Mapa de Maps to the Stars

Este artículo tiene como objetivo mostrar cuáles son los principales elementos que hacen de Maps to the Stars (2014) una auténtica película de David Cronenberg para que os sirva de guía cuando la veáis. Si queréis leer una crítica sobre la película, donde se trate solamente su valor cinematográfico, podéis leer la crítica que he escrito para Underbrain Mgz clicando aquí:

http://underbrain.com/cine/maps-to-the-stars/

Cronenberg tiene la virtud de que incluso cuando rueda proyectos basados en novelas, obras de teatro o filma guiones ajenos, estos encajan siempre a la perfección con sus propios intereses. De modo que todo su corpus cinematográfico es muy sólido aunque no siempre partiera de él la génesis del proyecto. Hay dos temas clave en su obra que nos encontramos repetidos constantemente, aunque de diferente forma, y que nos encontramos también en Maps to the Stars. Uno es la fascinación del director por las subculturas y los grupos sociales con sus propias normas; el otro, más importante, es la noción que dentro de nosotros (de nuestro cuerpo) albergamos "las semillas de nuestra propia destrucción y en cualquier momento pueden germinar". Algo que, según el director, da miedo porque "no hay defensa contra ello, ni escapatoria" (según conta en una entrevista durante la promoción de La mosca [The Fly, 1986]).

Esta fascinación sobre como el cuerpo puede provocar nuestra propia destrucción fue evolucionando en la obra de Cronenberg, yendo, en cierto modo, de fuera a dentro. Es decir, en un principio esta noción se presentaba como una revolución del cuerpo que se manifiesta de forma destructiva. Es la parte de su obra que se centra más en el body horror, las películas con las que empezó a tener notoriedad. Pero a partir de Inseparables (Dead Ringers, 1988), se empieza a mostrar esta noción de forma más psicológica, como en la reciente Cosmopolis (2012).

En el caso de Maps to the Stars, la mayoria de los personajes llevan consigo las semillas de su propia destrucción. Es el caso de la joven Agatha, a la que da vida Mia Wasikowska, que al principio de la película aparece ocultando las cicatrices de su primer brote autodestructivo y cuyo viaje a Hollywood servirá como catalizador para la destrucción del resto de personajes. Es también el caso de la egoísta, tiránica y retorcida Havana Segrand, una fantástica Julianne Moore, cuya obsesión con su madre hará que se vea acosada de forma explícita por los fantasmas de su pasado. Y es el caso de la familia Weiss, cuya manera de tapar y reprimir el pasado será la clave de su destrucción.

Dentro de la familia Weiss, resulta interesante destacar el cabeza de familia, el doctor Stafford Weiss, interpretado por John Cusack. El doctor Weiss es una especia de gurú que se dedica a escribir libros de autoayuda y ejerce una curiosa terapia física con sus pacientes. Salvando las distancias entre ambos filmes, lo cierto es que recuerda bastante a personajes cronenbergianos como el doctor Raglan (Oliver Reed) que aparecía en Cromosoma 3 (The Brood, 1979).

El tono de Maps to the Stars es bastante parecido al de Cosmopolis, en ambas películas se utiliza el humor negro y la sátira para reflejar un grupo social cerrado que actúa según sus propias reglas. Como ya he indicado, este tipo de observación es típica de Cronenberg, que ya mostraba su fascinación por las subculturas en Fast Company (1979), y en el caso de Maps to the Stars esta mirada se dirige a la selva hollywoodiense. Por supuesto, esta observación se hace a través de personajes profundamente disfuncionales, de modo que se hace un retrato que no está muy alejado del Bret Easton Ellis de sus buenos tiempos.

Espero que este artículo os haya ayudado a entender un poco mejor Maps to the Stars y os haya aclarado que es lo que hace de ella una película puramente cronenbergiana.

El nido de David Cronenberg

Os dejo para vuestro placer/tormento un cortometraje realizado por el maestro David Cronenberg con el cual regresa de nuevo al body horror. Trata sobre una mujer (Evelyne Brochu) que quiere operarse porque está convencida de que en su pecho tiene un nido de insectos y Cronenberg es el cirujano dispuesto a explorar esta locura.

Especial Nº 1000: Mis películas favoritas

Parece que era ayer cuando escribía mi post nº 999 y hoy ya estoy escribiendo mi post nº 1000. Para celebrar esta ocasión especial (aunque no sé si celebrar que he torturado mi cerebro con grandes cantidades de absurda psicotronía para hacer este blog) he decidido satisfacer una demanda que me habían hecho varias veces: hacer una lista con mis películas favoritas (cuando ya has comentado una película con pelucas parlantes y otra sobre una cama asesina es difícil encontrar algo original). No es una lista grabada en piedra, a medida que vaya descubriendo nuevos títulos y vaya evolucionando supongo que se incorporarán otras más. De momento, estas son las que hay. Me ha sorprendido que no hay ninguna de directores que me apasionan como Stanley Kubrick y Frank Henenlotter, lo cual significa que estas películas tienen algo especial que el resto de filmes que me fascinan o me encantan o me apasionan no tiene. Aquí están, en estricto orden cronológico.

Taxi Driver (Martin Scorsese, 1976). Artículos sobre la película: 1-2-3

-¿Por qué quieres ser un taxista, Bickle?

-No puedo dormir por las noches

-Hay cines porno para eso.

-Lo sé. Lo he probado.

Todos los animales salen de noche.

Ella está sola. Nadie se le puede acercar.

-¿Este es el único tipo de película que ves?

-Sí. Vengo... No está tan mal. No sé...

-Traerme aquí es tan excitante para mí como decirme: Vamos a follar.

-Hay otros sitios a los que puedo llevarte. No sé mucho sobre ellos, pero puedo llevarte a otros sitios.

-¿Ve a la mujer de la ventana?

-Sí.

-¿La ve? Bien. Quiero que se la mire porque esa es mi mujer. Pero ese no es mi apartamento. No es mi apartamento. ¿Sabe quién vive ahí? Claro, no lo sabe, pero ¿sabe quién vive ahí? Allí vive un negro. ¿Qué le parece? Y voy a matarla, solo eso. Simplemente, voy a matarla. ¿Qué le parece? He dicho: ¿qué le parece ? No conteste, no tiene que responder a todo. Voy a matarla con un revólver Magnum del 44. Tengo un Magnum del 44. La voy a matar con ese revólver. ¿Ha visto lo que le hace un Magnum 44 a la cara de una mujer? La destruirá, joder. La reventará. Eso es lo que le hace a una cara. Ahora, ¿ha visto lo que le puede hacer al coño de una mujer? Eso deberías verlo. Deberías ver lo que un Magnum del 44 le haría al coño de una mujer. Deberías verlo.

¿Crees que soy un enfermo?

Tengo unas cuántas malas ideas en mi cabeza.

La soledad me ha seguido toda la vida, a todas partes. En los bares, en las calles, en las aceras, las tiendas, por todas partes. No hay escapatoria. Soy el hombre solitario de Dios.

Dios, no sé quién es más raro: tú o yo.

Ahora lo veo con claridad. Mi vida entera encauzada en una dirección. Ahora lo veo. No he tenido elección.

Bang. Bang. Bang.

Suspiria (Dario Argento, 1977). Artículos sobre la película: 1-2

Suzy Bannion decidió perfeccionar sus estudios de ballet en la academia más famosa de Europa. Escogió una prestigiosa academia de Friburgo. Un día, a las 9 de la mañana, salió del aeropuerto Kennedy en Nueva York y llegó a Alemania a las 10:40 de la tarde, hora local.

Debes saber... secreto... lirio...

Sssuzy, Sssara... Una vez leí que los nombres que empiezan con la letra "s" son nombres de... ¡serpientes!

Sé que esa es la directora. Ella está aquí, justo detrás de esa sábana.

Yo soy ciego, pero no sordo, ¿lo entienden? No soy sordo... ¿Lo entienden?

Escucha, se van justo a la hora. Los profesores, ¿recuerdas? ¿Puedes oírlos? Se marchan.

Muchas cosas extrañas, increíbles, absurdas... Pat tomó notas sobre esas cosas durante meses. Antes de irse me dio sus notas.

Suzy, ¿sabes algo sobre brujas?

La mala suerte no la provocan espejos rotos, sino mentes rotas.

¿Has oído hablar de Helena Marcos?

Apocalypse Now/Apocalypse Now Redux (Francis Ford Coppola, 1979). Artículo sobre la película: 1

Saigón. Mierda, solo sigo en Saigón.

Cada vez que miro alrededor, las paredes se juntan un poco más.

Yo quería una misión y, por mis pecados, me la dieron.

No hay manera de contar su historia sin contar la mía. Y si su historia es una confesión, también lo es la mía.

Charlie no surfea.

¡Un tigre, tío! ¡Un tigre!

No salir nunca del barco. Totalmente cierto, a no ser que vayas hasta el final. Kurtz se bajó del barco.

Ser Playmate del Año es la experiencia más solitaria que podía imaginar.

-¿Quién es el oficial al mando aquí?

-¿No es usted?

Soy americano. Civil americano. Hola.

Aquí terminaba el río, sin duda.

¿Por qué un buen tío como tú quiere matar a un genio?

Todos querían que lo hiciera. Él más que nadie.

El horror... El horror...

La posesión (Possession, Andrej Zulawski, 1981). Artículo sobre la película: 1

-¿Qué sientes ahora?

-¿Realmente lo quieres saber?

-No.

¿Nuestro sujeto sigue llevando calcetines rosas?

Nadie es bueno o malo, pero si quieres yo seré la mala.

Es difícil. Yo no quería que pasara, pero pasó y ahora...

Te desprecio, Marge.

-Esto es asqueroso.

-Sí.

-No duele.

-No.

-No hay que tenerle miedo a nada, excepto a Dios. Sea lo que sea para ti.

-Para mí, Dios es una enfermedad.

-Por eso, a través de la enfermedad podemos alcanzar a Dios.

Las mujeres no tienen nada en común, excepto la menstruación.

Aún no ha terminado, ¿sabes?

-¿Qué es esto?

-Mi nombre.

No eres diferente de los demás. Todos somos lo mismo pero en distintas palabras, con cuerpos distintos, distintas versiones. Como insectos. ¡Carne!

-No es normal, ni siquiera era humano. Era...

-¿Divino? Tal vez hace un momento conociste a Dios y ni siquiera te diste cuenta.

No abras. No abras. Por favor, no abras. No abras. No abras. No abras.

La cosa (The Thing, John Carpenter, 1982). Artículos sobre la película: 1-2

Arpía tramposa.

Primera maldita semana de invierno.

No sé que hay ahí dentro, pero es raro y está cabreado sea lo que sea.

Childs, carros de los dioses, tío. Prácticamente son dueños de Sudamérica. Les enseñaron a los incas todo lo que sabían.

Probabilidad de que uno o más miembros del equipo estén infectados por el organismo instruso: 75%

Sé que soy humano. Si todos fuerais una de estas cosas me atacaríais ahora mismo. Así que algunos aún sois humanos. Esta cosa no quiere mostrarse. Se quiere esconder dentro de una imitación. Peleará si tiene que hacerlo pero es vulnerable al descubierto. Si se apodera de todos, ya no tendrá más enemigos. No quedará nadie para matarla. Y habrá ganado. Una tormenta nos golpeará en seis horas. Vamos a averiguar quién es quién.

Nadie se fía de nadie. Todos estamos muy cansados. No puedo hacer nada más, solo esperar.

Debe de ser una jodida broma.

-Esto es una estupidez. No prueba nada.

-Me imaginé que dirías eso, Garry. Eras el único con acceso a esa sangre. Serás el último.

-Bueno, ¿qué vamos a hacer?

-¿Por qué no simplemente esperamos un rato a ver qué pasa?

Videodrome (David Cronenberg, 1983). Artículos sobre la película: 1-2

Televisión Civic: La televisión que te llevas a la cama contigo.

Busco algo innovador. Algo duro.

La pantalla de televisión se ha convertido en la retina del ojo de la mente. Por eso me niego a aparecer en televisión, salvo en una televisión. Por supuesto, O'Blivion no es el nombre que me dieron al nacer: es mi nombre televisivo. Pronto, todos tendremos nombres especiales, nombres diseñados para hacer resonar el tubo de rayos catódicos.

-Videodrome... ¿Qué es esto?

-Tortura, asesinato...

-Suena genial.

-No es exactamente sexo.

-¿Quién lo dice?

-Creo que es peligroso, Max. Videodrome.

-¿Por qué? ¿Es la mafia? Podemos hacer negocios.

-No, no, no. Es más... ¿Cómo te lo diría? Es más político que eso.

Tiene algo que tú no tienes. Tiene una filosofía y eso es lo que lo hace peligroso.

La televisión es la realidad y la realidad es menos que la televisión.

Tuve un tumor cerebral y tuve visiones. Creo que las visiones causaron el tumor cerebral y no al contrario.

Excitante. Muy vívida. Ten cuidado: muerde.

Perdona que no me quede a mirar. Es que no aguanto lo raro.

Tengo una cinta que quiero ponerte.

Muerte a Videodrome. ¡Larga vida a la Nueva Carne!

Cosmopolis

David Cronenberg nos ofrece una nueva maravilla con Cosmopolis (2012), adaptación de una novela de Don DeLillo que nos muestra lo que le sucede a un típico ejecutivo agresivo, Eric Packer (Robert Pattison), el día que decide hacerse un corte de pelo en la misma peluquería a la que va desde que era niño e inicia un viaje en limusina que se convertirá en una odisea.

Mucho se ha comentado sobre los aspectos de la actualidad que refleja el film, las protestas y los movimientos como Ocupa Wall Street, cuyo mérito Cronenberg traslada a DeLillo, el cual escribió la novela hacia el 2003, lo que le da un carácter profético. Por tanto, como ya se ha comentado de forma extensa, me voy a centrar en este comentario en los aspectos más cronenberguianos y aquello que yo he encontrado más interesante del film.

Cronenberg ha dicho en diversas entrevistas que el proceso que siguió para convertir el libro en película fue copiar todos los diálogos de la novela y luego escribir el guion siguiéndolos, de ahí que en el film se conserva el estilo de DeLillo. A pesar de ello, el director canadiense se hace con el texto de forma que aunque se trata de una adaptación lo que vemos es puro Cronenberg.

Un elemento puramente cronenberguiano es la manera en la que actúan los personajes. Exteriormente parecen fríos y distantes pero se nota que la psicosis y la locura están a punto de asomar en la superficie, al estilo de los personajes de Crash (1996). Con este título tiene otro punto en común Cosmopolis: la importancia del vehículo. Aunque mientras que en Crash el coche se transforma en una extensión del cuerpo de los personajes, creando violentas cópulas de acero y sangre, en Cosmopolis la limusina en la cual viaja Packer a través de la ciudad se convierte en su universo, un refugio uterino aislado del exterior. La posterior desfiguración de la limusina será una pieza más en la construcción de la (auto)destrucción de Packer.

Otro elemento habitual en el cine de Croneneberg es la representación de una sociedad que vive a veces escondida, a veces de forma paralela a la sociedad en la que vivimos la mayoría. En el caso de Cosmopolis la que forman los ejecutivos y el mundo de las altas finanzas. Éstos comentan los sucesos en el mundo como si no fuera con ellos, únicamente les importa el posible efecto económico que pueda tener. Tienen su propio lenguaje y sus propios códigos, están obsesionados con la juventud, con no envejecer y morir, para ellos no existe la semana que viene, solo la siguiente hora. En ocasiones incluso actúan como extraterrestres, o mejor dicho no-humanos, ya que hablan de ir a cenar o de cualquier cosa como "¿no es esto lo que la gente hace?", como si ellos mismos no fueran "gente". Parece que les cuesta un esfuerzo actuar como seres humanos.

Pero el elemento que hace avanzar el film y está perfectamente resuelto es la progresiva autodestrucción del protagonista. Vemos a Eric Packer al principio del film vestido con un traje impecable, armado con unas gafas de sol, y poco a poco va perdiendo elementos de su "armadura" a medida que avanza en su viaje a través de la ciudad: primero las gafas de sol, luego la corbata, la chaqueta... Otras señales de su decadencia e inestabilidad mental no las puedo discutir sin arruinaros la película, pero otro ejemplo sería como, después de que le tiren un pastel, no se quita los restos de pastel del pelo en lo que queda de película. La relativa inexpresividad de Pattison en este caso casa bastante bien con las intenciones de Cronenberg y la caracterización del personaje. Y, además, la locura de Packer no desentona con la locura del resto de personajes.

Se puede interpretar la autodestrucción del protagonista como una alegoría de la autodestrucción del capitalismo y la sociedad de consumo. A lo largo del film hay una continua sensación de que la sociedad está a un paso de la autodestrucción. Pero no sé si eso sería ir demasiado lejos en la lectura del film, es algo abierto a discusión. Sea como sea, Cosmopolis es un film fantástico, el primero que disecciona el nuevo milenio, como dicen en el tráiler. Un film altamente recomendable.

Un método peligroso (A Dangerous Method)

Muchos críticos y comentaristas se llenan la boca hablando de las diferentes etapas de David Cronenberg como cineasta. Como las últimas películas que ha estrenado no tienen nada que ver con las primeras que hizo.

Chorradas.

Si hay algo que caracteriza a Cronenberg es la constancia. A lo largo de todas sus películas ha ido tratando los mismos temas una y otra vez desde diferentes perspectivas (cosa que podéis comprobar en este blog, ya que he comentado todas sus películas -menos los mediometrajes Stereo y Crimes of the Future pero si me lo pedís también las comentaré- sólo tenéis que clicar "david cronenberg" en la columna Etiquetas). Un método peligroso (A Dangerous Method, 2011) no es una excepción, y en esta película podemos encontrar ecos de Crash (1996), Inseparables (Dead Ringers, 1988) e incluso de Vinieron de dentro de... (Shivers, 1975). Así como también en esta película encontramos muestras del seco y en ocasiones irónico sentido del humor que Cronenberg introduce en todos sus filmes.

La película parte originalmente de la obra de teatro de Christopher Hampton The Talking Cure. Cronenberg vio la obra e inmediatamente inició el proceso para convertirla en película. Hampton usa en el guion además de su propia obra, el libro de John Kerr La historia secreta del psicoanálisis (A Most Dangerous Method) y la investigación llevada a cabo por Cronenberg y Hampton. Hampton llegó incluso a viajar a Zúrich y visitar el hospital Burghölzli donde leyó el expediente como paciente de Sabina Speilrein mientras escribía el primer guion a mediados de los 80, el cual luego convirtió en la obra de teatro. Además, en la película se citan las cartas reales que intercambiaron Sigmund Freud, Carl Jung y Speilrein. Pero no hay que olvidar que esto es una película no un documental y hay obviamente elementos que pertenecen exclusivamente al campo de la ficción, así que evitad citar el film como si fuera todo real. Es algo que encuentro casi tan irritante como la gente que hace comentarios graciosos o irónicos en voz alta en el cine, estos directamente merecen ser torturados. Lentamente.

Una muestra de lo brillante que es la película es que a pesar de partir de diversos materiales, el guion es tremendamente sólido y absorbente. Destaca la caracterización de Freud (Viggo Mortensen) y Jung (Michael Fassbender), los psicoanalistas que reaccionan de manera fría y clínica incluso ante sus propias emociones, hablando de ellas como si estuviesen hablando de un jarrón particularmente interesante. Jung intenta a toda costa mantener las apariencias y en ocasiones actúa como si lo que le pasa le sucediera a otra persona, lo que acabará provocando su progresivo derrumbe emocional. Por contraste, los abiertamente neuróticos Speilrein (Keira Knightley, muy sexy con acento ruso) y el doctor Otto Gross (Vincent Cassel) parecen mucho más humanos y normales a pesar de su neurosis ya que muestran sus emociones de forma más abierta. Excesivamente abierta algunas veces, eso sí.

Una de las razones por las que Cronenberg es uno de mis directores favoritos, aparte de por lo interesante de las temáticas que trata, es su estilo a la hora de filmar una película. Mientras que la inmensa mayoría de directores hacen gala de sus influencias y abiertamente toman "préstamos" de otros filmes y autores (directores tan diferentes como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, John Carpenter o Sam Raimi lo hacen), con Cronenberg uno parece que sólo puede referirse al propio Cronenberg. Esto es así ya que tiene un estilo aparentemente sencillo, pero muy meditado, en el cual se busca la mejor manera de transmitir la historia. Por ejemplo, en Un método peligroso podemos ver como elimina el segundo plano. Es decir, utiliza una lente partida para que cuando hay un personaje en primer plano y otro en segundo, ambos estén enfocados. De este modo, en las escenas de psicoanálisis uno puede observar las reacciones tanto del doctor como del paciente, de manera que, a nuestros ojos, el doctor se encuentra bajo escrutinio igual que el paciente.

Un método peligroso es un film fascinante. No sólo por como muestra la evolución de una de las disciplinas más revolucionarias de la historia de la psicología, también por como nos descubre a Sabina Speilrein, la cual empezó como paciente y más tarde se convirtió ella misma en psicoanalista y una de las piezas clave en el desarrollo del psicoanálisis. Pero, especialmente, por el retrato que hace de unos personajes atrapados por sus propias pasiones y deseos. Es la complicada y neurótica relación entre Spielrein y Jung la que, para mi gusto, hace que esta sea una película interesante, dejando de lado que sean personajes históricos y la historia del psicoanálisis. Cronenberg muestra a sus personajes cometiendo estupideces y locuras no muy diferentes a las que nosotros mismos podríamos cometer llevados por la locura emocional. En el fondo, todos somos bastante neuróticos y, en ocasiones, estúpidos. No hace mucho, dos amigas (a las que llamaré Epa y Blasa) me hablaron entusiasmadas de la serie The Big Bang Theory, ya que Sheldon les recordaba a mí y me dijeron que tenía que verla, que era muy buena y muy divertida. Yo les había dicho que no la había visto, pero sólo para ahorrarme una discusión ya que de hecho sí que la había visto cuando se emitió la primera temporada, ya que otra amiga (a la que llamaré Gustava) me había dicho que era muy divertida; pero cuando la vi no me gustó y no me pareció particularmente divertida. Pero ya les había dicho a Epa y Blasa que no la había visto y ahora me preguntan "¿ya la has visto?" "¿ya la has visto?". Y yo digo que no, porque si ahora les digo la verdad, tal vez no me crean o crean que no me gustó por lo que dijeron de Sheldon, que en realidad me da bastante igual y simplemente no me gustó porque no me hizo gracia. ¿Veis? Un lío completamente estúpido y totalmente evitable que me podría haber ahorrado pero el neurótico que vive en mi cabeza me lo impidió.

En fin, la versión corta: Un método peligroso es una gran película, interesante, absorbente, sólido guion, magníficas interpretaciones por parte de todos los interpretes. Id a verla o no, como queráis, pero a mí me encantó.

Promesas del este (Eastern Promises)

Segunda colaboración entre Viggo Mortensen y David Cronenberg tras el éxito de Una historia de violencia (A History of Violence, 2005); penúltimo largometraje de David Cronenberg y fin de nuestro recorrido por todos sus largometrajes hasta que se estrene A Dangerous Method, su última película hasta ahora, actualmente en posproducción.

Como suele pasar cuando trabaja con un guión que no ha escrito él, el guión de Promesas del este (Eastern Promises, 2007) es de Steven Knight, Cronenberg se las arregla para llevarlo a su terreno. En este caso, una historia de thriller en el que una joven comadrona, encarnada por la siempre estupenda Naomi Watts, investiga la procedencia de un bebé tras la muerte de su madre en el hospital donde trabaja que la llevará a liarse con la mafia rusa, casi nada, y donde establece una ambigua relación con el mobster ruso Nikolai (Viggo Mortensen). Cronenberg usa esta trama para desarrollar un tema que le es muy propio como es el estudio de los subgrupos sociales que se crean aparte de la sociedad que compartimos la mayoría como ya mencionamos en el lejano post de Fast Company.

Cronenberg se centra en el estudio de los rituales y comportamientos de la mafia rusa, que llevan asociados consigo cierta transformación corporal. Es interesante también la relación casi shakespiriana entre Nikolai, el hijo del jefe mafioso Kirill (Vincent Cassel) y el jefe mafioso Semyon (Armin Mueller-Stahl), donde vemos como se favorece a Nikolai por encima del hijo y los conflictos que esto conlleva; esto añade un elemento dramático a un thriller que poco a poco se encamina hacia terrenos más propios del cine criminal y mafioso.

De esta manera consigue Cronenberg rodar una película que no parte de un guión original suyo como si lo fuera, manteniendo intacto su estilo a la hora de narrar la historia. También destacar la interpretación de Mortensen, nada que ver con el personaje que encarnaba en Una historia de violencia. Será interesante ver como se desarrolla la tercera colaboración entre ambos que será A Dangerous Method, en la que Mortensen encarna a Sigmund Freud.

Una historia de violencia (A History of Violence)

En el 2005 David Cronenberg volvió a experimentar un éxito de taquilla y no sólo crítico con Una historia de violencia (A History of Violence), adaptación del cómic original escrito por John Wagner y dibujado por Vince Locke.

Tom Stall (Viggo Mortensen) disfruta de una vida tranquila y anónima. Está casado con la bella Edie (Maria Bello) y tienen dos hijos. Todo cambia cuando Tom evita un atraco enfrentándose a un par de ladrones asesinos. El salto a la fama de Tom provoca la aparición de Carl Fogarty (Ed Harris), un sicario mafioso que empieza a acosar a Tom. A partir de entonces, Tom deberá enfrentarse a su pasado si quiere mantener su familia a salvo.

La película, que se beneficia también de la presencia de William Hurt, sigue de forma bastante fiel el cómic dejando fuera solo los flashbacks y toda la historia de Tom de joven. El estilo de Cronenberg a la hora de manejar la cámara facilita que la tensión se vaya adueñando del espectador de una forma sutil al tiempo que se reflexiona sobre si podemos cambiar lo que somos.

Creo que ahí radica la base del film. ¿Podemos cambiar nuestra naturaleza obligados por nuestra conciencia? Tom desde luego lo intenta y está en manos del espectador decidir si lo consigue. Pero podéis mejor ver que opina el propio Cronenberg en esta aparición del director en el programa Redes, precisamente a raíz del estreno de Una historia de violencia.

Spider

David Cronenberg recibió el guión de Spider que Patrick McGrath había escrito adaptando su novela indicando que Ralph Fiennes estaba interesado en interpretar al protagonista. Tras leer unas pocas páginas del guión decidió dirigir la película. Cronenberg declaró en una entrevista que un director ha de tener una continuidad en lo que son las temáticas y estilos de las películas que hace, pero no hacerlo de forma consciente, los proyectos llegan y de forma natural encajan en la trayectoria del artista. Teoría que parece confirmarse con la forma en que llegó el proyecto de dirigir Spider (2002) y como encaja dentro de su filmografía.

Si bien la novela en que se basa no la he leído, sí he leído otras obras del autor (Locura y Trauma en editorial Mondadori), caracterizadas por un fuerte componente psicológico y una seria carga emocional, haciendo énfasis en las enfermedades mentales. Así, reconozco el tono y estilo de la narrativa como propios de McGrath pero Cronenberg los adapta bien a su estilo visual. Cronenberg ya había rodado otras películas desde el punto de vista de un protagonista que no percibe la realidad de manera convencional. De este modo, vacía las calles por las que transita Spider de manera que se enfatiza su soledad y aislamiento, solo de vez en cuando se cruza con algún otro ser humano. Eso sin contar sus experiencias en la casa de donde se supone que se va recuperando.

Ralph Fiennes es Spider, el esquizofrénico protagonista. Fiennes realiza un buen trabajo en la creación de este personaje que vive completamente encerrado en si mismo. En el reparto destacan también Miranda Richardson que hace un trabajo soberbio en la película y cuyo mérito es palpable realmente al final de la misma. Gabriel Byrne como padre de Spider tiene seguramente el papel más difícil pero lo lleva a buen término.

En este film, Cronenberg nos hace pasar hora y media en la mente de una persona con severos problemas mentales. En ese aspecto no es un film fácil, pero es fascinante explorar un personaje tan diferente a uno mismo pero que al mismo tiempo tiene partes de todos nosotros (o todos nosotros partes de él) por lo que acaba atrapando.

Trailer - Spider (VO)
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Añado aquí una entrevista que Eduardo Punset le hizo a Cronenberg poco después de estrenar Spider. La podéis ver entera clicando en los vídeos relacionados que aparecen al terminar este clip.

eXistenZ

Recuerdo salir del cine después de ver esta película con la sensación de que acababa de ver un ejercicio hasta cierto punto nostálgico por parte de Cronenberg. eXistenZ retoma algunos elementos de los primeros films de Cronenberg, en concreto cómo puede nuestro cuerpo cambiar a través de la ciencia o cómo nos afectan los nuevos lenguajes tecnológicos. Un aspecto en el que tiene mucho en común con Videodrome (1983), pero mientras en Videodrome se estudia como podía afectar el medio televisivo a la persona, aquí son los videojuegos y la realidad virtual. Otro elemento que llama la atención es el humor, el humor seco e irónico abunda en esta película que también parodia las películas de espías.

Jennifer Jason Leigh es Allegra Geller y Jude Law es Ted Pikul, la pareja protagonista. Ella es la creadora de eXistenZ, un nuevo videojuego que crea una realidad alternativa y él es el encargado de protegerla cuando su vida peligra por culpa de unos fanáticos que la quieren muerta. Ted y Allegra deberán jugar a eXistenZ para saber si ha sido dañado o no.

En húngaro la palabra "dios" se escribe "isten", de ahí que la X y la Z estén en mayúsculas enmarcando la palabra. Religión y realidad alternativa son los temas centrales de la película, influenciada por la novela de Philip K. Dick Los tres estigmas de Palmer Eldritch (publicada por Minotauro, leed a Philip K. Dick, es un genio) a la que se hace una pequeña referencia en el film. De ahí tal vez sale también el tono de la película que como he mencionado es bastante humorístico para tratarse de Cronenberg. También destacan en el film las "consolas" que usan los personajes para jugar. Rosa carne, tienen un aspecto orgánico que les da un punto inquietante.

La película postula una interesante reflexión sobre qué es la realidad. Según Cronenberg, toda realidad es virtual ya que depende de como la reciben nuestros sentidos. Por tanto, los universos creados en estos juegos son tan reales (o tan poco reales) como la realidad exterior. Sin entrar en detalles, pero el final le da a todo un giro que nos plantea esa misma cuestión: ¿una realidad es verdadera y la otra falsa o son ambas falsas? ¿O reales?

En resumen, una interesante pieza de ciencia-ficción que Cronenberg dirigió entre dos proyectos cargados emocionalmente.

Crash

Estrenada en 1996, Crash fue una película tremendamente polémica en su momento debido a su contenido sexual. Basada en la novela homónima de J. G. Ballard, ciertamente en la película abundan las escenas de sexo pero lo que las hizo polémicas es que, creo, en su momento la gente no podía identificar exactamente por qué se sentían tan incómodos viéndola. La razón es que el sexo no está rodado de manera que resulte excitante o morboso como está acostumbrada la gente (les guste o no). Todo lo contrario, son escenas de sexo tremendamente frías que muestran cómo de distantes y disfuncionales son las relaciones de los personajes.

Al igual que hiciera con El almuerzo desnudo (The Naked Lunch, 1991), Cronenberg recrea no sólo la novela sino parte del universo del escritor J. G. Ballard, incorporando incluso un fragmento de La exhibición de atrocidades que recita uno de los personajes. 

En Crash los personajes habitan una ciudad cuyas estructuras frías y rígidas son una expresión arquitectónica de las emociones anestesiadas de sus habitantes. Personajes tan aturdidos emocionalmente que intentan reparar su castración emocional a través de los accidentes de coche. Experimentan los choques que provocan con sus vehículos como intensos orgasmos, el impacto con el otro vehículo un equivalente a alcanzar el clímax sexual.

Estos orgasmos automovilísticos son la única manera de experimentar cualquier tipo de emoción que les queda a sus protagonistas. Así, Ballard (James Spader) y su esposa Catherine (Deborah Kara Unger) empiezan actuando todavía hipnotizados y aturdidos por el acero y el cemento de la ciudad. A medida que se vayan introduciendo en la cultura subterránea de los accidentes de coche irán despertando. Helen (Holly Hunter) y Gabrielle (Rosanna Arquette) se encuentran en proceso de ello, siendo Gabrielle la que está más cerca y la que ha ido más lejos. Pero si hay un personaje que ha ido lejos es Vaughan (Elias Koteas) que ha creado toda una filosofía alrededor de ello.

Una de las mejores películas de Cronenberg, beneficiada por una perturbadora y apropiada banda sonora de Howard Shore. No es una película para todos los paladares y es posible que si no estáis acostumbrados a este tipo de narrativa os resulte desagradable, pero para mí es un gran título muy recomendable.

M Butterfly

La gripe me ha dejado fuera de juego, creo que de tanto comentar Cronenberg la enfermedad me persigue. Pero no hay que desfallecer y aquí tenemos la película que, estrenada en 1993, volvió a reunir a Jeremy Irons y David Cronenberg después de Inseparables: M Butterfly.

La película fue escrita por David Henry Hwang adaptando su obra de teatro basada a su vez en una historia real. Jeremy Irons interpreta a Rene Gallimard, un diplomático francés que se enamora de Song (John Lone), una mujer que esconde más de un secreto (y los roba). Cronenberg lleva la historia a su terreno y cuenta como va creciendo la obsesión de Gallimard, no sólo por Song, también por la sociedad china.

La película es muy contenida como suele ser habitual con el director canadiense, pero eso no evita que nos fascine viendo hasta que extremos es capaz de llegar Gallimard por Song. En el universo de Cronenberg parece ser que el amor sólo lleva a la tragedia. En sus películas parece ser que los amantes no tienen un final feliz, tal vez las excepciones sean Crash y Fast Company. Es curioso notar que ambas giran en torno a un mundo que gusta mucho a Cronenberg: el de los coches.

M BUTTERFLY: Movie Trailer. Watch more top selected videos about: Ian Richardson, David Cronenberg

El almuerzo desnudo (Naked Lunch)

El almuerzo desnudo (Naked Lunch, 1991) es una de mis películas favoritas, no sólo dentro de la filmografía de David Cronenberg sino en general. Más que una adaptación de la novela homónima del genio William S. Burroughs, Cronenberg mezcla elementos de la novela, de relatos como Exterminador y de la vida del propio Burroughs para recrear en imágenes el universo de este inclasificable autor.

Peter Weller interpreta a Bill Lee, el alter ego de Burroughs (es el seudónimo con el que publicó su primera novela Yonki), encarnando el personaje a la perfección gracias a su peculiar fisonomía. Cronenberg, al igual que hiciera en Videodrome, nos cuenta la historia de una persona que pierde el contacto con la realidad desde su punto de vista. El resultado es una experiencia alucinógena, una película narrada con la lógica de los sueños.

Para comprender plenamente la película es necesario tener ciertos conocimientos literarios y de la biografía de Burroughs pero no son imprescindibles para disfrutarla. Aparecen varias representaciones de autores con los que Burroughs tuvo relación, especialmente dentro de la generación beat: Hank (Nicholas Campbell) representa a Jack Kerouac, Martin (Michael Zelniker) representa a Allen Ginsberg, Tom Frost (Ian Holm) representa a Paul Bowles. También aparecen representaciones de la esposa de Burroughs así como algún amante de su estancia en Marruecos.

Pero repito que no es necesario para disfrutar de la película. Cuando la vi por primera vez sólo conocía un par de novelas de Burroughs y parte de su folletinesca vida y alguna obra de Kerouac.

La película ha tenido una distribución peculiar en España. En Barcelona la vi a mediados de los noventa en un cine de versión original, creo que el Verdi, donde se exhibió por poco tiempo. Luego, los cines Méliès, dedicados al cine de autor, tuvieron a bien de programarla cada verano hasta hace por lo menos cinco años, creo. Luego, en 2007 se estrenó de forma oficial en España, cuando ya había salido en DVD. Y ya que lo menciono, recomiendo la lujosa edición en DVD de Criterion para aquellos que no tengan problemas con el inglés.

Fijaos bien en el tráiler ya que incluye fragmentos de las películas experimentales en las que participó Burroughs en los sesenta y una voz en off que lo imita a la perfección. Es realmente soberbio y sorprendió al propio Cronenberg por su calidad. Si no habéis visto esta película, haceos un favor y vedla ya.

Inseparables (Dead Ringers)

En mi lejano post sobre la serie de televisión Cuentos de la cripta mencioné brevemente la serie de televisión Misterio para 3. Uno de los episodios de la primera temporada fue dirigido por David Cronenberg. El capítulo (y resumo esto directamente de los recuerdos que tengo) trata sobre un médico o curandero que tiene unos guantes que pueden extraer cualquier enfermedad de un cuerpo pero que ha de ser traspasado a otro ya que si no el portador de los guantes sufriría la enfermedad multiplicada, esos guantes eran el objeto que aquella semana les tocaba recuperar a sus protagonistas. Cronenberg dirigió este episodio justo antes de dirigir una película sobre unos médicos que, al igual que el curandero de este episodio de Misterio para 3, no estaban muy sanos: Inseparables (Dead Ringers, 1988).

Basada en hechos reales (la historia de los gemelos Marcus), Inseparables cuenta la historia de los gemelos ginecólogos Beverly y Elliot Mantle (Jeremy Irons) cuya relación degenerará de forma progresiva tras conocer a Claire Niveau (Geneviève Bujold) y que Beverly se enamore de ella. Ésta película fue la que hizo que la crítica "seria" viera en Cronenberg algo más que un director de películas de terror y no se cansaron de anunciar que Cronenberg dejaba el género para hacer cine "serio". Nada más lejos de la verdad.

Hasta ahora Cronenberg había mostrado como el cuerpo se rebelaba, como nuestra entidad física podía estar sujeta a degradaciones varias, a mutaciones que la transformaban. Como la mente también actuaba en ocasiones sobre la carne. En este film, sin embargo, Cronenberg muestra una degradación psicológica. Y mientras las transformaciones corporales o las enfermedades podían traer consigo cosas positivas o alcanzar un nuevo estado (superior, inferior o alternativo), la degradación mental aquí mostrada lleva a la destrucción.

El punto de inflexión lo encontramos cuando Beverly se enamora de Claire. Este hecho rompe el equilibrio de la rutina que habían establecido los gemelos, propia de una comedia de enredo, en la que un gemelo ligaba con una mujer y después de intercambiar fluidos se la pasaba a su hermano. Sin embargo, una vez Beverly se implica emocionalmente es como si fuese infectado por una enfermedad. Las emociones actúan como un cáncer que destruye el cuerpo. Las drogas, la heroína se usan como remedios para acabar con esta enfermedad emocional que ha destruido la vida de los hermanos pero lo que consiguen es empeorar la situación.

Beverly es retratado como el gemelo débil y su lento pero continuo viaje hacia la locura es mostrado con gran detalle y cuidado. Destacando el momento en que empieza a diseñar unos instrumentos ginecológicos para mujeres mutantes e intenta usarlos con una incauta paciente. Elliot, por otro lado, se supone que es el gemelo fuerte, el extrovertido. Elliot intenta sanar a Beverly, pero es Beverly el que lo acaba arrastrando consigo, como si la carencia emocional de Elliot, su egocentrismo, lo hiciese más vulnerable a sucumbir ante un súbito ataque emocional.

Cronenberg no había abandonado sus pasiones. Simplemente, en este film hablamos de enfermedades y mutaciones emocionales, mucho más peligrosas que las físicas.

La Mosca (The Fly)

El rencuentro de David Cronenberg con el éxito masivo de taquilla fue La Mosca (The Fly, 1986); la historia del científico Seth Brundle (Jeff Goldblum) que por error mezcla sus genes con los de una mosca común experimentando con la teletransportación para horror de su novia Veronica (Geena Davis).

"La mosca" es el cuento que abre Relatos del antimundo (Nouvelles de l'Anti-Monde, mi edición es de Planeta) una antología de cuentos del escritor francés George Langelaan. El relato fue llevado al cine en 1958 en una película dirigida por Kurt Neumann y protagonizada por el maestro Vincent Price. Esta primera versión es bastante fiel al cuento original e incluso mantiene la nacionalidad francesa de los protagonistas, algo poco habitual en las adaptaciones americanas de relatos extranjeros. La película tiene algunos momentos memorables pero no deja de ser algo tontorrona, cosa que tampoco le quita encanto. Es un buen título para los amantes de la cifi de los cincuenta y fans de Vincent Price (que también aparece en las continuaciones que se hicieron).

A mediados de los ochenta se decidió hacer un remake de la cinta. El proyecto estaba producido nada menos que por Mel Brooks y contaba con un guión original de Charles Edward Pogue. Este proyecto fue ofrecido a David Cronenberg que lo aceptó ya que el guión contenía elementos que él mismo había tratado en sus anteriores films; empezó entonces a trabajar en el guión para acabar de darle el toque definitivo. 

La Mosca de Cronenberg es una película de horror. Pero el horror no reside en los ataques de una criatura monstruosa sino en la experiencia que sufre un hombre que ve como se está transformando en un proceso sobre el cual no tiene ningún tipo de control. Como la adolescencia. Al igual que en anteriores películas de Cronenberg, aquí no hay villanos ni personajes malvados, todos se acaban convirtiendo en héroes.

La película destaca especialmente por la representación que hace de la transformación o metamorfosis que sufre Seth. Los efectos de la criatura estuvieron a cargo de Chris Walas, que en 1989 dirigió una segunda parte: La Mosca II (The Fly II), no demasiado interesante.

Esta es una película perfecta para iniciarse en la filmografía de Cronenberg ya que trata alguno de sus temas habituales, como la revolución del propio cuerpo contra uno mismo, y resulta bastante accesible para el neófito. De hecho, si no recuerdo mal, fue la primera o de las primeras películas de Cronenberg que vi.

La Zona Muerta (The Dead Zone)

Después del festival cárnico de Videodrome, la siguiente película de David Cronenberg fue la sobria adaptación de la novela de Stephen King La Zona Muerta. Fue la primera película en la que Cronenberg sufrió una mayor intervención por parte del estudio y los productores: quería que la música fuera compuesta por Howard Shore pero el estudio le impuso que escogiera un compositor que ya hubiera trabajado con ellos, en este caso Michael Kamen y la primera opción de Cronenberg para interpretar al Sheriff Bannerman, Hal Holbrook, fue desechada por Dino De Laurentiis y se acabó escogiendo a Tom Skerritt.

Como muchos ya sabréis, el film cuenta la historia de Johnny Smith (Cristopher Walken) que tras un accidente descubre que tiene poderes que le permiten predecir el futuro y saber la vida y milagros de toda aquella persona que toca.

La intención original de la novela de King era explicar la historia del asesino de un presidente de modo que uno se pusiera de parte del asesino. Para ello se presenta al futuro presidente Greg Stillson (Martin Sheen) como un peligroso demente y delincuente. El problema con la película es que no crea un fuerte paralelismo entre Johnny y Stillson, además de que Stillson no tiene suficiente fuerza como demente peligroso. Le falta desarrollar más el personaje de Stillson.

Pero la película también tiene cosas buenas. La relación entre Johnny y Sarah (Brooke Adams) está bien construida y es el corazón de un film por lo demás bastante frío; la investigación sobre los asesinatos en Castle Rock también está bien narrada.

Tal vez el problema principal sea que la novela se habría trasladado mejor a la televisión como miniserie, donde se habría podido desarrollar con más tiempo a los personajes. Aunque ahora que lo pienso, sí que hicieron una serie de televisión basada en la novela, serie que duró seis temporadas, pero estaba pensada como serie regular, por tanto se eliminó todo lo relacionado con Stillson y se quedaron con los poderes que Johnny adquiere tras el accidente.

Finalmente, La Zona Muerta queda como un film menor dentro de la filmografía de Cronenberg. Como un descanso entre dos de sus títulos más conocidos: Videodrome (1983) y La Mosca (The Fly, 1986).

Videodrome

Muerte a Videodromo. Larga vida a la Nueva Carne.

James Woods en Videodrome

Fue una mañana de domingo. Volvía del Mercado de San Antonio con un amigo y al llegar a casa nos pusimos a ver una de las películas que había comprado. Cogí la cinta de VHS y delicadamente la introduje en el vídeo. La película era Videodrome (1983) de David Cronenberg, el film que Andy Warhol calificó como "La Naranja Mecánica de los ochenta". Nos dejó alucinados. Al poco la volví a ver porque no había acabado de entender algunas cosas y desde entonces la he visto docenas de veces. Es una obra maestra de principio a fin que prácticamente dio origen al cyberpunk (movimiento literario dentro de la ciencia-ficción que trata sobre la fusión del ser humano con la tecnología, principal autor William Gibson) y todavía se mantiene vigente. Hay rumores de que se quiere hacer un remake, una empresa completamente suicida: ¿cómo haces una nueva versión de una película adelantada a su tiempo?

Cronenberg mezcla varios temas y conceptos en su película. Protagonizada por James Woods y Deborah Harry, cuenta la historia de Max Renn (Woods), un ejecutivo de un pequeño canal de televisión dedicado a emitir softcore y programas violentos para atraer a la audiencia. Todo va bien para Max hasta que descubre Videodromo: un programa que muestra simplemente la tortura y asesinato de una persona. A medida que Max investiga sobre este programa empezará a experimentar alucinaciones que le harán descubrir una realidad desconocida.

El guión original de Cronenberg era mucho más fuerte en contenido que la película que se acabó filmando. Cronenberg no tenía intención de filmar todo lo que había escrito y teniendo en cuenta las imágenes que pueblan la película uno no tiene más remedio que preguntarse ¿qué demonios se quedó en la página escrita?

LA PANTALLA DE TELEVISIÓN ES LA RETINA DEL OJO DE LA MENTE

Gran parte de la temática de Videodrome gira en torno a la televisión como medio y de qué manera había afectado (y afecta) a la sociedad. La sombra de Marshall McLuhan es alargada en la película, Cronenberg le tuvo de profesor en la universidad y el personaje de la película Brian O'Blivion (Jack Creley en el film, oblivion quiere decir "olvido" pero también se utiliza como término para "la nada después de la muerte") desarrolla teorías basadas en el trabajo de McLuhan. La televisión como medio es vista casi como el siguiente paso evolutivo del ser humano. En un adelanto de lo que serían los actuales reality shows y programas de testimonios, se plantea la idea de que en un futuro todos tendremos una identidad televisiva que sustituirá la real. Es decir, salir en televisión es una manera de asegurarse la existencia. Para ser famoso el único requisito necesario es conseguir salir en televisión, siendo el hecho en si de aparecer en televisión el valedor de una trascendencia y no es necesario ningún mérito especial. De hecho, carecer especialmente de méritos y regodearse en la propia ignorancia o someterse a humillaciones públicas de forma voluntaria, casi exigiendo ser tratado así, puede facilitar la popularidad.

La televisión también se muestra en el film casi como una necesidad social. Se crean centros de ayuda para vagabundos donde se les facilita acceso a un televisor como manera de que puedan seguir formando parte de la sociedad. Es algo parecido a las redes sociales actuales que forman una sociedad aparte de la real. La televisión, además, empieza a adquirir cada vez una mayor importancia en la sociedad. Un juicio televisivo tiene más valor, en ocasiones, que un juicio en los tribunales. Si la televisión te acusa, ya estás condenado.

MUERTE A VIDEODROMO

Otro aspecto interesante del film es la censura y la fascinación por ver "lo prohibido". El canal en el que trabaja Max se llama Civic Tv y se basa en un pequeño canal canadiense llamado CityTV que fue polémico en su momento por emitir películas softcore. Aquellos que vivan en Barcelona recordarán que durante un tiempo disfrutamos de este canal que actualmente se llama 8tv. Igual que su canal de origen, el CityTv barcelonés también emitía películas eróticas softcore pero teniendo en cuenta que otros canales locales emitían películas pornográficas, no es algo que llamase mucho la atención.

Cronenberg se había enfrentado a la censura de forma amarga en sus anteriores películas, así su creación de un grupo de fanáticos para acabar con toda la escoria que ve cosas como Civic Tv parece una pequeña venganza sobre aquellos que intentaron cortar sus películas o lo acusaron de pornógrafo. Este grupo de fanáticos crea Videodromo con el objetivo de hacer limpieza. Como sólo un degenerado podría tener interés en ver un programa como ése, crean un sistema para acabar con todos los degenerados. Por otro lado, en el film aparece una escena en la que Max se defiende por emitir el tipo de programas que emite argumentando que son una manera de que la gente de rienda suelta a sus fantasías de forma inofensiva.

Desde mi punto de vista, ver cierto tipo de películas o escuchar cierto tipo de canciones o leer ciertos libros no tiene porque llevar al asesinato o la locura. Las películas no pervierten a la gente. Sí son estimulantes o catalizadores. Es decir, una persona desequilibrada es posible que acabe cometiendo un asesinato tras ver una película pero la película no es la causante sino la activadora. Si la persona sufre un trastorno grave acabará matando igualmente si no se la trata, independientemente de las películas que vea o la música que escuche. La televisión y las películas son estimulantes en la mayoría de estos casos porque son cosas a las que tiene acceso todo el mundo. Si no existiesen, la gente encontraría otro motivo por el que matar, nunca ha habido escasez de ésos, por desgracia.

LA TELEVISIÓN ES REALIDAD, Y LA REALIDAD ES MENOS QUE LA TELEVISIÓN

La parte más interesante, para mí al menos, de Videodrome es intentar distinguir lo que sucede en realidad de lo que no. La película está contada desde el punto de vista de una persona que se vuelve loca y tiene alucinaciones de forma continua. Por lo tanto, intentar discernir que es cierto desde un punto de vista físico forma parte de la diversión. Mi tesis personal, después de muchos visionados y de darle vueltas, es la siguiente y es sólo mi interpretación, no la verdad absoluta: creo que todo lo que le sucede a Max es real. Tal vez no desde un punto de vista físico, pero sí que las alucinaciones son representaciones exageradas de lo que le sucede en la realidad. Para unos puede que todo sea alucinación y nada sea real; para otros, todo lo contrario. Tendréis que decidir vosotros mismos.

Scanners

La entrada de David Cronenberg en los ochenta no podría haber sido más afortunada. Scanners (1981) fue un monumental éxito de taquilla que generó dos continuaciones, un spin-off con sus secuelas (Scanner Cop, Pierre David, 1994) y hay rumores de un futuro remake.

La película cuenta como Cameron Vale (Stephen Lack) es sacado de la calle y reclutado por el doctor Paul Ruth (Patrick McGoohan) para que forme parte de su organización secreta. Allí Cameron descubre que él es un scanner: individuos con poderes telepáticos y telequinéticos. La organización del doctor Ruth lucha contra una organización de scanners malvados que planean dominar el mundo y que son liderados por Darryl Revok (Michael Ironside).

Si bien en ocasiones la película recuerda a un cómic de la Patrulla X, una de las inspiraciones para la película la hayamos en la novela de William S. Burroughs El almuerzo desnudo, en la cual hay un capítulo en el que se habla de una asociación de telépatas malvados que pretenden dominar el mundo. Es posible que otra fuente de inspiración se encontrase en el desastre de la Talidomida en los sesenta. Una de las primeras encarnaciones del guión, titulado Telepathy 2000, data de 1976 y está ambientado en el futuro, siendo más una historia de espías que la aventura de ciencia-ficción que terminó siendo la película. Es posible, y esto es sólo una hipótesis personal, que el estreno de La furia (The Fury, Brian De Palma, 1978) le decidiese a ambientar la película en el presente.

Éste es uno de los films más accesibles de Cronenberg, pero con eso no quiero decir que carezca de interés. Hay diversos de los elementos habituales en el cine de Cronenberg y el hecho de que la película sea accesible (y bastante entretenida) no ha de ser considerado  como una búsqueda de éxito comercial, sino que simplemente era el tipo de historia que le interesó contar en ése momento. Uno de los principales motivos por los que me interesa la obra de Cronenberg es que es un director que se mueve por intereses personales, sus películas cuentan las historias que le interesan en un momento particular; motivo por el que su filmografía es de las más sólidas que existen, en la cual son presentes de forma continuada toda una serie de intereses y temáticas.

Cromosoma 3 (The Brood)

Desde mi humilde punto de vista, Cromosoma 3 (The Brood, 1979) forma junto a Videodrome (1983) y El almuerzo desnudo (The Naked Lunch, 1991) lo mejor de la filmografía de David Cronenberg hasta ahora. Surgida de unas difíciles circunstancias personales, The Brood es también un film tremendamente angustiante, factor enfatizado por una excelente banda sonora de Howard Shore que marcaría el inicio de una serie de fantásticas colaboraciones.

Parte de la inspiración para la película surge del clásico Planeta Prohibido (Forbidden Planet, Fred M. Wilcox, 1956) pero la fuerza motriz principal radica en el traumático divorcio por el que acababa de pasar Cronenberg y el juicio por custodia subsiguiente. Los factores autobiográficos son fáciles de detectar en esta historia que cuenta como Frank Carveth (Art Hindle) intenta conseguir la custodia de su hija (Cindy Hinds) ya que sospecha que su madre y ex esposa Nola (Samantha Eggar) la maltrata. En realidad no es su madre la que la maltrata sino unas extrañas criaturas de las cuales el doctor Raglan (Oliver Reed, inusitadamente comedido en una excelente interpretación) sabe más de lo que dice.

Nos encontramos con esta película ante una de las características que hace únicas muchas de las películas de terror de Cronenberg: no hay un villano. Es decir, tal y como se entiende el personaje del villano: un personaje que lleva a cabo actos de maldad por el gusto de hacerlo o para obtener un beneficio. Los únicos que podrían etiquetarse de esta forma son el doctor Raglan (que intenta detener lo que sucede convirtiéndose en héroe) y Nora (que no es del todo responsable). En realidad, los únicos personajes que podrían ser considerados negativos son los padres de Nola, causantes de sus traumas.

Cronenberg crea unas efectivas escenas de suspense en aquellos momentos en que muestra el ataque de las criaturas. El film muestra una tremenda habilidad del director para crear angustia en el espectador. Especialmente en la secuencia final. Es también un momento que fue severamente atacado por la censura, ya que muestra el nacimiento de una de las criaturas. Sin embargo, hay un misterio alrededor de la película que se mantiene inexplicado: ¿de dónde surge el absurdo título que recibe la película en España y Francia?

Otro factor que ya es habitual en el cine de Cronenberg es el retrato que hace de una técnica relacionada con la medicina, tratando esta vez una radical terapia psicológica. La película fue creada a finales de los setenta, una década en que empezaron a aplicarse nuevas terapias y se realizaron experimentos psicológicos origen de lo hoy en día se conoce como New Age. Estas técnicas y experiencias tienen su origen en el inédito interés por la exploración interior y uno mismo que surge en los setenta como resultado de las experiencias psicotrópicas de finales de los sesenta.

Cromosoma 3 tiene unas buenas interpretaciones, una gran banda sonora cortesía de Howard Shore y un guión y dirección excelentes por parte de Cronenberg. Ingredientes que hacen de esta película indispensable aunque no seáis fans del genio canadiense.