Dos cosas: el título en castellano es absurdo y esta es la película de espías que te podrías esperar del director de Species (Especie Mortal) (Species, 1995).
Negociador (2014) es una muy interesante película de Borja Cobeaga de la que acaba de publicarse la crítica que he hecho de ella en Underbrain Mgz. Podéis leerla clicando aquí:
Esto es canela fina, gente. Un ex combatiente de Vietnam que se lía a partir por la mitad mafiosos con su catana. Es El samurái negro (Death Force, Cirio H. Santiago, 1978) y no está para bromas.
Doug (James Iglehart), Morelli (Carmen Argenziano) y McGee (Leon Isaac) son tres amigos que se preparan para volver a casa al terminar la guerra de Vietnam. Un negocio de drogas planeado por Morelli les permite volver con los bolsillos llenos. Doug planea regresar con su esposa, conocer a su recién nacido hijo y llevar una tranquila y agradable vida lejos del combate. Los planes de Morelli, sin embargo, van en la dirección opuesta: aprovechar al máximo los contactos hechos para iniciar su propia banda mafiosa. McGee no sabe qué hacer con su vida, así que Morelli le convence para matar a Doug, que podría denunciarlos a la policía en casa si Morelli lleva adelante sus planes de crear una banda mafiosa. En el barco de regreso, Morelli y McGee intentan matar a Doug cortándole la garganta y lanzándolo por la borda. Los dos lo dan por muerto y siguen el viaje tranquilamente. Pero Doug ha sobrevivido y acaba en una isla donde viven dos combatientes japoneses que creen que la II Guerra Mundial todavía no ha terminado. Los soldados japoneses le enseñan a Doug el código del samurái y el arte de la lucha con la espada, además de artes marciales. Paralelamente, Morelli y McGee se van haciendo con el control de las bandas de Los Ángeles y muy pronto se convierten en la mafia más poderosa de la ciudad. Además, McGee intenta por todos los medios hacerse a la esposa de Doug. Cuando éste por fin consiga salir de la isla, llegará la hora de la venganza.
Conocida también como Fighting Mad y distribuida también con diversos metrajes, la versión que yo he visto de esta película llevaba por título Vengeance Is Mine y dura nada menos que 110 minutos (cuarenta más que la versión más conocida: Death Force), aunque en la carátula del DVD aparece como Death Force. Intuyo que la versión que yo vi era la original de Cirio H. Santiago que luego fue recortada y retitulada por la distribuidora en Estados Unidos. Durante los 70, distintas distribuidoras financiaron películas en Filipinas, aprovechando que con poco dinero se podían hacer películas con mucho valor de producción, y El samurái negro es una de ellas.
Disfruté enormemente con esta película. El contraste entre Doug en la isla con los japoneses y Morelli y McGee haciéndose con el control de la ciudad resulta interesante, ya que esto hace que la batalla entre Doug y los hombres que le traicionaron resulte más épica. Por supuesto, la razón principal para ver la película es la venganza de Doug, que se va deshaciendo de enemigos a catanazo limpio, lo que provoca la extrañeza y asombro entre los mafiosos. Al respecto me hizo gracia un momento en el que, al principio, Morelli y McGee creen que se trata de una banda japonesa la que los ataca y cuando van al jefe de los yakuzas a pedirle explicaciones les dice: "¿Estáis locos? Si yo fuera por la calle con una espada me pegarían un tiro al cabo de cinco minutos". Lo cual llama la atención sobre lo deliciosamente absurda que es la película, haciéndola aún más entretenida.
Desde luego, si no os gustan las cintas que mezclan artes marciales, blaxpoitation y la clásica historia de venganza al más puro estilo setentero, El samurái negro no es para vosotros. Pero, ¿a quién no le va a gustar una peli que mezcla artes marciales, blaxpoitation y la clásica historia de venganza al más puro estilo setentero? Si solo leyendo el argumento ya dan ganas de verla. Eso sí, el presupuesto era bastante pequeño, así que las cabezas cortadas y otras soluciones son poco creíbles, pero le añaden un bouquet especial al conjunto.
Recomendada a los que busquen alguna delicatessen que sea pura exploitation.
Cuando Young Adult se estrenó en el 2011, lo hacía al final del efecto
rebote adverso que generó Juno en
2007. Jason Reitman, director de Juno,
tuvo las cosas más fáciles, y pudo seguir con su trabajo tranquilamente, pero
Diablo Cody, la guionista de Juno, no
lo tuvo tan fácil ya que el foco mediático se centró más en ella. Como
consecuencia, la excelente Jennifer’s
Body (Karyn Kusama, 2009) fue atacada por la reacción adversa hacia Cody
(sin olvidarnos de Megan Fox, que traía consigo su propia reacción adversa
después de ser explotada como portada de infinidad de revistas). Así que cuando
los responsables de Juno, su director
y su guionista, volvieron a trabajar juntos de nuevo en Young Adult, mucha gente se predispuso contra la película. Y,
efectivamente, cuando Young Adult se
estrenó no tuvo mucha suerte en taquilla.
Pero creo que la razón por la que
Young Adult no funcionó en su momento
va más allá de la simple irritación que provoca en muchas personas la
popularidad y un entusiasmo exagerado, algo de lo que mucha gente que iba al
cine no era consciente en realidad, sino que se debe al hecho de que es una
película que nos muestra lo peor de nosotros mismos y lo hace sin miedo, sin
redención, sin ninguna valiosa lección al final. Y eso es algo que puede
resultar incómodo.
Los primeros minutos de la
película nos presentan a nuestra protagonista, Mavis Gary, una excelente
Charlize Theron, en su apartamento. Aparte de programas basura en la
televisión, lo único que se oye en el apartamento de Mavis es el desolador
aullido del viento, aumentando la sensación de vacío y desesperación que emana
de Mavis. A medida que avance la película conoceremos las razones por las que
nuestra protagonista se siente deprimida, desorientada y vacía, además de su
propio egoísmo narcisista. También veremos que es una persona inmadura, egoísta
y, posiblemente, alcohólica (como confiesa a sus padres en un momento de
inédita honestidad). Como única salida del pozo emocional en el que se
encuentra metida, Mavis decide volver a su ciudad natal y reconquistar a su
antiguo amor de instituto, Buddy Slade, al cual da vida Patrick Wilson. Un
argumento que recuerda a comedias románticas como La boda de mi mejor amigo (MyBest Friend’s Wedding, P.J. Hogan, 1997), pero la ejecución de Young Adult no podría estar más lejos de
la comedia romántica. No solo por su mezcla de comedia y drama, también por
como subvierte los momentos clásicos de este tipo de comedia, como sería el
típico enfrentamiento final entre las rivales en el amor, para desesperación de
la propia Mavis. Además, cuando empiezan a salir los títulos de crédito, queda
claro que Mavis no ha aprendido nada y seguirá su camino de autodestrucción.
Por lo tanto, nos encontramos con
una película que en lugar de seguir el camino típico, en la cual el
protagonista que va por el mal camino acabaría redimido a los ojos del
espectador (como sucede en la mencionada La
boda de mi mejor amigo), deja al espectador sin esa sensación de confort,
de esperanza. Porque Mavis somos nosotros en un mal día. Mavis somos nosotros
después de una mala ruptura sentimental. Mavis somos nosotros cuando nos
sentimos deprimidos (no clínicamente deprimidos) y pensamos que todo el mundo
es idiota menos nosotros y qué injusta es la vida. Y hay mucha gente que no le
gusta que le recuerden que tiene una Mavis dentro, porque Mavis es un personaje
desagradable (aunque por eso nos hace reír).
Pero si uno es capaz de aceptar esa parte de sí mismo y abrazarla (sin
dejar que le domine, ya hay bastante gente que es así suelta por ahí), es
posible que disfrute con Young Adult
y su humor ácido y negro. Una película que es a la comedia, lo que los Ramones
a la música. Por eso, desde aquí reivindico esta película. Porque yo también he
tenido algún momento Mavis (por fortuna, no demasiados).
Este artículo tiene como objetivo mostrar cuáles son los principales elementos que hacen de Maps to the Stars (2014) una auténtica película de David Cronenberg para que os sirva de guía cuando la veáis. Si queréis leer una crítica sobre la película, donde se trate solamente su valor cinematográfico, podéis leer la crítica que he escrito para Underbrain Mgz clicando aquí:
Cronenberg tiene la virtud de que incluso cuando rueda proyectos basados en novelas, obras de teatro o filma guiones ajenos, estos encajan siempre a la perfección con sus propios intereses. De modo que todo su corpus cinematográfico es muy sólido aunque no siempre partiera de él la génesis del proyecto. Hay dos temas clave en su obra que nos encontramos repetidos constantemente, aunque de diferente forma, y que nos encontramos también en Maps to the Stars. Uno es la fascinación del director por las subculturas y los grupos sociales con sus propias normas; el otro, más importante, es la noción que dentro de nosotros (de nuestro cuerpo) albergamos "las semillas de nuestra propia destrucción y en cualquier momento pueden germinar". Algo que, según el director, da miedo porque "no hay defensa contra ello, ni escapatoria" (según conta en una entrevista durante la promoción de La mosca [The Fly, 1986]).
Esta fascinación sobre como el cuerpo puede provocar nuestra propia destrucción fue evolucionando en la obra de Cronenberg, yendo, en cierto modo, de fuera a dentro. Es decir, en un principio esta noción se presentaba como una revolución del cuerpo que se manifiesta de forma destructiva. Es la parte de su obra que se centra más en el body horror, las películas con las que empezó a tener notoriedad. Pero a partir de Inseparables (Dead Ringers, 1988), se empieza a mostrar esta noción de forma más psicológica, como en la reciente Cosmopolis (2012).
En el caso de Maps to the Stars, la mayoria de los personajes llevan consigo las semillas de su propia destrucción. Es el caso de la joven Agatha, a la que da vida Mia Wasikowska, que al principio de la película aparece ocultando las cicatrices de su primer brote autodestructivo y cuyo viaje a Hollywood servirá como catalizador para la destrucción del resto de personajes. Es también el caso de la egoísta, tiránica y retorcida Havana Segrand, una fantástica Julianne Moore, cuya obsesión con su madre hará que se vea acosada de forma explícita por los fantasmas de su pasado. Y es el caso de la familia Weiss, cuya manera de tapar y reprimir el pasado será la clave de su destrucción.
Dentro de la familia Weiss, resulta interesante destacar el cabeza de familia, el doctor Stafford Weiss, interpretado por John Cusack. El doctor Weiss es una especia de gurú que se dedica a escribir libros de autoayuda y ejerce una curiosa terapia física con sus pacientes. Salvando las distancias entre ambos filmes, lo cierto es que recuerda bastante a personajes cronenbergianos como el doctor Raglan (Oliver Reed) que aparecía en Cromosoma 3 (The Brood, 1979).
El tono de Maps to the Stars es bastante parecido al de Cosmopolis, en ambas películas se utiliza el humor negro y la sátira para reflejar un grupo social cerrado que actúa según sus propias reglas. Como ya he indicado, este tipo de observación es típica de Cronenberg, que ya mostraba su fascinación por las subculturas en Fast Company (1979), y en el caso de Maps to the Stars esta mirada se dirige a la selva hollywoodiense. Por supuesto, esta observación se hace a través de personajes profundamente disfuncionales, de modo que se hace un retrato que no está muy alejado del Bret Easton Ellis de sus buenos tiempos.
Espero que este artículo os haya ayudado a entender un poco mejor Maps to the Stars y os haya aclarado que es lo que hace de ella una película puramente cronenbergiana.
