25 feb. 2019

Caramelo asesino (Jawbreaker)

Uno se da cuenta realmente de que se ha hecho mayor cuando una película que recuerda haberla visto de adolescente con cariño va y, sin avisar, cumple veinte años. Parece mentira, pero es el caso de la comedia negra adolescente Caramelo asesino (Jawbreaker, Darren Stein, 1999).

Para aquellos que desconozcan esta película, ya sea porque no la vieron en su momento o son demasiado jóvenes para haberla visto (en cuyo caso procuraré no ponerme en plan Joey), su argumento se centra en Courtney (Rose McGowan), Julie (Rebecca Gayheart), Marcie (Julie Benz) y Liz (Charlotte Ayanna), las cuatro chicas más populares del instituto Reagan. Courtney, Julie y Marcie deciden darle una sorpresa a Liz fingiendo un secuestro, lo que provoca la accidental muerte de Liz, atragantada con un caramelo "rompemandíbulas" usado para acallarla. Julie quiere hacer lo correcto e ir a la policía, pero Courtney y Marcie prefieren hacer pasar la muerte de Liz como un asesinato/violación a manos de un desconocido. Su plan podría funcionar, pero Fern Mayo (Judy Greer), una indeseada testigo, lo pone en peligro, así que Courtney decide convertirla en la nueva Liz para acallarla. Mientras la inspectora Vera Cruz (Pam Grier) investiga el crimen, se inicia una batalla entre las antiguas amigas para sobrevivir a la graduación.

Me pregunto si habrá equivalentes millenials de películas como Jawbreaker o Escuela de jóvenes asesinos (Heathers, Michael Lehmann, 1988). O los casos de tiroreos en escuelas en Estados Unidos ha hecho que este tipo de comedia negra, con adolescentes y asesinatos, se considere tabú. La verdad es que hace mucho tiempo que no veo una película que siga el estilo de estas cintas adolescentes de culto, ambientadas en mundos hiperestilizados en la que los personajes van soltando diálogos imposibles, pero que, mediante esta hiperestilización, son mucho más veraces que otras cintas adolescentes más realistas y no tan interesantes.

He de admitir que, en su día, me interesó esta película por Rose McGowan y Rebecca Gayheart, dos actrices que me parecían (y parecen) tremendamente atractivas. Con el tiempo, a medida que sabía más sobre cine y me gobernaban menos las hormonas, descubrí el fantástico reparto de veteranos: Pam Grier, Jeff Conaway y Carol Kane tienen todos momentos brillantes. William Katt y P. J. Soles hacen pequeños cameos (pestañeas y te los pierdes), así como también hace un cameo Marilyn Manson, por entonces pareja de McGowan. Manson no contribuyó, pero la banda sonora es realmente fantástica, culminando con la participación en el baile de graduación de The Donnas, una banda que entonces me encantaba y que hoy no sabría si siguen en activo (las "gugleo": hace años que no sacan un álbum pero no se han separado).

El director Darren Stein utiliza continuos trucajes y efectos sonoros, para cimentar el tono del film cargado de humor negro y mala leche. Un tono oscuro y cómico que se mantiene gracias a los punzantes diálogos, muchos de los cuales suelta McGowan con brillantez. He de decir que muchos chistes se pierden en la traducción. Por ejemplo, en una escena, Courtney le dice a la recién maqueada Fern: "No comemos en público pero no somos anoréxicas. Para eso ya está la mesa Karen Carpenter", señalando una mesa en que tres tristes y muy delgadas chicas se reparten granos de arroz. En la versión doblada se elimina la referencia a Karen Carpenter y, por tanto, se elimina el chiste.

Creo que el film se mantiene estupendamente, me hace reír ahora tanto como entonces. Es más, con el tiempo se me ha ido haciendo más divertida, ya que han ido aumentando mis conocimientos de cultura pop, facilitando que vaya pillando más y más referencias (no sé si cuando se estrenó habría pillado el comentario sobre Karen Carpenter). Es posible que me ciegue la nostalgia, pero no tanto como para no reconocer que la película no es perfecta, el final es algo flojo. De todos modos, la recomiendo tanto a los que se acuerdan de las Shampoo como a los que no tienen ni idea de quiénes fueron las Shampoo.


15 feb. 2019

3 horas de Waterworld

 
El verano de 1995 fue el verano de Waterworld (Kevin Reynolds), aunque no por los motivos que Universal hubiera querido. Víctima de una feroz campaña en contra de los medios, que incluso llegaron a inventar muertes en el set, la película se había convertido en la más cara de la historia y un espectacular fracaso. O al menos esa era la percepción que se tenía. La película no fue realmente un fracaso, tampoco fue un gran éxito de taquilla, pero logró cubrir costes y obtener algún beneficio con la taquilla internacional. Y Titanic (James Cameron, 1997) le arrebató rápidamente el título de película más cara, si bien ahora es bastante común que se estrenen películas de presupuesto desorbitado.

La razón por la que comento este proyecto, que empezó siendo un rip-off de Mad Max de serie B para convertirse con el tiempo en una superproducción, es que recientemente Arrow Video ha sacado en Blu-ray una edición limitada que incluye la versión de tres horas originalmente concebida por el director Kevin Reynolds.

Un poco de historia: Tras un difícil y complicado rodaje, las tensiones entre Kevin Reynolds y Kevin Costner provocaron que el primero abandonara el proyecto tras entregar su montaje de la película. Una versión que duraba tres horas y que los productores, con Costner a la cabeza, decidieron recortar para poder hacer más pases del film (y obtener más taquilla). Cuando la película se estrenó en televisión, la cadena que lo hizo decidió hacer un evento, convertir la película en una miniserie, emitiendo la versión de tres horas en dos noches seguidas.

Esta versión televisiva hace tiempo que está disponible en DVD y Blu-ray, pero el problema es que es una versión censurada. Es decir, para poder ser emitida en televisión se eliminaron momentos sangrientos y se suavizaron las escenas de acción, se cambiaron diálogos y se eliminó el desnudo trasero de Jeanne Tripplehorn, entre otras cosas. Con el tiempo, a medida que Waterworld iba adquiriendo fans, se hicieron fan-edits de la versión extendida que incluía material de la versión estrenada en cines.

Ahora, gracias a Arrow, podemos disfrutar de la versión de tres horas de Waterworld tal y como fue concebida por su director. Si bien se ha de mencionar que hay un par de escenas con efectos sin terminar, ya que al ser cortadas de la versión cinematográfica no fueron terminadas. Son un par de momentos breves que no impiden disfrutar de la película. Y hay mucho que disfrutar.

Cuando originalmente vi el film en su momento me pareció una entretenida película de acción y poco más. Su visión postapocalíptica, sin los habituales paisajes desérticos, era bastante original, pero poco más obtuve de ella. Esta versión extendida me ha gustado mucho más, aunque admito que hace bastante que no había vuelto a ver la versión cinematográfica.

Los personajes están mejor construidos, sus acciones están más claras y la película fluye mejor, dejando claro que esta versión es la mejor. Esto es fácil de comprobar, ya que la edición de Arrow incluye las tres versiones: cinematográfica, montaje televisivo y montaje del director. Al estar mejor construida, la versión de tres horas se pasa más rápido que la versión de dos horas y cuarto. Una versión que también me ha hecho reconsiderar Waterworld y apreciar mejor sus muchas virtudes.

No sé hasta que punto cambiará la opinión de todos aquellos a los que la película no les gustó desde el principio, pero, para aquellos a los que sí les gustó, este montaje es todo un regalo. Y está también muy recomendada a todos aquellos que no hayan visto Waterworld en ninguna versión.


14 feb. 2019

Dave Made a Maze

 
¿Os habéis encontrado alguna vez con una de esas películas que o la amas o la odias? Dave Made a Maze (Bill Watterson, 2017) es una de esas películas. Y espero que haya una mayoria de "la amas", porque estoy convencido de que es una pequeña joya de culto.

Una mañana, Annie (Meera Rohit Kumbhani) llega al apartamento que comparte con su novio Dave (Nick Thune), tras pasar el fin de semana fuera, y descubre que Dave ha construido lo que parece un laberinto de cartón en el salón. Y descubre también que, por muy absurdo que parezca, Dave se ha perdido dentro del laberinto que ha construido. Annie liderará una expedición con el objetivo de rescatar a Dave del laberinto de cartón. Por muy absurdo que parezca.

He de admitir que no había oído hablar de esta película hasta que apareció en la newsletter de Arrow Video. Seguí mi intuición y descubrí un film interesante, divertido y muy original. Siempre y cuando te dejes llevar por la absurda premisa y no consideres que es todo una estupidez, claro.

Watterson mezcla el cine de aventuras juvenil de los 80, Terry Gilliam y Michel Gondry para construir una divertida fantasía para adultos. Una fantasía en la que se introducen elementos mitológicos, no hay laberinto sin minotauro, que se mezclan con los significados alegóricos del laberinto, sobretodo en relación a Dave. Por supuesto, el delirante argumento es pura alegoría y simbolismo, pero eso no impide que sea tremendamente divertido.

La estética de aventura "hecha a mano", como dice el tráiler, es otro factor que hace de este un film tan atractivo. Se mezclan distintos tipos de animación para dar vida a este gigantesco laberinto, más grande por dentro que por fuera, como el TARDIS. Un laberinto que, entre otras cosas, simboliza la pasión por el arte, por crear. Aunque en este caso, la creación provoque unas cuantas víctimas.

Dave Made a Maze, como ya he mencionado, es un film que me encantó, que recomendaría a todo el mundo. Sin embargo, su peculiar y rara naturaleza puede que no le siente bien a algunos.


13 feb. 2019

One Cut Of The Dead (Kamera o tomeru na!)

 
En Japón no gusta el cine de zombis. Al menos es lo que dice Shin'ichirô Ueda, director de One Cut of the Dead (Kamera o tomeru na!, 2017), en una entrevista incluida en el Blu-ray editado por Third Window Films. Es, tal vez por eso, que algunos de los más interesantes títulos de zombis han surgido de este país, obligados los cineastas a ofrecer algo más que las típicas películas que han saturado el género en Occidente. Lo que nos lleva a la fantástica One Cut of the Dead.

El rodaje de una película de zombis de bajo presupuesto es interrumpido por muy reales zombis. El reparto y el equipo corre para salvar la vida perseguidos por los no muertos y un director frenético que no deja de gritar: ¡No paréis de filmar! Este argumento es el que justifica un plano secuencia de 37 minutos, logrado sin los trucos de montaje digital tan habituales hoy día.

Esto es todo lo que sabía de este film: película japonesa de zombis que empieza con un plano secuencia de 37 minutos. También sabía que se había rodado con un presupuesto muy, muy bajo y que se había estrenado originalmente solo en dos salas, logrando a pesar de todo recaudar millones, superando en Japón estrenos de la Marvel y de la saga Star Wars, sin apenas publicidad. Luego había arrasado por los festivales de medio mundo. Solo con esta información, reservé, guiado por la intuición, la edición en Blu-ray inglesa, edición que llegó la semana pasada. No tardé en verla preocupado por saber si mi intuición me había fallado o había acertado.

Y sigo dando rodeos para no entrar a fondo en la película porque creo que es mejor entrar a verla sin saber nada, o solo lo superficial. Porque One Cut of the Dead es mucho más que una película de zombis. Hasta se podría decir que es una película de zombis que disfrutarán incluso aquellos que están cansados del género o a los que no les gustan las películas de zombis. Haré lo posible por no estropearle la película a nadie y que todos la disfruten como hice yo.

Como ya he dicho, el film de Ueda es mucho más que un plano secuencia muy largo y zombis a la japonesa, aunque con solo esos elementos ya es todo un triunfo. También es una carta de amor al cine de bajo presupuesto, un monumento a la pasión por el séptimo arte. Y, la guinda en el pastel, es una película muy, muy divertida. Provoca auténticas carcajadas. O por lo menos me las provocó a mí, que, al ser catalán, crecí con una televisión autonómica que ponía por las tardes series de animación japonesa como Dr. Slump, familiarizando a la chavalada con el humor japonés (cuando era pequeño también ponían muchas series de ciencia ficción como Dr. Who y The Twiligt Zone y títulos clásicos de terror, si se refieren a esto con lo del adoctrinamiento, conmigo, desde luego, funcionó).

Este film es un pequeño milagro. Una mezcla de terror y comedia que funciona a la perfección. Una celebración del cine de género y del cine hecho con cuatro duros. Recomendada no solo a los fans de los zombis, también a los fans del cine en general. Os dejo el tráiler, pero os aconsejo no verlo si tenéis intención de ver One Cut of the Dead.
 

12 feb. 2019

Alita: Ángel de combate (Alita: Battle Angel)

 
Publicada mi crítica de Alita: Ángel de combate (Alita: Battle Angel, Robert Rodriguez, 2019), la cual espero que todo el mundo vaya a ver cuando se estrene. Leedla en Underbrain Mgz:


Tal vez disfruté tanto con esta película porque el pase de prensa, a petición de James Cameron y Jon Landau, se hizo en una sala Dolby, en VOS y 3D. Si no conocéis este tipo de salas, son realmente espectaculares en cuanto a imagen y sonido, sin olvidar que es un tipo de 3D que utiliza unas gafas que permiten ver el color en todo su esplender, no oscurecido (una de las principales razones por las que no era muy fan del formato). En todo caso, fue espectacular pero la película me atrapó también por su historia. Muy recomendada.


11 feb. 2019

Escape from Tomorrow

 
En 2013 se estrenó con gran revuelo Escape from Tomorrow de Randy Moore, ya que había logrado filmarse a escondidas en Disneyland sin que nadie del parque se diera cuenta. Pero, más allá de la polémica y con la perspectiva del tiempo, ¿tiene valor esta película?

Para una típica familia americana es el último día de vacaciones en Disneyland. Sin embargo, el día no empieza demasiado bien: a Jim (Roy Abramsohn) lo despiden por teléfono. A partir de aquí, la jornada se irá haciendo cada vez más oscura, convirtiéndose en una auténtica pesadilla para Jim.

El film se ha sostenido bastante bien gracias a su mezcla de comedia negra y elementos de cine de terror. El tono queda establecido en la secuencia de los títulos de crédito, en el que vemos a un montón de felices turistas en una montaña rusa, uno de los cuales acaba decapitado. La música constante, las atracciones, las aglomeraciones... Todo contribuye para convertir algo que se supone es un lugar feliz en algo salido del infierno. A la sensación de desasosiego también contribuye que el film se rodó en blanco y negro (que tenía otra utilidad práctica para disimular cómo se consiguieron algunos planos). Los temas que trata son universales: la desestructuración de la familia, la crisis de la mediana edad y la deshumanización de las grandes corporaciones.

La película gana a medida que va avanzando, introduciendo más elementos absurdos, culminando en un clímax destinado a dejar perplejo al espectador. Por tanto, es un film que funciona más allá del gimmick de haber sido rodado en secreto en un famoso parque temático. Sin embargo, no es una película que recomendaría a todo el mundo, por su peculiar sentido del humor, un pelín lynchniano.


6 feb. 2019

La LEGO película 2 (The Lego Movie 2: The Second Part)

 
Acaba de publicarse mi crítica de la recomendable La LEGO película 2 (The Lego Movie 2: The Second Part, Mike Mitchell, 2019) en Underbrain Mgz, que podéis leer clicando en:


Divertida y muy entretenida, si os gustó la primera disfrutaréis enormemente con esta nueva entrega, igualmente recomendada a los que disfruten con el humor referencial y los toques meta.