25 sept. 2017

Effects

 
Considerada perdida durante décadas, Effects (Dusty Nelson, 1980) regresa para inquietar a toda una nueva generación de espectadores. Tras un fugaz pase en diversos festivales, el film de Dusty Nelson desapareció sin haber sido nunca editada en VHS o ningún otro formato doméstico. Y se mantuvo en el limbo hasta que Synapse la rescató del olvido, editandola en DVD en el 2005. Ahora, Agfa la ha editado en Blu-ray.

Normalmente, esta es la parte en la que hago una sinopsis de la película, respondiendo la pregunta eterna que nos persigue a todos: ¿de qué va? Pero creo que la mejor manera de entrar en Effects es sin saber mucho del argumento. Yo no sabía nada de la película cuando apreté "play" y me puse a verla, solo su reputación y su conexión con George A. Romero, lo que posiblemente contribuyó a que la disfrutara más, ya que no tenía ninguna idea preconcebida sobre ella. En este sentido, os recomiendo lo mismo.

¿Y por qué deberías sentir ningún interés en verla? Porque consigue mucho con muy poco. La conexión George A. Romero es que gran parte del personal delante y detrás de las cámaras formaba parte del equipo que Romero empleaba en su etapa como cineasta independiente. Los más reconocibles son Joe Pilato y Tom Savini, que se encargó también de los efectos de maquillaje. Trabajando como actor tenemos a John Harrison, que se encargó de la banda sonora de Creepshow (George A. Romero, 1982) (algo que también hace en Effects) y fue el director de El gato infernal (Tales from the Darkside: The Movie, 1990). Todos ellos acostumbrados a trabajar con pocos medios sin que fuera evidente. Y, en cierto modo, se interpretan a si mismos ya que el film gira en torno a personas haciendo una película de terror de bajo presupuesto. En el audiocomentario cuentan que mucho del equipo que aparece en pantalla era el equipo que ellos mismos estaban usando para rodar la película.

En ciertos aspectos, Effects es un film adelantado a su tiempo. Recursos hoy comunes como el de "una película dentro de una película" eran muy novedosos y no se habían usado mucho anteriormente. También hay otros aspectos que en nuestra sociedad de reality es bastante normal, pero entonces tampoco se había utilizado, más que puntualmente y con otras intenciones.

Estos elementos contribuyen a la inquietante atmósfera que planea sobre toda la película. Este es un film que trabaja el terror psicológico, perturbador. Poco a poco, el espectador se siente atrapado sin saber por qué, hasta que todo explota en el tramo final. Eso significa que aquellos que no tengan paciencia para lo que se llama un slow burn es posible que no disfruten, o no les llame la atención, Effects. Yo disfruto de todo tipo de terror, del más gráfico al más sutil, así que esta película encaja perfectamente con mis gustos. Espero que los vuestros también.


21 sept. 2017

Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle)

 
Ya se ha publicado mi crítica de la nueva Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle, Matthew Vaughn, 2017) en Underbrain Mgz:


Estupenda secuela que no supera la original pero mantiene el nivel. Si os gustó la anterior, seguro que la disfrutáis.


20 sept. 2017

El asesino de la isla (The Slayer)

 
Arrow Video ha rescatado del olvido El asesino de la isla (The Slayer, J. S. Cardone, 1981), un antecedente de Pesadilla en Elm Street (A Nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984). Este film de terror estuvo perdido durante décadas en ediciones en VHS censuradas, recortadas y con pésima calidad de imagen y horrendas ediciones en DVD que eran versiones digitales de esas ediciones en VHS.

Kay (Sarah Kendall) y su marido David (Alan McRae) aceptan la invitación de irse de vacaciones a una casa en una isla que les ha hecho Eric (Frederick J. Flynn), hermano de Kay, y su esposa, Brooke (Carlo Kottenbrook). Desde hace un tiempo, Kay sufre de insomnio y terribles pesadillas, así que estas vacaciones son un intento de eliminar estos terribles sueños. Pero cuando los asesinatos empiezan, queda claro que las pesadillas no desaparecen sino que se hacen realidad.

Como he mencionado al principio, el argumento de The Slayer recuerda bastante al de la posterior Pesadilla en Elm Street. Con eso no quiero decir que Wes Craven se inspirara en esta película ni mucho menos, pero resulta interesante que, durante principios de los 80, los sueños y las pesadillas cada vez tuvieran una mayor presencia en el género. Cardone cuenta que la inspiración para su película la obtuvo de los relatos clásicos de H. P. Lovecraft de trama onírica. Como le sucede a muchos protagonistas de los relatos de Lovecraft, Kay nunca es tomada en serio cuando expresa sus terrores nocturnos, hasta que ya es demasiado tarde.

Se ha criticado que el desarrollo de The Slayer es algo lento. Es verdad que Cardone dedica bastante tiempo a crear una atmósfera inquietante y llena de suspense, tal vez más del necesario. Pero, desde mi punto de vista, eso no hace más que las escenas sangrientas tengan un mayor impacto. Si tenemos en cuenta que las interpretaciones son bastante buenas y la solitaria ambientación muy efectiva, los esfuerzos de Cardone en crear esa atmósfera obtienen buenos resultados. The Slayer es un efectivo y logrado film de terror que se merece salir de la oscuridad.

Yo no estaba familiarizado con este film y ha sido todo un descubrimiento para mí. Si también os atraen las atmósferas inquietantes y los terrores oníricos os invito a descubrir si se trata de una pesadilla o es... The Slayer.


8 sept. 2017

IT

Ya podéis leer lo mucho que disfruté con IT (Andy Muschietti, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:


Tras la terrible experiencia que fue La Torre Oscura (The Dark Tower, Nicolaj Arcel, 2017), disfrutar de nuevo con una adaptación de una novela de Stephen King en la gran pantalla ha sido maravilloso. En especial, la adaptación de esta novela que es mi favorita. Id todos a verla.


6 sept. 2017

Terror sin fin (Night Terrors)


Como ya mencioné en el artículo que escribí al hacerse pública la muerte de Tobe Hooper, quiso la casualidad que estuviera repasando una de sus menos conocidas películas antes de saber la terrible noticia. Mi interés por este título radica en el conocido hecho de que, a partir de los años 90 y, especialmente, durante el siglo XXI, la carrera de Hooper había entrado en decadencia, consiguiendo sobrevivir dirigiendo episodios de televisión y películas editadas directamente en el mercado doméstico. Tenía curiosidad por ver qué títulos de esta época podían ser reivindicables.

Supe originalmente de la existencia de Terror sin fin (Night Terrors aka Nightmare, 1993) por la revista Fangoria, que por aquel entonces editaba ediciones Zinco. Recuerdo leer una entrevista a Robert Englund a raíz de su papel en este film, adornada con fotografías que despertaron mi interés. Cuando finalmente la encontré en vídeo no me pareció gran cosa, más allá de disfrutar con la poderosa presencia de la actriz protagonista, Zoe Trilling. Viéndola de nuevo ahora, es fácil entender qué me atrajo de este film siendo un inmaduro adolescente y qué no, y qué me atrae ahora como inmaduro adulto y qué no.

El film transcurre en dos momentos temporales. Primero nos introduce a Robert Englund como el marqués de Sade, siendo torturado en una prisión, en algún momento a finales del XVIII y principios del XIX (Sade murió en 1814). Las secuencias de Sade en prisión sirven como contrapunto a la historia del presente, en la que la joven Genie (Zoe Trilling) llega al Cairo para visitar a su padre, el doctor Matteson (William Finley), mientras este lleva a cabo ciertos trabajos de arqueología. Genie se verá pronto involucrada en los aspectos menos sanos de la vida nocturna del Cairo, mezclándose con una secta sadomasoquista encabezada por Paul Chevaller (Englund), descendiente del marqués de Sade.

Queda claro que este no es un film perfecto y creo que los elementos que más me hicieron disfrutar del film puede que descoloquen/no sean apreciados por otros espectadores o personas normales. Se nos presenta a Genie como el producto de una estricta educación religiosa, el siempre genial Finley interpreta a su padre como un fanático religioso algo desequilibrado con afición por las cuerdas, así que la joven se ve más que predispuesta a romper todos los tabúes imaginables. Parte de esta rebelión contra el padre implica tomar drogas, lo que proporciona una serie de secuencias alucinógenas nada despreciables. Además de las alucinaciones, Genie también tiene memorables pesadillas y sueños, enlazados con el marqués de Sade.

Todo ello da como resultado un film que tal vez no es muy impresionante como cinta de terror o thriller erótico, pero desde luego resulta tremendamente entretenido gracias a sus momentos oníricos y asesinatos. Las interpretaciones de Englund y Finley, como siempre, no decepcionan, aunque Trilling no destaque precisamente como actriz. La misteriosa Trilling, también conocida como Geri Betzler, se ha ganado un seguimiento de culto gracias a las diversas películas de terror en las que intervino, aunque se retiró pronto del mundo de la interpretación. No muy hábil como actriz es innegable que, como ya he dicho antes, su poderosa presencia la hace siempre interesante.

Terror sin fin, desde luego, no se encuentra entre lo mejor del director tejano, pero no por ello resulta menos interesante. No lo recomiendo a todo el mundo, pero si la mezcla de alucinaciones, sueños y sadismo os parece atractiva, dadle una oportunidad.


5 sept. 2017

Milano odia: la polizia non può sparare aka Almost Human

 
La reciente edición inglesa en Blu-ray de Milano odia: la polizia non può sparare (1974), bajo su más popular título Almost Human, dirigida por el siempre interesante Umberto Lenzi, es la excusa perfecta para recuperar este violento clásico con una memorable banda sonora de Ennio Morricone.

Giulio Sacchi (Tomas Milian) es un criminal de poca monta cuyo consumo continuado de pastillas y alcohol lo está transformando en un violento psicópata. Tras estropear un atraco, decide que ha llegado la hora de ir a lo grande y, con la ayuda de sus compinches Carmine (Ray Lovelock) y Vittorio (Gino Santercole), decide secuestrar a la hija de un millonario, la pobre Marilù Porrino (Laura Belli). Giulio inicia así una brutal serie de crímenes y asesinatos, ya que está determinado a matar a todo el que se le ponga por delante. El único que se atreve a darle caza es el inspector Walter Grandi (Henry Silva), un policía obsesionado con poner fin a la orgía de violencia de Giulio.

Lenzi, para crear este brutal poliziottesco, usó la influencia del cine negro francés y la mezcló con el inquieto y revuelto ambiente social que, en ese momento, se vivía en Italia. De hecho, los secuestros se habían empezado a popularizar como crimen, de ahí la idea para Milano odia. El resultado final es un film tenso y muy violento, que destaca por las interpretaciones de Tomas Milian y Henry Silva. Aunque, claro, se disfruta más del trabajo de Silva en la pista de audio inglés y del de Milian en la pista de audio italiano, aunque no es suya la voz sino de Ferruccio Amendola, un actor escogido personalmente por Milian.

La principal baza del film es la manera en que Lenzi presenta el rastro de destrucción que va dejando Giulio a su paso. A pesar de ser mostrado como un desequilibrado psicópata, también tiene la astucia suficiente como para burlar los esfuerzos del inspector Grandi para atraparlo, lo cual aumenta la frustración de Grandi hasta conducirlo a llevar a cabo acciones extremas. La espera por el inevitable enfrentamiento entre ambos y por ver qué nueva atrocidad llevará a cabo Giulio llenan de tensión el metraje del film.

En definitiva, un clásico del género, que imagino de sobras conocido por los aficionados, pero que ahora muchos iniciados tienen la oportunidad de descubrir.


4 sept. 2017

7, Hyden Park: La casa maledetta aka Formula for a Murder

 
Hacia mediados de los 80, el giallo de los 70 estaba prácticamente desaparecido, sustituido por imitaciones de thrillers y slashers a la americana. 7, Hyden Park: La casa maledetta (Alberto de Martino, 1985), más conocida por su título inglés Formula for a Murder, es un tardío ejemplo del género, uno de los últimos, además de ser la última película de su director.

Joanna (Christina Nagy) es una millonaria parapléjica que planea donar una fortuna a un instituto para los descapacitados como ella. Joanna acabó en una silla de ruedas tras sobrevivir al ataque de un asesino pederasta vestido de cura. Ahora, empieza a verse acosada por visiones de un misterioso cura. Al mismo tiempo, unos brutales asesinatos empiezan a tener lugar, perpretados por un hombre vestido de cura. Joanna depende más que nunca de la ayuda de Craig (David Warbeck), su en apariencia devoto marido que planea hacerse con la fortuna de Joanna antes de que esta cometa la locura de donarla a beneficiencia.

El film de De Martino adopta ciertas caracterísitcas del giallo, sobretodo a la hora de representar los asesinatos, pero está más en sintonia con las películas de mujeres amenazadas, siguiendo el modelo implantado por películas clásicas como Sospecha (Suspicion, Alfred Hitchcock, 1941) y Luz que agoniza (Gaslight, George Cukor, 1944). El resultado es una interesante mezcla, en la que los motivos psicológicos del giallo, principalmente el trauma del pasado, y visuales, el asesino cuya arma es una afilada navaja de afeitar, se utilizan para crear suspense de manera diferente a la habitual en el género. En lugar de esperar hasta el final, se revela al principio del film el complot entre el personaje de David Warbeck y Ruth, personaje que interpreta Carroll Blumenberg, de manera que la intriga se basa más en temer por la vida de Joanna a medida que el peligro aumenta.

Como suele ser habitual en este tipo de películas, la presentación que se hace de la trama resulta mucho más interesante que la trama en sí, sobretodo si se añaden escenas oníricas a la mezcla como hace De Martino. Tiene momentos interesantes, como un intento de asesinato via orgasmo o los diversos asesinatos de curas, de modo que resulta entretenida de principio a fin. No muy popular comparado con otros giallo, es un título que interesará a los fans completistas.


30 ago. 2017

Doctor Zacarías

 
¿Habéis visto este corto?


¿Qué os ha parecido? ¿Divertido? ¿Descacharrante? ¿Mejor que una patada en la boca? ¡Claro que sí! Pues ahora podéis colaborar para que el doctor Zacarías pase a ser una película de verdad, no como las de Michael Bay. Clicad en este enlace para saber más:

29 ago. 2017

Luca el contrabandista (Luca il contrabbandiere)


Lucio Fulci es conocido principalmente en la actualidad por sus películas de terror, llenas de decadentes zombis y gore. Pero, antes de ser encasillado como director de cine de terror, Fulci cultivó todos los géneros posibles. Un gran ejemplo de ello es Luca el contrabandista (Luca il contrabbandiere, 1980), una cinta mafiosa que tiñe Nápoles de rojo sangre debido a una guerra de bandas, llena de traiciones y tiroteos.

Según cuenta la película (desconozco si era realmente así), la economía de Nápoles se sostenía con el contrabando de tabaco. Uno de los mejores contrabandistas es Luca Di Angelo (Fabio Testi). Cuando una reciente operación de contrabando sale mal, Luca sospecha que alguien les ha traicionado. Entonces, su hermano Mickey (Enrico Maisto) es asesinado y Luca se lanza en una misión de venganza en la que se convertirá en el objetivo de  François Jacois (Marcel Bozzuffi), alias El Marsellés, un peligroso narcotraficante.

Es posible que recordéis una escena en El padrino (The Godfather, Francis Ford Coppola, 1972), en la que don Corleone (Marlon Brando), rechaza mezclarse con traficantes de drogas, argumentando que el licor y el juego son vicios comunes entre los hombres, lo que hace que la policía sea más permisiva, algo que no sucedería si de repente se metieran en negocios de drogas. Igual sucede en esta película, en la que los contrabandistas de tabaco son héroes que sostienen la economía del lugar, enfrentados con aquellos que pretenden introducir heroína y cocaína en el país. Una situación que podría tener una lectura socioeconómica: los contrabandistas son italianos de pura cepa que siguen el negocio familiar, mientras los traficantes son extranjeros que pretenden quitarles el trabajo y contaminar su país.

Una lectura que dudo mucho estuviera en las mentes de los cineastas que simplemente querían hacer una película de acción con Fabio Testi como hombre duro. Y si bien hay bastante acción mientras cuenta su historia de guerra de traficantes, este film es recordado principalmente por la ultraviolencia que Fulci lanza sobre el espectador. Escenas brutales, como una en la que le queman la cara a una mujer con un soplete o los sangrientos tiroteos, se quedan grabadas en la retina del espectador y son las que realmente hacen destacar esta película comparada con otras del género.

Fulci no abandonó la sangre y el gore aunque cambiara de género. Además de resultar impactante, también le dan un aire de realismo, al ser tan pasadas de vueltas se acercan bastante a lo que eran este tipo de guerras en la realidad. En definitiva, un Fulci diferente, aunque no tanto, que interesará a los aficionados al cine mafioso, además de a los fans del maestro italiano.


28 ago. 2017

Adiós a Tobe Hooper

Este domingo me puse a ver Terror sin fin (Night Terrors, 1993) de Tobe Hooper con la idea de hacer un artículo para el blog. Cuando acabé de verla, entré en Internet y me enteré de la noticia de la muerte del creador de Leatherface.

Con la muerte de Hooper, desaparece otro de los maestros del cine de terror que transformaron el género durante los años 70, junto a los también desaparecidos George A. Romero y Wes Craven. Con La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre, 1974), el director tejano ofreció al mundo un film visceral y aterrador que hoy día sigue sin ser igualado. Hooper, con pocos medios y en complicadas condiciones, logró crear una pesadilla intensa y malsana, seguramente gracias a las mismas complicadas condiciones en que fue rodada.

El éxito prematuro con La matanza de Texas marcaría de forma permanente la carrera de Hooper, que no pudo volver a realizar un film que estuviera a la misma altura. Sin embargo, su carrera a partir de entonces está llena de películas muy interesantes y apasionantes, incluso logrando otro gran éxito con Poltergeist (1982), a pesar de que, desde su estreno, han surgido diversos rumores asegurando que fue en realidad Steven Spielberg quien la dirigió o que fueron los dos los encargados de dirigirla o que Spielberg le quitó de las manos a Hooper la película. Estos rumores y teorías, negados repetidamente por ambos directores, se los tomaba Hooper, después de tanto tiempo oyéndolos, con bastante humor en su novela Midnight Movie.

Si Hooper nos dejó en los 80 cintas épicas y grandiosas a su manera como Lifeforce - Fuerza vital (Lifeforce, 1985) y Masacre en Texas 2 (The Texas Chainsaw Massacre 2, 1986), los 90 representan la decadencia del director, embarcado en filmes cada vez menos interesantes. Gran parte de esta década se la pasa dirigiendo episodios de televisión y telefilmes. En el siglo XXI, las cosas no le van mucho mejor, aunque aún dirige títulos interesantes como el remake La masacre de Toolbox (Toolbox Murders, 2004).

A pesar de lo irregular del tramo final de su carrera, Hooper contribuyó a cambiar el rostro del género en los 70, creó uno de los personajes más icónicos del cine de terror y durante los 80 nos ofreció una serie de imaginativas, diferentes y fantásticas películas.

25 ago. 2017

Y la Torre Oscura cayó: Todo lo que está mal en la adaptación de la gran saga de Stephen King

 
Akiva Goldsman, Nikolaj Arcel y los ejecutivos de Sony han conseguido lo que el hombre de negro y el Rey Carmesí no pudieron lograr: hacer que la Torre Oscura caiga. Por lo menos su viabilidad como gran franquicia cinematográfica ha quedado destruida, gracias a la terrible adaptación que hemos tenido la desgracia de ver, no solo los fans de Stephen King y la saga La Torre Oscura, también los espectadores de todo el mundo.

Cuando supe que Akiva Goldsman iba a encargarse del guion de la adaptación a la gran pantalla de la gran saga creada por Stephen King, me temí lo peor. Viendo su currículum en IMDb, entenderéis por qué. Y cuando el guion apareció comentado por Internet, mis temores se vieron confirmados. Pero tras mucho tiempo sin saberse nada, después de que Ron Howard se retirara como director, Nikolaj Arcel entró en escena y dijo que empezaban de cero con el guion y que la película sería como una secuela de los libros. Grandes noticias: la idea de la secuela me parecía una manera muy inteligente de poder meterse en los libros sin ser esclavo de ellos y poder llevarlos a la pantalla de forma más cinematográfica. Contratar a Idris Elba y Matthew McConaughey, como, respectivamente, Roland Deschain y el hombre de negro, parecía otra buena señal.

Pero las malas señales no tardaron en aparecer. Veo que la fecha de estreno se retrasa considerablemente: partes de la película no funcionan y se han de volver a rodar diversas secciones del film. Y el tráiler no llega hasta que queda muy poco para el estreno, sin crear interés en el gran público. Solo los fans de Stephen King nos fijamos en las distintas referencias que aparecen, pero parece obvio que han utilizado el guion de Akiva Goldsman, lo cual no es bueno en absoluto.

Y entonces se estrena y miro en IMDb que la película dura poco más de 90 minutos y que está calificada en Estados Unidos para mayores de 13 años. Fue entonces cuando supe que la película iba a ser horrible.

Sin embargo, soy una persona optimista por naturaleza, así que fui a verla con la mente abierta y esperando por lo menos disfrutar con una película entretenida. Pero lo que vi me rompió el corazón como fan de Stephen King y amante de La Torre Oscura (podéis comprobarlo leyendo este artículo que escribí sobre ella para Underbrain Mgz).

La película no solo traiciona la esencia de Roland como personaje (sin ninguna culpa por parte del actor que solo interpreta el guion), su decisión de utilizar diversos pedazos de las novelas garantiza que no se podrá hacer una adaptación de las novelas.

Para alguien que no haya leído los libros resultará difícil de entender (y tras ver la película no creo que tuviese muchas ganas de leerlos). Pero para mí, que los he leído más de una y dos veces, fue una experiencia terrible. Por supuesto, tendría que entrar en terreno spoiler para que quedara más claro, baste decir que la película mezcla sin ton ni son elementos del libro tercero, quinto, sexto y séptimo. Con la intención de usar segmentos del libro primero y cuarto en una serie de televisión.

El primer libro se inicia con una frase que hoy es mítica: El hombre de negro huía a través del desierto, y el pistolero iba en pos de él. Una frase que Stephen King insistió que tenía que aparecer en el film. Y aparece, la única concesión que le hicieron al maestro, pero fuera de contexto, sin que tenga ninguna fuerza ni sentido.

Roland está obsesionado con llegar a la Torre Oscura, es su misión en la vida. Todo lo que hace sirve a ese propósito. Sin embargo, en el film optan por recurrir al tópico "héroe reluctante" que está solo interesado en la venganza y no le interesa proteger la Torre Oscura. Cuando vi la escena en que Roland dice eso fue el momento en que dije: que se joda esta película. Bueno, no lo dije en voz alta, tuve la suficiente fuerza de voluntad para pensarlo solamente y no gritarlo a la pantalla como quería.

Gran parte de los conflictos en las novelas se originan en impedir que el hombre de negro posea toda una serie de bolas mágicas. En la película aparece con todas las bolas ya en su poder, incluso la bola negra. Por cierto, si ya salvan la Torre Oscura en esta película, ¿qué pensaban hacer en las siguientes entregas?

Los viajes en el tiempo forman parte de la saga y en el segundo libro se crea una paradoja temporal que impide que sucedan ciertos eventos del primer libro. Por eso es vital el viaje de Jake al Mundo Medio en el tercer libro. Obviamente, todo ello desaparece en la película, de modo que para explicar por qué Jake sabe de la existencia de Roland y la Torre Oscura se inventan que tiene el resplandor y le otorgan poderes telequinéticos. Por supuesto, el resto de aventureros que siguen a Roland están ausentes, así que el film nos muestra otra tópica relación de héroe gruñón que no quiere tener a su cargo a un niño, pero cuyo corazón se acaba ablandando. Una relación que ya es un rancio cliché y que no encontramos en las novelas. Que se joda esta película.

Creo que lo que más daño me hizo al ver esta pobre excusa de film, más que su falta de ambición o que parezca un piloto bastante malo de una serie algo cutre, es la colección de tópicos, clichés y cosas mil vistas que se amontonan por cortesía de Arcel y Goldsman.

Espero que la película sea un gran fracaso y que no se produzcan más entregas, porque no sé si podría soportarlo. Por supuesto, siempre pueden hacer un reboot e intentarlo de nuevo. Lo mejor de todo es que los libros siguen intactos y podréis disfrutarlos siempre que queráis. Es la mejor manera de viajar hacia la Torre Oscura.


17 ago. 2017

Esclavas en el espacio (Slave Girls from Beyond Infinity)


Ni el póster, ni el título, ni el tráiler (que podéis ver abajo) dan una idea de cómo es realmente esta película, su argumento o su estilo. Este film es el resultado de que algunos productores están convencidos de que en el espacio todo es mucho mejor. Así, mientras Roger Corman tuvo Los 7 magníficos del espacio (Battle Beyond the Stars, Jimmy T. Murakami, 1980), Charles Band tuvo Esclavas en el espacio (Slave Girls from Beyond Infinity, Ken Dixon, 1987), una versión espacial de El malvado Zaroff (The Most Dangerous Game, Irving Pichel, Ernest B. Schoedsack, 1932).

Daria (Elizabeth Kaitan, acreditada como Elizabeth Cayton) y Tisa (Cindy Beal), escapan de la  prisión espacial en la que están encerradas, logrando robar una nave en su huida. Al pasar cerca de un desconocido planeta, su nave empieza a fallar sin razón y se estrellan en este planeta. Allí se encuentran con otros náufragos y con Zed (Don Scribner), el amo del lugar. Zed, con la ayuda de sus robots, tiene un curioso pasatiempo: cazar humanos. Y ahora Daria y Tisa, junto al resto de náufragos (que incluye la estrella de la serie B y científica Brinke Stevens) son los próximos objetivos de Zed.

Filmada con un presupuesto mínimo, es obvio que la película esperaba atraer espectadores (principalmente masculinos) con la promesa de un montón de chicas en diversos grados de desnudez en una gratuita sexploitation espacial. Pero lo cierto es que la explotación femenina es bastante mínima, las tres protagonistas se pasan gran parte del metraje con una especie de bikini y solo hay una escena de sexo, no muy distinta a la que se puede encontrar en cualquier película de otros géneros, con tono cómico y sin que se vea nada explícito. Además, esto se ve compensado con el hecho de que los personajes femeninos son bastante fuertes, en particular el interpretado por Elizabeth Kaitan (que muchos recordaréis por sus apariciones en  Viernes 13 VII: Sangre nueva [Friday the 13th Part VII: The New Blood, John Carl Buechler, 1988] y Monstruos en la noche [Nightwish, Bruce R. Cook, 1989]), una intrépida e inteligente aventurera que pone contra las cuerdas al malvado Zed.

Es una lástima que esta táctica publicitaria es posible que alejara muchos espectadores y espectadoras de lo que en realidad es una entretenida cinta de aventuras cuya ambientación espacial permite añadir robots, mutantes y pistolas láser a la historia. O puede ser que simplemente tengo debilidad por estas historias de caza humana y supervivencia que perdono las obvias carencias del film. Tal vez es más esto último que cualquier otra cosa: es una cinta de serie B llena de momentos tontorrones, pero me mantuvo entretenido de principio a fin (apenas llega a los 80 minutos de duración, lo cual ayuda).

En definitiva, una película para los amantes de la serie B más ligera y divertida. Como decía al principio, el argumento y el estilo que presenta el tráiler no tiene nada que ver con cómo es la película en realidad, pero aquí lo tenéis de todas formas.


16 ago. 2017

Valerian y la ciudad de los mil planetas (Valerian and the City of a Thousand Planets)


Podéis saber hasta que punto fue una amarga decepción Valerian y la ciudad de los mil planetas (Valerian and the city of a Thousand Planets, Luc Besson, 2017) leyendo la crítica que he hecho para Underbrain Mgz, clicando aquí:


Es posible que no hubiese sido una decepción tan grande si no fuese fan de las aventuras de Valerian y Laureline y si Luc Besson no fuese el mismo director de Nikita, dura de matar (Nikita, 1990), El quinto elemento (Le cinquième élément, 1997) y El profesional (Léon) (Léon, 1994). A pesar de todo, como podéis intuir en el tráiler, Valerian es visualmente espectacular y no tiene sentido verla en otra parte que no sea en el cine.


14 ago. 2017

La seducción (The Beguiled)

 
Ya podéis leer mis impresiones sobre la nueva película de Sofia Coppola La seducción (The Beguiled, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:


Tal vez para mí fue una decepción al conocer la versión que hizo Don Siegel de la misma historia. Y tal vez aquellos que no hayan visto El seductor (The Beguiled, 1971) de Siegel disfruten más con esta película.

9 ago. 2017

Star Slammer aka Prison Ship


El especialista en cine barato y serie B Fred Olen Ray nos ofreció una divertidísima chorrada con Prison Ship aka Star Slammer (1986), una película que mezclaba space opera con el género WIP (mujeres en prisión, para aquellas personas sanas de buen gusto).

La protagonista de este despropósito es Taura (Sandy Brooke), que es hecha prisionera injustamente y enviada a una cárcel espacial para que se pudra. Además de pelearse con las otras prisioneras, Taura deberá sobrevivir dementes en busca de venganza, corrupción, batallas mortales con extrañas criaturas... Básicamente, los escenarios típicos de una WIP pero ambientada en el espacio. Todo ello contado con un tono humorístico que en ocasiones se acerca a la parodia y que hace que el nivel de entretenimiento y diversión del espectador se mantenga bastante alto. El humor también hace más fácil que el espectador ignore las limitaciones del presupuesto que hacen que esta cárcel espacial tenga a todas sus prisioneras en un pasillo con varias celdas.

Desde el primer momento, el film deja clara sus intenciones. Tras un prólogo en el que una prisionera es torturada por Exene (Marya Grant) y sus secuaces, arrancan los títulos de crédito con un plagio descarado del tema principal de En busca del arca perdida (Raiders of the Lost Ark, Steven Spielberg, 1981). Una elaborada animación nos informa de que vamos a ver The Adventures of Taura: Prison Ship, para luego ver sobreimpresionado en genéricas letras blancas Star Slammer, título con el que es más conocida y actualmente se encuentra editada en Blu-ray.

He mencionado el plagio a la música de John Williams, pero Star Slammer tiene otra cosa en común con las películas de Steven Spielberg y George Lucas: su inspiración en el pulp y los seriales. Se estructura en capítulos y su argumento inicial recuerda bastante al de este tipo de cine de aventuras, aunque con ambientación propia de la ciencia ficción. Luego pasa a convertirse en la mencionada WIP espacial, pero sin abandonar del todo el espíritu pulp. El film también guarda una importante conexión con el film de culto Criaturas asesinas (The Deadly Spawn, 1983), ya que John Dods trabajó en los efectos especiales de ambas, lo que explica que la criatura asesina de Criaturas asesinas haga una aparición especial en Star Slammer. También se reutilizó metraje de Estrella oscura (Dark Star, John Carpenter, 1974), Los 7 magníficos del espacio (Battle Beyond the Stars, Jimmy T. Murakami, 1980) y La galaxia del terror (Galaxy of Terror, Bruce D. Clark, 1981) para las escenas que transcurren en el espacio.

Desprejuiciada y despreocupada, esta película pretende poco más que hacer pasar un buen rato al espectador, cosa que consigue. El tono, las interpretaciones pasadas de rosca y el delirante guion garantizan que el aficionado a la serie B disfrutará con este título procedente de la era dorada de los videoclubs. Solo he encontrado el tráiler francés, pero os dará una idea de lo absurda que es.


8 ago. 2017

Rey Arturo: La leyenda de Excalibur (King Arthur: Legend of the Sword)

 
Más que una crítica, lo que he escrito sobre Rey Arturo: La leyenda de Excalibur (King Arthur: Legend of the Sword, Guy Ritchie, 2017) es una advertencia. Leed el artículo para saber más, clicando aquí:


Ya sé que muchos irán a verla simplemente por ser Guy Ritchie el director, pero ya advierto que es un señor bodrio.

1 ago. 2017

Transformers: El último caballero (Transformers: The Last Knight)

 
Ya podéis leer mi crítica de Transformers: El último caballero (Transformers: The Last Knight, Michael Bay, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:


Es Michael Bay. Es Transformers. Es basura.

31 jul. 2017

Atómica (Atomic Blonde)

 
Ya a vuestra disposición mi crítica de Atómica (Atomic Blonde, David Leitch, 2017), la nueva película de uno de los directores de John Wick (Otro día para matar) (John Wick, 2014), siendo el otro Chad Stahelski, clicando aquí:


Al igual que John Wick, esta es una impecable cinta de acción que gira en torno a un carismático protagonista, en este caso Charlize Theron. Muy recomendada.


25 jul. 2017

Spider-Man: Homecoming

 
Con gran alegría en el corazón os remito a la crítica que he escrito de Spider-Man: Homecoming (Jon Watts, 2017), para Underbrain Mgz:


Luciendo con orgullo mi camiseta Spiderman para ver de forma adecuada la película, pocas veces he estado esperando con tanta impaciencia el inicio de un pase de prensa. Como fan del trepamuros de toda la vida siempre entro a ver una película de Spiderman esperando que sea genial, por desgracia durante muchos años no ha sido así. Creo que por eso he disfrutado tanto con esta película.


21 jul. 2017

Dunkerque (Dunkirk)

 
Ya tenéis disponible mi crítica de la nueva película de Christopher Nolan Dunkerque (Dunkirk, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:

 
Nolan nos ofrece otra vez una película que se tiene que ver en el cine, para disfrutar a lo grande.


20 jul. 2017

Una noche fuera de control (Rough Night)

 
Leed con placer mi crítica de Una noche fuera de control (Rough Night, Lucia Aniello, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:


Es una película que me hizo reír mucho, aunque os advierto que gran parte de la gracia desaparece en con el doblaje, por ello recomiendo verla en versión original.


19 jul. 2017

Siete deseos (Wish Upon)

 
Ya disponible mi crítica de Siete deseos (Wish Upon, John R. Leonetti, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:


Es una película pensada para el público juvenil adolescente, así que aquellos que tengáis más de 15 (o hasta 13) años no encontraréis nada que os resulte nuevo o impactante.


17 jul. 2017

Adiós a George A. Romero

 
Para todo amante del cine de terror, la muerte de George A. Romero es una noticia terrible. El maestro estaba ultimando Road of the Dead, nueva entrega de la saga iniciada con El diario de los muertos (Diary of the Dead, 2007). Aunque en esta ocasión solo como productor y coguionista, imagino que debido a sus problemas de salud.

Pocos directores pueden presumir de haber creado un antes y un después con su trabajo. Romero lo hizo con La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, 1968). En este clásico, el director creó el zombi moderno, alejado de la tradición vudú que hasta entonces dominaba las películas con muertos vivientes. Sin embargo, aunque es indudable y obvia su influencia en el género, Romero es (porque lo sigue siendo) uno de mis directores favoritos por el humor negro y la inteligencia con que se acercaba al género, más allá de su contribución al cine de zombis (de las que El día de los muertos [Day of the Dead, 1985] es mi favorita). Para mí, sus películas más interesantes y logradas no están protagonizadas por muertos vivientes. Joyas como Martin (1978), editada en España con el horrible título El regreso de los vampiros vivientes, y Creepshow (1982) demuestran que Romero era un director cuyo talento y habilidad iba más allá de retratar el apocalipsis zombi.

En cierto modo, creo que su éxito con la saga "...de los muertos", en concreto la primera, fue una bendición pero también una maldición, ya que hizo muy complicado que otros proyectos suyos con otras temáticas vieran la luz. Por ello se vio obligado a trabajar con presupuestos muy bajos que muchas veces limitaban su ambiciosa visión. Solo tenéis que leer la serie de cómic El imperio de los muertos para ver de lo que era capaz Romero sin limitaciones presupuestarias.

Para mí su muerte ha sido todo un impacto. El mejor homenaje que se le puede hacer ahora es volver a ver y disfrutar con sus películas. En una entrevista incluida en la edición especial en Blu-ray que hizo Scream Factory de Atracción diabólica (Monkey Shines, 1988), Romero comenta su alegría por el hecho de que sus películas tengan vida a largo plazo, más allá de lo bien o mal que les vaya en el momento de estrenarse en cines. Y eso demuestra lo grande que fue Romero, a pesar de todo: sus películas estarán con nosotros siempre.

14 jul. 2017

La Liga de la Justicia Oscura (Justice League Dark)

 
El lado oscuro del Universo DC se reúne en La Liga de la Justicia Oscura (Justice League Dark, Jay Oliva, 2017), una cinta de animación que servirá para dar a conocer al gran público estos personajes ahora que se prepara también su salto a la gran pantalla.

Ciudadanos normales y corrientes se lanzan a cometer brutales actos de violencia, impulsados por visiones demoníacas. Cuando estos actos de locura se empiezan a extender por el mundo, la Liga de la Justicia entra en acción. Sin embargo, al no estar preparados para este tipo de sucesos sobrenaturales, Batman (Jason O'Mara) decide reunir un grupo de expertos que ayude a detener esta amenaza sobrenatural. Un grupo formado por John Constantine (Matt Ryan), Zatanna (Camilla Luddington), Deadman (Nicholas Turturro) y Jason Blood (Ray Chase) junto a su alter ego demoníaco Etrigan.

La principal razón que me impulsó hacia esta película es la presencia de John Constantine. Por primera vez, tengo la sensación de ver al personaje de los cómics en acción. Tras la desafortunada en audiencia serie de televisión, ahora sí que John Constantine tiene la oportunidad de brillar, interpretado por el mismo actor que lo encarnó en la serie. En particular la escena que comparten Constantine y la Cosa del Pantano (Roger Cross) me encantó, ya que pensaba que era algo que nunca vería fuera de los cómics.

Con el resto de los personajes también estoy bastante familiarizado, excepto tal vez Zatanna, pero la película utiliza a Batman como guía e introductor. De este modo, aunque nunca hayáis oído hablar de ellos o no hayáis leído ninguna historia protagonizada por ellos, Justice League Dark hace un buen trabajo en presentarnos a estos personajes y que sepamos quiénes son de forma rápida y eficiente.

Y ha de ser rápida, porque la película dura poco más de un hora y diez minutos. Pero a pesar de su brevedad, la historia está bien construida y cada personaje tiene su momento para brillar. Espero que Doug Liman, que lo último que supe es que estaba al frente del proyecto cinematográfico Justice League Dark, haya tomado notas sobre cómo contar una historia de forma eficiente con un buen equilibrio de elementos oscuros/terroríficos y escenas de acción. En Estados Unidos esta película ha sido calificada "R" por su violencia, un lujo que la versión cinematográfica seguramente no se podrá permitir. Sea lo que sea lo que nos depare el futuro, esta primera entrega de La Liga de la Justicia Oscura es entretenida y hace una gran adaptación de los personajes en que se basa.


13 jul. 2017

La saga Halloween

 
Ahora que una nueva entrega de Halloween con la participación de John Carpenter es una feliz realidad, parece el momento ideal para repasar la franquicia iniciada con la clásica La noche de Halloween (Halloween, John Carpenter, 1978). Y eso es lo que he hecho en un largo artículo para Underbrain Mgz, que espero leáis con placer clicando aquí:



10 jul. 2017

La guerra del planeta de los simios (War for the Planet of the Apes)

 
Podéis leer mi crítica de La guerra del planeta de los simios (War for the Planet of the Apes, Matt Reeves, 2017) en Underbrain Mgz:


Juzgando las dos anteriores no me esperaba nada y me sorprendió lo buena que es esta película. La recomiendo.


6 jul. 2017

Llega de noche (It Comes at Night)

 
Ya se ha publicado mi crítica de Llega de noche (It Comes at Night, Trey Edward Shults, 2017) en Underbrain Mgz. Leedla clicando aquí:

 
A pesar de todo el hype que la precedía y las buenas críticas, es un film que me ha dejado algo frío.


5 jul. 2017

Helldriver (Nihon bundan: Heru doraibâ)


Yoshihiro Nishimura es director, guionista, encargado de efectos especiales y mil cosas más de películas de bajo presupuesto, llenas de gore pasado de vueltas y escenas absurdas llenas de surrealismo como Tokyo Gore Police (Tôkyô zankoku keisatsu, 2008). Helldriver (Nihon bundan: Heru doraibâ, 2010) es una de sus películas más populares y, por ello, más fácil de encontrar en Occidente.

Antes que nada debería aclarar que esta crítica se basa en la versión japonesa, no la versión internacional más corta (y sin mucho del gore). La edición inglesa incluye ambas versiones, mientras que otras ediciones incluyen solo una, aunque normalmente es la japonesa. Por si tenéis dudas: la versión original japonesa dura 117 minutos y la internacional 106 minutos.

Helldriver cuenta la historia de Kika (Yumiko Hara), la cual está a punto de ser asesinada por su madre psicópata Rikka (Eihi Shiina), cuando ambas se ven impactadas por un meteorito. Una extraña ceniza surge a partir del impacto, provocando que millones de japoneses se conviertan en una especie de zombis con cuernos. Kika, cuando despierte de un coma, se convertirá en una dedicada exterminadora de zombis y se embarcará en una misión para acabar con su madre, reina de los zombis.

Nishimura toma prestados muchos, muchos elementos de otras película y videojuegos, así que muchos elementos de la historia, personajes y situaciones resultarán familiares para los aficionados al cine de terror, fantasía y ciencia ficción. Todos estos elementos se presentan envueltos en la locura de Nishimura, que llena cada momento del film de sangrientos gags y toques absurdos, como si fuera un episodio de Dr. Slump para adultos. Aunque para mí lo más extraño de toda la película es la decisión de meter la secuencia de títulos de crédito cuando ya han pasado unos 45 minutos de película.

A pesar de que su estética de video digital y sus cutres efectos CGI, Helldriver también resulta visualmente interesante, aunque sea por los excesos que cubren cada rincón de la pantalla.

Estos excesos, toques absurdos y gore pasado de vueltas hacen que puedas aceptar los plagios a otras películas, provocando muchas carcajadas en el proceso, pero la película se acaba haciendo demasiado larga. Así, cuando más cerca se está del final, más cansado está el espectador, hasta que llega un punto en que el mayor absurdo ya no provoca ningún efecto debido a la acumulación de absurdo que se produce durante el visionado. Esto no es una recomendación de la versión corta o internacional, porque en esa versión desaparece mucho del gore que hace entretenida la película en su mayor parte.

Por tanto, es una película que recomendaría para los que tengáis paladar para este tipo de entretenimiento, aunque con la advertencia de que se puede hacer aburrida cuando ya has visto cuarenta fuentes de sangre y mutilaciones delirantes.


4 jul. 2017

Baby Driver


Con gran placer os anuncio que ya podéis leer mi crítica de Baby Driver (Edgar Wright, 2017) en Underbrain Mgz, clicando aquí:


Película genial, id a verla al cine sin dudarlo.



Juegos de supervivencia (Tenement aka Game of Survival)

 
¿Dónde está Charles Bronson cuando se le necesita? Seguramente es lo que se preguntan los inquilinos de un edificio atacado por una banda de delincuentes. Pero estos inquilinos descubren que todos tenemos un Charles Bronson dentro y no tardan en reaccionar de forma brutal y violenta contra los delincuentes, para placer y disfrute del espectador de Juegos de supervivencia (Tenement aka Game of Survival aka Tenement: Game of Survival aka Slaughter in the South Bronx, Roberta Findlay, 1985).

El de Roberta Findlay es un nombre que resultará familiar a los aficionados a todo tipo de exploitation, ya que desde finales de los sesenta, muchas veces junto a su marido Michael, se dedicó a ofrecer película tras película de dudoso valor moral. Tras ver esta violenta cinta, no resulta extraño, por ejemplo, el papel de Roberta Findlay como pionera en el subgénero de las roughies. Con Tenement, Findley se acerca al subgénero de los justicieros urbanos y la violencia callejera desde una perspectiva interesante, creando un violento, sangriento, pasado de vueltas y ridículo film de asedio que hará las delicias del amante del cine de calidad alternativa.

Aquí no hay un pirado solitario que decide matar a todo quinqui con el que se cruce, sino que es el variopinto grupo de vecinos el que ha de actuar si quiere sobrevivir. No se desperdicia ni un minuto de metraje: el film empieza con el encargado del edificio, el señor Rojas (Larry Lara), que anuncia que ha llamado a la policía para que se lleve a la banda de delincuentes que ocupa el sótano del edificio. Cuando llega la policía, Chaco (Enrique Sandino) no parece muy contento, ya que se ha estropeado su rutina de matar ratas y drogarse. Mientras los vecinos celebran la desaparición de los criminales, la policía, por supuesto, libera la banda de Chaco, que regresa al edificio y lo declara de su propiedad. Así, van subiendo planta a planta, dedicándose  a matar y violar a los inquilinos con los que se encuentran. Sam (Joe Lynn) liderará a los vecinos en su contraataque, fortificándose y matando a los pandilleros que los amenazan. Esta batalla campal es la que ocupa la mayor parte del metraje, la excusa perfecta para llenar la pantalla de escenas violentas y bastante sangrientas, que le valieron la calificación X en Estados Unidos.

Ambientada en lo que entonces era una zona pobre y desolada de Nueva York, la película se filmó en la misma zona que retrata, lo que significó que el equipo de rodaje se vio obligado a sobornar a las diversas bandas para que les dejaran rodar. Finalmente, entre la protección policial, conseguida gracias a que la esposa del comisario de policía obtuvo un pequeño papel como una de las inquilinas, y contratar como actor a un pandillero, el rodaje se pudo finalizar. Además, el film emplea una mezcla de español e inglés (en la VO) que da a lugar a frases geniales, como mi diálogo favorito de Tenement: Easy, coño.

Eso sí, a pesar de su entorno realista, o más bien real, las interpretaciones exageradas y ridículas, como la de Dan Snow (un habitual de la Troma) y Enrique Sandino como Chaco, además de la nada sutil dirección de Findlay, hacen que sea imposible tomarse en serio esta película. Lo que hace que sea aún más entretenida y disfrutable, algo así como una versión más exagerada aún de El justiciero de la noche (Death Wish 3, Michael Winner, 1985).

En definitiva, si os va el cine ridículamente violento y trash, Juegos de supervivencia os hará disfrutar de principio a fin.


29 jun. 2017

XX

 
En los últimos años se ha producido un revival de las películas antológicas. Tradicionalmente consideradas veneno para la taquilla, un reciente número de películas de terror independientes han roto con este cliché gracias a la manera en que se han enfocado a los fans del género. XX (2017) es una de los ejemplos más recientes, una antología que busca reivindicar el papel de la mujer dentro del género y que ha sido dirigida por cuatro mujeres: Roxanne Benjamin, Karyn Kusama, Annie Clark (la cantante St. Vincent) y Jovanka Vuckovic. Que ser solo dirigida por mujeres fuera un hecho destacable demuestra hasta que punto son necesarias películas como esta. Pero, ¿vale la pena más allá de destacar por el género de sus directoras?

XX es igual que otras películas antológicas: tiene relatos potentes y otros más flojos. El film no tiene una historia que sirva de enlace entre los relatos, sino que entre cada uno hay un segmento de animación a cargo de Sofia Carrillo (que supongo puede ser interpretado como otro relato). Sí que hay algo que resulta un poco incómodo: cada relato esta precedido de su título y el crédito de la directora, pero el título vuelve a aparecer incluido dentro del segmento, una especie de doble presentación. Los relatos son estos:

The Box (dir. Jovanka Vuckovic): Adaptación de un cuento de Jack Ketchum, esta es una de las historias que más me gustó. Perturbadora e inquietante, explica cómo después de ver el contenido de una caja, el pequeño Danny (Peter DaCunha) decide dejar de comer para desesperación de sus padres, Robert (Jonathan Watton) y Susan (Natalie Brown). Creo que lo más me gustó es su extraño naturalismo.

The Birthday Cake (dir. Annie Clark): Este es el relato más flojo de la película. Quiere ser una comedia de humor negro en el que una madre preocupada, interpretada por Melanie Lynskey, intenta esconder el cadáver de su marido para no arruinar el cumpleaños de su hija, pero no acaba de funcionar. No me hizo reír, es una situación que ya he visto muchas veces, y tampoco es particularmente chocante.

Don't Fall (dir. Roxanne Benjamin): Tras la decepción de The Birthday Cake, con este segmento la película recupera el ritmo. Se trata de una historia que es, en parte, un homenaje al terror ochentero, con unos campistas cuyas vidas se ven amenazadas, no por un maníaco con machete, sino por fuerzas sobrenaturales. Bastante divertido y sangriento.

Her Only Living Son (dir. Karyn Kusama): Se cierra el film con un relato que trata un tema clásico aunque de forma novedosa. Sectas, conspiraciones, chavales psicópatas... Kusama incluye un poco de todo, en un relato que está bastante bien aunque el final es algo flojo.

En conjunto, el film resulta bastante entretenido a pesar del ocasional traspiés. Un buen ejemplo de su género, tal vez no tan impresionante como Soutbound (Roxanne Benjamin, David Bruckner, Patrick Horvath, Radio Silence, 2015), pero el resultado final es muy satisfactorio.


22 jun. 2017

Colossal

Este viernes se estrena en cines Colossal (2016) de Nacho Vigalondo y ya podéis leer mi crítica de este film en Underbrain Mgz, clicando aquí:


Hacía tiempo que no veía una película de Vigalondo que me gustase y por lo menos he podido decir algunas cosas buenas de esta.


20 jun. 2017

The Evil Within

 
Al principio, la única razón por la que me interesó The Evil Within (Andrew Getty, 2017) fue la bizarra manera en que fue creada. Tras haber visto la película, queda claro que solo hay una cosa más demencial que la forma en que fue hecha: el delirante resultado final.

Andrew Getty era el heredero de una poderosa familia del mundo del petróleo. Getty decidió invertir su fortuna personal en escribir, dirigir y producir una película de terror inspirado en las pesadillas que tenía a menudo, lo que eventualmente lo llevaría a la ruina. Sin ninguna experiencia ni preparación, en 2002 empezó a rodar. Luego el rodaje se detuvo. Y volvió a empezar. Y se detuvo. Y volvió a empezar. Y así, con conflictos continuos con reparto y equipo que significaron continuas sustituciones (del reparto, solo Frederick Koehler y Michael Berryman estuvieron en todos los distintos rodajes), el rodaje se alargó cinco años. Y entonces empezó la posproducción.

Getty estaba obsesionado con crear sus propios trucajes de cámara y efectos especiales en vivo, para ello convirtió su mansión en un estudio. Encerrado, se dedicó con enfermizo perfeccionismo a trabajar en su creación. Este obsesivo trabajo fue en paralelo con su adicción a la metaenfetamina, posiblemente inspiradora de muchas de las imágenes que aparecen en la película, lo que lo llevó a una muerte prematura en el 2015, cuando tenía 47 años. El productor Michael Luceri, decidió darle los pocos toques finales que le quedaban a la película para luego distribuirla en los diversos sistemas domésticos actuales. Así, el film finalmente vio la luz el 2017.

Tras 15 años de producción, ¿cuál es el resultado final? Un film extraño y único, producto de las manías y obsesiones de una persona, sin que ningún estudio interviniera para darle sentido a la locura. En pocas palabras, The Evil Within es el Glen or Glenda del siglo XXI.

El argumento es bastante típico: Dennis (Frederick Koehler) es un hombre con discapacidad mental que se convierte en un asesino en serio azuzado por un demonio (Michael Berryman) que le acosa en las pesadillas que tiene a menudo. Y el desarrollo de este argumento es el que te esperarías de alguien amateur sin ningún tipo de experiencia: personajes van y vienen sin motivo, malos diálogos, desarrollo torpe...

Pero, al mismo tiempo, es este desarrollo amateur, no olvidemos: de alguien aficionado a las sustancias ilegales, lo que hace de este un film inolvidable por su metraje lleno de escenas oníricas y surrealistas que se te quedan grabadas en la memoria. En especial por la dedicación de Getty en desarrollar sus propios efectos y trucajes de cámara. Las escenas banales son un respiro, después de experimentar las pesadillas que el film lanza al espectador. La secuencia inicial solo la podría haber firmado David Lynch.

Así, The Evil Within es un film fascinante no por su calidad objetiva cinematográfica, sino por la ventana que nos ofrece a la locura y las obsesiones de su autor. Como el mencionado clásico de Ed Wood, este es un film que está más allá de la simple calificación bueno/mediocre/malo, ya que parece realizado en otro planeta. Toda una experiencia.


15 jun. 2017

Pulse (Kairo) (Kairo)

 
Es posible que los lectores más jóvenes desconozcan el gran impacto que supuso el estreno de The Ring (El círculo) (Ringu, Hideo Nakata, 1998) en las salas de cine. Esta perturbadora e inquietante película fue la precursora de una oleada de películas de terror japonesas, género conocido también como J-Horror, tras años de inexistente distribución de cine de género japonés. Y me refiero distribución a nivel mayoritario: claro que en festivales se veía cine japonés y que los aficionados podían encontrar de vez en cuando alguna película de terror japonesa editada en vídeo, pero tras el estreno y éxito de The Ring, las películas de terror japonesas llenaron las salas de cine, muchas veces acompañadas de los inevitables remakes americanos que nunca alcanzaban el nivel de inquietud y miedo de los originales. De esta oleada de películas de terror japonesas, una de las que mejor se ha conservado y sigue siendo interesante es Pulse (Kairo) (Kairo, Kiyoshi Kurosawa, 2001).

Escrita también por Kiyoshi Kurosawa, Kairo nos cuenta una historia de terror que, en cierto modo, se adelantó en el tiempo en el efecto que tendría internet en la sociedad. El argumento gira en torno a un grupo de personas que descubre una extraña página web que les pregunta si quieren conocer a un fantasma. Extrañas presencias y sucesos empiezan a tener lugar al mismo tiempo que empieza a haber un gran número de desapariciones.

Kurosawa, director también de Cure (1997), utiliza los fantasmas tanto de forma literal como alegórica. El film habla sobre la soledad y el aislamiento, cosas que se verán magnificadas con la llegada de internet y, sobretodo, las redes sociales. Por ello, algunos de sus fantasmas no son gente llegada del más allá, sino personas que se han caído por las grietas sociales, olvidadas por el mundo. Pero esto es un film de terror, así que también hay presencias sobrenaturales acechando a los protagonistas.

Como es la norma en este tipo de películas, la atmósfera que crea de miedo e inquietud es realmente fantástica, lograda no solo por los encuadres y la fotografía, también con la banda sonora y el diseño de sonido (que prácticamente desaparece en la pobre versión doblada). Este estilo de terror japonés, en contraste con el más brutal y sangriento que hasta entonces era más conocido, logra crear inquietud con los recursos más sencillos y simples. Al menos en apariencia, ya que aunque parece bastante simple, es obvio que solo los japoneses saben crear este tipo de inquietud minimalista si tenemos en cuenta las fotocopias americanas.

Kairo vista hoy día sigue siendo perturbadora y capaz de dar miedo. Por ello, la mejor y peor manera de verla es solo en una casa vacía en mitad de la noche. Si os atrevéis, claro.


12 jun. 2017

Batman: El regreso de los cruzados enmascarados (Batman: Return of the Caped Crusaders)


Mientras preparaba este artículo me enteré de la muerte de Adam West, poco después de haber visto su penúltima interpretación dando voz a Batman, retomando el personaje que hiciera popular en la inolvidable serie de los 60, en la cinta de animación Batman: El regreso de los cruzados enmascarados (Batman: Return of the Caped Crusaders, Rick Morales, 2016).

Bruce Wayne (voz de Adam West) y su pupilo Dick Grayson (voz de Burt Ward) están disfrutando de una rara ocasión para relajarse viendo la televisión cuando descubren que sus peores enemigos se han aliado: Joker (voz de Jeff Bergman), el Pingüino (voz de William Salyers), Enigma (voz de Wally Wingert) y Catwoman (Julie Newmar) irrumpen en un programa de televisión dispuestos a hacerse con la ciudad. Por supuesto, Bruce y Dick adoptan sus identidades como Batman y Robin y se lo impiden pero no antes de que Batman se vea afectado por una extraña poción. Ahora, Batman se ha convertido en el mayor villano de la historia de Gotham. Pero, si Batman se ha vuelto malvado, ¿podrá Robin salvar la ciudad?

Esta película recupera el estilo absurdo y paródico de la serie de los 60, sin olvidar las aliteraciones en los diálogos, recreándolo a la perfección. Al tratarse de una cinta de animación de corta duración (78 minutos), no sufre los problemas de ritmo que tenía en algunos momentos Batman: La película (Batman, Leslie H. Martinson, 1966) y mantiene el ritmo frenético de la serie. Otra ventaja de ser una cinta animada es que puede llevar su absurdo mucho más lejos de lo que jamás pudieron en los 60.

Durante los 80 y parte de los 90, donde se reivindicaba lo serio y oscuro, la serie sufrió de cierto esnobismo por parte de aficionados horrorizados por esta serie que convertía a Batman en un divertido delirio camp. Por suerte, esta fase forma parte del pasado y la serie es hoy admirada y convertida en objeto de culto. Después de ser recuperada en una colección de cómics, se decidió producir una película animada que iba a ser la primera de varias entregas. West murió habiendo grabado la voz de la siguiente, Batman vs. Two-Face (Rick Morales, 2017), pero qué sucederá a partir de ahora es un misterio, aunque es posible que simplemente busquen un buen imitador.

Batman: El regreso de los cruzados enmascarados es casi obligada para los fans de la serie de los 60. Es muy divertida y capta a la perfección el gran teatro del absurdo que era la serie original. Resulta casi un alivio poder disfrutar sin prejuicios de este absurdo Batman después de tantas películas en las que se esforzaban en ofrecer algo muy, muy oscuro y realista.