilo. Un gran número de sustos cortesía del gigantesco cocodrilo acaban de redondear esta película que, aunque no está entre los grandes títulos de Hooper, demuestra hasta que punto fue un incomprendido, incluso entre aquellos que deberían haber tenido un poco más de fe en el director.
Cocodrilo fue seguida de la secuela Cocodrilo. Aguas sangrientas (Crocodrile II: Death Roll aka Crocodrile 2: Death Swamp, Gary Jones, 2002), con guion, de nuevo, de Jace Anderson y Adam Gierasch. El planteamiento traslada la acción a México, con un grupo de atracadores que huye con un importante botín y quedan atrapados, junto a sus rehenes, en un pantano perseguidos por un cocodrilo enorme.
Se repite de nuevo el planteamiento simple y no muy original, que queda compensado con la energía que le imprime el director Gary Jones al film y la presencia en un papel secundario de Martin Kove. El film ronda los 90 minutos y se pasa bastante rápido, es poco más que un simple entretenimiento. Admito que no la habría visto si no fuera porque iba incluida con la película de Hooper, pero hizo que la inversión en el pack fuera más acertada.
Cada vez que se estrenaba una nueva entrega de Star Wars, una nueva horneada de producciones dentro del género, imitaciones y derivados intentaba aprovechar algo del éxito de la saga creada por George Lucas. Algunas de estas producciones sabía identificar las bases sobre las que se asentaba la creación de Lucas y darle su propia personalidad, convirtiéndose ellas mismas en películas de culto, como fueron Star Crash, choque de galaxias (Starcrash, Luigi Cozzi, 1978) o la plagiada en la Rebel Moon (2023) de Zack Snyder Los 7 magníficos del espacio (Battle Beyond the Stars, Jimmy T. Murakami, 1980). Otras películas copiaban elementos de la saga Star Wars y los mezclaban con otros elementos del pulp y películas también populares entonces, para darle su propio giro, como Krull (Peter Yates, 1983) o Cazador del espacio: Aventuras en la zona prohibida (Spacehunter: Adventures in the Forbidden Zone, Lamont Johnson, 1983). Tampoco podemos dejar de lado las diversas parodias inspiradas por Star Wars como Galaxina (William Sachs, 1980) o La loca historia de las galaxias (Spaceballs, 1987). Y luego tenemos Guerreros del espacio (The Ice Pirates, Stewart Raffill, 1984), que intentó aglutinar todo lo mencionado anteriormente sin conseguirlo del todo.
La acción arranca en un lejano futuro. Resulta que dentro de 10000 años el agua se convertirá en un bien escaso, por tanto, extremadamente valioso. Los Templarios son la corporación que domina el comercio de agua, lo que ha provocado la aparición de los "piratas del hielo", que se dedican a robar el agua de las naves de los Templarios, amenazando su monopolio. Uno de estos piratas, Jason (Robert Urich), es capturado junto a sus compañeros y marcado para ser convertido en esclavo. Jason es rescatado por la princesa Karina (Mary Crosby), con la condición de que Jason y su tripulación le ayuden a encontrar a su padre, que fue en busca del legendario séptimo planeta. Un argumento que descubre que usó el director Stewart Raffill como base para su aventura espacial: si George Lucas utilizó las películas de samuráis de Akira Kurosawa y el western, Raffill mezcló la aventura espacial con las clásicas aventuras de piratas al estilo de El capitán Blood (Captain Blood, Michael Curtiz, 1939) o El temible burlón (The Crimson Pirate, Robert Siodmark, 1952). Aunque esa no era la intención original.
Originalmente, The Ice Pirates iba a ser una épica aventura de ciencia ficción titulada The Water Planet que mezclaría la ciencia ficción con el mito de Jasón y los Argonautas, escrita por Stanford Sherman, el guionista de Krull. Pero entonces, principios de la década de los 80, Metro Goldwyn Mayer, el estudio que financiaba el proyecto, entró en dificultades económicas. Por ello, se decidió reducir el presupuesto del film para hacerlo más factible. La reducción del presupuesto trajo consigo que se cambiara el tono del film: de aventura seria (con toques de humor) a aventura cómica (con toques serios). El director se encargó de rescribir el guion para convertirlo en una comedia espacial.
Esta apresurada rescritura no le sentó muy bien a la película. Hay muchos chistes que están fuera de lugar y no encajan con el estilo del film (añadiendo algunos que son directamente racistas como el chulo-robot), hay momentos que rozan la pura parodia, mientras que otros momentos son extrañamente serios. Sin embargo, la mayor parte del reparto, como Ron Perlman y Anjelica Huston, se adaptan bien a la comedia, excepto Robert Urich, que no tiene el carisma ni la gracia necesarias. Urich habría sido una mejor opción si el film hubiese mantenido el tono serio original.
Durante la mayor parte del metraje, la película funciona. Más o menos. Hay momentos que la comedia es efectiva y la acción también contribuye a que la película mantenga al espectador entretenido, aunque no muy enganchado. Tal vez por las limitaciones del presupuesto, Guerreros del espacio se desmonta en la última parte, con una serie de secuencias que se acaban haciendo aburridas por lo repetitivas y un final apresurado que deja muchas cosas en el aire.
Imagino que incluso The Ice Pirates tiene sus fans, supongo que personas que la vieron cuando eran pequeños y les provoca un cariño nostálgico. Pero, dentro de las muchas producciones del estilo que se rodaron entonces, no resulta especialmente memorable, ni siquiera como un título particularmente terrible o inepto. En algunos momentos te ríes, en otros te aburres, lo que se dice una película mediocre.
Esta semana se estrena Te estoy amando locamente (Alejandro Marín, 2023) y podéis leer mis pensamientos sobre ella en la crítica que he escrito para Underbrain Mgz:
https://underbrain.com/cine/te-estoy-amando-locamente/
Esta película es una dramedia, esto que está tan de moda ahora en series y películas y que es la comedia dramática de toda la vida, que consigue eso tan difícil que es ser una película "con mensaje" y seguir siendo entretenida. Es decir, no deja que el mensaje deje de lado construir una buena historia con personajes interesantes.
Se nota que ya empieza el verano con la llegada de los estrenos veraniegos como Ruby, aventuras de una kraken adolescente (Ruby Gillman, Teenage Kraken, Kirk DeMicco, Faryn Pearl, 2023), de la que acabo de publicar una crítica en Underbrain Mgz, que podéis leer clicando aquí:
https://underbrain.com/cine/ruby-aventuras-de-una-kraken-adolescente/
No es una maravilla como la reciente película de animación de Spiderman, pero sirve para mantener a la chavalada entretenida.
¿Alguna vez os habéis preguntado qué pasaría si los personajes típicos de una película porno se viesen envueltos en una trama propia de una película de terror? Si es así, Deep Murder (Nick Corirossi, 2018) es la película para vosotros.
Las cosas avanzan con normalidad en casa de los Dangler. Babs Dangler (Katie Aselton) y su cuñado Doug Dangler (Jerry O'Connell) estás inmersos en una maratón sexual, mientras el marido y hermano de ambos, respectivamente, Richard Dangler (Christopher McDonald) está ocupado con sus negocios a través del teléfono. Hugh Dangler (Quinn Beswick) está preocupado porque sigue siendo virgen y su mejor amigo Jace Bigman (Chris Redd) le intenta convencer que se apunte a un trío con la canguro (Jessica Parker Kennedy). Es entonces que llega a la casa de los Dangler la doctora Bunny Van Clit (Stephanie Drake) para anunciar que se han perdido la evacuación por la llegada de un huracán y que todos deberán permanecer encerrados en la mansión. Esto coincide con que se descubre el cuerpo sin vida de Doug. La llegada del detective Cross (Josh Margolin) no parece que sea de mucha ayuda debido a su extremada incompetencia. Mientras los cadáveres se empiezan a acumular, los ocupantes de la casa intentarán descubrir quién es el asesino antes de convertirse en una de las víctimas.
Esta comedia absurda parte de un concepto interesante. Parodiar los clichés de los misterios a lo Agatha Christie, del giallo y del slasher pero, en lugar de hacerlo utilizando como base los personajes típicos de este tipo de películas, hacerlo utilizando los personajes típicos de una película porno. Esto provoca que los personajes empiecen a ir más allá del cliché y poco a poco romper el molde que los constriñe. El reparto es fundamental en este aspecto y se ha de reconocer que el de Deep Murder hace un buen trabajo. Los actores mantienen la realidad de los personajes para transmitir mejor el absurdo de la comedia, sin exagerar la parodia, dándoles entidad a personajes cliché que se supone no tienen personalidad más allá de su habilidad para convertir cualquier situación en un encuentro sexual.
Pero por muy bueno que sea el reparto, reconozco que la película es algo irregular. En ocasiones repite demasiado un mismo chiste y se puede hacer algo larga. Dicho esto, también he de admitir que tiene momentos muy divertidos. El personaje de la canguro en particular fue la que me hizo reír más con dos momentos en concreto. El primero es cuando empieza a cuestionarse su papel en la vida y se dice: "últimamente he empezado a preguntarme las grandes incógnitas de la vida, como ¿sueñan los osos?". El otro es cuando, tras varios asesinatos y peripecias se dice a si misma: "empiezo a sospechar que en esta casa no hay niños que cuidar, ni siquiera hay una guardería". El otro personaje que también me hizo reír bastante fue la doctora Van Clit y su peculiar manera de concebir la ciencia.
Las partes positivas pesan más que las negativas, así que aunque me pareció irregular también me divirtió. De modo que no es que la recomiende, pero la presento como una comedia interesante.
Teniendo en cuenta la manera en que están evolucionando la política, las redes sociales y la sociedad en general, es posible que a muchos les parezca que la única opción cuerda para seguir adelante es la locura. Para aquellos/as que compartan esta opinión o sientan una negra nube sobre sus cabezas, les recomiendo para volverse loco pues, eso, Volverse loco (Get Crazy, Allan Arkush, 1983).
Sobre el papel, la trama de Get Crazy no sorprende: mientras la veterana sala de conciertos Saturn Theatre se prepara para celebrar su concierto de Año Nuevo, un malvado ricachón, que quiere hacerse con el local para construir un edificio de apartamentos, intenta sabotear la celebración. Lo que hace que esta película te vuelva el cerebro del revés es su continuo asalto de chistes absurdos y chorradas premium. Un continuo de locura que hace que los momentos flojos queden compensados (o enterrados) en la avalancha de comedia delirante. Y si no, las actuaciones musicales te llenan de energía. En otras palabras, la simple trama es lo de menos, algo de lo que incluso la misma película se ríe colocando carteles: cuando el villano Colin Beverly, al que da vida Ed Begley Jr., aparece junto a sus esbirros aparece el letrero "los malos", cuando Neil Allen (Daniel Stern) y Willy Loman (Gail Edwards) se conocen aparece el letrero "chico conoce chica", etc. Un tono y un estilo que para mí hacen que esta película sea una secuela espiritual del clásico de Allan Arkush Rock 'n' Roll High School (1979), con la que comparte la pasión por la música rock/punk aunque ahora ya sin limitaciones y apuntando a una clasificación "R" (para adultos) en Estados Unidos. Y para "adultos" quiere decir drogas, desnudos y palabrotas.
No obstante, esta no era la intención original del director. Para recuperarse de las heridas dejadas por el monumental fracaso de Heartbeeps (1981), Arkush quería hacer una película autobiográfica, una comedia relatando sus vivencias cuando trabajó en el Fillmore East Theatre de Nueva York a finales de los 60. El proyecto no despertó mucho interés, hasta que unos productores aceptaron financiar la película a condición de que se situara en el presente y se convirtiera en una comedia loca al estilo de Aterriza como puedas (Airplane!, Jim Abrahams, Jerry Zucker, David Zucker, 1980). En la transición, la idea de hacer algo autobiográfico se perdió en el camino, aunque algunas anécdotas se infiltraron, pero Arkush ya había hecho algo parecido en el pasado, la mencionada Rock 'n ' Roll High School, así que el cambio no fue muy traumático.
En esta ocasión, en lugar de tratar con grupos reales, Arkush decidió crear bandas ficticias para la película más o menos inspiradas en bandas o artistas reales. Por ejemplo, Malcolm McDowell es Reggie Wanker ("wanker" en inglés británico quiere decir algo como capullo o pajillero), una mezcla de Mick Jagger/David Bowie/Rod Stewart, cuyo batería es un loco en referencia al fiestero batería de The Who Keith Moon, interpretado por John Densmore, el batería de The Doors. Lee Ving, el que era el cantante de la banda punk Fear, interpreta a Piggy, una mezcla de Iggy Pop y Sid Vicious. Lori Eastside, cantante y letrista, es la líder de la banda Nada, una banda que hace referencia a bandas como The Bangles y The Go-Gos. Finalmente, Auden es un poeta roquero folk a lo Lou Reed que está interpretado por Lou Reed. Es una lástima que la banda sonora, que incluye también a Sparks que hacen el tema principal de la película, solo se pueda encontrar en vinilos de precio desorbitado, porque muchas canciones se te quedan pegadas.
Entre la comedia absurda y la música, Get Crazy es un gran chute de energía que te hace reír a carcajadas. Con el tiempo se ha convertido en una película de culto, con una azarosa vida comercial. En su día, los productores decidieron que obtendrían más dinero librándose de impuestos si la película era un fracaso que si la película era un éxito, algo parecido a lo que la Warner hizo con Batgirl y que es la trama de Los productores (The Producers, Mel Brooks, 1967). Eso se tradujo en que la película no fuera apenas anunciada (y el tráiler es bastante malo) y sacada de los cines rápidamente. Esto dejó a Allan Arkush devastado, tras un rodaje enérgico en el que el reparto se lo había pasado bomba. Get Crazy aparecía de forma esporádica en televisión y fue editada en VHS, pero el negativo y la banda sonora se perdieron y no fue editada ni en DVD ni en Blu-ray hasta hace un par de años. Para los amantes del humor delirante que sabe apreciar una buena chorrada (como penes parlantes o porros antropomórficos), esta película está recomendada sin reservas.
